https://youtu.be/k3umwdJjBxY?si=ZCzPfGdu4wzL4lSk

Спустя четырнадцать лет после «Something About April» и почти десять лет после «Something About April II» Эдриан Янг завершает свою романтическую психоделическую соул-трилогию.
Эдриан Янг дирижировал оркестром из 30 человек в своей студии Linear Labs, а в Сан-Паулу собрал Сеу, Ману Джулиана, Луизу Лиан, Мигеля Лиана Лейте и Антониу Пинту, чтобы они спели тексты, написанные на португальском языке, который он изучал несколько лет. За исключением гитары Джека Уотерсона в одной песне, Эдриан Янг играет на всех остальных инструментах, от ударных, контрабаса и гитары до органа, аналогового синтезатора и меллотрона. Тонкие ритмические элементы бразильского джаза 1960-х и 1970-х годов и MPB аккуратно вплетены в ткань альбома и в них явно прослеживаются широкий спектр эмоций, а сложность и богатство мелодий неоспоримы.
(All Music Guide)
https://album.link/s/2lbVK9NP3QKqEeA8NrOjbx

Ещё один сегодняшний альбом - Daniel Herskedal - Movements of Air - новое творение норвежского тубиста и композитора, кинематографичность и атмосферность музыки которого сделали его одним из интереснейших исполнителей на современной джазовой сцене.
Быстро — когда вы думаете об инструментах, которые звучат воздушно, что приходит вам на ум? Пикколо, мандолина, какой-то синтезатор или, может быть, терменвокс? Большинству из нас потребовалось бы некоторое время, прежде чем предположить тубу. Требуется некоторое воображение, чтобы заглянуть за ее обычные низкие линии и тона, но Дэниел Херскедал как раз такой мыслитель. Даже если роль тубы в джазе обычно включает в себя особенности или соло, редко можно услышать, чтобы кто-то обращался с ней с такой мягкостью и изяществом. От кинематографического природного пейзажа до простой любовной песни, плавные низкие линии и тихие ритмы быстро расцветают в серии вызывающих воспоминания произведений, каждое из которых создает свою собственную захватывающую перспективу.
Скандинавская красота и меланхолия достигаемые посредством звучание тубы - этот опыт достоен самого пристального внимания. Хороший альбом.
(по материалам All About Jazz)
https://album.link/s/78rMYCD4P2hLNIIZqsJhwY

P.S. Больше новых и старых альбомов на канале Albums Jazz Chat.

https://youtu.be/_5JkHchubfY?si=ZI-j3j9y3tDh-BXO

Хотя по сравнению с великим 87-летним саксофонистом Charles Lloyd или не менее великим 100-летним титаном Marshall Allen всего лишь 72-летний американский саксофонист Joe Lovano кажется юношей, но без сомнения, сегодня он является одним из тех музыкантов, которые олицетворяют и являются краеугольными камнями джаза.
На жизненном пути Джо Ловано часто оказывался там, откуда когда-то стартовал, но уже в совершенно другом качестве. В начале 70-х он учился в знаменитом музыкальном колледже Беркли у Гари Бёртона, а теперь возглавляет в Беркли кафедру имени Гари Бёртона. В тех же 70-х Джо Ловано заслушивался альбомами Кита Джаретта, выходившими на лейбле ЕСМ: "Это основные записи для меня, те, на которых я вырос, те, которые я слушал, будучи студентом, и которые я полюбил, будучи взрослым." Затем он впервые и сам записался на лейбле ЕСМ в качестве сайдмена у Paul Motian - и только по прошествии более 40 лет, уже став известным и заслуженным исполнителем под знамёнами культового джазового лейбла Blue Note, Джо Ловано стал записываться для ЕСМ под своим собственным именем.
"Джаз всегда заключался в музыкантах - никто не просил Телониуса Монка, Эрика Долфи или Чарли Паркера играть так, как играли они. Музыка исходит из души и жизни. Если вы можете рассказать свою личную историю, развиваясь как музыкант, то в этом и есть суть джаза" - теперь уже сам Джо Ловано рассказывает историю своей жизни посредством музыки, которая так хорошо ложится в стилистику ЕСМ, хотя мы безусловно будем помнить и его прекрасные альбомы Rush Hour, Trio Fascination и 52nd Street Themes из славного время с Blue Note.
Сегодня вышел новый альбом Джо Ловано, который он записал вместе с трио Марцина Василевского - название альбома Homage очевидно выражает то почтение, с которым саксофонист относится и к своему отцу, также саксофонисту Tony "Big T" Lovano, привившего ему любовь к джазу, и к основателю лейбла ЕСМ Манфреду Айхеру, к 80-летию которого он и написал заглавную композицию альбома: "Пьеса посвящена Манфреду и истории лейбла. Я вырос, слушая записи ECM, потому что это были те музыканты, с которыми я хотел играть, и это оказалась музыка, которая дала мне очень много."
Предыдущий альбом Our Daily Bread, вышедший в 2023 году, был одним из лучших альбомов того года - первое прослушивание нынешнего Homage даёт основание полагать, что он будет также хорошо принят джазовой общественностью, хотя Джо Ловано уже давно не нужно никому ничего доказывать.

Добро пожаловать в Маунт-Холли, таинственный особняк с меняющимися комнатами. В Blue Prince вы отправляетесь в бросающий вызов жанру опыт, наполненный уникальным сочетанием тайны, стратегии и головоломок, которые переплетаются вместе, чтобы создать непредсказуемое путешествие. Приведут ли ваши исследовательские шаги к Комнате 46?
Саундтрек к архитектурной мистической приключенческой игре Blue Prince от Trigg& Gusset - мастеров слоу-джаза, дарк-джаза, эмбиент-джаза и прочего джаза, который в общем-то джазом и не особо является - хотя кто может с уверенностью сказать, что есть джаз сегодня. В любом случае, у них получился альбом с более чем двумя часами мистической, туманной и невесомой музыки, которая медленно, но настойчиво должна увлечь вас открыть тайну Комнаты 46.
https://album.link/s/4BFnDRHgKikc9HZbGNZPNn

Nick Hempton & Cory Weeds – Horns Locked - Когда зазвучала первая композиция альбома, энергичная «Последний поезд из Овербрука» Джеймса Муди, нахлынули воспоминания: размытые образы Джина Эммонса, Декстера Гордона, Джонни Гриффита, Сонни Ститта, Уорделла Грея, Локджо Дэвиса и их коллег, которые сделали дуэли тенор-саксофонов классикой в эпоху 1950–1960-х годов.
Ник Хемптон и Кори Уидс создали альбом, чтобы возродить эти воспоминания и предложить свою современную версию бескомпромиссной борьбы двух теноров - эти современные мастера не только разделяют страсть и мудрость гигантов-тенористов былых времён, но и звучат очень похоже на них.
Хороший альбом для любителей самого что ни на есть классического джаза.
(AllAboutJazz)
https://album.link/s/5EkuTlwUOh6EbsRn2Lkwpf

P.S. Больше новых и старых альбомов на канале Albums Jazz Chat.

https://youtu.be/CY_AkGxQgH0?si=b78GJSVfWsBa9bNQ

https://youtu.be/yq0IP5PPUIM?si=XkWETQOWatQy8SWA

Kneebody — это действительно группа или какой-то гнусный эксперимент коллективного разума, ставший музыкальным? Таким вопросом как-то задались в All About Jazz. Попробуем сейчас на него ответить.
Kneebody - взрывной и авантюрный квартет из Бруклина мастерски замешивает множество жанров и стилей, придавая слушателям ощущение драйва и енергии. Их способность легко перемещаться между всеми этими стилями и жанрами впечатляет - за более чем двадцатилетнюю творческую историю Kneebody научились гармонично переходить от пост-бопа к фанку, затем углубляться на соул территории, внезапно вынырнуть в джаз-роке 70-х и наконец улететь в современный джаз-хоп, по пути сделав реверанс электронной музыке. Особую пикантность нынешнему составу коллектива придаёт фигура барабанщика Нейта Вуда - после ухода из группы прежнего басиста он ничтоже сумняшеся стал играть на барабанах и бас-гитаре одновременно, т.е. реально одновременно - правой рукой стучит в барабаны и тут же левой играет на бас-гитаре - можно подумать, что это какой-то цирковой номер, но нет - Нейт Вуд утверждает, что он любит слишком сложно играть на барабанах, а так ему удаётся себя обуздать, плюс к этому он может самолично контролировать темп и ритм, ведь он, получается, вся ритм-секция в одном лице - это дело ему так понравилось, что в своих сольных работах, помимо Kneebody, Нейт Вуд ещё и играет на синтезаторе и поёт, человек-оркестр прямо - в приложенном видео можно посмотреть на это действо.
Дискография Kneebody насчитывает более десятка альбомов: альбом 2007 года Low Electrical Worker известнейший джазовый саксофонист Джошуа Редман назвал своим фаворитом года; следующий альбом Twelve Songs by Charles Ives получил премию Грэмми; альбом 2015 года Kneedelus они сделали вместе с известным электронным продюссером Daedelus и выпустили его на лейбле, принадлежащем Flying Lotus, таким образом полностью погрузившись в электронику.
На днях вышел новый альбом Kneebody - Reach - джаз также, как и прежде, то несколько растворяется в роке и электронике, то концентрируется вновь, Нейт Вуд уверенно поддерживает фанковый грув, саксофонист Бен Вендел ведёт свою игру, поддерживаемый трубой Шейна Эндсли, а клавиши Адама Бенджамина всё также обволакивают электронным туманом. Хороший альбом группы, которую нельзя подвергнуть классификации и чью музыку невозможно разобрать на составляющие - это просто Kneebody.

