На омском фестивале моноспектаклей «ЧАТ» одним из самых крупных впечатлений был моноспектакль опытного артиста театра кукол Дмитрия Войдака. Молодой режиссер Никита Петрищев сделал «Сон смешного человека» в Омском театре кукол, актера и маски «Арлекин». Это умный взрослый спектакль, понимающий, что в городе, где Достоевский мучился в застенке, утопический «Сон смешного человека» звучит еще более утопически, как бесплодная блаженная мечта об исправлении порочного человечества.
Изумительны визуальные эффекты работы (художник Арина Владимирская): артист театра кукол работает и с куклой в руках, и в маске, и с костюмом-куклой, и внутри декорации, и снаружи ее. Маленькие куклы, большие, с лицами и без. Желая убить себя, артист убивает свою копию – куклу. Он хоронит себя, а дождь, льющий в гроб, возрождает героя. Миры Достоевского, по Бахтину, связаны с карнавалом, с ритмом умирания и возрождения, с гротеском.
Мир куклы дает возможность посмотреть на то, как существует герой Федора Достоевского внутри того племени людей, которых он изучает. То человек-мыслитель оказывается лилипутом в стране великанов, то Мечтатель оказывается сам великаном среди безликих людей. Эта мизансцена, полная игрой с кукольными масштабами, говорит о страшном греха человека по Достоевскому: желании возвыситься над другими, о наполеоновском комплексе «хозяина людей».
Герой то находится в домике, похожем на вертеп – кукольной конструкцию мира, то за его пределами, вне закона и благодати. Он снова как бы в двойном статусе. То это очарованный племенем чистых, светлых людей мечтатель, то человек, который соблазнил и совратил их. У порока есть такое свойство: желать осаливать чистоту. Кристальный стерилизованный мир требует пятна. Герой Достоевского рассказывает о племени детей, но не видит их лиц: в его руках – безликие куклы, это «они», это хоровод, племя, лишенное индивидуализации и подробностей. Здесь есть ОНИ и Я – хозяин, master of puppets. Увидеть племя чистых, невинных и нагрузить их страданием, виной, пороком. Тема вины становится ключевой темой спектакля по Достоевскому. Герой переживает комплекс вины за совращение, за ликвидацию мечты ребенка. Стремясь полюбить людей, герой их колонизирует, присваивает. Он жаждет возвыситься и возглавить.
Звучит у Дмитрия Войдака особым образом и финальные строчки «Сна смешного человека»: «И пойду, и пойду». Звучит как символ скитальчества, мучения мыслью. Герой Достоевского и сам Достоевский обречены на бродильную мысль, на бродяжничество мысли. Да, надо любить ближнего. Но как его полюбить конкретно, когда легче любить дальнего, а ближнего сложнее? Хочется идеала, «детскости» мышления, но как обеспечить эту утопическую мысль о воскресении человечества? Как дословно исполнить заповеди?


https://arlekin-omsk.ru/performance/adult/son-smeshnogo-cheloveka

Вечер у театральной кассы на Петровке, 1961

Отжившее.

23 апреля в ВШСИ стартует Международная научно-практическая конференция «Театр и литература XX-XXI веков: порядок из хаоса». Подробная программа - уже на сайте.

Канал об искусстве народов Севера и образе Арктики в визуальной культуре. Автор канала: историк искусства Амина Батанова

Говорю о спектаклях на канале "Культура":

- «Чайка с продолжением», реж. Константин Богомолов, Театр на Бронной
- «На дне» по мотивам пьесы М. Горького, реж. Никита Кобелев, Александринский театр, Санкт–Петербург

https://smotrim.ru/video/2951339

🎯 90% людей в Москве не знают, куда сходить...

В канале коротко и по делу:
✔Концерты, выставки, спектакли — только самое интересное
✔Проверенные кафе и рестораны
✔Маршруты для прогулок по городу

👉 Афиша | Куда пойти?

