ПРОПОРЦИИ В СЮЖЕТЕ
Вспомним математику. В школе мы учили что-то об обратной пропорциональности, где чем меньше значение X, тем больше значение Y. И наоборот. На красивых графиках мы могли видеть красивую кривую, которую называют гиперболой.
Этот математический подход пригодится нам в случаях, когда мы размышляем о сериале.
И вот вам определение идеального (гиперболического) подхода к пропорциям в сюжете:

Чем больше основных героев в нашем сериале – тем в среднем меньше новых локаций нам нужно в серии. Чем больше новых локаций мы обходим в каждой серии – тем меньше основных героев в серии нам нужно.

Если мы путешествуем по островам, по планетам, по разным мирам – чтобы зритель не запутался – лучше оставить его в группе проводников по этим мирам. Один-два-три персонажа, возможно, экипаж корабля, или бродячая труппа артистов, возможно, семья – путешествует из точки в точку.

Если у нас много чудных героев – то сам по себе рассказ про них самодостаточен и локации можно менять пореже.

Оговорюсь, никто не отменяет конечно огромные вселенные и кинороманы. Но все же если будет выбор – рассказывать о куче миров с помощью кучи персонажей или все же выработать какой-то подход – я рекомендую опираться на эти два принципа, чтобы сюжет был гармоничным, пропорциональным тому вниманию, которое способен ухватить зритель за серию.

Пара примеров.
Два персонажа Рик и Морти путешествуют по куче миров.
Деревня «Смурфиков», в которой бесконечное число приключений у большого числа смурфов.

ВЫ В ОТВЕТЕ ПЕРЕД ФАНАТАМИ ЗА ВСЕЛЕННЫЕ, КОТОРЫЕ ПОСТРОИЛИ
Последние годы фанатские сообщества бурлят из-за вольных экранизаций важных киновселенных, в которых легко меняют внешний вид ключевых героев. Хочу объяснить кое-что не с точки зрения повесток, политики, консерватизма, трендов или чего либо еще, а с точки зрения автора, что делается неверно и как можно и нужно подобных скандалов избегать.

1.
Для начала базовое. Это прекрасно, что люди могут полюбить какое-то произведение. Создатели сами (их никто об этом не просил!!!) создают интересные образы главных героев, эти образы зрители начинают любить. Авторы запечетлевают в наших сердцах главных героев и не удивительно, что все последующие продолжения, всё развитие любимой фанатами вселенной должно происходить органично. Авторы обязаны сохранять ключевые сюжетные линии и сохранять образы главных героев.
И здесь ключевое – к персонажам-людям это тоже относится!!! Вы не можете сделать огромного золотого дракона в первых двух фильмах, а потом на голубом глазу этим же персонажем в третьем фильме сделать зеленого слона.
И сейчас я произнесу прямо и четко. В рамках одной вселенной нельзя менять пол, расу, ролевую модель ключевых героев – если только в рамках вселенной не заложена такая возможность.

И если это вы все же делаете, если нарушаете свою же созданную вселенную – не удивляйтесь, что зритель раздражен. Он раздражен не из-за предвзятости к полам или к расам, а только из-за того, что вы как автор, нарушили базовый канон и плохо сделали свою работу, поломав сложенные ВАМИ ЖЕ образы.

2.
Заметили, я оговорился о рамках вселенной? Смотрите, во вселенной Марвел придумали, например, все эти параллельные вселенные, временные линии. И все норм. Локи может быть и таким и сяким, в зависимости от того, в какой из временных линий и вселенных он находится. Все в рамках канона. Никто не против Локи любого вида.
Но!!! Но когда Локи возвращается в стартовую вселенную – его базовый образ остается таким, к которому мы привыкли (и дело тут не в актере, а в персонаже в данном случае).
Если начать менять Локи в базовой вселенной – это поломает в т.ч. и концепт всех этих временных линий.

4.
Так что же, не делать новых экранизаций?
А вот тут самое интересное. Новая студия, новая экранизация, новый режиссер имеет полное право начать строить СВОЮ вселенную с НОВЫМ каноном.
Вспомним «Маугли». В советской версии Багира – пантера, женский персонаж. Согласитесь, в рамках этой вселенной тяжело с легкостью поменять этого персонажа. В то время как диснеевский «Маугли» остался в рамках киплинговского видения Багиры, но при этом наворотил собственного джазового веселья.
Или советский «Винни Пух». В нашем каноне обошлись без Кристофера Роберта. Причем настолько хорошо без него обошлись, что я с трудом верю, что в России хотя бы одна киновселенная Винни Пуха сможет с этим Кристофером состояться.
Но ведь нарушили книжный канон? Да.
А вот киноканон, выходит, нет, не нарушали. Т.к. у киновселенных своя сила. Они имеют возможность не обязательно строиться на книжных вселенных. Сразу здесь замечу, что при этом фанаты книжных вселенных вполне могут, имеют полное право злиться, если эти киновселенные правила книжных вселенных нарушили.

5.
Каков же идеальный путь?
На мой взгляд лучший путь – органически продолжать кино-, игро- и книжные вселенные, создавая хорошие продукты, не ломая канонов внутри них.
Но это пожелание. А вот не пожелание, а аксиома – киновселенные ломать нельзя никогда. Если хочется создать свое новое видение истории – создавай новую киновселенную. Никто не будет против, может иногда получиться и лучше, чем было.

6.
Такое вот размышление с точки зрения именно строительства киновселенных.

ОШИБКА 6. Самопрезентационная
Интересный момент, что в текстовой заявке как-то не принято писать об авторе. Наверное, этот документ обычно присылают отдельно. А вот в заявке-презентации все же об авторе (или о команде) есть смысл добавить страничку.
В ней лучше писать только то, что выгодно вас представит. И то, что может придать вес вашей заявке (например, если вы эколог и подаете заявку на сериал с экотематикой – это будет в плюс, а если вы в качестве хобби собираете головы редких животных на охоте – в минус).

Конечно, в заявке еще важно качество идеи, текста, но не все сразу. Поначалу хотя бы надо постараться не делать ключевых ошибок.

ГЛАВНЫЕ ОШИБКИ В ЗАЯВКАХ
За последние годы через мои руки (и во время работы внутри студий, и вне) прошли сотни заявок на анимационные сериалы. К сожалению, во многих-многих заявках есть стандартные ошибки, на которые сразу же реагируют в отрицательном смысле редакции студий.
Сразу скажем, что я буду говорить сразу и о заявках текстовых и о заявках в виде презентаций.

ОШИБКА 1. Форматная
Этот тип ошибок в реальности не так и страшен. Если идея хороша – на эти ошибки могут и закрыть глаза. Но все же эти ошибки мгновенно показывают – есть ли опыт у сценариста в анимации, или он еще новичок.
Речь о первом блоке заявки, где описывается хронометраж серии, количество серий в сезоне, жанр, целевая аудитория, построение сериала (вертикальный/горизонтальный), технология.
Сложившиеся на рынке формальные параметры анимационных сериалов надо знать. Сложившиеся на российском рынке.

ОШИБКА 2. Описательная
Заявка – первый текст, который вы предлагаете студии. Если вы в заявке не можете четко изложить свою мысль, то как вы можете утверждать, что сможете четко излагать мысли в сценариях?
Заявка – это последовательный, грамотный, связный, привлекающий внимание рассказ о вашем сериале. Разбитый на блоки. Лаконичный. И при этом дающий достаточную картину происходящего в сюжете. Описывающий главных героев самыми яркими и при этом наименее растянутыми описаниями.
Никто не будет читать вашу заявку на много страниц. Или заявку, в которой будет слишком много воды.
В текстовой заявке постарайтесь удержаться в районе 10-15 (можно меньше!) страниц, а в презентации в районе 10-15 (можно меньше!) слайдов.
Если есть дополнительные материалы – трейлеры, сценарии, синопсисы – все это можно обозначить, как дополнительные материалы, которые у вас есть и которые вы можете предоставить в плюс к презентации.

ОШИБКА 3. Продуктовая
Обидно, если ваша идея слишком совпадет с уже существующими на рынке проектами. Редактора и креативные продюсеры студий скорее всего лучше вас знают рынок и точно узнают, что ваш проект слишком похож на что-то уже идущее в эфире, а значит – не пропустят ваш проект далее.
Этот момент будет говорить о вас как о сценаристе, который не провел предварительную работу и не отстроил свой проект от конкурентов.
Вы точно должны понимать вашу целевую аудиторию. Вы должны видеть конкурентное окружение. И описать четко и явно в заявке, чем ваш сериал отличается, что в нем уникального, какая фишка есть у вас, которая выделит сериал на рынке.
При этом вы должны выделить в заявке и те сильные стороны, которые может быть являются трендами на рынке и убедят студию в том, что вы принесли не только что-то авторское, но все же и что-то, что имеет примеры успеха среди зрителей и лицензиатов.

ОШИБКА 4. Сюжетная
Огромное число авторов в реальности не описывают в заявках сюжет сериала. Описывают мир. Описывают персонажей. Но не описывают (и, похоже, даже еще не придумали, не знают) движок серии, сериала, не понимают, про что будет история, какие в ней будут конфликты, как устроены взаимодействия между персонажами.
И поверьте – все редакторы на свете это мгновенно увидят. Увидят, что вам пришли в голову интересные персонажи и мир, но вы пока еще не придумали, что с этим со всем делать.

ОШИБКА 5. Жанровая
Значительное число авторов приносит заявку со словами «комедия» в описании жанра. А во всей заявке нет ни грамма, ни намека на юмор. Ни в конфликте нет юмора, ни в персонажах нет ничего комичного, ни в предлагаемых сюжетах.
Тоже ошибаются иногда и в жанрах «приключение» (забывают о приключениях, да-да), «фантастика» (мало собственно фантастики), «сказка» (как ни странно, могут подумать, что сказка это про ежиков, которые говорят в лесу, а меж тем в настоящей сказке все же еще и о добре и зле обычно говорится).
В жанрах образовательных научились почти не ошибаться.

КАК ПРОИСХОДИЛА ПРИЕМКА И ОПЛАТА АНИМАЦИОННОГО СЦЕНАРИЯ В СССР
Интересный документ, раскрывающий подход к приемке анимационного сценария в СССР.

Договор со сценаристом Леонидом Белокуровым на вторую часть мультфильма «Маугли». Хронометраж серии – 20 минут (2 части по 10 минут, если считать в десятиминутных кинопленках того времени). Источник: goskatalog.ru (тут вообще много интересного анимационного есть).

Мне понравилось, что в договоре была предусмотрена поэтапная приемка и выплата. При подписании договора автора выплачивали 25% гонорара, затем 10% при направлении первых правок (очевидно, после первой версии сценария), затем 15% гонорара при отправке второго пула правок после переделки. И после принятия сценария – 50% гонорара.

Забавно, что варианта принять сценарий сразу в любом случае не было.

Поэтапная приемка выглядит логично. Интересно, что и в советское время она настолько подробно расписывалась. Верные примечания в финале о том, почему сценарий может быть отклонен вовсе.

Из неожиданного для меня – на автора почему-то возлагалась необходимость прописать титры. Может быть, речь идет не о титрах съемочной группы, а о сюжетных титрах внутри фильма? Кто-то знает ответ?

UPD
А сроки-то!! 3 месяца на написание

ПРИТЧИ

Вполне пасхальный пост.
Примерно 17 лет назад я делал несколько проектов с ЦНФ. Один из них представлял собой необычный опыт работы для анимационного сценариста.

Режиссер Сергей Антонов работал над вот какой историей. Сохранились аудиозаписи, на которых (ушедший уже к тому времени) актер Иннокентий Смоктуновский зачитывал библейские притчи. И появилась идея создать анимационные фильмы с этим закадровым голосом.

Это был цикл из четырех библейских притч: «О добром самаритянине», «О сеятеле», «О заблудшем сыне» и «О потерянной овце».

Мне, как сценаристу, требовалось сделать сразу две сложных вещи – первое, создать сценарий по аудиозаписи, второе – бережно отнестись к первоисточнику (все же это была одна из первых, если вообще не первая анимация в России собственно по Библии).
Со своей частью работы я справился. Был уже создан аниматик, проведена основная работа. А далее случилось неожиданное. Оказалось, что Смоктуновский читал не по синодальному тексту Нового Завета, а по одному из более современных переводов. И именно на этот перевод был… знак копирайта. И не было никакой возможности оставить уникальную запись актера в фильме.

Пришлось сделать новую часть работы. Уже по созданному аниматику я сделал новый закадровый текст. И этот результат уже и стал финальным вариантом цикла.

Анимационный цикл «Библейские притчи» на мой взгляд получился корректно и хорошо, и до сих пор входит почти во все зрителями рекомендуемые подборки российских христианских мультфильмов. Но все же мне жаль, что именно голоса Смоктуновского услышать нет возможности.

У меня сохранился маленький фрагмент рабочих материалов с его голосом. Прикладываю к посту.

ПРИТЧИ

Вполне пасхальный пост.
Примерно 17 лет назад я делал несколько проектов с ЦНФ. Один из них представлял собой необычный опыт работы для анимационного сценариста.

Режиссер Сергей Антонов работал над вот какой историей. Сохранились аудиозаписи, на которых (ушедший уже к тому времени) актер Иннокентий Смоктуновский зачитывал библейские притчи. И появилась идея создать анимационные фильмы с этим закадровым голосом.

Это был цикл из четырех библейских притч: «О добром самаритянине», «О сеятеле», «О заблудшем сыне» и «О потерянной овце».