Kamasi Washington, Bonobo и Floating Points записали саундтрек для нового аниме сериала Lazarus легендарного Шиничиро Ватанабэ, знаменитого режиссера, снявшего «Ковбой Бибоп», «Самурай Чамплу» и другие культовые классические мультсериалы.
Теперь все они выпустили по целому альбому с музыкой к Lazarus. Послушал я пока только Камаси - музыка к фильмам это особый жанр и редко когда бывает впечатляющей - так и здесь - откровений тут не найти, но в тоже время, нельзя сказать, что всё пресно и неинтересно: фишки Камаси Вашингтона оживляют альбом - его саксофон периодически бодрит, хоровые вокализы из предыдущих альбомов присутствуют, да и мелодии вполне себе неплохие.
В общем, послушать стоит - большие мастера и в проходных вещах держат уровень.
https://album.link/s/5gD3tPSWfnzu1XWpKwiB0o

https://youtu.be/hraqLQLPLts?si=TA7Rdm5rVH1pHnR9

Недавно вышел новый альбом экспрессивной и яркой японской пианистки Hiromi со своей группой Sonicwonder - OUT THERE.
В наши дни джаз может быть чем угодно. Смешайте его с хип-хопом, и вы получите Камаси Вашингтон. Смешайте его с эмбиентом и электронной музыкой, и вы получите SML. В последнее время, если вы смешиваете его с видеоиграми, вы получите Хироми. Хотя выбор карьеры японской музыкантки Хироми Уэхары может быть странным путем для некоторых джазовых исполнителей, для джазовой пианистки он не является неожиданным. Sonicwonder, новая группа Уэхары, является одним из многих акустически разнообразных джазовых проектов, в которых она участвовала за эти годы. Хотя ее последний альбом OUT THERE отличается от Sonicwonderland тем, что он не так изобилует мотивами компьютерных игр, как ее альбом 2023 года, этот следующий альбом лучше всего раскрывается, когда он фокусируется на причудливости и хаотичности, а не на традиционности и серьезности.
Получился виртуозный, весёлый, бодрый и захватывающий альбом.
( по материалам Spectrum Culture)
https://album.link/s/5Z1XM55fh24JfLyDWWzRRl

https://youtu.be/5dlz5pZcicE?si=NMHAYhdOXbkOQOm-

Альбом посвящение великому Майлзу Дэвису от превосходного итальянского трубача - это же является и своеобразной встречей, которая не случилась - Паоло Фресу вспоминает историю «пропущенной» встречи с Дэвисом: в Терни в 1984 году, когда организаторы фестиваля хотели его представить великому, он буквально убежал, охваченный неумолимым учащением сердцебиения, которое не мог контролировать. Таким образом, двадцатитрехлетний парень, только недавно вошедший в мир джаза, упустил возможность, которую уже никогда не удастся вернуть. О чем сегодня, в свои шестьдесят три года, наверняка сожалеет.
(по материалам AllAboutJazz)
https://album.link/s/00LaJ4esg55XI1IEWGbOoH

Из любимого. Пластинка Яна Юханссона Jazz på svenska, во многом предопределившая расцвет Nordic Tone, покоривший мир в исполнении Эсбьерна Свенссона, Торда Густавсена, Кетила Бьорнстада и Бобо Стенсона, была записана в 1964 году на Heptagon Records. Это сборник из двенадцати шведских народных песен (в переиздании 2005 года добавлены 4 бонус-трека) в незамысловатой джазовой обработке. Юханссон услышал в простых лиричных мелодиях, заключенных в ясную ритмическую основу, родство с блюзом и аккуратно аранжировал их для фортепиано и контрабаса. Чтобы сохранить исходный материал, он дал себе минимальную свободу импровизации, оттенив ее деликатным басом Георга Риделя. Изысканная детализация каждой ноты и прозрачное звучание клавиш, призванные, как граненые подвески стокгольмских люстр, преломлять и множить скудный солнечный свет, погружают в атмосферу зимнего вечера в теплой гостиной у камина, когда «в час между собакой и волком» какой-нибудь швед в каком-нибудь Бюллербю, глядя в окно, грустно размышляет о том, что завтра будет еще один короткий световой день и снежная дорога. Возможно, именно этот меланхоличный альбом увлек за собой поколения скандинавских музыкантов и (кто знает?) самого Манфреда Айхера с его ECM, для воплощения в жизнь идей «джазового хюгге». Юханссон прожил короткую жизнь (погиб в 37 лет), но главное все же успел сделать – нашел на чердаке старое издание народной музыки Svenska Låtar, смахнул пыль и записал этот скромный шедевр, чтобы сберечь скандинавское музыкальное наследие во времена, когда «битлы» и «роллинги» уже входили в самый сок.

https://album.link/i/286768548

Сразу после зимы наступило лето - солнца всё больше, пишется всё меньше :)
Джазовая жизнь потихоньку перебирается из наушников и колонок на природу - фестивали, открытые площадки и клубы дарят отличное ощущение джазового лета - посещайте хорошие места, слушайте хороших исполнителей - всё же живая музыка это ни с чем не сравнимое удовольствие. Вот можно, например, прийти на день рождения Аркадия Пикунова - 23 апреля в Культурном Центре ДОМ состоится большой концерт в честь именинника - одной из важнейших фигур современной импровизационной, экспериментально-джазовой и новой академической музыки в России, саксофониста, композитора и исполнителя на электронных инструментах - подробнее здесь.
Кто же хочет непрестанно оставаться в курсе новинок джазовой и около-джазовой музыки, впрочем и старые классные альбомы там присутствуют в большом количестве, заходите на канал Albums Jazz Chat или присоединяйтесь к чату Chat AllThatJazz - здесь активная деятельность продолжается и летом и зимой. Сброшу ниже несколько недавних обзоров из чата и канала.

Как раз в тему "концептуальных джазовых альбомов":
Gerald Clayton - Ones and Twos - сегодня вышел новый альбом известного джазового пианиста, к созданию которого он привлёк лучших импровизирующих музыкантов своего поколения, этакая сборная всех звёзд современного джаза. В состав группы входят сам Джеральд Клейтон на фортепиано, органе, синтезаторах и вокал; Джоэл Росс на вибрафоне; Елена Пиндерхьюз на флейте; Маркиз Хилл на трубе; Кендрик Скотт на барабанах; а также Касса Овералл, джазовый и хип-хоп алхимик, играющий на перкуссиях и занимавшийся продакшн и обработкой и созданием звуковых эффектов, которые являются как мимолетными, так и существенными для атмосферы и эстетики музыки.
"Ones & Twos — это эксперимент, идея, вдохновленная искусством тернтейблизма" — говорит Джералд Клейтон, поясняя более масштабную идею, лежащую в основе этого удивительно оригинального проекта. "Я намеревался создать пластинку, где сторона A может воспроизводиться одновременно со стороной B — отсылка к тому моменту в клубе, когда диджей переходит от одной песни к другой, когда вы слышите два отдельных произведения одновременно".
При наложении, треки трансформируются в части, которые прочно укоренены в оригиналах, но при этом поразительно новы. Объединенные треки будут представлены позже в этом году как кульминация проекта.
"Это похоже на смесь одной песни, заканчивающейся в клубе (на одном проигрывателе), и другой, начинающейся (на другом проигрывателе). Эти единицы и двойки. Есть момент, когда это странно, необычно и неуверенно в себе, но каким-то образом это работает. Или, может быть, вы слушаете музыку в своей комнате, а кто-то в другой комнате делает что-то громче. Это все равно как-то связано".
По его словам, он начал с вопросов - Возможно ли гармоничное сосуществование двух отдельных мелодий? Неизбежно ли одна мелодия доминирует над другой? Возможно ли, чтобы два человека сосуществовали, не доминируя друг над другом? А две культуры?
Ответы на эти вопросы мы получим чуть позже, когда выйдут обьединённые треки, а пока послушаем исходники, сыгранные классными мастерами. Интересно будет проследить, что получится после воплощения "концепции тернтейблизма".
(По материалам лейбла Blue Note, на котором и вышел этот альбом)
https://album.link/s/4nRENY6OH6RHFGrf1RthCW

P.S. Больше новых и старых альбомов на канале Albums Jazz Chat .

https://youtu.be/AhRXhQyjsoQ?si=V8wq2Njc0e67yZIC

https://youtu.be/7HQObVB-ZXU?si=wLvj8Of0whNyb6Jh

Что-то давно у нас не было рубрики #ВспомнитьВсё , где мы вспоминаем героев недавних и давних лет:
Polar Bear - ещё лет 15-20 назад они считались одной из интереснейших и многообещающих кроссовер-джаз команд на британской джазовой сцене и фразы типа - ...прекрасная витрина для высокооктанового джаз-рока, фьюжн, эмбиент-блаженства и грязных грувов - не казались для них преувеличением. Сегодня о них мало кто помнит и знает, хотя лидер группы Себ Рочфорд продолжает выпускать свою музыку соло и в различных проектах. Себ Рочфорд весьма творчески-разнообразный и креативный музыкант - помимо Polar Bear, он был ещё и одним из организаторов джаз-панк проекта Acoustic Ladyland и одним из соучредителей культовых Sons of Kemet - вместе с Шабакой они сделали эту команду ярчайшей звездой на современном джазовом небосклоне.
Но вернёмся к Polar Bear: впечатляет состав команды - помимо самого Себа, играющего на барабанах, в группе было два саксофониста, контрабасист и электронщик - странный набор инструментов, но как раз он и необычная музыка команды и привлекли внимание музыкальной общественности. Уже второй альбом Polar Bear - Held on the Tips of Fingers, вышедший в 2005 году, произвёл сенсацию - известный джазовый журнал Jazzwise поместил этот альбом в свой список "100 альбомов, которые потрясли мир", а британская The Guardian добавила его в список "1000 альбомов, которые стоит услышать перед смертью."
Приведу выдержку из обзора альбома с джазового ресурса All About Jazz: "Это, возможно, звук будущего — по крайней мере, одного из них — и, боже, как он работает. По сути, не поддающийся категоризации, Polar Bear отражает мега-эклектичные, постмодернистские вкусы Себа Рочфорда (который написал все мелодии) и его коллег, которые с одинаковым энтузиазмом проходят через Бьорк и Бетховена, Pig Destroyer, Колтрейна, Монка, Штокхаузена и призрака Rip Rig & Panic, а также встречающиеся с некоторой грубо синкопированной, ярмарочно-кабарешной эстетикой Курта Вайля. Это джаз, всё верно, 100% и безошибочно, но с обилием left-field электроники и мутантного, рок-н-ролльного и фанк-грува, придающего остроту свободному импровизационному миксу."
Ещё одним знаковым альбомом Polar Bear стал, записанный в 2010 году, Peepers - на нём ещё более заметную роль стала играть электроника и добавилась электро- гитара, плюс появились эксперименты с сэмплами и прочими штуками - в общем, как написали в Popmatters - это джаз не для твоего отца, но если у вас извращенный слух и есть авантюрная жилка, это вполне может быть вашим.
После 2015 года группа больше не подавала признаков жизни - все её альбомы представляют определённый интерес для любителей современного джаза, хотя последние как-то и утратили живость и стремление к экспериментам, но два альбома, о которых рассказано выше, настоятельно рекомендуются к прослушиванию.