Курс Валентины Николаенко в Щукинском институте играет «Одну абсолютно счастливую деревню» Бориса Вахтина - текст, написанный в советское время, но в это время невозможный, не опубликованный и открытый только в постсоветскую эпоху.
Оксана Голубева - речевик, и это, прежде всего, речевой спектакль. Он сделан как хоровой, за редким исключением все играют всех. Реалистический и одновременно сюрреалистический («У коровы корона не на голове, а на животе»), саркастический и одновременно сдержанно-суровый язык Вахтина раскладывается как музыкальная партитура. Артисты умеют показать ткань текста, его мясистость, ветвистость, внутренние ухабы и пригорки. Звуки крестьянского поля, изобильной земли передаются чередованием «ш» и «ф», а для звуков полевых работ студенты пытаются рвать льняную ткань.
Язык, хороводность мизансцен дают почувствовать природу как эротический объект. Любовь к расцветающей весной родной земле наливает соками органы чувств и самые слова: сексуальная сила, продолжающая жизнь, содержится в почве и в сладкой любовной, «песнь-песеной» речи Михеева и Полины.
Борис Вахтин рассказывает историю народа. Хор на сцене - склеенный всеобщей радостью и всеобщей бедой народ. Свойства народного хорового сознания: мертвые, погибшие на войне рядом; мир мертвых и мир живых - это сообщающиеся сосуды. Здесь нет коммунизма, комсомола, здесь живет народное сознание, соборность чувствований, дарованная тем, что больше человека: природа, трансценденция, интуиция, потусторонний мир, мир предков и мир земли. Здесь могут разговаривать колодец, пугало и колос, здесь мертвые как часовые. Старый дед предчувствует войну, он слышит утробные звуки земли.
Хороводная речевая практика дает возможность рассмотреть в действиях крестьян архаичный трудовой ритуал. Язык = земля = хор. На землю приходят добро и зло, лишения и радость урожая. На каждую зиму найдется лето. Зерно гибнет и воскресает. Все покрывается тут мудростью земли и чувством земли. Погибший на войне муж и отец контролирует жизнь своей любимой, близнецов своих. Мертвое в диалоге с живым, трансцендентное рядом, и реальность сосуществует с нереальным, но действенным. Спектакль идет по мысли Вахтина: уготовленности, продуманности существования. Земля все распределяет правильно. Будет зайка - будет и лужайка. Реальность отнимает у женщины мужчину, но и возвращает Михеева в другом агрегатном состоянии. Мечта Полины: «Только бы не вздрогнуть» - становится молитвой о неразлученности того и этого мира, о невозможности зубовного скрежета. Полина живет в категориях согласия: прощение, доверие, понимание.
В ее жизни появляется Франц, пленный немец, отданный крестьянке для помощи в хозяйстве. Студент Георгий Хаев играет его таким же крестьянским сыном. Он смирен, диковен и очарован, он все время изумлен «беспорядком», но его руки делают из беспорядка порядок, потому что добро больше не из чего творить. Его лицо спокойно, разглажено, он изумленный наблюдатель и делатель, трансформирующий пространство.
У Вахтина есть фраза «Франц, охраняемый пространством». Имеется в виду, что немцу бежать отсюда, из глубинки чужой страны, некуда. Но эта фраза становится и метафизичной: что Полина, что Михеев, что Франц охраняются пространством. Человек вписан в круговорот природы, его охраняет земля, чувство почвы и, наверное, тот же язык, рассыпчатый в хоровом исполнении, как та же земля. Франц обрусел. С помощью доверия, понимания, прощения невозможное становится возможным.
Победа в спектакле Оксаны Голубевой сделана как хоровая коллективная смена костюма, сбрасывание тельника и обретение льняной ткани. За секунду мир преображается.

Участвовал в научной конференции "Галерея сновидений", где в основном собрались психологи, читал доклад о различных концепциях театра как сновидения. Слушал чудный доклад Татьяна Пигаревой, говорившей о том, из каких реальных предметов состоит сновидческий, сюрреалистический мир Сальвадора Дали. Это ведь большой вопрос: откуда сновидение черпает образные системы, из реальности или фантазии? Не является ли вся фантазия проекцией, трактовкой реальности? Может ли быть фантазия независимой от реальности?

