#пятничныйстарт с насущными вопросами от Кэрри

В пространстве Салон Красоты с 10 апреля по 4 мая идёт выставка Défilé, в которой Цветы Джонджоли и Наташа Крымская превращают треск и шум в новый «язык одежды» — абстрактный камуфляж, свободный от любых социальных «флагов».

«Доведя треск до чистоты, я получу не что иное, как символ… — часть камуфляжного паттерна, способного к масштабированию и разрастанию», — пишет куратор проекта Роман Круглов. В проекте Lo-Fi-записи, коллажи и наслоения образов работают не на чёткое сообщение, а на размытое поле для самостоятельного чтения.

Даты: 10.04.25 — 04.05.25
Адрес: Санкт-Петербург, Набережная Фонтанки, 84
Посещение по слотам: актуальное расписание будет публиковаться в соцсетях @salonkrasoty_space

В пасхальный воскресный день я готовилась к стандартному рабочему дню с заученным диалогом о современных инсталляциях. К счастью, обошлось: ко мне в ресторан (именно в музейный ресторан, где мы случайно устраиваем медиации) заявилась дама «от нечего делать» и с огорчением констатировала: «Все места заняты, даже бар! Я же специально пришла пообедать». Lucky for her, если догадливые посетители ресторана LULU поднимутся на второй этаж нашего здания, там обнаружатся четыре выставки и десять залов, доверху захламленных совр искусством.

Благодарю вас, дорогие музейные рестораны, за то, что так изящно повышаете посещаемость наших лекций и медиаций — даже когда публика в нас совершенно не нуждается.

Музей Hammer | 20 апреля
Лиза, автор ST. ART

«Дорогая, если хочешь помыть посуду, пока я готовлю ужин…» — и вот вы уже глубоко погружены в диалоги высокой контекстности, где каждое «нет, не хочу» превращается в философскую миниатюру. В Италии умение сказать много, не сказав ни слова напрямую, ценится куда выше, чем честность: за паузой кроется драматургия, а за жестом — целая опера чувств. Здесь даже простое «привет» требует перевода, а капучино за соседним столиком шепчет больше, чем газетная колонка. Добро пожаловать в мир, где фраза о мытье тарелок способна заставить вас задуматься о смысле жизни (и о том, кто сегодня будет грузить посудомоечную машину).

Что скрывается за итальянским вздохом, когда вы просто спрашиваете дорогу? Как понять: вы действительно приглашены на ужин или вас просто вежливо «пригласили»? Подробнее об этом расскажет Оксана Дубовик

в ее специальном обзоре
для ST. ART

#стартнедели

Работы: Vladislav Markov

Дайджест главных материалов ST.ART этого месяца. В нашей подборке — только самое важное, спорное и вдохновляющее.

🔹 Культура общения в Италии строится на подтекстах: намеках, аллюзиях и полутонах. Она выражается через интонацию, мимику, жесты и зависит от контекста взаимодействия. Важно не то, что сказано, а как это сказано. Подробнее об этом — в нашем материале.

🔹 Выход есть! Осенью 2024 года в Марьиной Роще открылось пространство с простым названием «Гэлери». С тех пор на этой площадке, принадлежащей художнику Леониду Костину, прошло как минимум пять событий, включая три выставки. А подробнее об этом в нашем материале.

🔹 Наша «таблетка» красоты — не секретная разработка, а доступный каждому искусственный интеллект. Благодаря ИИ больше не нужно скачивать отдельные приложения для ретуши: нейросети легко создают идеальные образы. К чему это приведёт? Читайте об этом в нашем материале.

🔹 Шедевры мировой живописи часто вдохновляют режиссёров, которые цитируют их в своих фильмах. Эти отсылки застают зрителя врасплох — словно тени забытых полотен, обретшие плоть и кровь.
О возрождении живописи в кинематографе — здесь.

Искусство сближает — особенно когда между вами не awkward silence, а звуковая инсталляция в ГЭС-2. Сегодня говорим на вечную тему: как сделать свидание идеальным, особенно если вам повезло влюбиться в арт-фанатика.

По традиции — делитесь любимыми арт-локациями в комментариях, а мы обязательно все прочитаем и выберем лучшие 🤍

Почему в эпоху коллабораций QR-коды и принты на футболках больше не работают?