https://youtu.be/rDgHUj8sJaQ?si=-tjrXOz5JYcMd-Cq

Вот, наконец-то, я и подобрался непосредственно к джазу - а какие джазовые произведения могут похвастаться такими интересными концепциями? Но что-то вступление у меня затянулось, пост получился слишком уж большим - вскоре я вернусь к этой теме. А вы присылайте пока названия джазовых альбомов с необычной концепцией - составим свой список.

Есть ли выдающиеся концептуальные альбомы в джазе - этот вопрос возник у меня при изучении многочисленных списков самых важных концептуальных альбомов всех времён, составленных различными музыкальными изданиями. Бросается в глаза то, что практически все эти альбомы жанрово относятся к рок-музыке - часто упоминается и один из самых первых концептуальных альбомов The Beatles с их великим Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, и Дэвид Боуи с The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, ну и как тут без The Wall - даже не буду говорить чей. Во всех списках фигурирует по большей части один и тот же набор исполнителей и альбомов, и нельзя не отметить, что джазовых альбомов во всех этих списках нет вообще. Нужно восстановить справедливость - давайте составим свой список самых необычных, интересных и важных концептуальных альбомов джаза. Но прежде, разберёмся с самим понятием концептуального альбома.
По своей сути, концептуальный альбом - это альбом, в котором все песни, композиции или части так или иначе связаны главной темой повествования или некой основной идеей, которую автор хочет представить слушателю.
С главной темой проще и понятнее: скажем у Дэвида Боуи - Зигги Стардаст и играющие с ним "Пауки с Марса" прибывают на Землю, чтобы с помощью музыки проповедовать мир и любовь на погибающей планете; герой же с альбома Pink Floyd повествует о выстраивании стены, дабы оградиться от общества; а в шедевральном концептуальном альбоме Сержа Генсбура - "Histoire de Melody Nelson" - тема альбома весьма переплетена с "Лолитой" Набокова.
С необычными идеями, заложенными в концептуальные альбомы, дела обстоят гораздо занятнее - скажем в альбоме культовой комедийной группы Монти Пайтон - The Monty Python Matching Tie and Handkerchief было впервые продемонстрировано искусство виниловой инженерии - виниловый диск содержал не две, а три стороны - на второй стороне винилового диска были протравлены две канавки, и в зависимости от того, куда опускалась игла, воспроизводились те или иные композиции - т.е. альбом случайным образом мог сам меняться.
Ну и отдельно стоит упомянуть произведение Джона Кейджа - "4′33" - правда это не альбом, а пьеса в трёх частях, но всё же. На протяжении всех трёх частей, общей длительностью 4 минуты 33 секунды, не звучит ни единой ноты, абсолютная тишина. Кейдж называл своё произведение "пьесой непрерывной тишины", причем он считал, что тишины как таковой не существует. Еще до написания пьесы он специально посещал безэховую камеру в Гарварде - идеально бесшумное пространство, но и там он не нашёл абсолютную тишину - в камере он услышал звук биения собственного сердца. При первом исполнении этой пьесы в зале слушатели не поняли замысла композитора: "Меня не поняли - такого понятия, как тишина, не существует вообще. То, что слушатели приняли за тишину, это всё потому, что они не умели слушать, там же было полно случайных звуков: в первой части можно было услышать шум ветра, доносившийся из-за окна; во второй части на крышу зала стали падать капли дождя; а в третьей части - люди и сами стали издавать интересные звуки, когда заговорили между собой и двинулись к выходу."
На создание этой пьесы Кейджа вдохновили абсолютно белые картины его друга, художника-концептуалиста Роберта Раушенберга. Раушенберговские белые полотна в галерее тоже никогда не были абсолютно белыми — на белые холсты падали тени посетителей и различные блики, поэтому, в разное время суток они выглядели абсолютно по-разному.
Ну и плюс ко всему прочему - 4 минуты 33 секунды - это 273 секунды - а 273, если принять что это градусы Цельсия - это температура, при которой останавливается любое движение атомов во Вселенной - температура абсолютного нуля - прекрасная аналогия с абсолютной тишиной, если учесть, что и при абсолютном нуле всё ещё остаются квантовые колебания.

https://youtu.be/ZpR_P4a9elQ?si=hAz1dsTBWV8vSQp9

Сегодня вышел альбом Beamo польского пианиста Leszek Moźdźer в составе трио с контрабасистом Lars Danielsson и драмером Zohar Fresco. В основе «Беамо» лежит необычный эксперимент с тональностью. Лешек Можджер переосмысливает традиции, заложенные такими мастерами XVII и XVIII веков, как Бах и Рамо, и выходит за рамки системы равной темперации, которая делит октаву на 12 равных интервалов. Хотя эта система доминировала в музыке на протяжении веков, Можджер бросает ей вызов, описывая её как «болезненную пикселизацию музыки, сведённую к двенадцати обязательным тонам». Для «Beamo» Можджер использует три рояля с уникальной настройкой: один настроен по современному стандарту A = 440 Гц, другой — по A = 432 Гц, а третий настроен по декафoник-системе, разделяющей октаву на 10 равных интервалов. Такой подход не отказывается от тональности, но преобразует её, создавая тональную нестабильность, которая одновременно интригует и глубоко прекрасна.
Ларс Даниэльссон мастерски ориентируется в этом новом звуковом ландшафте, сплетая эти различные тональности с глубоким, резонирующим голосом своего контрабаса. Его импровизационный талант проявляется ещё ярче, когда он играет на виоле да гамба в таких композициях, как «Decaphonesca», подстраивая её лады под декафоническую настройку. В то же время Зоар Фреско создаёт ритмическую основу необычайной глубины и сложности, его перкуссия блистает замысловатыми деталями, которые создают свой собственный мир.
По словам Лешека Можджера, название альбома — это "игра, код, и слушателю предстоит расшифровать его скрытое послание... Это может быть отсылка к латинскому слову „amo“, обозначающему качества любви, или к „лучу“, символизирующему луч света. Это загадка, многомерный манифест — и самое короткое из возможных стихотворений."
А от себя добавлю - получился умиротворяющий и лиричный релиз с необычным звучанием и подходом, плюс к этому, завершает альбом интересная переработка мега-хита Depeche Mode - Enjoy the Silence.
( по материалам зарубежной прессы )
https://album.link/s/7eS7LmIOblljfeXdznzVud

P.S. Больше новых и старых альбомов на канале Albums Jazz Chat.

https://youtu.be/PB_2W8CEMgk?si=uR-EtDWS_hHKtclT

https://youtu.be/noYCkiPrqS8?si=pCBInF-BtpULbHFV

Anouar Brahem- тунисский мастер уда (ближневосточная лютня с коротким грифом) родился в Медине в 1957 году. Уд традиционно был аккомпанирующим инструментом, но Ануар Брахем придал ему возможности солирующего инструмента. По большей части его альбомы выходят на культовом лейбле ECM - звучание уда как нельзя лучше подходит под концепцию этого лейбла с его любовью к задумчивой и медитативной музыке и преклонению пред тишиной, а также идеей, что несыгранные ноты зачастую важнее сыгранных - тут уж Ануар Брахем попадает совсем в точку. Помимо сольной игры он славится своей работой со множеством замечательных джазовых исполнителей. Сотрудничество Брахема с ECM началось в 1989 году и с тех пор он записал больше десятка альбомов на этом лейбле, работая с такими известнейшими джазовыми музыкантами, как Ян Гарбарек, Дэйв Холланд, Джон Сёрман и Джек ДеДжонетт.
Ануар Брахем с поразительным изяществом сочетает арабскую музыку с камерным джазом и классической музыкой - очень часто в его композициях находятся отсылки к произведениям Клода Дебюсси и Эрика Сати.
На днях вышел новый альбом Anouar Brahem – "After the Last Sky" - после восьми лет перерыва он собрал свою старую гвардию в лице контрабасиста Дейва Холланда и пианиста Джанго Бэйтса, также пригласил замечательную виолончелистку Аню Лехнер и записал альбом с названием, отсылающим к строкам поэта Махмуда Дарвиша: "Куда должны лететь птицы после последнего неба?"
Изящные камерные пьесы для уда, виолончели, фортепиано и баса тонко затрагивают этот метафизический вопрос, но вряд-ли они дают ответ на него - в последних нескольких композициях альбома символично отсутствует звучание уда Ануара Брахема - наверное, ему нечего больше сказать нам, покидающим последнее небо.
Отличный альбом.