А еще я почитал несколько книг. Вот, что мне поразило. Оказывается, в среде психологов установилось мнение, что галлюцинация - это патология сновидения (так считал Виктор Кандинский), и алкогольный делирий (белая горячка) - так же сновидение наяву. Алкогольный яд заставляет видеть сновидение без сна.

Насыщенный, эмоциальный монолог драматурга Александра Гельмана. Александр Исаакович рассказывает о детстве, о том, как чудом он выжил в тисках Второй мировой войны, и о том, как начинал писать, как случайно стал сценаристом и автором пьес.

БУДУ РАД ПЕРЕПОСТАМ

19 апреля в 19.00 на Новой сцене МХТ имени А.П. Чехова (Камергерский пер., д. 3А) состоится лекция театроведа Вадима Максимова (Санкт-Петербург) «ЭВОЛЮЦИЯ ДРАМЫ АВГУСТА СТРИНДБЕРГА ОТ НАТУРАЛИЗМА ДО ПОСТМОДЕРНИЗМА».

Драматург Август Стриндберг - один из ярчайших представителей «новой драмы», который переосмыслил многие художественные направления. Натуралистическую эстетику он вывел на уровень психоанализа. Эстетику символизма - к синтезу драмы, музыки и живописи. Воплотив «эстетику сна», Стриндберг предвосхитил сюрреализм. Создав «драму пути», он повлиял на рождение экспрессионистического театра. Потенциал его пьес до сих пор не исчерпан.

Вадим Максимов - профессор, доктор искусствоведения, заведующий кафедрой зарубежного искусства РГИСИ. Создатель и руководитель Театральной лаборатории Вадима Максимова. Автор массы научных статей, учебников и книг.

Лекция проводится для всех желающих бесплатно. Стать участником можно, прислав запрос на адрес: zritel@mxat.ru

🧸 17 апреля в Государственном музее Востока открывается выставка кукол традиционного турецкого театра Карагёз – «Карагёз: выйти из тени».

Новая выставка познакомит с историей театра Карагёз на основе коллекций Музея Востока и театра кукол им. С.В. Образцова, созданных в конце XIX – начале XX в., а также с современной их интерпретацией, которую представит турецкий кукольник Ченгиз Самсун.

🎎Зрители увидят около 100 кукол, изготовленных мастером для своих театральных постановок.

✨А дополнят экспозицию шамаили из коллекции Фонда Марджани с видами османских городов.

✖️Когда: 17.04.2025 – 18.05.2025
✖️Где: Музей Востока (Никитский бульвар, 12А, стр. 1)
✖️Приобрести входные билеты можно по ➡️ ССЫЛКЕ

На фото:
1) Печатный шамаиль. «Вид Стамбула со стороны Галаты». Стамбул, Типография Мектеб-и Мюлькийе, 1873-74 г.
2) Печатный шамаиль. «Айя София: вид снаружи». Казань, типо-литография и словолитня Торгового дома «Братья Каримовы». 1909 г.
Коллекция Фонда Марджани

© Сандро Боттичелли. Бездна ада. 1480

Николай Полевой (трагичнейшая личность отечественной культуры!) вспоминает, как рассуждал Пушкин: «Немцы видят в Шекспире черт знает что, тогда как он просто, без всяких умствований, говорил, что было у него на душе, не стесняясь никакой теорией».

Современному человеку эта фраза не покажется примечательной. Какая уж там теория сегодня, с чем нужно соотноситься! А, между тем, в ней весь смысл. Это был Пушкин сразу после написания «Годунова» и готовящийся написать «Маленькие трагедии». Сочиняя «Годунова», Пушкин мечтал с одной стороны, восстановить авторитет народного непридворного театра (сам с удовольствием участвовал в ярмарочных играх подле Святогорского монастыря), с другой стороны, мечтал о шекспиризации отечественного репертуара. Сменить французское классицистское влияние («придворного Расина») на романтическое северное, поменять стиль сцены. Еще одна фраза Пушкина: «У меня кружится голова после чтения Шекспира. Я как будто смотрю в бездну».