Мне, как сценаристу, требовалось сделать сразу две сложных вещи – первое, создать сценарий по аудиозаписи, второе – бережно отнестись к первоисточнику (все же это была одна из первых, если вообще не первая анимация в России собственно по Библии).
Со своей частью работы я справился. Был уже создан аниматик, проведена основная работа. А далее случилось неожиданное. Оказалось, что Смоктуновский читал не по синодальному тексту Нового Завета, а по одному из более современных переводов. И именно на этот перевод был… знак копирайта. И не было никакой возможности оставить уникальную запись актера в фильме.

Пришлось сделать новую часть работы. Уже по созданному аниматику я сделал новый закадровый текст. И этот результат уже и стал финальным вариантом цикла.

Анимационный цикл «Библейские притчи» на мой взгляд получился корректно и хорошо, и до сих пор входит почти во все зрителями рекомендуемые подборки российских христианских мультфильмов. Но все же мне жаль, что именно голоса Смоктуновского услышать нет возможности.

У меня сохранился маленький фрагмент рабочих материалов с его голосом. Прикладываю к посту.

ДЕЛАЕМ ИСТОРИЮ БОЛЕЕ АНИМАЦИОННОЙ

Подумаем о том, как в истории больше использовать возможности анимации.

Представим, что у вас история про Мужчину и его Кота. Вполне возможна история, где мужчина обычный и кот у него обычный. Каждый день мужчина заботится о своем наглом коте.

Но анимация дает нам возможность сделать историю более необычной. Например, кот может заговорить и вести себя как сосед главного героя. Мужчина уже не просто подает коту еду – он является фактически слугой для своего собственного кота, который им помыкает, дает заказы на все новые и новые работы по дому, покупки.

Мы преувеличили котика. Из четвероногого персонажа, ведущего себя, почти как настоящие коты, сделали его полноценным участником сюжета, со своими репликами, почти человеческим поведением. Такой прием, например, использовал Ник Парк в серии своих пластилиновых фильмов, где пес жил с изобретателем-инженером и вел себя как его сосед.

Невольно сложилась даже полноценная короткометражка.
Мужик пашет в офисе, его гоняет с невыполнимыми задаяами босс-начальник. Мужик приходит домой и его начинает гонять босс-кот.

Героем, спутником, боссом, антагонистом, другом главного героя-человека в анимации может стать что угодно: рыба, птица, рюкзак, сапоги, меч, книга, камень, дом, машина. Не для всех миров и не для всех историй это подойдет, но как минимум забывать о такой возможности на полную катушку использовать возможности анимации не стоит.

БУХГАЛТЕРИЯ ШУТОК
Есть интересный парадокс в комедийных сериалах. Команда серила может так влюбиться в своих героев, что начинает считать смешными серии, которые на самом деле не смешные.

Представим себе классический комедийный сериал, не построенный исключительно на гэгах (условно говоря, не «Том и Джерри» и не «Ну, погоди!»). Итак, классический комедийный сериал будет состоять из иногда случающихся гэгов, из некоторого количества диалоговых шуток или забавных реплик и из забавного гротескного поведения героев (ужимки, смешные личики, забавные звучки).
И вот вышла первая серия, вторая, третья. И где-то в районе пятнадцатой серии есть риск, что команда, загрузившись производством, начнет считать комедийной серию, где есть ужимки и личики, но нет гэгов, нет ни одного смешного диалога.

Как же быть?

Включить комедийную бухгалтерию и считать гэги и диалоговые шутки! Я не шучу. Банально посчитайте их в своей серии. И как только начнете считать – увидите, что их число, возможно, в процессе сезона снижается.

Понятно, что кто-то что-то гэгом или шуткой считает, а кто-то нет. Но если «бухгалтер» будет более-менее один и тот же человек – вы все же получите какую-то статистику, успеете увидеть проседание и сможете поправить свой сериал в сторону комедии, добавив недостающее число гэгов и шуток.

ГЛАВНЫЕ СОБЫТИЯ В ИСТОРИИ ОТЕЧЕСТВЕННОЙ КОММЕРЧЕСКОЙ АНИМАЦИИ (очень-очень субъективный топ)

Мы живем в череде премьер сериалов, полнометражных фильмов, франшиз. И иногда в потоке не вылавливаем новаторов, которые существенно меняют нашу индустрию, профессионалов, которые дают ей новое качество, студии и команды, которые вносят что-то новое.

Решил вывесить свой личный (и конечно глубоко субъективный) топ самых важных событий в коммерческой части современной российской анимации. На мой взгляд эти события повлияли, влияют, или будут влиять существенно на нашу индустрию. И о них важно знать, чтобы видеть общую картину.
Сразу оговорюсь, из этого топа полностью исключена авторская анимация, т.к. это другая тема.

Итак, вот этот топ (цифры не означают важности, они лишь для визуальной отбивки и нумерации пунктов).

1. ПЕРВАЯ ЧАСТНАЯ АНИМАЦИОННАЯ СТУДИЯ – «ПИЛОТ»
1988 год
«Пилот» доказал, что можно быть не государственным, можно зарабатывать, и при этом оставаться анимационной студией.

Важнейшие этапы внутри этого события:
- создание курсов аниматоров и режиссеров на «Пилоте» - отсюда выросла целая плеяда новых режиссеров и будущих руководителей российских анимационных проектов, да и вообще во многом сберегло анимацию как профессию в тяжелые для анимации девяностые
- создание продюсерского и фестивального и дистрибьюторского подразделения внутри студии – это тоже помогло вырастить новые имена, помогло независимой российской анимации попадать на международные рынки

2. МАСТЕРСКАЯ РЕЖИССЕРОВ АНИМАЦИИ ВО ВГИКЕ (1995 ГОД)
1995 год
Фантастика, но полноценное высшее образование анимационных режиссеров в стране стартовало лишь в 1995 году. (поплачусь лишний раз – еще бы для анимационных сценаристов что-то подобное было, но нам еще придется подождать, видимо)

3. ОТКРЫТЫЙ РОССИЙСКИЙ АНИМАЦИОННЫЙ ФЕСТИВАЛЬ (ТАРУСА, СУЗДАЛЬФЕСТ)
1996 год
Первое и главное место смотра всей российской анимации, от авторской и студенческой до коммерческой и прикладной.

4. ПЕРВЫЙ АНИМАЦИОННЫЙ МОКАП-ПРОЕКТ – ЧЕРДАЧОК БРАТЬЕВ ПИЛОТОВ
1997 год
Это событие тоже часть истории «Пилота», но оно повлияло на появлении и новой технологии и ряда новых анимационных профессий. Большое число современных российских сериалов, фильмов, игр, телевизионных шоу и вообще технология мокапа выросли отсюда.

5. «АЛЕША ПОПОВИЧ И ТУГАРИН ЗМЕЙ», ФРАНШИЗА О БОГАТЫРЯХ
2004 год
Полнометражное анимационное кино снимали и до этого фильма, но именно этот фильм все же вернул в зрителях веру в то, что можно сходить на российский анимационный полнометражный фильм всей семьей и всем будет интересно. Равно фильм стартовал первую российскую полнометражную кинофраншизу. Успешную, что важно.
То, что теперь есть полнометражное анимационное кино, которое окупается в прокате и далее в мерче – поворотная заслуга создателей Алеши.

6. СМЕШАРИКИ
2004 год
Первый полноценный российский сериал, да и первая настоящая анимационная франшиза. Франшиза вырастила еще и хороших анимационных маркетологов, пиарщиков, медиаменеджеров.
- выделю создание RIKI MUSIC, Рики одни из первых поняли, что музыка может давать не только качество анимационным проектам, но и сама по себе и продвигает их и приносит доход


7. ТЕЛЕКАНАЛ 2Х2
2007 год (конечно же, годом ставим старт телеканала как Первого анимационного)
Канал чуть-чуть опередил свое время. Хороший отечественный контент для подростков вот только-только начинает появляться. Но нельзя не отдать должное – канал успел не только познакомить нас с лучшими образцами мировой анимации, но сумел произвести и дать место первым «взрослым» российским сериалам.

8. МАША И МЕДВЕДЬ
2009 год
Первый успешный российский 3д сериал, который помимо успеха в родной стране, рискнул пойти на YouTube и найти там миллиардную аудиторию.

9. ТЕЛЕКАНАЛ «КАРУСЕЛЬ»
2010 год
По сути, примерно со старта «Карусели» появилась нормальная площадка для показа всего пула сериальной отечественной анимации для детей, которая ранее могла быть показана лишь в единственном окошке – в программе «Спокойной ночи, малыши».
Да, были телеканалы и до, но пожалуй именно «Карусель» заняла и правильную кнопку и взяла правильный формат. На долгие годы попадание в праймтайм «Карусели» стало заветным желанием всех анимационных команд.

10. АССОЦИАЦИЯ АНИМАЦИОННОГО КИНО
2012 год
Полноценная профессиональная анимационная ассоциация. Влияет на законодательные процессы, на образование в анимации, на развитие нашей индустрии в России и на ее шаги зарубежом.
Важный и хороший лоббист интересов анимационного сообщества.

11. СОЗДАНИЕ СТУДИИ «ПАРОВОЗ»
2014 год
Первая студия, поставившая на поток производство разных анимационных сериалов, для разных целевых аудиторий. По сути с этого момента появилось понимание, что есть студии, «сидящие» на одном-двух успешных сериалах, и есть студии, которые регулярно производят новые сериалы.

12. СИНИЙ ТРАКТОР
2014 год
«Синий трактор» доказал силу музыки в анимации. Также это хороший пример проекта, добравшегося до российского зрителя через соцсети и музыку более, чем собственно через анимацию. В общем-то, с этого момента стало понятно, что анимацию можно не только смотреть, но ее можно и просто слушать (и танцевать). Мамы отдыхают и аплодируют создателям. На плечах этого успеха выросло немало проектов.
Еще один интересный урок, который до сих пор не все выучили. Иногда лучше потратить деньги на хорошего поэта и композитора, чем на звезду или звездного блогера, которые поют плохие песни плохих поэтов и композиторов и мелькнут разок в новости, а потом и эта серия и эта скучная песня будет навеки похоронена в глубинах интернета.

13. КИТ сценарист
2014 год
Первая и до сих пор лучшая бесплатная (что важно!) профессиональная программа для сценаристов. Вы представить себе не можете, какой ужас и чехарду представляли собой сценарии до появления этой программы.
Теперь 1 страница = 1 минута уже почти стало правилом и в анимации.
Программа теперь изменилась, создатели вместо нее выпустили громоздкий и менее удобный для сценаристов Story Architect, но он хотя бы по-прежнему бесплатный, так что все еще бережет стандарты оформления сценариев.

14. «ПРОДЮСИРОВАНИЕ АНИМАЦИОННЫХ ФИЛЬМОВ»
2016 год
Б.А. Машковцев и П.К. Огурчиков – книга «Продюсирование анимационных фильмов».
Настольная книга всех анимационных продюсеров России. Первая на мой взгляд современная полноценная профессиональная учебная книга по анимационной профессии в стране.
(поплачусь опять – у режиссеров такой книги до сих пор нет, у сценаристов тоже, но я стараюсь ее дописать)
Еще раз. Я не про то, как снимать кино сто лет назад, а как снимать анимационное кино сегодня, сериалы сегодня, франшизы сегодня.

15. СОЗДАНИЕ БОЛЬШОГО СОЮЗМУЛЬТФИЛЬМА
2017 год
Союзмультфильм перевернул отношение к тому, какой должна быть современная студия. И сделал сразу несколько интересных вещей, которые тоже можно занести в эти этапы.
- начало новой жизни классики отечественной анимации (смотрите на весь мир – и Кинг Конг, и Тарзан, и Микки, и смурфики, и Астерикс с Обеликсом, и Спайдермен – никто не хоронит любимых героев, все поколения пытаются дать им жизнь, иногда удается лучше, иногда хуже, но все достаточно любят своих персонажей, чтобы не выкидывать их в пыльные подвалы забвения). И при этом создание новых оригинальных сериалов.
- рестарт корпуса авторской анимации и обучения режиссеров и сценаристов при студии
- появление мульпарков, тематических шоу и т.д. (еще не Дисней, но уже чем-то похоже)
- научная, музейная, архивная, издательская, кинодокументальная деятельность (отношу в топ коммерческого потому, что невозможно ничего индустриального без базовых знаний)
- первый успешный игровой фильм, вышедший из анимации – «Чебурашка», который стал еще и феноменом по сборам и запуск подобных проектов
- могу ошибаться, но кажется это и первая студия с хорошим магазином мерча в холле студии (тут очень жду ваших правок, вдруг кто-то был пораньше)

16. ИЗДАТЕЛЬСТВО «Bubble Comics». СЕРИАЛ «КРУТИКСЫ»
2021 год (пишу год премьеры «Крутиксов»).
Первая комикс-вселенная, которая сумела зрительски успешно прорваться на экраны – это вселенная комикс-издательства BUBBLE. И киношным «Майором Громом» и анимационным сериалом «Крутиксы» (выпущен на «Союзмультфильме», кстати).
Вне сомнений за некоторыми издательскими франшизами большое будущее. В том числе и у проектов BUBBLE.

17. СТУДИЯ ЯРКО
2021 год
«ЯРКО» на старте сделала несколько фундаментально правильных вещей. По сути – создала золотой стандарт работы современной анимационной студии.
- стала первой анимационной студией, в которой проекты запускались внутри большого девелопмента (или с проработкой девелопмента), при этом (это важно) в девелопменте как в структурной единице всегда участвовали три важных актора анимации: режиссер, арт-директор, сценарист
- стала первой анимационной студией, запустившей в качестве базового стандарта наличие шоураннера на анимационном проекте (буквально на всех стартовавших анимационных сериалах студии)
- активно применяет продуктовый подход
- хорошо отлажены процессы разработки, этапность, взаимодействие как внутри студии так и с подрядчиками
Если когда-нибудь ЯРКО решит издаст свои знаменитые таблички креативных и бизнес-процессов – это сильно повлияет на качество работы всей индустрии. Но и само соприкосновение многих с этим опытом, думаю, позитивно уже влияет на наше сообщество.