Вышедший в эту пятницу альбом датского барабанщика Даниэля Зоммера завершает его скандинавскую трилогию - первые два альбома "As Time Passes" (с Арильдом Андерсеном и Робом Люфтом) и "Sounds and Sequences" (с Арве Хенриксеном и Йоханнесом Лундбергом) получились замечательными, не менее замечательным получился и финальный "Lost Threads", в котором вместе с ним играют финский пианист Арттури Рёнкя и шведский басист Томми Андерссон. Трио продолжает следовать скандинавскому духу импровизации с его завораживающим звучанием, медитативной отрешённостью и холодной лиричностью.
Отличный альбом.
https://album.link/s/5NRdRSeHgb3Bnx4FgCc5fS

P.S. Больше новых и старых альбомов на канале Albums Jazz Chat.

https://youtu.be/ZX61KaHhwns?si=1HJJ0FpP3v76LBdp

https://youtu.be/EQQV5ZlygUg?si=b4qO4AruXqJR0-nc

Прочитайте вначале выдержку из статьи в The New York Times о незаурядном певце и клавишнике Lonnie Holley, а затем попробуйте представить, какую он музыку играет и о чём поёт:
"Честно говоря, подробности ранней жизни Холли читаются как фольклор. Он родился в Алабаме в 1950 году, седьмым из 27 детей. Когда он был младенцем, его мать отдала его странствующему танцору бурлеска, который через три года отдал его женщине, владелице бара, в обмен на бутылку виски. Эта женщина умерла, когда Холли было 7 лет. Ее муж обвинил его в ее смерти и безжалостно избил. Когда Холли попытался сбежать, его сбила машина и протащила два с половиной квартала. Он пролежал без сознания в больнице три месяца и врачи констатировали смерть мозга. После невероятного выздоровления его вернули под опеку человека, который его избил. Холли снова сбежал, на этот раз запрыгнув на поезд до Нового Орлеана. К 11 годам он оказался в Алабамской промышленной школе для негритянских детей, печально известном трудовом лагере, где он провел четыре жестоких года, прежде чем его отпустили под опеку деда, который воссоединил его с матерью... "Я пел, потому что вырос в баре, где продавали виски и моя кровать находилась прямо рядом с музыкальным автоматом. Но из-за того, что меня сбила машина, когда мне было 7 лет, я потерял большую часть своей памяти и я забыл, кого слушал. Все, что я знаю, это то, что я там лежал, слушал и импровизировал, пока не усну."
Ну что-же, теперь, внимая новому альбому 75-летнего певца, вам не нужно будет знание английского языка - пульсирующая смесь джаза, блюза, инди-рока, госпела, электроники и проникновенной декламации позволит без труда представить всё, о чём поёт Лонни Холли - музыкант, который изгоняет призраки прошлого, исполняя трансовый джаз, блюз и инди, и скульптор, который извлекает красоту и смысл из мусора, используя материалы от ржавых навесных замков и сломанных стульев до старых органных труб и картонных коробок, и в тоже время, просто радующийся выживанию в этом мире.
Свой первый альбом он выпустил в 2012 году, когда ему было 62 года. Затем последовали ещё несколько работ с невероятной музыкой и названиями песен типа - Шесть космических шатлов и 144000 слонов.
В эту пятницу вышел новый альбом Lonnie Holley - Tonky - с индустриальными и космическими нотами, вплетёнными в полотно воспоминаний о боли, этот альбом всё же дарует надежду на лучшее - как однажды воскликнул сам Лонни Холли: "Большой палец вверх за Мать Вселенную!"

Канадец Дарси Джеймс Аргью и его биг-бэнд из 18 исполнителей «Тайное общество» (Darcy James Argue's Secret Society). Так и хочется покаламбурить с его фамилией в духе: крут – не поспоришь, или: бесспорно лучший биг-бэнд). Этот двойной альбом Dynamic Maximum Tension – дань уважения людям, оказавшим на него влияние, – футуристу Бакминстеру Фуллеру, криптографу Алану Тьюрингу, аранжировщику Бобу Брукмейеру, трубачке Лори Фринк, просто Дюку (34-минутный блестящий ответ его Diminuendo and Crescendo in Blue) и актрисе Мэй Уэст. Сложно даже определить формат записи – то ли это джазовая симфония, то ли мультимедийная джаз-инди-рок-опера (премьеры его альбомов всегда сопровождаются мультимедийной программой). Сам Аргью говорит, что его музыка не оторвана от корней и не любит, когда его называют создателем нового формата биг-бэнда, но, черт возьми, так оно и есть: это не привычный реликт в духе Каунта Бейси, а офигительно современное звучание большого оркестра. На протяжении почти двух часов можно, конечно, и подустать, но точно не перестать хвататься за голову от блистательных многослойных композиций, сногсшибательной оркестровки и многочисленных великолепных соло. Вишенка на торте всего этого пышного великолепия – вокальная партия современной реинкарнации Мэй Уэст (вероятно, так это видит автор) – Сесиль МакЛорен Сальвант.
Всего у Аргью 4 диска, до этого я раза три подряд прокрутил Real Enemies, где он исследует страсть Америки к теориям заговора в диапазоне от ЦРУ и Контрас до рептилоидов и выборов, а музыкально – от джаза, ча-ча-ча до болеро и минимализма. И опять – суперсложная архитектоника композиции, фантастические аранжировки, и даже инкрустация этого завораживающего полотна читкой в духе чопорного лектора сделана очень стильно, в общем – чума. Два других альбома тоже вполне достойны погружения – стимпанковский Infernal Machines и Brooklyn Babylon, где он, как и подобает вести себя в артистичном Бруклине, сплетает воедино джаз, минимализм, панк, рок и балканщину.
https://album.link/i/1693230364
https://album.link/i/1136804283

P.S. Для любителей джаза посложнее предложу вспомнить позапрошлогодний альбом, привлёкший внимание многих джазовых СМИ и фанатов сложносочинённой музыки, одним из которых является уже известный вам участник чата AllThatJazz по имени Влад, чью рецензию на этот альбом я и публикую.

https://youtu.be/4_5csvww0fY?si=iP00vGaZZkEGjqp_

https://youtu.be/4JkIs37a2JE?si=R4gwZKfdhKC9jDva

https://youtu.be/iyRPfK-U0Oc?si=A_ItowMIMau62xbI

Blue Note, ECM, Impulse!, ACT, Tzadik, Criss Cross, High Note, Enja - всё это названия лейблов, которые и сделали джаз великой музыкой - через них до нас доходят старые шедевральные альбомы и новые творения современного джаза, которые, правда, уже не всегда можно уверенно идентифицировать, как джаз. Каждый из этих лейблов имеет свой собственный стиль, свой взгляд на прошлое и своё видение будущего - правду же говорят: "Нет ничего более неопределённого, чем прошлое и ничего более предсказуемого, чем будущее."
Периодически буду публиковать заметки о самых известных и значимых джазовых лейблах, о музыке и музыкантах, которые стали олицетворением этих компаний, и о самых известных старых и новых альбомах, вышедших на этих лейблах.
Начну в алфавитном порядке - сегодня будет рекордс-компания Acid Jazz, которая дала название целому стилю джаза - эйсид-джаз. Но что интересно - мало кто может точно объяснить, что же такое этот самый эйсид-джаз, я кстати тоже из их числа.
Появление самого названия стиля приписывают модному в Лондоне 80-х годов, впрочем остающемуся и сейчас крайне актуальным, диджею и музыкальному деятелю Жилю Петерсону, который как-то вместе со своим напарником играли на эйсид-хаусной вечеринке и пытались добавить в эту музыку джазовые элементы, но нарвавшись на непонимание совершенно неподготовленной к джазу аудитории произнесли знаменитую фразу: "Ну и фиг с ним, если есть эйсид-хаус, то мы сейчас играем эйсид-джаз!"
Через некоторое время этот стиль стал очень популярен в Великобритании и затем во всём мире, и Жиль Петерсон организовал звукозаписывающую компанию Acid Jazz вместе с Эдди Пиллером, который честно признавался: "Acid jazz — чушь, мягко говоря. Нет никакого такого направления или жанра в музыке. Это всего лишь звукозаписывающий лейбл. В свое время я пытался защитить диссертацию на предмет acid jazz и не смог дать ни одного определения этому течению".
Ну раз так всё запутанно, то лучше посмотрим на самых известных исполнителей, которые стали популярны благодаря лейблу Acid Jazz и являются олицетворением этой компании и этой музыки:
The Brand New Heavies - пионеры эйсид-джаза, короли лондонских танцполов начала 90-х годов - их смесь джаза, фанка, электрического r&b, соула и диско имела оглушительный успех и послужила образцом для многих последующих исполнителей эйсид-джаза. Как указывал один из основателей команды бас-гитарист Эндрю Леви отправной точкой для их творчества послужили титаны фанка Джеймс Браун и Бутси Коллинз. Свой первый альбом на лейбле Acid Jazz под одноимённым названием The Brand New Heavies они выпустили в 1990 году, а в 1994 году вышел, ставший платиновым, альбом Brother Sister, который недавно был отремастирован - хороший альбом для знакомства с группой.
Jamiroquai - основатель и лидер группы Джейсон Кей вначале пытался устроиться вокалистом в The Brand New Heavies, но его не взяли - тогда накурившись волшебной травы, он придумал основать свою собственную группу, название для которой сочинил, сложив два слова - jam, как джем-сейшн, и iroquai — название индейцев-ирокезов. Талантливого исполнителя заметили на Acid Jazz и дали ему путёвку в жизнь, выпустив несколько синглов, которые стали очень популярны и позволили Jamiroquai перебраться в конюшню гиганта звукозаписи Sony, где и вышли их самые успешные альбомы, в частности Traveling Without Moving с супер-хитом Virtual Insanity. Но на сайте лейбла Acid Jazz не пременули отметить, что это именно они открыли такую мега-звезду.
James Taylor Quartet - ещё один коллектив, который был открыт Acid Jazz, но затем был перехвачен гигантом Polydor. Отличная команда о которой нужно будет поговорить как-нибудь отдельно, упомяну сейчас лишь их альбом 1987 года на лейбле Acid Jazz под названием Mission Impossible, который содержал классические кавер-версии мелодий из фильмов 1960-х годов «Миссия невыполнима», «Голдфингер», «Миссис Робинсон» и др.