В 90-е многие корпорации получили возможность повысить свою репутацию благодаря громким партнёрствам с музеями. Если раньше меценатство было вопросом вкуса и личной инициативы состоятельных людей, то в тот период оно превратилось в часть масштабной пиар-стратегии.

С тех пор прошло три десятилетия, и сотрудничество брендов с музеями стало гораздо разнообразнее. Например, «Магнит» выпустил коллекцию сладостей, упаковку которых украшают работы Моне, де Хема и других мастеров мировой живописи. Идея, безусловно, симпатичная, но действительно ли такие проекты меняют восприятие искусства? Или это всего лишь ещё один маркетинговый ход?

Подробнее об этом — в авторском эссе Анны Азенс для ST.ART.

#стартнедели

работы: VLADISLAV MARKOV

Мы привыкли видеть Китай через призму прошлого — изысканные ткани, фарфор, каллиграфия. Но что происходит с китайским искусством сегодня?

В нашей подборке сегодня — 5 современных художников, которые по-своему переосмыслили культурное наследие Китая и вывели его за привычные рамки.

Кто из них зацепил вас зацепил? Делитесь в комментариях!

11 апреля в Санкт-Петербурге пройдёт дискуссия «Перспективы фиджитал трансформации в культуре и искусстве» — встреча для тех, кто следит за тенденциями на пересечении арта и технологий.

В фиджитал-галерее «Охра» соберутся художники, кураторы и теоретики, чтобы обсудить цифровое искусство, его эволюцию и вызовы, с которыми сталкиваются медиа-художники сегодня — от недостатка институциональной поддержки до технических экспериментов с нейросетями, AR/VR и AI.

В разговоре примут участие:
— Роман Ницык (основатель галереи «Охра»)
— Ксения Макаренко (художница, искусствовед, кураторка)
— Максим Свищев и Андрей Свибович (медиа-художники)
— Ольга Аршанская (продюсер, директор международного фестиваля «Ночь света» в Гатчине)
— модерация — Катя Михатова (искусствовед, kzgallery)

Формат открытый, живая дискуссия. Участники смогут не только послушать спикеров, но и ознакомиться с Art-XR работами резидентов галереи.

Адрес: Санкт-Петербург, Кожевенная линия, 30 (м. Горный институт)
Сбор гостей: 18:30

Вход свободный по регистрации

Художники всегда сталкивались с непониманием, отрицанием или нападками на свои работы. И это неудивительно — художник создаёт что-то новое, а новое всегда сложно для восприятия.

Со стороны может показаться, что церковные произведения искусства никогда не подвергались массовой критике, так как оставались неизменными и «традиционными» в глазах общественности на протяжении многих веков. Для исторически укорененного в традиционализме института церкви даже малейшее изменение общепринятой нормы — огромный шаг и, в отличие от искусства светского, уже привыкшего к эпатажу, здесь градус непонимания или возмущения при виде нового прочтения повышается в разы.

Почему мы так легко принимаем новаторство в галерее, но спотыкаемся об него в храме? Может ли религиозное искусство быть современным и смелым, или ему по-прежнему отводится роль «вечного и неизменного»?

Об этом расскажет Игорь Каплун в своем авторском материале для ST.ART

#стартнедели

Работы: Sula Bermudez-Silverman

#sundaystart

Стрит-арт в Петербурге — это и бунт, и поэзия, и уличная философия. Здесь художникам приходится договариваться не только с городом, но и с законами, которые охраняют его фасады.

Мы собрали 5 имен, без которых сложно представить питерские улицы сегодня — от эпоксидных фруктов до классической живописи в урбанистическом контексте. Кто-то работает с иронией и текстом, кто-то — с текстурой ландшафта, но все они создают город, который говорит.

Сохраняй, чтобы не потерять, и пиши, кого бы ты добавил в список 👇

Как бы ты описал(а) свою пятницу, если бы был(а) картиной?

Неделя выжала всех: кто-то уже поплыл, кто-то распадается на мазки, а кто-то просто висит и не отвечает.

Мы собрали пять состояний, в которых можно зависнуть под конец недели :) Узнали себя? Голосуем — или предлагаем свою картину-манифест пятницы в комменты.

В петербургском «Стрит-арт хранении» первая интервенция — выставочный проект «13» от московской галереи Ruarts совместно с Inloco.