18. ДЕНЬ РОССИЙСКОЙ АНИМАЦИИ
2022 год
Да-да, профессиональный праздник появился вот только недавно. А предшествовали этому огромные усилия на самом деле поначалу немногих людей. Пришлось повлиять и на трудовое законодательство, на перечень профессий даже, чтобы появился у нас профессиональный свой праздник.

Наверное, лишь в 2022 году и завершился первый этап появления нашей индустрии. Зрелый возраст и новые этапы у нас все еще впереди.
Еще раз напоминаю, что это мой субъективный топ. То, что именно я считаю значимым (впрочем, надеюсь, что ничего не забыл).

Режиссеру, пилотовцу Константину Бронзиту сегодня 60 лет.

Я люблю шутить (и чуть ниже пошучу, конечно), но сейчас серьезно. Бронзит один из немногих отличных режиссеров, кто при этом еще и отличный сценарист. Обратите внимание на драматургию в его фильмах. Важно помнить, что старт вменяемой полнометражной российской анимации начался именно с его "Алеши Поповича", в котором он провел огромную работу по сценарной части. Хоть сегодня и получше дела обстоят, но до сих пор справиться с полнометражным анимационным кино могут считанные сценаристы и режиссеры. Ему пришлось стать первым и показать, как надо и как можно.
Особенно мне импонирует его любовь к юмору. И, заметим, к юмору хорошему.

Искренне поздравляю коллегу, родившемуся в День космонавтики.

Ниже наступило. Значит, пора шутить.

Я не раз рассказывал, что одно время по поручению Татарского на "Пилоте" я заведовал фильмотекой и перегоном всех фильмов на все возможные форматы. Как для рассылки на фестивали, так и для презентационно-подарочных целей.
На видеокассете с пилотовскими фильмами было четыре работы Константина Бронзита:
Тук-тук
Fare Well
Пустышка
Свичкрафт
И я смотрел эти фильмы столько раз, сколько, наверное, никто на планете Земля, включая автора этих фильмов. Так вот. Не буду лукавить, на той длинной крутейшей пилотовской кассете было несколько затянутых скучноватых работ. Но не эти четыре фильма.

Все авторы, бывшие на той кассете, оказали на меня ключевое влияние в плане опыта, любви к анимации.
Спасибо всем им, включая Константина Бронзита.

PS
Шутка не умещается в текст поста, придется ее написать как-нибудь в следующий раз.

ПЛОЩАДЬ РЕМЕСЛЕННИКОВ
Сценаристы, да и вообще аниматоры люди скромные. Иногда нам бывает трудно найти единомышленников, найти работу, рассказать о своих проектах.

И я подумал, а почему бы мне на денек не отодвинуться от своего блога и не предоставить место вам, мои читатели, коллеги, друзья.

Идея данного поста «площадь ремесленников» проста. Каждый из вас, кто захочет, может в комментариях:
- рассказать о себе
- показать свое портфолио
- рассказать о проектах, над которыми работаете и к которым хотите привлечь внимание коллег
- поискать кого-то для своего проекта
- или наоборот, поискать работу или проект
- может быть вы ведете интересный канал, связанный с анимацией или иными творческими темами, - тоже можно его тут отрекламировать
- может вы сделали хороший фильм, или написали интересную книгу и хотите ее экранизировать – тоже смело кидайте ссылочки

В общем, устроим небольшую площадь анимационных ремесленников. Вдруг кто-то найдет друг друга на ней и сделает прекрасный проект? Я буду только рад этому.

СЕГОДНЯ - ДЕНЬ РОССИЙСКОЙ АНИМАЦИИ
В кино, театре истории начинаются с чистого листа. Драматург печатает первую букву, вторую, третью… появляется слово, предложение, а затем и история, а затем и сценарий, пьеса.
В анимации тоже истории начинаются с чистого листа. Но иногда историю начинает драматург, а иногда и художник. Порою, первым появляется сценарий. Порою, первым появляется набросок героя, мира.
Художник и сценарист – два автора, сплетающихся в анимации воедино.
Художники редко дают возможность работать рядом. Одно дело – взглянуть на холст, и совсем иное – начать что-то там в нем домазюкивать. Я благодарен нашему теплому чудесному анимационному сообществу за то, что сценаристы тут в кои-то веки могут работать вместе с художниками (и те не против! а даже и за работать с нами!).
В итоге иногда (да почему иногда-то? пожалуй, даже и часто) нам вместе удается создавать прекрасные анимационные фильмы.
С праздником, друзья!

САМ СЕБЕ ДЕВЕЛОПМЕНТ/РАЗРАБОТКА

Сценарист = продавец. У него есть товар – его сценарий, или его проект. И нужно как-то придумать, как сценарий продать, кому продать, за сколько продать.
Если повезет, у сценариста есть агенты или агентство, и тогда продажа – их головная боль.

Но и в первом и во втором случае есть одна большая проблема. Если бы речь шла о реальном продукте, товаре – то любой продавец вначале бы изучил рынок и лишь потом бы стал создавать товар. У сценаристов частенько наоборот. Пишет идею и потом думает, куда бы и кому бы ее показать.

На мой взгляд постоянным умением современного автора должно быть умение брать на себя функцию отдела девелопмента (разработки) в анимационной студии. Конечно, полностью студию сам не заменишь, но кое-то каждый автор все же мог бы научиться делать.

1. Изучайте реалии рынка
Смотрите, какие проекты востребованы сейчас. Читайте пресс-релизы, интервью руководителей студий. Довольно часто они рассказывают о своих планах и о том, какие проекты планируют создавать.

2. (а это сложнее) Изучайте тренды
Анимация создается очень медленно. Так что «ловите ветры», включайте паучью авторскую чуйку. В идеале вы сегодня должны начать придумывать проект, который студии из-за мировых и российских трендов захотят создавать завтра.
Ориентиры здесь – свежие анимационные хиты проката или стримингов или из каких-то неожиданных мест вроде тик-тока, или игр, или музыки. Поглядывайте, что там в топах на прилавках книжных магазинов. Иногда даже мемы могут показать, что люди к чему-то новому устремлены, что-то их интересует.
Но тут поди угадай, конечно. Навык непростой. Есть, однако и тут простой способ предсказания будущего по крайней мере в сфере проектов с господдержкой. Государство обычно заранее объявляет темы господдержки. И пока все студии будут топтаться в нише темы «детство и материнство», поищите в сухих пунктах что-то, что теоретически может стать проектом и в чем студия найдет способ софинансирования.

3. Смотрите конкурентов, референсные проекты
Трезво после создания проекта сверьтесь с конкурентами по тематике и целевой аудитории, обращая внимание прежде всего на лидеров рынка и на свежие проекты.

4. Отстройтесь от них
Отстройтесь от похожих проектов настолько, чтобы обладать индивидуальностью, но не настолько, чтобы попасть в нишу рискованного проекта со слишком большим числом неизвестных.
Впрочем, полностью оригинальные идеи все же могут выстреливать. Но даже для них должно быть что-то осязаемое – например, пути монетизации.

5. Оцените лицензионный потенциал
Посмотрите на свой проект холодными глазами товароведа-лицензионщика. Что с персонажами? Яркие ли они? Что с локациями интересными? Можно ли сделать из них «лего-набор»? Что с аксессуарами? Будет ли во что играть детишкам?
Подтяните все, что проседает.

6. Оцените потенциал дистрибьюции
На какой канал можно будет продать ваш сериал? На какой стриминг? Есть ли вообще такой телеканал или стриминг на свете? Если нет – то у меня для вас не оптимистичные новости.

7. Оцените производственные затраты
Конечно, нельзя и невозможно сценаристу стать продюсером и все просчитать. Но хотя бы прикиньте, сколько у вас надо анимировать персонажей, сколько создавать локаций. И сколько всего этого в каждой серии.
Если много набирается – шансы для старта вашего проекта снижаются, т.к. вы банально увеличиваете стоимость секунды анимации.
Тогда я рекомендую вам как автору найти способ рассказать вашу историю более экономными путями.

То, что я перечислил выше, не такая уж и сложная вещь. И да, разработке (девелопменту) конечно и можно и нужно учиться. Но кое-что вполне можно пытаться научиться делать и самому.

НЕМНОГО ОФФТОП, НО НЕ ВПОЛНЕ

верю в силу соцсетей

коллеги, одному хорошему анимационному проекту нужен человек, который занимается сопровождением договоров и сделок с распределением долей (это важно) из кино-индустрии или анимации

если есть такой - отзовитесь плиз (комментарием или сообщением в личку)

+ раз уж ищу такого человека для своих коллег, сразу был бы рад попросить об интервью для моего канала, если такой человек найдется, т.к. темы распределения долей в нашей сфере все еще темный лес и это было бы интересно моим читателям

И ЕЩЕ О ТОМ, ПОЧЕМУ СЦЕНАРИСТУ ВАЖНО УМЕТЬ ПИСАТЬ СТИХИ

Много раз писал, каждый хороший сценарист должен как минимум средне уметь писать стихи.
По нескольким причинам
1. У вас может быть персонаж, который говорит стихами. Было бы обидно провалить сценарий только на этом этапе
2. Поэзия - сильный эмоциональный инструмент. Есть некоторые моменты в истории, которые могут быть раскрыты только через стихи: легенда, признание в любви, язык фэнтезийного существа и т.д.
3. Поэзия - высший пилотаж владения языком. На стихах проверяется ваш словарный запас, ваша грамотность, ваше знание ударений, ритма в речи.

Не волнуйтесь, если пока плохо пишете стихи. Здесь все работает так же, как в музыке, художественном ремесле, литературе - нужно много практики. Пишите, тренируйтесь, посматривайте на стили и приемы других поэтов – и все получится.

==
До старта первого комедийного апрельского интенсива всего один день!
https://masterkozyrev.ru/

upd
НАБОР ЗАКРЫТ!

О ЦЕННОСТИ ВЕРТИКАЛЬНЫХ СЕРИАЛОВ ДЛЯ ЗРИТЕЛЯ
Недавно на курсе по созданию анимационных сериалов я рассказывал о ценности вертикальных сериалов для зрителя. Хочу поделиться этими мыслями и с вами.

Все мы творческие люди, авторы. Мы конечно не любим рутину, не любим повторяться. Нам бы все время что-то новенькое, что-то такое эдакое сюжетно удивляющее. Чтобы всех удивить.
И на этой волне мы подчас не любим вертикальные сериалы. Тем ведь один и тот же движок, структура одинаковая, сюжеты примерно понятно в каком русле. Вроде бы – что там такого может быть интересно для нас – авторов?

Я хочу, чтобы мы посмотрели на сторону зрителя. Да и себя бы в роли зрителя вспомнили.
Вот мы дети. Приезжаем летом к бабушке в деревню. И там одна и та же бабушка, один и тот же дедушка, одна и та же Жучка на нас поначалу знает, а потом вспоминает нас. Одно и то же небо, одна и та же вечно холодная река. Одно и то же поле с пчелами. Одни и те же деревенские друзья. Но мы хотим окунуться в эту атмосферу. Это узнавание нас не пугает. Этот знакомый мир обнимает нас и мы чувствуем особую радость – мы приехали в деревню к нашей бабушке.

Мы приходим в ресторан. Заказываем любимое знакомое блюдо. Мы не ожидаем, что повар захочет нас удивить и вместо любимого нами борща принесет нечто иное. Есть иногда желание попробовать что-то новое, но нам важно, чтобы в меню было что-то, что мы знаем.

Мы садимся перед телевизором и включаем «Друзей», «Симпсонов», «Твин Пикс», чтобы погрузиться в особую атмосферу именно этого, а не другого (!!!) сериала. Даже в удивительном мире Линча мы все же быстро принимаем все странности и ждем встречи с агентом Купером. Даже если его ждут невероятные повороты сюжета, все же это будет знакомый нам мир. Сосны будут покачиваться на ветру, в любимом кафе будут готовить лучший кофе на свете, а агент Купер будет неизменно бодр.
Эти зрительские точки опоры важны. Сериал ли это детективный, сериал ужастиков, или добрая сказка – нам важно в любимых сериалах находить снова и снова то, что нам когда-то в них понравилось.

По сути мы говорим о любви, о счастье, о радости. Чудо хороших вертикальных сериалов в том, что они умеют дарить эту зрительскую радость. Словно ты встретил лучшего друга и вновь проводишь с ним хотя бы полчаса своей жизни, да может и пять минут, но все же это пять минут с лучшим другом.
Конечно, и в вертикальном сериале главное не повторение само по себе, а повторение эмоции. Комедии должны смешить, ужастики – пугать, сказки – погружать в удивительные миры.

И вот так, серия за серией давать качество встречи, почти такое же качество, как детская проездка в деревню к бабушке – так могут работать только профессионалы.

Лучи любви и уважения всем тем, кто работает на вертикальных сериалах и делает свою работу хорошо.

PS
Продолжается набор на комедийный апрельский интенсив, более того, запустил скидки (ибо сам виноват – надо уже научиться курсы свои стартовать не за 4 дня до их начала 😊))
Старт уже в субботу. Поучимся креативить, расшучивать, гэгить и создадим сценарий короткометражной комедии + особая тема этого года – ПОГОНЯ – изучим ее отдельно, разберем по косточкам и сделаем смешной.
https://masterkozyrev.ru/

КАЧАЕМ КОМЕДИЙНЫЕ МЫШЦЫ

Один из самых частых вопросов ко мне – как прокачать свои комедийные навыки.
Мне не жалко поделиться. Часть советов я давал ранее, часть будут новые.