Шекспир не подвержен никаким теориям. Стихийный гений, идущий напролом стройности, директивности, нормативности театрального классицизма (которого, разумеется, в эпоху Барда еще не было). Нарушающий единство стиля, допускающий непристойности, путающий прозу и поэзию, никогда не знавший оков трех единств, Шекспир указывает Пушкину путь к реформе отечественной сцены.

Иногда в искусстве важны правила, теории, манифесты, а иногда искусство сбрасывает оковы предыдущих теорий. Собственно Полевой фиксирует этот момент в осознании Пушкиным проблемы: сбросить оковы классицизма.

В блоге для молодых театральных критиков журнала Театрал - новая публикация.

Ксения Синицина пишет о спектакле «Морфий» по Михаилу Булгакову, реж. Евгения Богинская, Театр им. Ленсовета, Санкт-Петербург

Со 2 по 8 апреля в Рязанском ТЮЗе работали Творческие режиссёрские мастерские «Первая любовь» в рамках долгосрочного проекта «Театр – подростку»

В этом году были представлены три эскизные работы студентов режиссёрского факультета мастерской заслуженного деятеля искусств России Сергея Женовача: «Вам и не снилось» Галины Щербаковой (режиссёр – Ильяс Гирфанов), «Когда я стану великаном» Александра Кузнецова и Инны Туманян (режиссёр – Никита Огарков) и «Первая любовь» Ивана Тургенева (режиссёр – Софья Аржанова)

По окончании Мастерских обсуждение работ провели театральные критики: Павел Руднев — театровед, кандидат искусствоведения, доцент школы-студии МХАТ, и Евгений Авраменко — театровед, режиссёр, театральный обозреватель газеты «Известия», эксперт фестиваля «Золотая маска»-2017

Что о лаборатории говорят наши режиссеры?

Никита Огарков:
Лаборатория прошла чудесно! Невероятно дружный, душевный театр. Поддержка ощущалась со всех сторон, со всех цехов!

Софья Аржанова:
Чудесно было побывать в коллективе, где так много любви и желания пробовать что-то новое. Жанр нашей работы актеры интуитивно назвали «импрессионизм», мне это очень понравилось, хотя изначальное определение жанра было «диалог монологов». Вообще многие говорили, что в нашем эскизе много воздуха, легкости, свободы, хочется чтобы в будущем спектакле это развивалось дальше!

Ильяс Гирфанов:
Лаборатория просто успешно! Чувствовал большую поддержку начиная художественного руководителя театра, до технических служб. Прекрасные, тонкие и очень отзывчивые актеры!
Спасибо Рязанскому ТЮЗу за внимание и работу!

По итогам голосования было принято беспрецедентное решение – в следующем сезоне будут поставлены все три спектакля!

📷: Константин Ретинский и Корнюшин Саша

22 апреля в 19.00 на Новой сцене МХТ состоится лекция театроведа Дмитрия Трубочкина «ЗАЧЕМ АКТЕРУ МАСКА?»
 
Маска – древнейший инструмент актерской выразительности. В современном театре знают и порой используют маски двух типов: античную маску и маску старинной итальянской комедии – «комедии дель арте». В театральном обиходе широко используется слово «маска» как метафора, обозначающая устойчивый набор внешних черт, скрывающих настоящую сущность человека: в этом смысле актер может «надеть маску», не закрывая лицо никаким физическим предметом. Во время лекции, опираясь на исторический материал и современные постановки, мы будем исследовать смысл и философию маски и стараться ответить на вопрос: когда и почему маска признавалась в театре необходимой?
 
Подробности – по ссылке.

📌Лекция проводится для всех желающих бесплатно. Стать участником можно, прислав запрос на адрес: zritel@mxat.ru. В письме необходимо указать свою фамилию. Количество мест ограничено.