Выставка чёртовой дюжины московских художников не похожа на обычные выставочные проекты «Стрит-арт хранения»: никаких экспедиций и регионов — только обмен. В Ruarts — Никита Dusto, в «Стрит-арт хранении» — Ruarts.

Москвичи привезли срез самих себя, и он получился довольно разнообразный и даже разномастный. Несмотря на то, что все художники-участники добились институционального признания, найти универсальный рецепт успеха на этой выставке вряд ли получится. Есть здесь и давно облюбованные городской администрацией, галереями и бизнесом Дмитрий Аске и Алексей Лука. Но есть и более «стритовые» художники: например, 0331с с его петроглифами в городской среде или Nootk с явным заигрыванием с классикой граффити — леттерингом и подобием кереков.

А ещё эта выставка — возможность посмотреть «Кабинет коллекционера» Inloco, где притаились жемчужины (точнее, стразы) Егора Giwe и тайник с графикой в розовом комоде.

Выставочный проект официально запускается 5 апреля. Посетить его можно будет до 10 мая в составе экскурсии или самостоятельно. Благо, сопровождающих материалов достаточно: у «Стрит-арт хранения» есть Telegram-бот, а Ruarts привезли каталоги, в которых художники заботливо отмечены закладками.

Художники: 0331с, Алексей Лука, Алексей Партола (PRTL), Кирилл Ашастин (Ashesteen), Гриша, Дмитрий Аскé, Иван Найнти, Илья Slak (Aesthetics group), Марат Morik, Егор Giwe, Nazar ISSUE, Nootk, Petro (Aesthetics group).

Билеты от 400 рублей — ищите на сайте «Стрит-арт хранения».

Репортаж Алины Пчелинцевой для ST. ART.

Мы спросили нашу команду, где они провели последние рабочие дни. Вот что вышло:

Юля (фото 1 и 2) – в библиотеке Иерусалима. Архитектура от Herzog & de Meuron стоит 2х часовой дороги до неё.

Оля (фото 3) – обожает коворкинг «Просто» в Петербурге. Индустриальная атмосфера + удобные рабочие зоны = идеальное место, чтобы писать сценарии для подкаста, готовиться к экзамену и даже делать фото на паспорт

Аня (фото 5) – в Вене, между экзаменами и интервью с Николаем Корьковым. Как всегда, балансирует на грани учебы и работы

Катя (фото 4) – активно готовится к пресс-конференции Ширин Нешат в библиотеке Bibliotheque municipale Lyon во Франции

Лиза (фото 6) – постоянно в движении и в другом часовом поясе. На фото – Сан-Диего, где она писала статью про нетворкинг в искусстве

Вывод: где бы мы ни были, нас объединяет одно – мы всегда находим, где поработать красиво и продуктивно :)

Крутые новости для ценителей уличного искусства: «Стрит-арт хранение» и галерея Ruarts совместно с Inloco открывают выставку «13».

В экспозицию войдут работы 13 художников Ruarts, среди них – 0331с, Алексей Лука, Алексей Партола (PRTL), Дмитрий Аск, Иван Найнти, Илья Slak и Petro (Aesthetics group), Марат Morik и другие. Проект станет срезом искусства московской «уличной волны» в пространстве петербургской арт-институции – своего рода точкой пересечения разных техник стрит арта, знаковых художников поколения и кураторского видения питерских ребят из САХ.

Дата: 5 апреля - 10 мая
Адрес: «Стрит-арт хранение» x Кабинет коллекционера Inloco, Санкт-Петербург, Севкабель Порт, Кожевенная линия, 40Е, 2 этаж, домофон 19# (САХ)

Когда-то посмертные маски были единственным способом зафиксировать облик умершего, но со временем они утратили свою актуальность – в том числе с появлением технологий фотографии. Теперь в современной культуре смерть чаще выносится за скобки: ее стараются игнорировать и прятать.

Посмертные маски наделены особенным символизмом в своей способности увековечить последнее впечатление о человеке. Это произведение искусства на границе природного и антропогенного, человеческого и спиритуального.

Как развивалась традиция создания посмертных масок и какое место она занимает в культуре сегодня расскажет Мария Исмайылова в своем авторском материале от ST. ART.