1. ЗАВЕДИТЕ ПРИВЫЧКУ ЗАПИСЫВАТЬ ГЭГИ
Вот прям как делать зарядку. Пишите хотя бы по 10 гэгов каждый день. На разные темы.
Да хоть про якоря:
- корабль спускает якорь, якорь пробивает Землю и вода уходит
- корабль спускает якорь, якорь выворачивает корабль внутренностями наружу
- корабль спускает якорь, поднимает – на якоре рыба, как на крючке
Да хоть про то, что видите:
Окно? Берете окно с небом и перевешиваете на другую сторону стены.
Стул? Стул брыкается и вы кидаете лассо, чтобы его оседлать.
Дверной звонок в квартиру? Нажимаете – вместо двери в квартиру открывается дверь в лифт.

2. ПРИДУМЫВАЙТЕ ЧУДНЫХ ПЕРСОНАЖЕЙ
Хотя бы по одному в день. Записывайте их, потом пригодятся. Эти персонажи – ваш персональный кастинг-лист, который вы всегда сможете использовать в сериале.
Делайте это просто. Придумываете сперва обычного персонажа, потом добавляете ему чудинки.
Жираф. Добавляем ему длинную шею, пусть ползает на шее, как удав, хочет дружить с удавами, но они не принимают его за своего.
Подушка. Сварливая. Не любит, когда на ней лежат, выталкивает голову хозяина сперва с себя, а потом и самого хозяина с кровати.
Детектив. Ленивый мужик, сидящий дома, вместо которого на преступления ходит его умный плащ с умной шляпой в черных очках.

3. ДЕЛАЙТЕ ПЕРВУЮ СЦЕНУ НЕЛЕПОЙ
Два героя в вашем сценарии приветствуют друг друга и завязывают простой разговор. Добавляйте абсурд в ситуацию. Дайте одному из друзей нелепое занятие. Пусть например он в данный момент снимает с дерева гнездо ос. Или несет рояль. Или выгуливает спящую злую бабуленьку.

4. ТРЕНИРУЙТЕ ДИАЛОГОВУЮ ЧАСТЬ
Идите по классическим схемам шуток у стендаперов.
Что общего между…
Встретились как-то в баре…
Тук-тук… кто там…

5. ПРИДУМЫВАЙТЕ КОРОТКОМЕТРАЖКИ
Писатели пишут рассказы. И на этом «прокачивают» свои навыки. Я очень призываю комедийных сценаристов тренироваться на короткометражках. Это недооцененный формат, к сожалению, в нашей среде.
Буквально придумывайте сюжеты на 1,2,3 минуты. Детские, взрослые, кровавые и пасторальные, в одном помещении с парой персонажей или на поле битвы с огромным числом участников.
Именно в котороком метре можно обточить комедийную драматургию.
Тем более, что такие сценарии не обязательно будут пылиться на полке. Они как минимум станут частью вашего портфолио, а как максимум – несите их студентам и на студии, где запускают короткие метры. Может даже и призы получите заодно!

6. ПО ВОЗМОЖНОСТИ УЧАСТВУЙТЕ В МОЗГОВЫХ ШТУРМАХ. РАСШУЧИВАНИЯХ
Участие в групповых юмористических штурмах, расшучиваниях – это самый ценный опыт, т.к. это практика, сконцентрированная в малый отрезок времени. При этом вы учитесь у других и сразу видите оценку других.

Вот как-то так. Тренируйте свои комедийные мышцы!

PS
Я осознаю, что в реальности не так легко все это прокачивать. Ровно поэтому впервые решил организовать интенсив исключительно по прокачке комедийных навыков. Мы будем придумывать гэги, прорабатывать комедийные диалоги, создадим каждый сценарий короткометражки, поиграемся с созданием интересных комедийных персонажей. И отдельно изучим такой часто встречающийся элемент драматургии – как погоню (это тема апрельского интенсива).
АПРЕЛЬСКИЙ КОМЕДИЙНЫЙ ИНТЕНСИВ в Мастерской Олега Козырева
Стоимость 25.000 активирована скидка, теперь стоимость 21000
Старт в субботу 5 апреля в 12.00 и далее все субботы до конца апреля (4 дня интенсивов по 3-4 часа)
Есть ограничение на количество участников, т.к. в интенсиве будем расшучивать работу каждого участника.
Интенсив по комедии планирую делать раз в год, в апреле. Чаще, увы, не получится, т.к. я планирую выделять на очные курсы не более двух дней в неделю.
https://masterkozyrev.ru/

Второапрельское.

Разумеется, текст про расфильмование был первоапрельским.

«С ЗОЛОТЦОЙ ГЭГМЕН»
На правах гэгмена 1 апреля решил учредить новую неформальную комедийную премию.

С этого года (и надеюсь, что не забуду и в будущие года) каждое 1 апреля буду (максимально субъективно!!!) выдавать приз (которого физически пока нет и вряд ли когда будет) «С ЗОЛОТЦОЙ ГЭГМЕН» за три лучших отечественных комедийных проекта сезона апрель-апрель.

Лучший комедийный анимационный сериал – «Держи краба», Алексей Алексеев
Лучшая комедийная короткометражка – «Последний киносеанс», Рим Шарафутдинов
Лучший комедийный анимационный полнометражный фильм – «Лунтик», Константин Бронзит

Поздравляю победителей апрельского сезона 2024!

PS
Свои работы наделять призами не буду, но лучшим со своим участием комедийным проектом прошлого года считаю сериал «Живой гараж».

РАЗФИЛЬМОВАНИЕ

В 1994 году, когда я только-только пришел на студию «Пилот», был забавный случай с одним из фильмов студии. Об этом эпизоде должны хорошо помнить Валера Качаев и Андрей Колпин – режиссеры студии.

Одну из короткометражек, которую делала студия для международных фестивалей, поручили (не буду называть его фамилию, сегодня он очень известный режиссер) молодому режиссеру, только-только поступившему на режиссерские курсы при «Пилоте». А важно заметить, что режиссер этот три года до того работал художником на студии «Диафильм» (это важно для понимания контекста).

Так вот. По заказу Госфильмфонда нужно было сделать небольшую фестивальную короткометражку – буквально две минуты. И всего за месяц. Сроки жесткие, но человек справился. Почти.

Каков же был ужас Александра Татарского, когда оказалось, что режиссер нарисовал мультфильм… прямо на кинопленке! Напомню, что в те годы все мультфильмы, проходившие по линии Госфильмфонда нужно было сдавать в архив вместе со всеми материалами: с целлулоидами, с заливкой, с калькой с фазами, со сценарием.

В общем, это был первый случай в истории «Пилота», когда пришлось сделать сперва пару мастер-копий пленки, а потом провести полное разфильмование. Кадры с пленки перенесли на целлулоид. Затем в заливке смывали краску. Затем контуровщики по кадрам прорисовывали контур на целлулоиде. Затем фазовщики прорисовывали фазы на кальке, затем аниматоры прорисовывали ключевые фазы на кальке, а также делали раскадровку. Звуковую дорожку неимоверными усилиями выделили в отдельный трек и записали уже с нормальным разведенным звуком с актерами в студии. Ну и потом все это попало к нам и мы расписывали сценарий по этим кадрам.

На того режиссера Татарский, конечно, поначалу накричал. Но потом поставил его делать рекламные ролики, т.к. он делал их быстро и студия в то время была переполнена подобными быстрыми заказами.

Это был первый случай в истории «Пилота», когда сперва был сделан фильм, а только потом рабочие материалы по нему.

Upd пока не разбежалось - с 1 апреля!

ПЕРВЫЙ АПРЕЛЬСКИЙ КОМЕДИЙНЫЙ ИНТЕНСИВ

Итак, меня давно просили сделать комедийный практикум, где можно будет прокачать гэги, комедийное мышление, научиться обшучивать тексты, создавать комедийные сюжеты - и вот я его сделал.

Отныне и, надеюсь, ежегодно, каждый апрель я буду проводить АПРЕЛЬСКИЙ КОМЕДИЙНЫЙ ИНТЕНСИВ.

Всего за 4 недели на интенсиве мы изучим основы анимационной комедии, анимационного гэга. Через практику и домашние задания прокачаем комедийные навыки. Занятия проводит мастер (это я) лично в формате вебинаров.

По итогу интенсива у каждого участника интенсива будет возможность создать сценарий комедийного короткометражного анимационного фильма.
Каждый год у нас будет новая тема. Тема этого года - ПОГОНЯ!

Креативить будем прямо на интенсиве, но чуть-чуть домашние задания будут. С меня – шаблончики и помощь по каждому из этапов. Создадим идеальную комедийную анимационную короткометражку с погоней внутри!

Старт занятий 5 апреля 2025. Четыре субботы апреля. Занятия будут проходить каждую субботу с 12 часов дня по зуму, то есть онлайн. Лучше присутствовать (иначе в чем смысл интенсива?) но для не попавших по каким-то причинам на вебинар запись будет вестись.

Как всегда волнуюсь, т.к. одно дело все спрашивают «когда комедийно нас потренируешь», а совсем другое – реально на интенсив прийти 😊 Так что буду рад репостам и анонсам.

Публикую 31 числа накануне, а то еще подумаете, что я шучу. А я шутить меж тем буду не ранее 5 апреля, только и исключительно на интенсиве!

UPD
активирована скидка на курс

Прочитать подробнее и записаться на интенсив:
https://masterkozyrev.ru/intensive2025april

upd
НАБОР ЗАКРЫТ!

СИНОПСИС ВЕРТИКАЛЬНОГО АНИМАЦИОННОГО СЕРИАЛА
Определенную трудность для авторов (да и редакций студий) может представлять синопсис вертикального анимационного сериала.
Все просто с синопсисом полнометражного или короткометражного кино. Вы кратко описываете линейный сюжет – всего-то и делов.
Почти просто с синопсисом горизонтального анимационного сериала. Вы кратко описываете горизонтальный сюжет, возможно, добавляя что-то про то построение отдельных серий.
Но что должно быть в синопсисе вертикального сериала? Там ведь каждую серию что-то новое и нет горизонтального сюжета.
Вот небольшая шпаргалка для синопсиса вертикального сериала:
1. Вы описываете исходную ситуацию, кто и где живет.
- в лесу живет два медведя – белый и бурый, один любит природу и экологию, а второй любит технологии и изобретения, один спокойный, а второй активный
2. Вы описываете рабочий конфликт истории
- из-за разницы темпераментов и увлечений мишек каждый день они попадают в забавные приключения
3. Вы описываете нарратив повествования
- но благодаря дружбе и находчивости они всегда находят выход из любой ситуации, используя лучшие черты характера друг друга
Таким образом, если в горизонтальном синопсисе вы описываете то, что происходит на протяжении всего фильма, сериала, то в вертикальном – то, что примерно происходит в сериале каждую серию.
Если сериал вертикально-горизонтальный – в синопсисе смешиваете горизонтальное повествование и описываете, что происходит в каждой серии «вертикального».
Что НЕ пишем в синопсисе:
Не пишем подробно описание характеров персонажей – это делаем в блоге «ПЕРСОНАЖИ», не пишем подробно локации, это делаем в блоке «ЛОКАЦИИ», лучше не писать движок (структуру) серии, это я рекомендую писать отдельным блоком после синопсиса. Не пишем здесь логлайны серий – это лучшее делать в финале заявки, т.к. это уже по сути не заявка, а фрагмент сценарной разработки сериала.

Идеальный объем - 1-1,5 страницы текста.

ТЕОРЕМА ПРОКЛЯТИЯ ПРОЕКТОВ ДЛЯ ПОДРОСТКОВ

Сформулировал теорему:
Всякий российский анимационный проект для подростков по мере увеличения этапов согласований стремится стать проектом для дошкольников.

Давайте открыто поговорим об этой проблеме. Итак, студия может заявить, что ищет проекты для подростков. Авторы эти проекты принесут. Дальше подключаются маркетологи, лицензионные отделы, производство. Все чешут репу и начинают задавать вопросы, из которых самый тяжкий:
- а можем снизить аудиторию?

И вот вам удивление – любой, самый кровавый боевик можно сделать проектом 4+. Был проект про кровавых бестий, которых расстреливает наш герой из арбалета? Будет проект про милых смехатуриков, в которых надо кидать добрыми словами, чтобы они стали хорошими и помогали бабушке.

И так и происходит с проектами раз за разом, а по дороге они и вовсе могут не запуститься.

Отсюда непростой вывод. Если есть желание запустить проект для подростков – НЕЛЬЗЯ снижать целевую аудиторию. МОЖНО увеличивать привлекательность проекта для подростков и бОльшей аудитории, можно делать проект интереснее, можно искать способы сделать проект дешевле, сделать проект более приносящим прибыль через лицензионные радости и вложенности в сюжет.

ТРЕНД НА ЭТНОПРОЕКТЫ
Рискну сделать предположение, прогноз, что ближайшие годы российский кинематограф ждет бум проектов с национальным колоритом, основанных на истории или мифах или даже новых выдуманных легендах.
Такое предположение я делаю, т.к. вижу тренды в социальных сетях – насколько быстро там завоевывают успех любые хорошие национальные группы, поющие не на русском языке, но на языке коренных народов России. Равно и успех якутского кинематографа нельзя не замечать.
Мне доводилось обсуждать такие проекты с некоторыми анимационными продюсерами. Они (на мой взгляд ошибочно) считают, что такие проекты интересны только внутри самих национальных республик или диаспор. Я же вижу, что нет – это явление куда шире. И именно в русскоговорящей части страны просыпается новый интерес к культуре народов своей страны. Словно бы люди решили заново посмотреть вокруг и увидели, как много интересного и значимого есть буквально в соседней области, республике.
Национальные легенды, музыка, одежда, герои – все это готовая основа для интересных анимационных миров, в которых можно создавать прекрасные истории. В свое время «Гора самоцветов» приоткрыла дверь в безграничный мир сказок народов России. Пора бы в эту дверь большой анимации зайти.
Только сходу несколько сюжетов, которые являются еще даже близко не затронутыми современной анимацией:
- Карельский эпос «Калевала»
- Башкирский эпос «Урал батыр»
- Нартский эпос (сразу несколько кавказских народов)
- Якутский Олонхо
- Татарский дастан Идегей
И многие другие. Коллеги, на мой взгляд пора бы как минимум в полнометражном кино создать произведения по этим важнейшим жемчужинам культуры.
PS
Очень-очень мечтаю поработать с какой-нибудь анимационной командой, которая возьмется за подобный проект (разумеется, важнейшая часть – участие авторов из национальных республик).