🟢 🫶🫶🫶 Камергерский, 3

В лекциях видный психолог Александр Асмолов рассказывает об одном эксперименте. Шахматистам-профессионалам показывали на десять секунд шахматную партию. Парадокс в том, что они не могли, как правило, рассказать, сколько было фигур на доске изначально, но они отличнейшим образом рассказывали, что «если белые начинают, то можно поставить мат в три хода». Они не фиксировались на реальности момента, они убегали вперед на несколько шагов. Их память захлебывалась проекцией будущего.

Этот психологический феномен напоминает опытное зрительское мышление. Время спектакля и время зрителя расходятся. Мы не находимся, сидя в зрительном зале, в моменте. Наше сознание бежит вперед, оно приучено предсказывать развитие событий. Как читатель детектива пытается раскрыть преступление раньше следователя, там и зритель жаждет предугадать финал. Драматург должен работать с предчувствием финала уже в первой части пьесы, с чувством фатализма, фатальности всех событий, с близостью концовки. Мускулатура пьесы должна стягивать события к логическому концу, а на всем протяжении текста для зрителя должны быть расставлены предсобытия (ложные, ведущие в тупик, и истинные), намекающие зрителю на возможность финала. Пьеса становится инкубатором вариативных решений ситуации, намеков на них. «Сколь веревочка не вейся, все равно укоротят», - это у Высоцкого очень театральное знание.

Блестящая лекция Александра Чепурова о «Человеческом голосе» Пуленка и Кокто

Очень странная, нехарактерная запись из дневника Льва Толстого за 1899 год:

«Жизнь наша есть освобождение заключенного, расширение пределов, в которых действует беспредельное начало. Представляется же нам это расширение пределов материей в движении. Предел расширения в пространстве представляется нам материей. Часть этой материи, которую мы сознаем собою, мы называем своим телом, другую часть мы называем миром. Предел расширения во времени мы называем движением. Часть этого движения, которое мы познаем собою, мы называем своей жизнью, другую часть называем жизнью мира. Вся жизнь есть расширение этих пределов, освобождение от них. Всё неясно, неточно».

Мраморная статуя малыша-сатира с театральной маской Силена, Римская империя, ок. I в. н.э.

Бу! Малыш пугает нас, напялив на себя огромную устрашающую театральную маску и просунув руку через её рот. Если присмотреться, мы видим под маской его еле сдерживаемую озорную улыбку. Но почему именно сатир? Смотрите на последнее фото, его выдает аккуратный завиток хвостика на пояснице.

Найден в1620 г. на территории виллы Людовизи в Риме, в древности «Сады Саллюстия», частично отреставрирован (новодельные части статуи — светлее). Высота — 59,5 см.

Частная коллекция, выставляется в музее института искуств Чикаго (англ. Art Institute of Chicago, сокр. AIC), США

Загадки истории с Лысым Камрадом
#искусство #римская_империя

19 апреля в 19.00 на Новой сцене состоится лекция театроведа Вадима Максимова «Эволюция драмы Августа Стриндберга от натурализма до постмодернизма».

Лекция приурочена к премьере спектакля «Осень» по рассказу Августа Стриндберга (реж. Андрей Гончаров).

Драматург Август Стриндберг – один из ярчайших представителей «новой драмы», который переосмыслил многие художественные направления. Натуралистическую эстетику он вывел на уровень психоанализа. Эстетику символизма - к синтезу драмы, музыки и живописи. Воплотив «эстетику сна», Стриндберг предвосхитил сюрреализм. Создав «драму пути», он повлиял на рождение экспрессионистического театра. Потенциал его пьес до сих пор не исчерпан.

Вадим Максимов – профессор, доктор искусствоведения, заведующий кафедрой зарубежного искусства РГИСИ. Окончил театроведческий факультет ЛГИТМиКа в 1981 году. В РГИСИ (ЛГИТМиКе) преподает с 1989 года. Является специалистом по французскому театру XX века и творчеству Антонена Арто. Создатель и руководитель Театральной лаборатории Вадима Максимова. Автор массы научных статей, учебников и методических пособий.

📌Лекция проводится для всех желающих бесплатно. Стать участником можно, прислав запрос на адрес: zritel@mxat.ru
В письме необходимо указать свою фамилию. Количество мест ограничено.