https://youtu.be/y2WE4bFuLnw?si=GfjmhDcipo5cnCvP

https://youtu.be/I_TCxYHGRwM?si=zN-66voj5RTL1TaZ

https://alabasterdeplume.bandcamp.com/album/a-blade-because-a-blade-is-whole

Тяжело найти более экстравагантного артиста на лондонской джазовой сцене: Alabaster DePlume - саксофонист, гитарист, поэт, декламатор, продюсер и далее по списку. И всё это, как он сам утверждает, он делает неправильно. Что и не удивительно - выходец из Манчестера, который в юности играл пост-панк, затем творческий путь сделал крутой вираж - Alabaster DePlume стал замешивать джаз, фолк, spoken word и авангард в новую форму искусства, которую крайне тяжело классифицировать - оттачивал он её, бродя по автодорогам и бормоча себе под нос свои мелодии и стихи. Необычная подача, странная поэзия и особый дрожащий и вибрирующий звук саксофона вызывают иногда умиление, иногда удивление, а иногда и оторопь.
В британской The Guardian так попытались представить читателям этого необычного музыканта: "В его альбомах представлены некоторые из лучших джазовых музыкантов Британии, но вы не назовете это джазом. Это странная смесь скрипучей камерной музыки, неуклюжего пост-панка, лоу-файного афробита, авангардной фолк-музыки и английской причудливости. Саксофонист-самоучка играет на своем тенор-саксофоне краем рта хриплым бормотанием, все эти простые фразы и порхающие, тихие завитушки. Он поет мантрами, иногда скатываясь в довольно забавные разговорные экскурсии..."
На днях вышел новый альбом Alabaster DePlume - A Blade Because A Blade Is Whole - красивые и простые мелодии, иногда бессловесный вокал, вибрирующий звук саксофона, нежный перебор гитары, призрачное пение, которое вдруг порой становится удивительно похожим на шотландского менестреля Донована - но: "Привет, моя маленькая боль, я знаю, что ты здесь" - весь альбом посвящён боли, маленькой и большой, исцелению от боли и противостоянию боли, а не избеганию её. Первое приложенное видео наглядно демонстрирует идею всего альбома - трагедия, переживание, воспоминания и в конце-концов принятие и исцеление. Объясняя название альбома сам музыкант пишет: "Лезвие, которое разделяет, является целым. Лезвие можно использовать для атаки, бритья, отсечения, но его также можно использовать, чтобы отрезать себя от чего-то в процессе освобождения. Лезвие, потому что лезвие целостное, оно простило себя, и потому что нам понадобится маленький кусочек нашей противоположности, чтобы стать цельными. Лезвие отметило на моей руке этих прежних нас, лезвие провело линии, которые делают нас божественными. Пока я прощаю себя, я исцеляюсь и веду нас к исцелению. Мы сможем простить друг друга только тогда, когда простим себя. Мы можем исцелять друг друга только тогда, когда исцеляем самих себя.”
Послушайте альбом, посмотрите видео, почитайте переводы его стихов - возможно вам лучше удастся понять, что хотел сказать Alabaster DePlume, но в любом случае - он один из самых необычных, интересных и важных музыкантов и поэтов на современной музыкальной сцене - и не важно джазовой или нет.

Обложка альбома вроде-бы не даёт шанса на что-то интересное, но слова известной джазовой барабанщицы и композитора Терри Лайн Кэррингтон об этом альбоме заставляют обратить на него внимание:
"Griot Songs прочно закрепили Омара Томаса в пантеоне выдающихся и исключительных композиторов. Он стилистически стирает границы, создавая захватывающую звуковую историю, наполненную сердцем и душой."
Далее продолжил журналист Тьерри Де Клеманса: "Великолепие этого произведения очевидно с самого начала, начиная с его мастерски написанных композиций. Врождённое понимание оркестровой формы и музыкальных аранжировок прослеживается во всём. Этот двойной альбом — настоящее удовольствие с первой до последней композиции.
В западноафриканской традиции гриоты — это сказители, поэты и музыканты, чьи песни воплощают живую память об истории и традициях сообщества. «Песни гриотов» — потрясающий третий альбом Омара Томаса и его большого ансамбля, результат шестнадцатилетней работы, предлагает глубоко личную и эмоционально насыщенную интерпретацию роли современного гриота."
Ну а послушав альбом, соглашусь со всеми этими словами, невзирая на их чрезвычайную пышность - действительно отличный релиз, особенно стоит обратить на него внимание любителям современных биг-бэндов.

P.S. Больше новых и старых альбомов на канале Albums Jazz Chat и в нашем чате ChatAllThatJazz (присоединиться к чату).

https://youtu.be/IOumYzqYKyU?si=qUyD2oAhjwxi1HQ2

Гульдова амадина - одна из наиболее ярких и красочных австралийских птиц, музыка же Gouldian Finch такая же живописно-разноцветная, как и птичка, давшая название проекту норвежского перкуссиониста, композитора и продюссера Мартина Хорнтвета, который известен по участию в популярном норвежском электронно-джазовом коллективе Jaga Jazzist.
Недавно вышел второй альбом Gouldian Finch - Shizo - лёгкий и игривый джаз-фанк-фьюжн, который вполне подходит для внезапно начавшейся весны - переливы винтажных синтезаторов, яркие духовые, романтичные гитарные пассажи и заразительные перкуссии будоражат и заставляют слушателя забыть о зимнем сплине. Сам Мартин Хорнтвет описывает свою музыку, как «виновные удовольствия», где энергия, игривость или юмор не сдерживаются, но в то же время она мелодически красива и деликатна, поверх мозгоплавящих барабанных брейков и сложных аккордовых прогрессий.
Отличный бодрый и искристый альбом - самое то, чтобы выйти на солнце и полюбоваться на гульдову амадину, ну или на только прилетевших скворцов, что ничуть не хуже.

https://youtu.be/B-w85S-HBac?si=H36rY0jLP1fanVaZ

Швейцарский вокальный феномен Андреас Шерер славится своим непревзойденным артистизмом — он певец, инструменталист и рассказчик в одном лице. Его выступления, описанные как «германский Бобби Макферрин с подачей шекспировского актера» (L'Alsace), электризуют, его голос — инструмент безграничных возможностей. В начале 2024 года Французская академия джаза назвала его европейским артистом года, что свидетельствует о его новаторском вкладе в музыку.
Недавно вышел его новый альбом - Anthem For No Man's Land - в музыкальном плане альбом очень пёстр - он переключается между психоделическим роком, итальянской популярной песней, танго, камерным джазом и западноафриканскими ритмами, и в результате получился гимн художественной свободе, звуковая утопия, где язык и жанр растворяются, оставляя только чистое впечатление единства.
Хороший альбом - любителям вокала и нетривиального к нему подхода должно понравиться.
(по материалам Bandcamp)

В этой изумительной музыкальной зарисовке «Приключение ранней весной» 早春奇遇 знаменитая китайская певица У Бися перевоплотилась в куклу Мохэлэ времён империи Сун и путешествует по миру древних картин, оживляя их:
«Я счастливая кукла и перенесу вас в чудесные места. Картины настолько великолепны, что чем больше я на них смотрю, тем больше они мне нравятся. Какой чудесный праздник живописи, сейчас я действительно на седьмом небе от счастья. Ахахахахахахахаха...»
+++
Китайская певица У Бися (吴碧霞, 1975г.р.) - известная певица-сопрано, профессор кафедры вокальной музыки и оперы Китайской музыкальной академии.

Что-то пока не пишется ничего, поэтому сегодня сделаю пару репостов для любителей "необычностей" в вокальном искусстве - первый репост об интересной китайской певице, о ней прочитаете в посте. А второй - о новом альбоме замечательного швейцарского джазового вокалиста Andreas Schaerer - чья музыкальная карьера началась еще в юности, когда он использовал ранние кассетные деки для создания таких композиций, как «Дуэт для швейной машинки и губной гармошки», теперь же он исследует широкий спектр вокальных техник, включая сырой sprechgesang (стиль экспрессионизма между пением и говорением), имитацию звука, битбокс и скэттинг вплоть до оперной колоратуры.

https://youtu.be/x0oGXVmblG8?si=DUvNZbkw7V4O170v

P.S. Новый альбом израильского контрабасиста Adam Ben Ezra - Heavy Drops - вновь демонстрирует его видение контрабаса, как солирующего инструмента - хлопки и щелчки по деке, гитарные приёмы игры на грифе контрабаса, различные подзвучки и применение loop-station выводят контрабас из тени и заставляют увидеть его ярким, гибким и необычно звучащим инструментом. Хороший альбом лёгкого джаз-фьюжн.
Больше обзоров новых альбомов на Albums Jazz Chat.