Сегодня день репостов, похоже. Настоящий бриллиант -подарок от креативного директора Союзмультфильма Марии Савиных - образцы сценариев проекта студии.

Для начинающих сценаристов это клад.
Читаем (но не забываем об авторских правах!!!)

Всем привет! По многочисленным просьбам трудящихся выкладываю несколько сценариев Простоквашино. Изучайте, наслаждайтесь, сверяйте с вышедшими сериями🙌

Настоящие материалы охраняются законодательством об авторском праве. Любое использование, копирование, распространение, модификация или публикация данных материалов без письменного разрешения правообладателя является незаконным и влечёт за собой гражданскую, административную и уголовную ответственность в соответствии с действующим законодательством.
Размещение материалов не является разрешением от правообладателя либо какой-либо лицензией на использование материалов.
©2022, ООО "Союзмультфильм"

ФИЛЬМ ПРО АКТЕРОВ ОЗВУЧИВАНИЯ

Про анимацию не так много толковых фильмов выходит, так что безусловно рекомендую новый фильм Сергея Капкова "Мастера дуракаваляния" про актеров озвучивания в анимации.

Мы - сценаристы не так часто напрямую работаем с актерами, но иногда и нам везет и режиссер зовет сценаристов поработать с актерами. Присутствие сценариста бывает необходимым в случае, если проект комедийный и есть возможность еще и на этапе озвучивания добавить качества в сериал, фильм.

Так что о работе актера озвучивания имеет смысл знать не только в теоретически профессиональном смысле, но и в практическом.

Фильм есть на ютьюбчике и во вконтактике.
Сергей ведет и качественный канал, в основном рассказывающий об истории отечественной анимации, с обилием воспоминаний и интервью мастеров анимации.
ТГ канал Сергея Капкова

ПРИЗНАКИ ПЕРВОГО, ВТОРОГО И ТРЕТЬЕГО АКТА
Если внимательно посмотреть на схемы трехактных структур сценариев полнометражных фильмов – легко можно заметить, что между ними есть серьёзные разночтения.
Отчасти это можно понять – трехактная система в кино все же условна.
Хуже всего дело обстоит с третьим актом. Одни отчего-то считают, что все самое важное происходит до стыка второго и третьего акта, а далее все идет на спад. Вторые и вовсе норовят кульминацию чуть ли не на спуске горки, отображающей напряжение действия, поставить.

Рискну расставить точки над Ё и дать для всех сценаристов простые ориентиры. Где что начинается по актам, и где что завершается.

ПЕРВЫЙ АКТ
Тут нам нужны только два события.
Экспозиция – чуть-чуть узнать мир и героев.
Поворотное событие, побуждающее событие, начало пути, стартовая точка, побуждающая точка, кирпич на всех упал – как ни назови – ВОТ ТУТ ВАЖНО!!! – это то, что запускает сюжет. После этого что-то изменилось в жизни героя, или мира, или что-то пропало – и вот это все и надо исправить. Или куда-то доплыть и что-то достать, или просто вернуться домой – не важно.
Все – там первый акт завершаем.

ВТОРОЙ АКТ
Тут уже все эти повороты, падения, катастрофы, конфликты, предчувствия беды и все беды на свете, сражения внешние и сражения внутренние, рост и падения героя, путешествия, заточения и злоключения – это все во втором акте.
Тут много зрелища происходит и герой потихоньку собирает друзей-артефакты-силы-копается в себе и понемногу растет к тому моменту, чтобы в третьем акте….

ТРЕТИЙ АКТ
С ним тоже все просто.
Здесь всего два элемента важны:
- финальная битва
- осознание героем чего-то (приобретение героем чего-то)
Все.
Ну можно добавить постпозицию какую-нибудь, это уже мелочи. Главных штуки тут две – битва с боссом и битва с самим собой.

ПОСТПОЗИЦИЯ
Да, мы сами себе в драматургии создали проблему (выдумали эти три акта, а теперь в них пытаемся все на свете вписать), но все же если мы что-то пытаемся облечь в три акта – то на мой взгляд все важные их признаки я выше перечислил.

ПОСЛЕСУЗДАЛЬСКОЕ СПАСИБО
Хочу сказать отдельное спасибо всем тем, кто подходил ко мне на Суздальском анимационном фестивале, говорил теплые слова о моем канале. Любому автору хорошее слово приятно, что уж там говорить.
Часть из вас высказали интересные предложения по блогу. Я вас не просто услышал, но и планирую кое-что внедрить. Так что понемногу скоро тут будут интересности новые появляться.
Спасибо всем вам, друзья, коллеги!

СУЗДАЛЬФЕСТ НАБРОСКИ. Режиссер-сценарист

Во время просмотра фестивальных фильмов я в какой-то момент не выдержал на очередном невнятном фильме и шепнул на ухо коллеге: «уверен, режиссер этого фильма его же и сценарист». Так в титрах и оказалось.

Не все фильмы режиссеров-сценаристов невнятны. Но почти все невнятные сделаны режиссерами-сценаристами.

Конечно, я принадлежу к сценарному братству и легкий, поверхностный вывод был бы «берите сценаристов и ошибок в драматургии не будет». Но правда в том, что и сценарист не всегда уж и помогает.

И все же, есть у меня мысли, как можно авторам-режиссерам работать над фильмами лучше.

1. Вам нужен сценарий в текстовом виде. Так вы дадите повод себе-режиссеру принять (или не принять!) у себя-сценариста сценарий.

2. Пишите логлайн. Также напишите словами, о чем это кино или о чем вы хотите в нем поговорить.

3. Взвесьте текстовый и визуальной языки. Подумайте, что вы хотите сказать словами, а что действием. И не стесняйтесь от лишних слов избавляться. При этом не преребрегайте ими, если ваше визуальное повествование упускает или не может донести то, что важно вам.

4. Если ваша история коротка, а финансирование вы получили на 10 или 20 минут - не лейте воду! Не мучайте зрителя. Если уж нельзя сокращать - перепридумайте историю так, чтобы зрителю все 10-20 минут было интересно.

5. Проверяйте драматургию на поэпизоднике. Если у вас образное кино, символичное - роль арок персонажей перенесите на ваши пятна, облака или что там у вас в центре вашего рассказа. Взвесьте, идет ли рассказ по нарастающей, нет ли пауз, скучной равномерности.

6. В хорошем кино есть место для эмоциональных качелей.

7. Ну и да, по возможности подключайте сценариста

#Суздальфест

СУЗДАЛЬФЕСТ-НАБРОСКИ. Ритм в драматургии

На вечернем разборе студенческих работ конкурса Суздальфеста режиссер Константин Бронзит в очередной раз напомнил студентам о принципе, которого придерживается, кстати и Игорь Ковалев - о том, что в анимации важен ритм.

Я не просто с этим согласен, но считаю, что ритм важен не только на стадии анимирования, но даже и на уровне текста. Гармоничный сценарий всегда ритмичен.

Приведем примеры. Возьмем гэги мои любимые. Они очень часто основаны на ритме.
Раз сделал действие - не тот результат.
Два сделал действие - не тот результат.
Три сделал действие - смешной «тот» результат.
Пример: рыбак копает землю в поисках червяков. Раз копнул- клад, расстроен. Два копнул- клад- расстроен. Три копнул- червяк- рад.
Видите? Очень важны первые два действия, чтобы создать к третьему у зрителя ожидание, которое будет сломано гэгом.
Эта опора на три-четыре действия часто встречается в анимации и связана с ритмом. Она не сработает на двух шагах (слишком мало) и не сработает на пяти (затянуто), но на трех и четырех будет работать.

И еще. Почти закон вывел:
ВНУТРИ ОДНОЙ ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТИ ГЭГОВ (в т.ч. гэг-каскада) ПРОДОЛЖИТЕЛЬНОСТЬ ОТДЕЛЬНЫХ ГЭГОВ ДОЛЖНА БЫТЬ РАВНОМЕРНОЙ.
ИЛИ СВЕРХДЛИННЫМ МОЖЕТ БЫТЬ ТОЛЬКО ОДИН - УДАРНЫЙ ГЭГ, не более.

Здесь тоже ритм довлеет. Представим себе сцену с чередой гэгов. Внутри этой сцены гэги работают хорошо, если их продолжительность примерно одинакова.
Пример:
Герой падает с горы. ударился на склоне об улей - летит, облепленный пчелами. Ударился о медведя- летит, облепленный медведями. Ударился о бабок - летит, облепленный бабками.
Каждый гэг здесь подчинен ритму. Значительно хуже сцена сработала бы с неритмичными гэгами. ударился на склоне об улей - летит, облепленный пчелами. Ударился о медведя- медведь улыбнулся, свистнул другим медведям, те накинулись на падающего и теперь он летит, облепленный медведями. Ударился о бабок - те берут в руки клюки, делают из них увесистые палки, бросаются на падающего и он летит, облепленный бабками.
Ритм потерян, не так ли?

Но есть и описанное в определении исключение - это когда череду коротких гэгов создавших ритм, прерывает один сверхдлинный гэг, который своей длиннотой и вызывает сбой ритма и комичный эффект.

Герой падает с горы. ударился на склоне об улей - летит, облепленный пчелами. Ударился о медведя- летит, облепленный медведями. Ударился о бабок - завис, бабки медленно топают за своими клюками, возвращаются, нападают медленно и вот опять он летит, облепленный бабками.
Ритм здесь становится важным условием гэга.

Два такта, почти ритмичный вальс - тоже встречается в драматургии.
Один герой делает что-то- потом другой делает похожее, или по-своему, или наоборот.
Такое ритмичное повторение действий героями помогает сценаристу быстро показать разницу (или схожесть) персонажей.

Сама трехактная структура повествования - это тоже ритм!

А диалоги?
Они хорошо работают, когда по ритму равномерно соотносятся друг с другом. И коряво выглядят, если по объему реплики шатает внутри одной сцены вне зависимости от характера героев.
Скорость этого ритма диалогов важна и в описании действия. В погоне, драке, ритм реплик сжимается. Реплики - как удары. Рубленые, редкие, со взрывами к яростным моментам сцены.
В релакс-сценах реплики расслабляются, напоминают ритм пианино, или струнных- могут быть подлиннее, поспокойнее.

Набиваю текст в телефоне в паузе меж фестивальных показов. Хочется и больше написать, но подведу итог.

ХОРОШИЙ СЦЕНАРИЙ - РИТМИЧНЫЙ, ПОДЧИНЕННЫЙ ГАРМОНИИ ДИАЛОГОВ И ДЕЙСТВИЯ.

#Суздальфест

СУЗДАЛЬФЕСТ-НАБРОСКИ. Прикладная анимация

В прикладной анимации я сделал не меньше работ, чем в игровой, так что всегда слежу за этой номинацией конкурса.

Две тенденции себе отметил.

1.
Обратил внимание, что в этом году в прикладной анимации почти нет рекламных роликов. Да и по телевизору значительно меньше анимационной коммерческой рекламы теперь. Не знаю, отчего так. Социальные ролики есть, да. Но не более.
Возможно уход международных брендов сыграл роль? Они часто были заказчиками хулиганских реклам.
Клипы есть, есть заставки, есть социальные ролики. И всё.

2. Минимум в двух фильмах увидел в титрах пометку про ИИ музыку, которую использовали в работе. И музыка отличная!!!
Возможно, это первый российский анимационный фестиваль в этом году с ИИ-музыкой в конкурсе.
Не знаю, куда это приведет. Но очевидно, что навык создавать ИИ-музыку для студентов будет скоро так же важен, как навык уметь для своих студработ музыку скачивать.

#Суздальфест

Полезная сюжетная шпаргалка от Станислава Лема

СТЕРЕОТИПЫ И ПЕРСОНАЖИ
Пока мир старается избавиться от стереотипов, авторы в реальной своей работе конечно же должны уметь с ними работать.
Шаблонные, стереотипные персонажи хороши в комедиях и незаменимы для проходных эпизодических персонажей, на которых мы не особо хотим тратить время, рассказывая их какой-нибудь сложный внутренний мир.

Драматургам удобны туповатые качки, очкастые умники, медленные бабушки, разговорчивые дедули, роковые красотки, тихие домохозяйки, яростные фурии, простоватые работяги. Все они помогают нам наполнить мир вокруг главных героев и создать достоверную историю.

Для главных героев у нас обычно ставки повыше. Мы хотим сделать их интереснее. И тут для конструирования персонажа опять можно опираться на шаблон.
Были времена, когда шаблоном была тихая домохозяйка? А мы в истории сделаем ее тайным агентом.
Шаблонным был туповатый качок? А мы его сделаем тайным умнейшим профессором, гением злодеем.
Шаблонной была добрая старенькая бабулька? А мы ее сделаем парашютисткой, каратисткой, десантником.

Наступили времена и все теперь крутые и сильные? А мы и из этого сюжет состряпаем. Глава секретной службы, жестокая гроза всех шпионов на самом деле тайно по вечерам посещает кружок вязания.

Отличница-красавица, любимица всей школы, преследующая главную героиню? А мы ее сделаем на самом деле туповатой, а домашки на самом деле за нее делал все это время ее брат.