смотреть нельзя потрогать

пока не забыла, наткнулась в МоМА на смехотворное – крупные институции, этакие представители либеральной элиты, так из кожи вон лезут во имя горизонтального партиципаторного искусства – разумеется, волшебной пилюли от всех наших капиталистических бед, которая вот-вот докажет, какие мы умилительно-свободные – что обнажают свою главную уязвимость: лукавство. я не знаю, как можно в главный музей модернизма в стране на полном серьезе поставить работу Йоко Оно с названием "на эту работу нужно наступать" и обклеить свой умный кураторский текст о гениальности художницы знаками "не трогать" – и правда, не дай бог посетители возомнят из себя неизвестно кого и решат, что искусство может быть ближе, чем беглое прочтение скучной таблички и инстаграмная фотография на фоне Моне. непонятно, что это: слабоватая постирония на уровне выставочного поп-арта, лень и глупость музейщиков, или их убежденность в глупости зрителей. так или иначе, в контексте смыслов выглядит как самодеятельность куратора, безнадежно улетевшего в постмодернисткий астрал – и больше всего расстраивает, что он будет абсолютно прав: толпы не заметят. им вообще скорее всего будет глубоко наплевать и на какой-то неприметный квадратик от Йоко Оно, и на еле заметные глобусы Мангелоса – зато модные скульптуры из плюша, которые копирует каждый второй художник в США это да, на это отдельный зал и отдельный пост в запрещенную сеть.

меня это позабавило, но навело на любопытную мысль: а каково это художникам? в конце концов, процесс производства искусства, неважно, планируешь ты выставляться в МоМА или нет, подразумевает как какую-то подсознательную цель производство для институции и для зрителей. маловероятно, что выставляемые художники создавали свои работы на тему современной критики с целью никогда их не показывать большой аудитории. и тут возникает вопрос – результат, который мы видим, вся эта обклеенная дорогими знаками нелепица – возникает только ли из-за халатности институций и тупеющей интеллигенции, или является интегральным элементом непосредственно критики, художественной практики? глобус Мангелоса был сделан, чтобы его крутить, или чтобы потешаться над теми, кому это запрещено? кто тут смеется, а кто разочарованно разводит руками? надо спросить у Йоко Оно. но справедливости ради, хорошего партиципаторного искусства в крупных институциях стало правда не хватать – у нас в Хаммере, например, из последнего был только сад Рона Финли, в котором можно было гулять, и Blue Nile Эди Робертсон, работа, на которую нужно обязательно вставать ножками, чтобы услышать аудиоинсталляцию – и это уже ощущается, как что-то революционное – все из-за дурацкой сферы, нормализовавшей свою гиперэлитарную позицию.

start недели с ST. ART

работы: Daniel Turner

Как джаз повлиял на современное искусство? #sundaystart

Джаз перевернул музыкальный мир, а вместе с ним — искусство визуальное. Его ритмы, импровизация и свобода вдохновили художников на эксперименты, разрушая границы традиционных форм. И современное искусство не просто ценит этот стиль — оно впитывает его энергию и превращает в визуальные образы.

В карточках — пять художников, для которых джаз стал источником вдохновения. Листайте, изучайте, и делитесь своими любимыми джазовыми композициями в комментариях!

#закулисьеstart

Всю неделю наша коллега Екатерина Казакова готовилась к интервью с иранской художницей Ширин Нешат: изучала материалы, сидя в Bibliothèque municipale Lion, составляла вопросы и продумывала детали. И вот сегодня она наконец встретилась с героиней беседы в PAC Padiglione d'Arte Contemporanea в Италии, где открылась ее персональная выставка Body of Evidence!

Скоро поделимся интервью — следите за обновлениями! А пока — немного кадров рабочего процесса)

Фестиваль паблик-арта «Здесь тепло» в Кронштадте своим названием обещает весну, дружбу и любовь, но на деле оказывается тонкой игрой на контрастах.

Мэтры уличного искусства от Максима Имы до Абиха с его классическими титрами тщательно стараются вписаться в выверенную композицию Кронштадта – казалось бы, поддаваясь умилительно-нейтральному нарративу фестиваля. Однако инвазивная природа стрит арта, экспериментирующего с сайт-специфичностью, невольно заставляет зрителя задуматься: насколько пространство вокруг нас действительно нейтрально (Музей военно-морской славы, исторические локации Кронштадта, и даже море), а насколько уже запрограммировано на определённое восприятие?

«Беззубость» работ — осознанный выбор или вынужденная мера? И может ли современное искусство встроиться в официальный нарратив без потери остроты?