https://youtu.be/IeP0o1U_Y_k?si=IPUFizXPkDVwzW31

https://youtu.be/x_mIO-hP48I?si=YY3j8GTPMbc9lqAc

Yazz Ahmed - британо-бахрейнская трубачка, яркий представитель современной британской джазовой сцены - это сейчас её называют жрицей психоделического арабского джаза, но так было не всегда - вначале она слушала Диззи Гиллеспи и Майлза Дэвиса, и играла вполне традиционный джаз, но затем эксперименты по слиянию джаза и арабской музыки привели её к созданию своего особого звучания, для достижения которого Yazz Ahmed заказала у специального мастера четвертьтоновый флюгельгорн, который позволяет ей играть арабские гаммы более точно и выразительно: "Это был долгий путь в поисках собственного истинного голоса. В течение многих лет на меня сильно влиял американский джаз и мне потребовалось время, чтобы понять, что он не был искренне моим, потому-что я не американка."
Пришла к этому пониманию молодая исполнительница через интерес к творчеству прекрасного канадского джазового трубача Kenny Wheeler, а через него она случайно наткнулась на альбом Blue Camel ливанского исполнителя на уде Раби Абу-Халиля, выпущенный в 1992 году - вот этот то альбом и совершил переворот в сознании Yazz Ahmed - символично, что дебютный альбом, который она выпустила в 2011 году и на котором впервые появился её новый звук, назывался "В поисках пути домой."
На днях вышел новый альбом Yazz Ahmed – A Paradise in the Hold - в этом альбоме её музыка обусловлена двумя традиционными народными формами: радостными свадебными стихами Бахрейна и печальными песнями ныряльщиков за жемчугом. Это естественное сочетание её интересов, объединяющее культурные традиции свадеб с фольклором ныряльщиков за жемчугом, которых больше не существует как профессиональных тружеников, но которые остаются в памяти благодаря уникальному бахрейнскому жанру, известному как фиджири, или морская музыка. Важной частью фиджири является сопровождение пения особыми полиритмичными хлопками ладоней и хотя точную технику хлопков очень сложно выполнить правильно, но в Бахрейне, как говорит сама трубачка, в этом деле все эксперты.
Мерцающее звучание трубы, переливы электроники, россыпи вибрафона, плач скрипки и воркование бас-кларнета создают иллюзию погружения в воду вместе с ныряльщицами за жемчугом: "Мы взяли звуки, которые я записала, и создали новые цвета и текстуры, глубокие звуки из океана, крики морских существ и использовали их, чтобы рассказать истории о ловцах жемчуга, русалках, сиренах и празднествах."
На вопрос - остаётся ли её новая музыка всё ещё джазовой? - Yazz Ahmed отвечает: "В джазе есть много поджанров и сотни индивидуальных голосов, которые привносят свои собственные истории в эту постоянно развивающуюся музыку, возможно, сейчас больше, чем когда-либо. Для меня джаз — это древний дуб с глубокими корнями, прорастающий сотнями ветвей. Новые побеги появляются все время."

https://youtu.be/zHLLf9rXpHY?si=SErZynhTR6AxQtWW

P.S. Ну и раз сегодня получился пост о не-джазе, но с джазовыми корнями - тогда поведаю об одном новом альбоме такого же плана:
Damon Locks - List of Demand - звуки джазовой трубы, семплы архивных выступлений различных ораторов, нарезки со старого винила, чуть скрэтчинга, немного искажённого вокала и прочие эксперименты со звуком - как-то так звучит новый альбом чикагского музыканта и звукового и визуального дизайнера. Кто-то сравнил прослушивание этого альбома с ситуацией, как если бы вы ехали поздно ночью в машине и беспорядочно переключали различные андеграундные радиостанции - звук радиостанций иногда пропадает, но обрывки музыки, полемики, джаза и поэзии звучат на удивление слаженно и необычно.
Этот альбом местами напоминает культовый альбом Since I Left You мастеров "грабежа звуков" The Avalanches (кто забыл о plunderphonics - вот пост).
В общем, получился отличный концептуальный альбом с очередной попыткой переосмыслить джаз в 21 веке.
Больше обзоров новых альбомов смотрите на канале Albums Jazz Chat.

https://youtu.be/AvqA4w0IVTY?si=SkwRI3W57kiD5ZJD

https://youtu.be/e2MshM0reYQ?si=fxN72TweAygrpaNR

Вернёмся теперь к японским исполнителям: сегодня познакомимся с BIGYUKI - интересным музыкантом, который начинал изучать классическую музыку, играл на фортепиано Шопена и Листа, затем посвятил себя джазу, потом бросился в электронику, трэп и хип-хоп, и наконец смешал это всё в единое варево - у самурая нет цели, только путь. Кстати сам пианист, который родился в Японии, а затем уехал в США, с юмором относится к тому, что существует штамп - японец, значит самурай. В приложенном прикольном клипе, который сделал для него один знакомый режиссёр, высмеиваются различные клише о японской культуре и западном восприятии её: "... я японец, а значит, этакий самурай в джазовом мире. Самураи – это, конечно, клише, но он, видимо, решил посмеяться над бытующим на Западе образом, что все японцы – это самураи. Японцев постоянно такими изображают – это, разумеется, жуткая банальность, поэтому над ней можно посмеяться."
Преодолевая все эти штампы, BIGYUKI пришлось интегрироваться в джазовый мир Штатов - он окончил Беркли, будучи студентом, начал играть в джазовых клубах Бостона, переехал в Нью-Йорк, где играл с Робертом Гласпером и Камаси Вашингтоном, и в 2016 году он был назван лучшим клавишником читателями популярного журнала Jazz Times наряду с Herbie Hancock и Chick Corea.
Когда его упрекают, что музыка, которую он играет, это не джаз, BIGYUKI отвечает:
"Моя музыка — это моя собственная интерпретация черной музыки, которая меня вдохновляет, но я пока ещё не понял, как точно это должно выглядеть."
Masayuki Hirano, а именно так "по настоящему" зовут BIGYUKI, кто-то в шутку назвал "секретным музыкальным оружием Нью-Йорка" - у него не очень много сольных альбомов, зато он очень востребованный сессионный музыкант -BIGYUKI пользуется большим спросом как клавишник и со-автор таких исполнителей, как A Tribe Called Quest, Kamasi Washington и Lauryn Hill: "Я сделал себе имя как сессионный музыкант в Нью-Йорке, где меня знали как человека, остающегося на ногах во всех жанрах, которые я люблю. И пусть моя собственная музыка — это коллаж, но в ней определенно есть грув."

https://youtu.be/jFeoInAR8Dw?si=MdrG5oYfad33y67f

https://youtu.be/5ALiI8ask8s?si=ZyHLy3bvbbTDFy5W

P.S. Есть мнение, что обзоры новых альбомов, выкладываемые после основного поста, несколько захламляют и утяжеляют канал - поэтому, все новые альбомы буду тогда выкладывать на канале AlbumsJazzChat - кому интересно читайте обзоры там, а остальным, таким образом, будет проще читать основную информацию.

Побывав на днях в Ереване, мне самое время пришло вспомнить об армянском джазе - джаз в Армении достаточно популярный жанр, множество имён исполнителей знакомы любителям джаза ещё с советских времён, в Ереване есть несколько хороших джазовых мест, из которых пару джазовых клубов я посетил в свой визит - небольшой и атмосферный Ulikhanyan, и знаменитый джазовый клуб "крёстного отца армянского джаза" Левона Малхасяна - Malkhas Jazz Club. В чат канала я сбросил пару видео из этих клубов, дабы все могли почувствовать неповторимый дух и колорит армянского джаза.
Но если говорить о современных армянских джазовых исполнителях, то, пожалуй, первым на ум приходит прекрасный пианист Тигран Амасян.
Тигран с самого детства оказался "меж двух огней" - его отец был страстным поклонником рока, а дядя, который часто бывал у них дома, был не менее страстным любителем джаза. Поэтому, слушая попеременно Black Sabbath, Miles Davis, Led Zeppelin и Louis Armstrong он заложил основу своего музыкального фундамента, и ещё долго колебался "кем бы стать", как говорит сам Тигран: " Если бы я не стал джазовым пианистом, то непременно заделался бы гитаристом в какой-нибудь трэш-метал банде."
Впрочем, джаз победил и к тому же, Тигран стал погружаться в армянскую народную музыку, ставшую впоследствии ещё одной из составных частей его музыкального фундамента. Тигран рассказывает: "Я открыл для себя многообразие армянской музыки, включая песни тружеников, эпические народные песни и военные танцы, которые сильно отличались от региона к региону. Это были разные жанры музыки, но все они имели модальную основу с двумя определенными конструкциями: мелодической линией и ритмической линией, обработанной очень специфическим орнаментом, который добавляет остроты."
Переехав в 16 лет в LA, он полностью стал частью современной джазовой сцены, не утрачивая своей этнической принадлежности, и постепенно становясь одним из самых интересных и перспективных пианистов в мире. Участвуя в фестивалях, играя со многими мировыми джазовыми звёздами, выпуская сольные альбомы и альбомы в составе различных команд, Тигран Амасян подошёл к написанию своих самых известных альбомов: Mockroot, записанный в 2015 году, о котором сам музыкант говорит: "Это больше похоже на электроакустическое армянское рок-трио, чем на обычное джазовое трио. Иногда мы звучим как хэви-метал группа или дабстеп-диджей, или как некоторые армянские композиторы конца 19 века." ; и альбом того же года, но уже вышедший на культовом лейбле ECM - Luys I Luso - с аранжировками пианиста музыки из армянской православной мессы, литургий, гимнов, кантосов, песнопений и вечерни, написанные для трио и Ереванского камерного хора.
В прошлом году вышел великолепный новый альбом Тиграна Амасяня - The Bird of a Thousand Voices : "... музыка рассказывает историю принца Арега, который отправляется на поиски антропоморфной певчей птицы, единственного существа, которое может принести искупление королевству. Принц сталкивается с бесконечными пустынями, холодными горными зимами, бурными реками, осуждениями, предательством и сорокаглавыми демонами в своем путешествии по черным, белым и красным мирам." Как говорят - эта сказка настолько древняя, что никто не знает, когда она появилась. Идея этого альбома возникла у Тиграна после прочтения книги армянского композитора и музыковеда Артура Шахназаряна, которая описывает средневековые концепции музыкального исцеления: "В своей книге Артур рассказывает о том, как каждый из четырех ладов в армянской музыке представлен одним из четырех элементов. Каждый элемент соответствует определенным цветам, которые, в свою очередь, соответствуют жизненно важным органам в нашем теле. Поэтому в зависимости от того, в какой тональности, в какой инверсии и регистре вы играете, вы можете направить музыку на исцеление определенных частей тела. Артур обнаружил связь между этой музыкальной системой исцеления и цветами различных миров."
В общем, слушайте, наслаждайтесь и исцеляйтесь.

https://youtu.be/fpJxNtW9Uc4?si=4wYbluwvFln8GJBs

https://youtu.be/SsjAQMimO64?si=y848jhbNm4FtDFrl

https://youtu.be/38atRejUORM?si=7zX25jHNF6bvw0bz

P.S. На первом видео звучит отрывок из самой известной работы Габриэля Прокофьева - Концерта для вертушек и оркестра, где на вертушках играет его давний соратник DJ Mr.Switch. На втором видео - другая известная его работа - Suite for global junk - сюита для бочки, мусора и электроники. Интересно, как дедушка Прокофьев отреагировал бы на творчество внука.
Третье видео - ещё один пример сочетания симфонического оркестра и вертушек - тот же Mr. Switch с популярнейшей композицией Роба Дугана, которая стала хитом благодаря Матрице.