Шаблоны и стереотипы – беда для реальной жизни, но, скажу цинично, радость для кинематографистов. Для нас все стереотипы – лишь набор ролевых моделей, их которых мы собираем новые и новые сюжеты.

При этом я говорю не только про развлечение, но и про важные социальные темы, которые мы хотим затронуть, про идеи, которые нам близки, про попытки изменить что-то вокруг и сделать мир чуть-чуть лучше. Мы можем взять плохие стереотипы и их высмеять. Или разрушить, или поможем увидеть историю глазами жертв этих стереотипов. Или наоборот, вернуть к жизни то, что высмеяно зря, а на самом деле ценно и важно.

Я вот например точно знаю, что стереотип сценариста (по крайней мере в анимации) сейчас уж точно пора менять. Это все чаще не мужчина, а женщина. И довольно часто вовсе не приковавшая себя к печатной машинке. Многие мои коллеги занимаются спортом, туризмом, жизнерадостны и активны.
И я этому конечно рад.
В следующий раз, когда буду описывать сценариста, буду писать не про того, кто сидит в темной комнате за компьютером годами и описывает жизнь, который никогда не жил, а кого-нибудь крутого, кто скачет на мотоцикле по горам, играет в волейбол, покоряет горы, ныряет в глубины океанов и в своих сценариях пишет фактически про себя, подменяя лишь свое имя на имя очередного анимационного персонажа.

САМЫЙ ПЕРВЫЙ ГЭГ В НАШЕЙ ЖИЗНИ

Есть один гэг, который знают практически все дети нашей планеты. И все родители.

Папа (или мама) сидит перед младенцем. Тот с любовью смотрит на родителя.
И вдруг папа (или мама) закрывает ладонями лицо. Ой! Как это? Куда пропал папа? Он ведь только что был тут? Младенец недоуменно оглядывается по сторонам.
Но вот папа резко раскрывает ладони и, слегка вытаращив глаза, опять появляется перед ребенком, возможно добавив что-то вроде «ку-ку!».
Ребенок счастлив. Вот он, главный любимый его человек. Он тут, с ним все нормально. Ребенок смеется.
И папа вновь повторяет этот прием. И ребенок снова счастлив.

Интересно, что такой рукотворный гэг доказывает, что все мы умеем шутить и все умеем воспринимать шутки. Надо было только не останавливаться и придумывать что-то еще.

АНИМАЦИОННЫЙ ФЕСТИВАЛЬ. ПУТЕВОДИТЕЛЬ ДЛЯ ЧАЙНИКОВ
Я в анимации более 30 лет, но на анимационные фестивали стал ездить всего десять лет примерно назад. Так вот сложилось. Не в малой степени потому, что я не понимал, зачем мне нужно быть на фестивале вообще. Сейчас я вижу, что был неправ. Во многом я это осознал уже на первом посещенном моем фестивале – в Суздале.
Этот текст в основном для тех, кто ни разу еще не был ни на одном анимационном фестивале. Можно сказать, что хочу вас вдохновить там побывать.

Первое. Самое важное в Суздальфесте – он бесплатный. Есть куча очень-очень хороших фестивалей анимации в России, но практически на все из них вам нужно покупать билеты, а билетов может не быть, и т.д. и т.п. В Суздаль главное доехать и найти там в эти взлетевшие по ценам дни свободное жилье. И все. Да, бывает аншлаговые часы на фестивале, когда в зал не влезть (но есть и тут выход – об этом чуть позже), но чаще всего вы все же попадаете в зал и большинство фильмов можно посмотреть во вполне комфортных условиях, повторюсь, бесплатно.

Второе. Это главный отечественный анимационный фестиваль. Здесь сконцентрированы лучшие работы за год: полнометражное кино, прикладная анимация, сериалы, авторское кино, дебюты, студенческие фильмы, анимация даже детских анимационных студий. Посетив Суздаль вы можете увидеть может быть не все лучшие работы за год, но уж точно почти все. Причем огромное число работ попадают во внеконкурсный показ, на который опять же можно прийти.

Третье. Доступность (бесплатность) фестиваля приводит к хорошему следствию – на фестиваль приезжают аниматоры часто всем семейством, много молодых студентов и начинающих аниматоров. И рядом с ними – состоявшиеся профи, гуру анимации. Все это хороший коктейль для знакомства, общения и путь для того, чтобы найти для себя какой-то новый или первый проект.

Четвертое. Давайте проговорим, как устроен фестиваль. Показы сгруппированы в блоки, есть расписание – легко понять, когда можно что посмотреть. Помимо этого есть мастер-классы, есть открытые лекции, есть разборы работ, есть встречи со сценаристами и режиссерами, со студиями, есть чудесный холл фестиваля, где можно посмотреть и купить мультстанок или подписать книгу у Норштейна. В дни фестиваля можно многому научиться и особенно это важно для сценаристов, т.к. мы часто работаем вне студий.
Фестиваль проходит обычно с открытие в среду и до закрытия в воскресение. При этом вокруг фестиваля есть и до и после и в других городах куча сопутствующих показов и мероприятий.

Пятое. И даже можно смотреть в каком-то своем ритме, т.к. на показ даже во время аншлага можно идти не в зал, а в холл (там дублируется показ), или и вовсе в медиатеку, где можно посмотреть фильмы, надев наушники.

Шестое. Наконец, сама Суздаль тиха, спокойна, безопасна даже ночью, идеальна для релакса и перезагрузки. Почти до любого места можно дойти пешком.

Седьмое. Отдельно отмечу, что на Суздальфесте бывают совершенно чудные ночные какие-нибудь показы, дискуссии. И это тоже отдельный жанр, который я обожаю.

Вообще на все фестивали надо стараться попасть. И на Бессонницу, и на Большой фестиваль мультфильмов, и на ИКАР, и на Анимур, и на Воронежский анимационный фестиваль и на десятки других. Но Суздаль вне всяких сомнений в моем сердце и я считаю его самым полезным для сценаристов анимационным фестивалем.
Кстати, Суздальфесту в этом году тридцать лет (мы в анимации ровесники).

Я убеждён, что один хороший анимационный фестиваль может дать любому начинающему сценаристу важные знания, знакомства, насмотренность, понимание, работу и, почему нет, хороший отдых!

Если кто-то собрался там быть – увидимся! Не стесняйтесь подходить и развиртуализироваться

ПОЛЕЗНОЕ ДЛЯ НЕЙМИНГА
Ссылочки даю редко, но тут полезное для любого сценариста.
Итак, вы придумали название сериала или дали имя главному герою. И конечно часто не знаете, может это имя уже занято, забрендировано.
Гугл конечно в помощь, но есть и профессиональный инструмент для проверки занятости торговых марок:
https://searchplatform.rospatent.gov.ru/trademarks
Это сайт Роспатента и конкретно по ссылочке можно проверить занятость названия вашего сериала или ключевых персонажей, зарегистрированы ли они как торговые марки уже кем-то, и надо вам продолжать поиск или нет.
Рекомендую сохранить ссылку в избранное.

О РАСЧЁТЛИВОМ ТВОРЧЕСТВЕ
Сердцу и мозгу не прикажешь. Идеи фильмов, сериалов, сюжетов, персонажей у творческого человека возникают бесконечно. Вне зависимости о того, есть возможность что-то реализовать или нет и какова ситуация на рынке.
Но в то же время обидно, если вкладываешь довольно внушительное число времени и эмоций в произведение, которое после выхода из под твоего пера никому не нужно. Как же быть?
Конечно, я записываю идеи все время, складываю в папочки краткими описаниями, мыслями. Но все же в последние годы в работу я беру лишь то, что на мой взгляд реально будет создать.
Т.к. мозг бесконечно ищет предлагает новые идеи, я мозгу немного помогаю. Я постоянно читаю новости анимации, отслеживаю новые анимационные сериалы и полнометражные фильмы, игры, подписан на лицензионные сообщества, и внимательно смотрю на аккаунты заметных игроков анимационного рынка. Пытаюсь предсказать тренды, увидеть, каких проектов пока нет, какие уже можно создавать, а какие вроде бы еще рановато.
Ну например заметно, что все ищут сериалы и франшизы для аудитории подростков и для семейной аудитории. Но при этом предложения от авторов в этой нише чаще экстремальные, тяжелые для производства, рискованные. Либо, что тоже не хорошо – слишком похожие на остальных (ну например все ударились сейчас в сказки, причем сказки вот прям на одной поляне с одними и теми же образами, персонажами, а часто даже и названиями франшиз).
Таким образом, я поставил для себя задачу (это одна из задач – таких ниш на самом деле побольше) и подготовил (и доготавливаю) заявки с одной стороны для аудитории постарше, но при этом все еще находящиеся в комфортной нише лицензионной привлекательности и относительно не зашкаливающе дорогого производства. И в качестве снижения личных рисков лишней траты сил – под каждую из этих идей я прорабатываю вариант написания книги или создания игры. Это как минимум плюс для стадии подачи заявки, и как минимум не минус, если заявка нее пройдет – я найду способ ее реализовать в любом случае.
Возвращаемся к началу поста.
Выходит, я сам вначале изучаю рынок, делаю предположения, затем ставлю себе ТЗ и, таким образом, направляю мозг свой и сердце свое креативное не бесцельно блуждать по чертогам разума, а с определенной задачей. Конечно, кое-что в голову все равно приходит и вне ТЗ, но все же довольно значительная часть идей не пропадает зря в черновиках.

НЕБОЛЬШИЕ МЫСЛИ ПО ИТОГАМ «ГОНОРАРНОГО ОПРОСА»
Вчера создал опросы по теме гонораров за серии и за полный метр в анимации. Опрос еще продолжается, но некоторые выводы и комментарии уже можно сделать.

Непосредственно на вопросы ответило в среднем чуть больше 40 человек. Это хорошая выборка для такой узкой специальности, как анимационный сценарист. Впрочем, меня удивило, что похоже аж 80% читателей блога все же не в курсе цен в профессии. (т.к. проголосовало-то 40, но аж 160 примерно не знало ответа на вопрос). Либо среди читателей много начинающих и интересующихся, либо режиссеры и иные несценарные анимационные профессии решили не отвечать, а хотели посмотреть результат.
Теперь к цифрам.

Самый темный лес предсказуемо в полном метре. Их снимается мало. Опыта работы с полными метрами у сценаристов мало, так что и данных по рынку мало. Основная группа представивших цифры находится в диапазоне гонорара от 1 миллиона рублей до 6 миллионов рублей за сценарий полного метра. Это в целом соответствует средним ценам на рынке. Понятно, что некоторые удивились вариантам ответов выше 10 миллионов. Я не знаю, правдиво ли ответили голосовавшие, но в игровом кино такие цены встречаются, может быть анимационные уникальные авторы блокбастеров тоже начали такие суммы получать, не знаю. Но знаю, что в игровом кино в контракты агенты сценаристов уже начинают включать процент от сборов. Может быть в данных ответах мы тоже имеем дело с чем-то подобным. Но средние цены 1-6 миллионов за сценарий полного метра. Да, это похоже на правду.

Редкий зверь – серии двадцатиминутки. Здесь диапазон ответов: 90-400 тыс рублей. Разброс высоковат, конечно. Но в этой нише обычно располагаются сложные серии с горизонтальным сюжетом. Цены в районе 200+ насколько я знаю да, это уже ценник такого хронометража.

Двенадцатиминутные серии сразу три слота выделили по ценнику в ответах. И это тоже большой разброс от 30 тысяч до 250 тысяч. Дело тут тоже в разбросе жанров. Тут находятся и простые серии с банальными сюжетами и сложные сериалы с горизонтальным или комедийным сценарием. Все на мой взгляд соответствует ценнику, т.к. за простую серию такого хронометража действительно могут заплатить 60 тысяч, а за сложную серию – 150 тысяч и выше.

В сериях-пятиминутках все просто. Максимум ответов лежит в 30-50 и 60-90 тысячах. Увы, это правда. На рынке к сожалению тут есть расколбас и за одну и ту же сложную комедийную серию на одном сериале сценарист может получить 50 тысяч, а на другом сериале 100 тысяч. При этом в этой нише встречается тьма очень простых сериалов с простым движком и простым сюжетом.

Редкий жанр двухминуток расположил ценник ответов в диапазоне 10-50 тысяч. В этой нише находятся или простые сериалы или сложнейшие гэговые истории, поэтому и тут разброс довольно велик, что справедливо.

Вот такое предварительное резюме. Но я понял, что надо мне еще один текст написать, чуть попозже его сделаю. О том, как строить ценообразование в анимации на мой взгляд. Напишу про это или следующим постом или через короткое время.

ДЕТЕКТИВЫ – КЛЮЧ К ХОРОШИМ СЮЖЕТАМ ВНЕ ДЕТЕКТИВОВ
На мой взгляд детектив – высшая форма сюжетостроения. В сказке, в комедии, в драме велик риск для сценариста расслабиться, потерять нить сюжета, скакать с одной темы на другую, вводить бессмысленные детали и тут же о них забывать, плодить ничего не значащие реплики.
В хорошем же детективе сюжет спланирован на высоком уровне. Здесь нет ничего бесполезного. Каждый предмет в кадре – либо возможная улика, либо не должен бросаться в глаза, чтобы не отвлекать от ложных улик или настоящих. Каждый персонаж – возможный подозреваемый. Важны все его движения, жесты, слова.
Структура серии в хорошем детективе всегда держит вас в напряжении. К финалу вы в любом случае должны быть удивлены. И несомненно в течении серии вы несколько раз будете в напряжении, в удивлении от неожиданных поворотов, в обманутых предположениях.
При этом при высокой спланированности детективного сюжета он просто обязан раскрывать внутренние характеры персонажей. Здесь в тихоне может бушевать буря, а внешне агрессивный персонаж может оказаться безобидным одуванчиком.
Детективный подход, если подумать, годится и для сказки, и для приключения, и для драмы. Можно создать интригу. Можно припрятать виновных и ложно указать на невинных. Можно поднять ценность встречаемых персонажей, предметов. Можно отслеживать, чтобы лишнее не попадало в кадр и не мешало зрителю понять сюжет. Можно сделать толковое развитие с неожиданными поворотами и оглушительно невероятным финалом.
Выходит, чтобы научиться писать хорошие сюжеты любой серии любого жанра можно попробовать начать с жанра детектива.