🟢 🫶🫶🫶 Камергерский, 3

Томас Бернхардт. Видимость обмачива и другие пьесы. М, Ad Marginem, 2025


Вышел огромный 1000-страничный том пьес австрийского драматурга Томаса Бернхардта (1931-1989), который не чужд отечественному театру. Тексты Бернхардта вызвали значительные спектакли на нескольких российских сценах (Театр имени Вахтангова, Театр п/р О. Табакова, Театр им. Маяковского и др.). Собрал и откомменитровал пьесы их переводчик Михаил Рудницкий, он утверждает, что в книге сосредоточена большая часть драматургического наследия автора.

Бернхардт пишет ритмизованной строкой, хотя в большинстве постановок это не чувствуется. Оформляя тексты как стихи, не ставя точек, Бернхардт своей лесенкой ставит смысловые акценты и усиливает важнейший эффект его драм: репететативность, рифмованность интеллектуальных конструкций. Его мыслящий персонаж словно утопает в трясине собственной мысли, не способный выйди за круг однотипных фраз, слов, стычек философем. Возникает ритм «Болеро» - бесконечного хоровода тем, циклично вопроизводящихся с минимальными измененениями. Постабсурдистский монолог предъявляет крушение языка как крушение мысли, которая застревает гвоздем в мозгу, очень медленно развивается и не может найти разрешения.

Томас Бернхардт фиксирует тупик западной цивилизации. Да, самые жестокие, самые ядовитые критики западной цивилизации - это представители западной культуры. Культуры, лишенной самодовольства и самодостаточности, позволяющей критиковать самою себя, свою основу, парадигму, сердцевину. 

Бернхардту достался мир после катастрофы Второй мировой войны, его детство пришлось как раз на ее разгар. И состояние этого мира раз и навсегда осталось абсурдным. Смысла нет и поиск его тщетен. Человек научился скрывать свое фашиствующее человеконенавистническое мировоззрение, и приличный буржуазный австрийский мир предстает мизантропу Бернхардту как свинарник. Драматург постбрехтовской школы, он умеет вскрывать потаенные механизмы общественных умонастроений. Он говорит о страхе, о фашизации, о неизжитых комплексах насилия и диктатуры.

Три темы интересуют Томаса Бернхардта больше всего: власть, театр, старость. Мир состарился, он состоит из злобных, исходящих ненавистью стариков. А власть и театр - это способы управлять действительностью. Причем в фигуре артиста, в театральности Бернхардт не видит ничего сугубо положительного, магического. У власти и у театра одна природа: и то, и другое используется людьми для одной цели - повелевать, диктовать свою волю, принуждать, парализовывать. Да, Бернхардт пишет пьесы для театра, который кажется ему местом торговли и лжи. Воля к власти, к могуществу над другими людьми, желание возвыситься - это именно то, что расчеловечивает. И в этом деле одинаково преуспели как художники и политики, так и простые люди. В мире больше не осталось лазеек для добра, спасение через творчество уже невозможно.

Отсюда и жанровая природа пьес Бернхардта. Почти все они - монодрамы. Где хоть и есть разнообразие персонажей, но все равно все подчинено единой воле, моноложности высказывания. Диалога не существует, коммуникативные функции потеряны. Говорящего монологом всегда можно уличить в безумии, так и у Томаса Бернхардта уже не отличить безумие от нормы, искусство от болезни, артистизма от паранойи. 

В пьесе «Сила привычки» (1974) говорится о беспочвенности, бессмысленности искусства. Художник как Сизиф обречен в виду привычки и навыка «пиликать и пиликать до смерти», не ожидая никакого результата от своей деятельности, отказываться от иллюзии изменить реальность. «Истиный художник делает безумие методой своего искусства», - как сказано в драме «Минетти» (1976) об артисте, отказавшемся от классики как синониме буржуазного комфорта. В пьесе «Иммануил Кант» (1978) величайший философ становится мебелью, объектом для сэлфи.