Один из электронных альбомов, к которому почему-то временами возвращаюсь, и в то же время это небольшая личная история про отпрысков великих. Как-то лет восемь назад на Sound Up благодаря моей давней подруге (она оказалась устроителем фестиваля), познакомился с внуком Сергея Прокофьева, Габриэлем, даже урвал у него винил с автографом. Довольно интересный композитор, всю жизнь пытающийся (вроде как небезуспешно) выйти из тени дедушки, говорит о себе: «Я Прокофьев. DJ Прокофьев». Живет в Лондоне, по-русски не говорит. Пришел к классике только годам к двадцати, до этого искал в панке, электронике и танцевальной музыке – там, где его заведомо не застукает дедушка с требованием стать великим. По его словам, он пытается разорвать герметичный пузырь классической музыки, полной негласных правил, а мультимедиа как раз может помочь другим людям проникнуть в это «тайное общество». В тот приезд он исполнял в Москве свой «Концерт для вертушек с оркестром», классная штука, и, как ни странно, именно в этих контрастах скретчинга со струнными и возникает «тень отца деда Гамлета». Но сейчас о другом его альбоме – Cello Multitracks, Сюита для девяти виолончелей, с Питером Грегсоном. Один единственный инструмент, но во время записи Грегсон сыграл вместе с предварительно записанными и наложенными друг на друга восемью другими своими же партиями. В результате – погружение в Марианскую впадину даже не биполярного, а нониполярного расстройства личности – то он угрюмо теребит струну, будто эхолот поймал движение глубоководного батискафа, то хлещет себя по щекам бартоковским пиццикато, то вдруг опять «вылезет» синкопированный дедушка, то в какой-то почти рейв сбегает, в общем, всячески пытается примириться с остальными своими восемью сущностями. Всегда чувствую себя немного опустошенным после прослушивания, особенно на хорошей акустике – звучит инфернально и пугающе.
https://music.apple.com/ru/album/cello-multitracks/1537578957

В продолжение темы предыдущего поста собирался рассказать вам сегодня о необычном японском исполнителе, но в чате канала один из уважаемых авторов по имени Влад поделился своей историей о другом, не менее необычном и замечательном, музыканте и композиторе, который является...
Впрочем, лучше читайте сами, а в Японию мы ещё вернёмся.

https://youtu.be/Q5rMLPGBzE0?si=5xl7b0Rr9BKw8S9-

А вот другой образец трио "фортепиано, ударные и контрабас играют прохладный джаз" - под руководством бельгийско-японского пианиста и вокалиста Alex Koo трио записало альбом Blame It on My Chromosome. Но здесь уже больше экспериментов, немного присутствует вокал, есть приглашённая звезда на паре треков в лице Ambrose Akinmusire, да и джаз уже не так чтобы прохладен. В UKJazz написали: "... обучение Alex Koo классическому фортепианному репертуару очевидно, и в композициях есть утонченность Дебюсси, которая также часто вызывает в памяти угловатость Кита Джарретта, а также тихую задумчивость Билла Эванса." Вряд-ли подобное сравнение с великими имеет смысл, но не отметить замечательную игру пианиста действительно нельзя. Хороший альбом.

https://youtu.be/5c3UgMk0EhI?si=Uo5qSNXvEQ-Kqxv6

Kjetil Mulelid Trio - And Now - уже четвёртый альбом фортепианного норвежского трио продолжает радовать слушателей меланхоличным звучанием, лиричностью, атмосферностью и особой мелодичностью, которые присутствовали на предыдущих их альбомах. Вряд-ли можно изобрести что-нибудь новое в формате "фортепиано, ударные и контрабас играют прохладный джаз", но искать нюансы, присущие тем или иным исполнителям, весьма интересно и захватывающе. Хороший альбом.

P.S. Недавно вышли новые джазовые альбомы ( Больше новых и старых альбомов на канале Albums Jazz Chat )

https://youtu.be/1rTFTS_OJbY?si=nGwdAkw3K8R7RbAS

https://youtu.be/_4AcjvsVn5k?si=JK5fyuxupfLCtLGf

https://youtu.be/tsd5Wknm910?si=1Nd1rHDXR4q39jJ9

https://youtu.be/p8GcHoSIPDg?si=QMhGClxKOxg3nK8e

Иногда поражаешься, как ищущие творческие люди находят совершенно невероятные способы взаимодействовать с окружающим миром посредством музыки. Сегодня расскажу только о двух музыкантах, всего две истории - первая восхищает умением человека увидеть новые возможности там, где другие бы увидели лишь преграду, вторая же ни больше ни меньше возвращает веру в человечество.
Однажды немецкий музыкант и скульптор Армин Кюппер наткнулся во время своей прогулки на большие газовые трубы, которые ещё не были заварены. Естественно, как и любой из нас, он покричал внутрь трубы, вслушиваясь в эхо. Но затем его осенила идея - на следующий день он вернулся со своим саксофоном и начал играть, используя трубу как своеобразный инструмент с естественной задержкой звука, реверберацией и прочими звуковыми эффектами. Затем он начал всё чаще приходить туда и с саксофоном, и с гитарой, и с диджериду, наслаждаясь невероятным сочетанием звука инструмента и звука, преобразуемого газовой трубой, а через некоторое время пригласил вокалистку попробовать как голос звучит вместе с саксофоном. "Этот звук в трубе, в этом одиночестве всегда даёт мне ощущение - эй, ты здесь не один. Иногда я просто не могу перестать играть. Я погружаюсь в мир завораживающих звуков, играю и увлекаю слушателей в невероятно захватывающее путешествие. Приятно, что, когда вечером становится прохладно, я сажусь в трубу, нагретую за день, и наслаждаюсь закатом, играя на саксофоне." Армин Кюппер записал несколько альбомов в этом ключе - один из них Pipelinesounds Vol.1.
Теперь перенесёмся в Таиланд - пианист Пол Бартон переехал туда из Англии, где достаточно часто играл классический репертуар от Баха до Бетховена перед многочисленной публикой. Теперь же он тоже играет Баха и Бетховена, но уже перед особой аудиторией - он привозит своё фортепиано в заповедник для старых, больных и раненых слонов и играет им классические произведения, пытаясь таким образом немного утешить их. Вспоминая о своём первом концерте в этом заповеднике под названием "Мир слонов" Пол Бартон едва сдерживает слёзы: "Когда я впервые сыграл на пианино в «Мире слонов», слепой слон по имени Плара по случайности оказался ближе всех к пианино. Он завтракал банановой травой, но когда впервые услышал музыку, то внезапно перестал есть, выпустив траву изо рта, и оставался неподвижным на протяжении всего времени, пока звучала музыка."
Можно сказать, что слоны, эти добрые великаны, просто любопытствуют и музыка им не важна, но Пол Бартон уверяет, что это не так - по его словам, один слон просто уходил, когда пианист играл Шуберта, но мог несколько часов подряд стоять и слушать Бетховена, когда же Пол Бартон проигрывал слонам запись музыки или играл на электрическом пианино это не интересовало их - только акустическое пианино вызывало интерес гигантов.
Несколько дней назад он уже вместе со своей дочерью, которая научилась играть на саксофоне, сыграли для слона дуэтом - на последнем видео заметно, что иногда слон раскачивается в такт этой арии - вот скажите после этого, что слоны не воспринимают музыку.