ЧЕК-ЛИСТЫ НА ПРОЕКТЕ
Для сериалов может быть полезным составление чек-листов, на которых сценарист может проверять, все ли вписано в сценарий.
В чек-листы серии есть смысл добавлять прописываемые постоянные элементы структуры серии. Например:
- титр названия серии и озвучивание этого названия
- типовая завязка (если она типовая)
- называние имен персонажей в кадре
- отбивки внутри серии
- типовая трансформация героев, или сбор героев типовой (если есть)
- момент песни внутри серии
- типовой подход к завершению серии (если он типовой)
И т.д.
Сюда же можно добавлять и что-то драматургически важное:
- старт конфликта
- переломный момент
- осознание и перемена
- нарратив

Чек-листы могут существовать в виде документа, а могут быть внутри (в голове) редактора сериала в виде пунктов, на которые он обращает внимание.

Существует, правда, опасность, что эти чек-листы могут начать давить на сюжет и нагромождать его. В этом случае задача создателей сериала или вовремя скорректировать чек-листы, или четко обозначить, какая в пропорции к сезону часть серий будет типовой (подверженной чек-листу), а какая из них будет сериями специальными, от такого чек-листа отходящими.

==
upd2
Всем спасибо! Места закончились. Прием закрыт. Через какое-то время будут и новые курсы :))

UPD
На моем курсе осталось всего одно место. Старт уже завтра во вторник в 20.00

Для всех участников этого первого сценарного курса от меня - поддержка целый год по их проектам, созданным за время курса.

Если планируете оплатить разом или в рассрочку - то вот по этой ссылке место вас ждет:
https://olegkozyrev.skillspace.ru/l/test-kurs-1-458fc5-5352ba

Если планируете оплачивать помесячно (такая возможность появилась) - дайте мне знать в комменнтарии, я напишу в личку и опишу, как оплатить помесячно

ПОЛНОМЕТРАЖНЫЙ ФИЛЬМ. ВИЗУАЛИЗИРУЙТЕ ПОЭПИЗОДНИК
Я все больше уверен, что привычка сценаристов писать поэпизодник полнометражного фильма в виде текста, разбитого на эпизоды, неверна.

Да, мы все так привыкли, но с таким эпизодником невозможно работать.

Давайте подумаем, что действительно важного мы должны видеть в поэпизоднике полнометражного кино, чтобы верно его проанализировать, показать коллегам, поправить?

1. АРКИ
Нам нужны арки главных героев. Каковы герои вначале и что ими движет. К каким изменениям они приходят. И через что приходят. Нам важны внутренние изменения и изменения видимые (новые навыки, новая роль, новый образ).
Арки ключевых героев есть смысл проводить отдельно и видимым образом. В идеале – в виде карточек.

2. СЮЖЕТ
Есть общая картина сюжета, его составные части, которые нам важны. Важные широкие мазки сюжета тоже важно выписать. И взвесить. Чтобы не оказалось, что начало сильнее финала, и что середина не провисает или не перевешивает.
Шаги по сюжету тоже можно выписать карточками.

3. ЛОКАЦИИ
Локации помогают нам представить героев и помогают нам рассказать историю. Также они помогают производству все верно спланировать.
Есть смысл выписать локации и проследить, чтобы в фильме было их разнообразие. И, желательно, чтобы если уж локация появляется, то она хоть как-то используется и играет важную роль в сюжете.

4. ПЕСНИ
Сегодня редкое полнометражное анимационное кино обходится без песни. Песни важно отдельно отследить. Они и хронометраж займут и их надо еще написать. И продумать, о чем это песни. Верно расставить их по сюжету, чтобы не получилось, что все песни грустные или все песни в одном стиле.

5. ПЕРСОНАЖИ
Важно не забыть вписать на таймлайн фильма всех не мимолетных персонажей. Проследить, чтобы у важных героев было достаточно экранного времени.

Так что же? Не писать поэпизодники? Заменять их наборами карточек?

Нет. На мой взгляд верный ответ таков – сегодня сценарист полнометражного кино к этапу поэпизодника должен подходить с двумя документами:
Документ 1. Структура полнометражного фильма (в карточках, в таблице – как уж где заведено)
Документ 2. Собственно поэпизодник текстовый (который синхронен со структурой).

ОФФТОП объявление по первому моему персональному курсу

Друзья, продолжается набор на курс
Разработка анимационного сериала: от гэга до пилотной серии

https://olegkozyrev.skillspace.ru/l/test-kurs-1-458fc5-5352ba

есть возможность оплаты в рассрочку

+ я пытаюсь успеть стартовать возможность помесячной оплаты (многие спрашивали про нее), но платежная система не успевает - но есть возможность тогда помесячно оплачивать в "ручном режиме", списавшись со мной через платежные ссылки
upd помесячная оплата теперь есть, но пока через личку кидаю ссылку

Курс продлится 4 месяца, занятие через вебинары во вторникам в 20.00 по московскому времени, записи вебинаров будут доступны участникам курса
Есть домашние задания с обратной связью от меня

На выходе курса мы создаем пилотную серию и заявку сериала каждый

Мне также задавали вопросы про периодичность курса. План пока такой - я вообще планировал данных курс по сериалам запускать раз в год. Но что-то может измениться, если интерес будет. Курсы по другим темам я тоже стартую в течении года. По сути у меня будет что-то вроде набора курсов, часть из которых будет автономные, построенные на видеозаписях, а часть с моим личным участием через вебинары.

РАЗРАБОТКА ЛОГОТИПА
Логотипы – это вотчина дизайнеров, художников, арт-директоров. Но в рекламных агентствах над созданием логотипа иногда работают парой – копирайтер и арт-директор.

В анимации с разработкой логотипа сериала приходится сталкиваться всем командам. В среднем к созданию логотипа может быть причастна довольно большая команда: автор сериала (или шоураннер, креативный продюсер), продюсер сериала, арт-директор сериала, дизайн-студия (сторонняя или внутренняя). Логотип сериала может создать и кто-то один, например, создатель сериала с художественными навыками.

Про логотипы много книг написано, я не хочу вдаваться во все тонкости процесса, но опишу то, что на мой взгляд должны понимать, знать сценаристы, авторы, работающие на проекте.

1. Логотип должен ассоциироваться с вашим сериалом
2. Логотип должен легко считываться, даже при уменьшении, даже при плохой печати
3. Логотип должен отличаться от известных логотипов и особенно от логотипов конкурентов (если только ваш сериал не паразитирует на известности другого сериала и вы не хотите заставить зрителя ошибаться и переходить к вам – но и тут будьте осторожны – логотип, сходный до степени смешения, могут не зарегистрировать как бренд)
4. Логотип доложен быть разработан и в цветных версиях, и в черно-белых, и в 3д. В том числе и для разных версий вашего сериала (2д и 3д, например)
5. Желательно, чтобы логотип сам по себе был запоминающимся и прибавлял узнаваемости вашему сериалу. В общем, креативность тут на пользу
6. Не забывайте, что логотип скорее всего будет напрямую частью вашего сериала, т.к. его желательно сделать частью вашей заставки (а иначе как зритель запомнит ваш бренд и как выберет продукцию именно вашего сериала на полке. Например, у вас есть один-два ярких персонажа – их продут они сами, а вот тех, что понеизвестнее – их уже будет больше продавать ваш логотипчик, бренд).

Сами логотипы могут быть просто названием сериала, написанным как-то оригинально. Могут включать в себя персонажа или персонажей сериала. Могут включать в себя аксессуары героев, знаковые предметы. Могут включать в себя элементы мира, природного окружения, характерного для вашего сериала. Сам шрифт логотипа может быть художественным или вписанным в какой-то силуэт.

Хорошо. Но рисовать-то логотип сценарист не может? Да. Но помочь кое-чем авторы способны.
- автор может помочь составить ТЗ на логотип для дизайнера
- описать ассоциации, которые возникают от сериала
- поискать предметы, аксессуары, персонажей, на которых в поиске может опираться дизайнер при создании логотипа
- участвовать в штурмах, в поиске идей для логотипа сериала

Мне удавалось иногда придумывать ключевую идею для логотипов или заставок анимационных сериалов. Здесь очень помогли годы работы в рекламных агентствах копирайтером и креативным директором. Так что для расширения кругозора могу анимационным текстовикам порекомендовать почитать книги по рекламе и дизайну логотипов.

А однажды придумал и нарисовал логотип самому себе. Он прикреплен к сегодняшней публикации.

ОПЫТ РАБОТЫ НАД ДОКУМЕНТАЛЬНЫМ ФИЛЬМОМ «ОГНЕННЫЙ ЛИС»

Документальный фильм о природе Камчатки «Огненный лис» получил премию «Золотой орел» в номинации Лучший неигровой фильм. Я работал над этим фильмом и хотел немного поделиться опытом и такой сценарной работы.

Все началось со звонка создателей фильма. Интересно, что они обратились ко мне именно как к анимационному комедийному сценаристу с просьбой доработать, переработать закадровый голос главного героя – лиса.
Задача и сама по себе интересная, так и пришла еще она от людей, о которых я был наслышан и которыми восхищался. Семья Шпиленок была мне хорошо известна по природоохранной работе в заповедниках и по популяризации и работы заповедников и природы Камчатки через серии прекрасных фоторепортажей, а позже и фильмов.

Самая тяжелая часть работы съемочной группой уже была проделана. На протяжении нескольких лет они снимали семьи лис, выстраивая историю героев. Съемки были тяжелые. Дмитрий и Анна Шпиленок экспедициями по несколько и даже по много месяцев жили в абсолютно диких и скажем честно опасных условиях. Среди суровой природы и летом и зимой, среди медведей, среди прочих опасностей. Ну и среди камчатской красоты, конечно.

Как и бывает в документальном кино о природе – что-то ты планируешь, а что-то природа начинает делать в ином русле. Насколько я знаю, велась съемка нескольких лисиных семей и только лишь с одной из семей и сложилась цельная история. И здесь важный момент драматургии фильма. Это не набор кадров каких-то случайных лисиц, выстроенный под рассказ. Это реальная история реальных лисиц, которые прошли через нападения медведей и прочие, показанные в фильме неурядицы.

Таким образом моей задачей не было выдумать что-то невероятное, чего не было. Моей задачей было передать реальную трагичную и захватывающую историю главного героя – лиса Ветра.

Художественный прием фильма состоял в том, чтобы поверх реальных съемок дикой природы добавить художественный текст от лица лиса. И там самым приблизить фильм к семейной широкой аудитории, которая должна была пойти на фильм. При этом важно было не упасть в сюсюкание, а то иначе будет интересно малым детям, но взрослые будут зевать.

Я просмотрел внимательно рабочие материалы. Прочитал рабочую версию закадрового текста. И начал работать. Из-за специфики задачи работа оказалась довольно близка к анимационному подходу, т.к. в данном случае главные герои по сути и были персонажами. Очеловеченными отчасти, но все же дикими.

Я сосредоточился на трех вещах. Первое – добавил эмоциональных красок в личные чувства героя. Т.к. его эмоции были главным ключом к фильму. Его история – это история семьи. Поэтому постарался усилить эту часть.
Второе – это юмор, конечно. Из-за него ко мне обратились. Так что где было уместно постарался добавить юмора в речь героя, а точнее даже в комедийный эффект, возникавший от речи героя и происходящего на экране.
Третье – постарался яркими красками описать красоту камчатской природы, т.к. Камчатка, конечно, тоже была важным героем всей истории.

Мой текст понравился. После пары правок его приняли. Потом на финальном монтаже текст доработали и вот вышел фильм.

«Огненный лис» стал самым кассовым неигровым фильмом в российской истории и теперь получил «Золотого орла». Для меня огромная честь быть причастным к успеху фильма. Но главные герои – семья Шпиленок и все те, кто сохраняет для нас бескрайнюю красоту Камчатки и ее обитателей.

10 СОВЕТОВ ТЕМ, КТО ХОЧЕТ НАУЧИТЬСЯ ПИСАТЬ СЦЕНАРИИ ДЛЯ АНИМАЦИИ
1. Кто бы что вам ни говорил, но всего за 1 день можно начать писать сценарии.
- придумайте любую простейшую историю
- установите себе любую программу для написания сценариев (например, КИТ сценарист или ее новая версия STORY ARCHITECT)
- посмотрите любой видеоурок по тому, как пользоваться программой для сценаристов
- пишите сценарий

Вот и все :))) Ну на самом деле есть еще несколько шагов. Они займут уже не день.

2. В самом начале тренируйтесь писать гэги. Пробуйте сочинять их для разных технологий анимации.
Гэги помогут вам натренировать анимационное мышление. Они помогут вам создавать микроистории. Они помогут вам научиться отличать кукольную анимацию от пластилиновой и рисованной.

3. Затем потренируйтесь придумывать персонажей. Персонажей людей, потом животных, персонажей-предметов, потом придумывайте невероятных существ.

4. Потом поищите им разные характеры. Поначалу выбирайте характеры с яркими однозначными масками. Не идите в глубокие образы поначалу – ищите чистые эмоции в каждом персонаже. Если злодей, то злодей. Если добряк, то абсолютный. Оттенки вы научитесь попозже создавать. Идите от простых эмоциональных красок к сложным.