Подробнее об этом в репортаже Алины Пчелинцевой для ST. ART

Переобуваться – это у нас профессиональное:

Культурная индустрия сначала раздувает скандал, потом старательно раздувает угли, а потом переобувается в прыжке быстрее, чем блогерша переодевается для нового рилса. История с блогеркой в Эрмитаже — показательный кейс, как крупные СМИ и телеграм-каналы за секунду готовы сменить вектор, лишь бы было, что жевать. Сначала — громкие заявления о произволе смотрителей, потом — осуждение блогерки за хайп и ложь, «осознание», что музей, между прочим, вообще-то вправе не хотеть превращаться в бесплатную фотостудию, а затем полное выгорание темы и паническая гонка за следующим инфоповодом. Получается, «ты сегодня такой» – а завтра уже «совсем другой», про поддержку точки зрения масс. Хорошо, что через пару дней никто и не вспомнит.

Эта ситуация — очередное доказательство, как околокультурные медиа готовы растерзать любую институцию, если а) это даёт трафик, б) касается «безопасных» героев институции (сделать из смотрительниц цербер – это не их шефа показать кощеем бессмертным). Хотя в данной геолокации злодей очевиден, но геополитика велела молчание знать.

start недели с ST. ART

работы: Aura Rosenberg

Как zine-making стал частью массовой культуры? #sundaystart

Зины начинались как ксерокопированные манифесты панков, но со временем превратились в арт-объекты, исследовательские проекты и коллекционные издания. Сегодня их можно найти и в архиве MoMA, и на уличных раскладках независимых художников. Где проходит граница между самиздатом и галерейным искусством?

В карточках — история зинов от панков до музеев и их эволюция в цифровую эпоху. Листайте, читайте, и делитесь в комментариях: какой зинформат вам ближе?

🎭 Какое современное искусство бесит сильнее всего?

Современное искусство – бесконечный эксперимент, но порой кажется, что экспериментируют уже на зрителях. Некоторые работы поражают воображение, другие вызывают бурные дискуссии, а есть те, от которых хочется только закатить глаза и мысленно спросить: «Серьёзно?».

А какие художественные приёмы или жанры раздражают больше всего вас? Голосуем, спорим, рассуждаем, но помним: искусство нас всех переживёт!

В пространстве Салон Красоты 12 марта открылась персональная выставка Екатерины Бердюгиной «Колыбельная медведицы»
 
«Привилегией человека, но лишь в определенной мере, является то, что он может создавать миры и иметь по меньшей мере иллюзию, что он может вырваться из своего Umwelt»
– Ален Бертоз

Мы не можем охватить мир одним взглядом или оказаться в нескольких местах сразу. В цифровую эпоху это кажется возможным: скроллинг переносит нас сквозь пространства, но оставляет лишь фрагменты без сопереживания.

Выходом может стать обращение к миру организмов. Тело «другого» ближе нашему сенсомоторному восприятию, чем любой поток данных. Синхронизация с животным позволяет преодолеть разрыв, расширяя границы восприятия. Колыбельная для своего сознания: усыпляющая, убаюкивающая его в попытке успокоить, уберечь от понимания несбыточности.

Даты: 12.03 — 04.04.25
Адрес: Санкт-Петербург, Набережная Фонтанки, 84

Посещение по слотам: актуальное расписание будет публиковаться в соцсетях @salonkrasoty_space

Как музеи меняют взгляд на культуру?

Изначально музеи создавались как элитарные институты и воспринимались обществом как хранилища знаний и реликвий, доступ к которым был исключительно у высшего общества. Однако, с середины XX музей постепенно начал трансформироваться в место для обмена смыслами.


Как меняется музейная культура с течением времени и какие социальные факторы на это влияют? Об этом подробнее в авторском эссе Анны Азенс для ST.ART

start недели с ST. ART

работы: Alexander Calder

Скульптура уже не та?! #sundaystart

Скульптура прошлого — это бронза, мрамор, классика. А теперь? Биологические процессы, звук, ткань, видео... Граница между скульптурой и инсталляцией размывается — или её вообще больше нет?

Мы собрали подборку неожиданных материалов, которые изменили современную скульптуру. Читайте карточки и решайте сами: это всё ещё скульптура или уже что-то новое?

Какая из работ вам больше всего зашла? Пишите в комментарии!