https://youtu.be/q4BJAF-XkFU?si=retfJDV67In3Rpla

https://youtu.be/Kyz_kQh3ctw?si=BJtEIXF3GZHP3jJH

https://youtu.be/xI7cHarewTA?si=_0Xt1_4XUS-woeVS

Я узнал о прекрасной бельгийской композиторе и пианистке Myriam Alter из этого поста одного из участников ChatAllThatJazz: "Переслушивал недавно замечательную бельгийскую девушку Мириам Альтер и вспомнил, что у нее был отличный альбом с Дино Салуцци, как раз джазовый сплав танго нуэво с чем-то средиземноморским (она из испанских сефардов), такой «евротанго», без привычного для аутентичной версии надрыва, очень мелодично всё и нежно, при этом довольно хитрó скроено. У нее несколько хороших альбомов: первый, который я услышал – с незатейливым названием Alter Ego (2000) с Роном Майлсом и Джоуи Бэроном, потом как раз джазово-танговый с Дино Салуцци - If (2002), затем отличный диск с бразильским виолончелистом Жаком Мореленбаумом Where Is There - чувственный и меланхоличный камерный джаз; последний в 2020 - It Takes Two. Она блестящий композитор, исполняет только музыку собственного сочинения. Помню, кто-то из критиков ее сравнил с бельгийским шоколадом - тонкая ручная работа, глубокие традиции, сладость с неожиданным привкусом горечи."
Как тут было не заинтересоваться - и действительно "бельгийский шоколад" оказался чистым золотом.
Мириам Альтер начала изучать классическую музыку в 8 лет. После почти 10 лет обучения, она вдруг резко решила изменить сферу приложения своих талантов, устроившись на работу в рекламное агентство, но по прошествии семи лет она также внезапно открыла свою танцевальную школу, которой руководила ещё семь лет. И вдруг поняла, что она многое потеряла, забросив обучение игре на фортепиано, но, оказывается, всё же возможно войти в одну реку дважды - она опять садится за изучение игры на фортепиано, увлекается джазом, в котором её прежде всего привлекает импровизационная составляющая, сначала играет джазовые стандарты и затем начинает сочинять свою музыку - вот тут и появляется впечатляющая, захватывающая и прекрасная Myriam Alter, с которой я и познакомился благодаря чату.
Музыка Мириам полна отсылок к различным культурным влияниям, которые сформировали её, как исполнителя и композитора - испанские, итальянские, еврейские, южноамериканские мотивы постоянно "проскакивают" в её творчестве, в котором прекрасно сочетаются джаз, классическая и импровизационная музыка. Мелодичная, меланхоличная, очаровательная, чувственная, пленительная и страстная - можно бесконечно упражняться в подборе прилагательных, но право, лучше послушайте сами тихим вечером музыку Мириам Алтер и, вполне возможно, вы откроете для себя мир, где царит гармония и красота.

P.S. Недавно вышли новые альбомы (больше новых и старых альбомов на канале AlbumsJazzChat):
James Brandon Lewis - Apple Cores - превосходный американский саксофонист выпуском нового альбома продолжает исследовать различные пути развития джаза - если в своём известном альбоме Jesup Wagon он смешивал джаз с госпелом и блюзом, а в прошлогоднем альбоме вместе с джаз-панками Messthetics объединил джаз и рок, то в новом альбоме он играет бибоп и фри-джаз, которые наслаиваются на бит хип-хопа - очень интересно и необычно. Отличный альбом.
Dayna Stephens - Hopium - ещё один замечательный американский саксофонист представил новый альбом с названием, в котором объединены слова "надежда" и "опиум". Как говорит сам саксофонист об идее альбома: "Надежда может быть как вдохновляющей, так и обманчивой, она может дать и чувство утешения, но может и ослепить нас, скрывая суровую реальность настоящего."
Kalle Kalima & Antti Lötjönen - Stings, Bites and Scratches - финские гитарист и контрабасист записали свой дебютный альбом в формате дуэта. Мелодии абстрактны, нечётки и размыты, зато необычное сочетание звучания гитары и контрабаса создаёт свой особый настрой, который отличается задумчивостью и лёгкой меланхолией. Хороший альбом.
Anthony Joseph - Rowing up River to Get Our Names Back - поэт, певец, музыкант и академик продолжает удивлять - джаз, фанк, r&b, афро-футуризм и искусство декламации на новом альбоме в равной степени заслуживают пристального внимания.

Традиционно 12-16 февраля в Культурном Центре ДОМ пройдет 24-й фестиваль Владимира Мартынова — композитора, пианиста, мыслителя и писателя, одного из самых обсуждаемых творцов в современной композиторской среде России. Автор музыки ко многим кинофильмам, среди которых «Холодное лето 53-го» Александра Прошкина, «Остров» Павла Лунгина, «Лоро» и «Великая красота» Паоло Соррентино. Музыку Мартынова исполняли Г. Кремер, А. Любимов, М. Пекарский, А. Батагов, Ансамбль Дмитрия Покровского, Kronos Quartet и многие другие известные исполнители.
В один из дней фестиваля прозвучит электроакустический перформанс - новое звуковое действие в исполнении Владимира Мартынова, Татьяны Гринденко, группы INDEX III и прогрессивного джазового тромбониста Владислава Псарука. В новой программе взаимодействуют оттенки минимализма, дарк-эмбиента, IDM, фри-джаза и нойза.
На следующий день ещё одну электроакустическую программу представят Леонид Фёдоров в коллаборации с Владимиром Мартыновым, Татьяной Гринденко и группой INDEX III.
Сбор гостей каждый день в 20:00 Культурный Центр "ДОМ" | Москва, Большой Овчинниковский переулок, 24, строение 4 (м. Новокузнецкая)
По всем вопросам: arkadipikunov@yandex.ru
Подробная информация на сайте фестиваля:
https://band.link/martynovfest24

https://youtu.be/n7rtu2_cHH8?si=3lzXVMbhQD76ozYL

На днях вышел новый альбом великолепного проекта Jazz Is Dead, в рамках которого дуэт двух продюсеров Adrian Younge и Ali Shaheed Muhammad воскрешают забытые имена из мира джаза, фанка, соула или вот, как в этот раз, хайлайфа. Теперь они пригласили одного из пионеров ганского хайлайфа Ebo Taylor и вместе с ним записали бодрый и душевный альбом песен, которые написал Тейлор, а аранжировки сделали они, придавая современное звучание музыке 90-летнего мастера. Хайлайф родился в Гане и представляет собой смесь африканских мелодий и ритмов с западной музыкой или, как утверждают некоторые, смесь уличных народных мелодий Ганы и музыки "высокой жизни" (т.е. музыки благополучной Европы).
Хороший и познавательный альбом.

https://youtu.be/zs57uobmP1E?si=WgPpXY9ed_mquO98

Новый альбом одного из важнейших современных трубачей Jeremy Pelt под названием Woven, что можно перевести как Сотканный, вполне соответствует этому названию - альбом действительно соткан из пост-боповых композиций, где гитара и вибрафон ведут диалог с трубой, а также композиций, где Джереми Пелт экспериментирует с синтезаторами и различными электронными эффектами, впрочем эти эффекты разбросаны практически по всему альбому - это, пожалуй, и делает альбом интересным - без экспериментов с электроникой был бы хорошего уровня, но довольно обычный, пост-боповый альбом, а так получилось свежо и захватывающе. Хороший альбом.

P.S. Новые альбомы на канале Albums Jazz Chat :

https://youtu.be/nP7OoAj1TSw?si=__uplw9kQs2ve4Sr

https://youtu.be/dq2YeAw9dTw?si=VZ4ETLXR56gzJLXE

https://youtu.be/B1LFxsaq_0g?si=Np1274hj-zRzZjN2

А теперь вернёмся в Польшу - польская джазовая сцена продолжает радовать своей самобытностью, разнообразием действующих лиц, новаторством и непрестанным желанием экспериментировать с разным звучанием, не боясь смешивать совершенно разные стили и жанры. Мы уже познакомились в предыдущих постах ( вот 1 и 2 ) с некоторыми представителями современной джазовой сцены Польши, теперь же продолжим знакомство с ещё несколькими командами, которых условно можно отнести к пост-джазу, что бы это ни означало:

Błoto - "...мицелий процветает, извлекая последние остатки жизни из того, что умирает, разлагается и просачивается в землю. Мицелий — это жизнь смерти, жизнь разложения, жизнь того, что умерло" - это о чём? А так вот на Bandcamp, приведя цитату польской писательницы Ольги Токарчук, предварили выход в прошлом году нового альбома польской команды Błoto, который вышел под названием Grzybnia, что и означает мицелий. Музыка этой команды несколько мрачновата, хотя, что ожидать от команды с названием Грязь, но зато они постоянно экспериментируют с звучанием - на предыдущем альбоме Kwasy i Zasady (Кислоты и Основания - видно, что химию знают) было больше хип-хопа и вертушек, на Мицелии больше экспериментального джаза с изрядной толикой электроники. Ну и нельзя не отметить, что эта команда является сайд-проектом впечатляющей польской джазовой группы EABS, о которой нужно будет говорить отдельно.
Kosmonauci - не знаю, как в Польше обстоят дела с космонавтами, но с группами, смешивающими джаз и всякие модные современные стили и жанры, всё замечательно - и хотя эти "космонавты" не используют электронные инструменты, а обходятся только саксофоном, басом, вибрафоном и ударными, им всё равно удаётся добиваться вайба драм-н-бейса, но джазовый фундамент под ними всё ещё весьма прочен. Дебютный альбом прошлого года под названием Sorry, nie tu даёт основание полагать, что они станут значимыми исполнителями на очень конкурентной современной польской джазовой сцене.
Adam Bałdych Quintet - дабы показать, что не только электроникой и прочими чудачествами силён польский джаз, обратим внимание на одного из интереснейших музыкантов Польши на сегодняшний день: Adam Bałdych - названный «вундеркиндом-скрипачом», он начал свою карьеру в возрасте 14 лет. Он был быстро признан новатором, сочетающим достижения классической музыки и современный язык скрипки с талантом импровизатора и джазового визионера. За короткое время он создал свой собственный стиль, который стал вдохновением для нового поколения скрипачей-импровизаторов. В составе своего квинтета и в различных дуэтах он проявил себя превосходным солистом и партнёром - тут же вспоминаются его отличные альбомы: с ещё одним крайне интересным польским джазовым исполнителем, пианистом Leszek Moźdźer на альбоме Passacaglia; альбом Poetry в составе квинтета и с итальянским трубачем Paolo Fresu; альбом Bridges с Helge Lien Trio. В этом году вышел новый альбом его квинтета - Portraits - на котором он углубляется в исследование человеческого восприятия в современную эпоху, отмеченную войнами, хаосом и всевозможными моральными дилеммами - музыка, сочетающая в себе как классическое звучание, так и новаторские сонорные исследования, пытается отвечать на вызовы этой безумной эпохи.