5. Создавайте миры. Самые необычные вселенные, в которых могла бы происходить ваша история.

6. Первые истории делайте на основе известных сюжетов. Сказки, например. Просто потренируйтесь правильно записывать историю в сценарном формате.

7. Затем научитесь создавать сериалы. Сериалы – ключ к профессиональному подходу. Сериалы дисциплинируют ограничениями, скоростью, форматами. Малое число персонажей и локаций, малый хронометраж и при этом много историй. Это крутейший мастер-класс для любого сценариста. Имитируйте реальные условия работы в студии. Научитесь писать по 4 пятиминутных сценария в месяц. Хорошая проверка – пишите серии для ваших любимых сериалов (для тренировки навыков). Не важно, что вы не в штате и не работаете по заказу – тренироваться-то вам никто не запретит.

8. Затем сразу и безоговорочно бросайтесь в свой первый полный метр. Пусть он будет и в стол написан – не важно. Но создайте его профессионально. Начните с синопсиса. Затем перейдите к трехактной структуре, спланируйте сюжет. Продумайте ключевые арки героев, их изменения по ходу сценария. И начните писать.
Здесь уже обычно не обойтись без специализированной литературы по драматургии. Но некоторые интуитивно могут и сами неплохо прописывать конфликты, арки. И тем не менее на полном метре начнут всплывать ваши сильные и слабые стороны в плане драматургии. Можно подкачать их чтением и курсами.

9. Примерно где-то здесь в этой точке вы почувствуете, что у вас что-то не то с диалогами. Вот теперь научитесь их прокачивать. Это можно сделать многими способами. Есть куча упражнений.
Ну допустим, разыгрывайте одну и ту же сцену, но меняйте там персонажей. И научитесь менять характер реплик каждого из героев, их ритм, их речевые особенности.

10. Ну и финально теперь можно попробовать написать сценарий короткометражного фильма.
Поздравляю. Вы – сценарист!

P.S.
30 лет в анимации меня привели к стойкому убеждению, что начинать надо от гэга и практики и лишь потом идти в теорию. Также я убежден, что драматургам в анимации важно пройти через изучение сериалов, т.к. именно они дают профессиональные необходимые навыки (посмотрите, как много работают художники, аниматоры, создавая буквально тысячи кадров, эскизов за время обучения. Так почему же сценаристов надо по году учить писать один сюжет? Надо учиться писать сотни сюжетов за месяц!!!)
Вот почему свой первый и самый важный курс я посвятил именно созданию сценария сериала. Он стартует 18 февраля, записывайтесь! Ссылочки есть в закрепе.

СЦЕНАРИЙ ТРЕЙЛЕРА АНИМАЦИОННОГО ПРОЕКТА
Трейлеры по своей сути – рекламные ролики фильма (сериала). Трейлер должен привлечь внимание к проекту и побудить зрителя его посмотреть.

Оформление сценария трейлера обычно отличается от обычного сценарного. Удобнее всего сценарий трейлеров делать в рекламном двухколоночном формате, где в одной колонке вписывается видео, а в другой колонке аудио.

Создание сценария трейлера можно разделить на несколько этапов.

Этап 1. Создание ТЗ на трейлер на основе маркетинговой кампании фильма.
В маркетинговой кампании обычно выбирают, на какую аудиторию будет рассчитан сам фильм. Также там возникает понимание характера сообщения (серьезный трейлер, шутливый, модный или еще какой). Также маркетологи определяют количество трейлеров, тизеров, длительность рекламной кампании и частоту сообщений в СМИ, поддержку со стороны PR, промо-активности, SMM и т.д. Ну и бюджет всей кампании и бюджет производства самого трейлера.

Этап 2. Поиск идей для трейлера.
Трейлер можно сделать десятками разных способов. От монтажа из интересных фрагментов фильма до вообще съемки отдельного рекламного ролика, чуть ли не с привлечением знаменитостей.
Возможно, закадровый голос в трейлере – от лица одного из персонажей. Возможно – это нейтральный дикторский голос.
Могут быть разные идеи для трейлера по содержанию. Можно сделать трейлер более похожим на ужастик или на немую комедию, или толкнуть интересную речь от лица героев фильма.

Этап 3. Просмотр фильма и маркировка лучших фрагментов
Это самое тяжелое – выбрать лучшие реплики и фрагменты из фильма, которые потенциально подойдут для трейлера. На этом этапе важно помечать точный хронометраж для каждого фрагмента (чтобы монтажерам потом было легче искать их).

Этап 4. Написание сценария
По двухколоночному принципу пишем сценарий, не забывая вставлять пометки по таймингу всех выбранных реплик и фрагментов действий.
Отдельно вписываем, если есть, голос за кадром (в колонке аудио).

Этап 5. Придумываем слоган
Это можно сделать и раньше и в этот момент, или на старте маркетинговой кампании.

Этап 6. Фактические данные о премьере
Не забываем вписать в сценарий формальные вещи – как называется фильм и когда премьера или где его смотреть. Собственно говоря, вся работа пойдет насмарку, если зритель не запомнит названия и не поймет, где можно фильм посмотреть.

Этап 7. Дошлифовываем сценарий с режиссерами монтажа, учитывая фоновую музыку и реальный тайминг.

И вроде бы все.

Я люблю писать сценарии трейлеров. За свою жизнь их делал наверное пару сотен (в свое время работал в промо на тв и в рекламе). И всегда это интересная задача. Не все проекты с ней на мой взгляд справляются, так что лишние знания и мой пост на эту тему, я думаю, не помешает.

Охота на лису: Охотник преследует лису, но та оказывается слишком умной и постоянно обманывает его.

Неудачная охота на медведя: Охотник стреляет в медведя, но тот просто зевает и уходит.

Охота на кабана: Охотник преследует кабана, но тот оказывается слишком быстрым и уводит его в болото.

Неожиданная встреча: Охотник встречает в лесу говорящее дерево, которое даёт ему советы.

Охота на зайца: Охотник преследует зайца, но тот оказывается слишком хитрым и постоянно обманывает его.

Неудачная охота на рысь: Охотник стреляет в рысь, но та просто прыгает на дерево и наблюдает за ним сверху.

Охота на оленя: Охотник пытается поймать оленя, но тот оказывается слишком грациозным и ускользает.

Неожиданная добыча: Охотник стреляет в цель, но попадает в гнездо орла, и тот начинает преследовать его.

Охота на лису: Охотник преследует лису, но та оказывается слишком умной и постоянно обманывает его.

Неудачная охота на медведя: Охотник стреляет в медведя, но тот просто зевает и уходит.

Охота на кабана: Охотник преследует кабана, но тот оказывается слишком быстрым и уводит его в болото.

Неожиданная встреча: Охотник встречает в лесу говорящее дерево, которое даёт ему советы.

Охота на зайца: Охотник преследует зайца, но тот оказывается слишком хитрым и постоянно обманывает его.

Неудачная охота на рысь: Охотник стреляет в рысь, но та просто прыгает на дерево и наблюдает за ним сверху.

Охота на оленя: Охотник пытается поймать оленя, но тот оказывается слишком грациозным и ускользает.

==

Ну и напоминаю, что на моем курсе мы будем учиться создавать анимационные сериалы так, чтобы ИИ у нас не отобрал работу
https://olegkozyrev.skillspace.ru/l/test-kurs-1-458fc5-5352ba

ГЭГ-ТЕСТ ДЛЯ ИИ. Модель Deepseek

Придумал собственный гэг-тест для ИИ-моделей. И вот сегодня потестировал нашумевший китайский Deepseek.

На мой взгляд кое-что вышло неплохо, но довольно скоро модель сдалась и перестала быть креативной, а кое-где и вовсе начала повторяться.

==

Придумай пожалуйста 50 анимационных гэгов на тему охоты

==

Конечно! Вот 50 анимационных гэгов на тему охоты, которые могут добавить юмора и динамики в твой сценарий:

Неудачный выстрел: Охотник стреляет, но пуля попадает в дерево, которое падает и придавливает его самого.

Маскировка: Охотник маскируется под куст, но его принимают за настоящий куст и начинают обрезать.

Ловушка для охотника: Охотник ставит ловушку для зверя, но сам случайно попадает в неё.

Невидимый враг: Охотник слышит шорохи, но каждый раз, когда он оборачивается, никого нет. В конце оказывается, что это был его собственный хвост (если это антропоморфный персонаж).

Охота на уток: Охотник стреляет в уток, но они улетают, а вместо них падает дождь из перьев.

Смена ролей: Охотник преследует зверя, но внезапно зверь начинает преследовать его.

Неожиданный союзник: Охотник встречает медведя, который оказывается мирным и помогает ему найти добычу.

Ложная тревога: Охотник слышит рычание, но оказывается, что это его собственный желудок.

Магнитное ружьё: Ружьё охотника притягивает всё металлическое, включая его собственные пули.

Неудачная маскировка: Охотник маскируется под дерево, но птицы начинают вить на нём гнездо.

Охота на призрака: Охотник пытается поймать призрачного оленя, который постоянно исчезает и появляется в другом месте.

Соревнование: Охотник соревнуется с другим охотником, но оба постоянно мешают друг другу.

Неожиданная добыча: Охотник стреляет в цель, но попадает в пчелиный улей и вынужден бежать.

Ловушка для птиц: Охотник ставит ловушку для птиц, но в неё попадает его собственная шляпа.

Охота на рыбу: Охотник пытается поймать рыбу, но она оказывается слишком умной и постоянно ускользает.

Неудачный прыжок: Охотник прыгает через ручей, но падает в воду и вылавливает рыбу руками.

Маскировка под зверя: Охотник маскируется под зверя, но другие охотники начинают преследовать его.

Неожиданный помощник: Охотник встречает говорящего зайца, который предлагает ему помощь в обмен на морковку.

Охота на дракона: Охотник пытается поймать дракона, но тот просто чихает и сжигает его ружьё.

Ловушка для медведя: Охотник ставит ловушку для медведя, но в неё попадает его собственный рюкзак.

Неудачная охота на лису: Охотник преследует лису, но она постоянно обманывает его, оставляя ложные следы.

Охота на снежного человека: Охотник находит следы снежного человека, но оказывается, что это его собственные следы.

Неожиданная встреча: Охотник встречает в лесу другого охотника, который оказывается его зеркальным отражением.

Охота на единорога: Охотник пытается поймать единорога, но тот просто исчезает в радуге.

Неудачная охота на волка: Охотник стреляет в волка, но пуля отскакивает и попадает в его собственную ловушку.

Охота на птиц: Охотник стреляет в птиц, но они улетают, а вместо них падает дождь из яиц.

Неожиданная добыча: Охотник стреляет в цель, но попадает в бобровую плотину, и его затапливает.

Охота на кабана: Охотник преследует кабана, но тот оказывается слишком быстрым и уводит его в болото.

Неудачная охота на медведя: Охотник стреляет в медведя, но тот просто зевает и уходит.

Охота на лося: Охотник пытается поймать лося, но тот оказывается слишком высоким и просто перешагивает через него.

Неожиданная встреча: Охотник встречает в лесу говорящее дерево, которое даёт ему советы.

Охота на зайца: Охотник преследует зайца, но тот оказывается слишком хитрым и постоянно обманывает его.

Неудачная охота на рысь: Охотник стреляет в рысь, но та просто прыгает на дерево и наблюдает за ним сверху.

Охота на оленя: Охотник пытается поймать оленя, но тот оказывается слишком грациозным и ускользает.

Неожиданная добыча: Охотник стреляет в цель, но попадает в гнездо орла, и тот начинает преследовать его.

БУТЫЛОЧНАЯ СЕРИЯ

Не вполне официальный, скорее профессиональный слэнговый термин – бутылочная серия. Это такая серия (или серии) в сезоне сериала, в которой нагрузка на производство намного меньше, чем обычно.

Допустим, на вашем сериале каждую серию производству нужно создавать какие-то новые предметы (пропсы), возможно даже новые локации, ну или новых персонажей. А еще есть какие-нибудь специальные серии, где нужно внезапно создать зимние локации и зимнюю одежду персонажей. Чтобы производство справлялась с темпами выхода серий в структуре сезона важно продумать облегченные «бутылочные» серии.

Варианты бутылочных серий:
- в сюжете задействованы не все персонажи, а лишь несколько
- все действие сюжета проходит в одной или в малом числе локаций
- это серия с нарезкой воспоминаний из предыдущих серий
- если в вашей серии каждую серию появляется новый персонаж – в этой серии его нет
И т.д.

В общем – это продуманная серия с фокусом на низкую цену для производства.

При этом на сценаристов наоборот нагрузка возрастает, т.к. нехватку визуального зрелища важно компенсировать действительно хорошей историей, диалогами, шутками.

Иногда бутылочные серии делают перед каким-то очень сложными сериями. Например, перед финальными сериями, где может быть какая-то сложная битва с большой и сложной работой аниматоров.
В среднем хорошая пропорция бутылочных серий – 1/5, то есть в 26-серийном сезоне может быть 5 таких бутылочных серий.

На мой взгляд на старте сериала лучше не увлекаться бутылочными сериями т.к. есть риск запутать зрителя, который может не уловить связь с сериалом, не понять его формат.

Бутылочная серия не означает, что она плохая. При хорошей работе сценаристов зритель даже и не заметит, что серия бутылочная. Иногда именно бутылочные серии могут попасть в сердечко зрителя, т.к. в таких сериях есть возможность больше раскрыть внутренний мир персонажей, рассказать больше о вселенной сериала.

==
Напоминаю, что продолжается набор на мой первый курс по созданию анимационных сериалов.

Разработка анимационного сериала: от гэга до пилотной серии:
https://olegkozyrev.skillspace.ru/l/test-kurs-1-458fc5-5352ba