В бредовом бормотании монологического героя, петляющего, самозапутывающегося, в какой-то момент ближе к концу прорывается момент истины. Все темы сгущаются и объединяются, внезапно из булькания мысли наступает временная ясность, внезапное озарение. 

В «Лицедее» (1984) актер Брюскон договаривается до следующей сентенции: «Театр это тюрьма / Десятки тысяч заключенных / И ни у кого ни малейшего видов / На помилование / У всех верные виды лишь на смертную казнь». Театральность, артистизм для Томаса Бернхардта - это дурная зависимость, наваждение, символ бесплодного мученичества.

https://admarginem.ru/product/vidimost-obmanchiva-vtoroe-izdanie/

Прикоснулся к человеку огромной величины и силы. Мы говорили о том, как, чудом выжив, увидев горе сотен людей, молодой человек становится художником, как талант и умение видеть реальность выращивается из опыта травмы. Эдуард Кочергин на встрече дал урок колоссального человеколюбия и милосердия, мастер по сути до сих пор оплакивает жертв середины XX века. Я цитировал строки из дневника Мариэтты Чудаковой, которые меня недавно поразили: «В войну нас всех сближало нечто общее, и это было похоже на свободу, понимаете? Появилась искренность, а она была похожа на свободу - ведь до этого была одна ложь!»

🌀 В рамках гастролей МХТ в Санкт-Петербурге на Новой сцене Александринского театра состоялась встреча с авторами спектакля «Жизель Ботаническая» — Эдуардом Кочергиным, по чьим рассказам поставлен спектакль, и режиссёром, художественным руководителем Александринки Никитой Кобелевым. Вёл встречу театровед Павел Руднев.

Для зрителей это была уникальная возможность диалога в первую очередь с Кочергиным — человеком-легендой, главным художником БДТ, писателем, проза которого отражает виденное им самим, в том числе — как в «Жизели Ботанической» — послевоенный Ленинград и людей, оказавшихся на его социальном дне, подкошенных войной на взлёте жизни. Эдуард Степанович говорит и пишет о них с сочувствием и щемящей нежностью.

На встрече, отвечая на вопросы зрителей, он рассказал о прототипах героинь «Жизели», о послевоенном времени и его морали, о женщинах, поднимавших Ленинград из руин, о том, что помогало ему самому выжить в самых страшных обстоятельствах (детство Кочергина прошло в одиночных скитаниях, об этом им написана книга «Крещённые крестами»). Никита Кобелев поведал о том, как возникла идея обратиться к прозе Кочергина, о работе над инсценировкой и спектаклем, о художественном решении постановки.

По окончании встречи к Эдуарду Степановичу выстроилась огромная очередь из желающих получить автограф на его книгах, он подписывал их более часа.

Спектакль «Жизель Ботаническая» имел в Петербурге успех и это особенно ценно: для нас было важно и очень волнительно сыграть эту «комедию о горемычной жизни» в городе на Неве, в присутствии автора. В Москве спектакль можно будет увидеть 24 апреля, 3 и 19 мая.

Фото: Владимир Убушиев
«Большие гастроли» МХТ в Александринском театре организованы Росконцертом.

🟢 🫶🫶🫶

Бывает и такое, ребята.

Фото Игоря Червякова

Два студенческих Гамлета. Часть 2


Проблема спектакля Филиппа Гуревича в Школе-студии МХАТ (курс Евгения Писарева) - психоаналитическая. Над молодым Гамлетом зловеще застыла фигура Отца. Художник Анна Кузнецова для «Гамлета» создает каркас автомобиля - в нем, как в песне In the Deathcar Игги Попа, едут к своей катастрофе молодые герои, заложники того маршрута, который нарисовал в их навигаторе Отец. Финал такого «Гамлета» - страшное ДТП, которое раскидает молодые тела по площадке, а Гамлет Максима Богатырева будет одержимо ехать в папиной машине и в восторге кричать папе: «Ты доволен мной, папа!?» (о папе Гамлет вопит и в начале спектакля). Честный, пылкий, покорный сын, он выполняет стратегии взрослых. Эдипов комплекс наоборот: чтобы состояться в реальности, нужно завоевать одобрение холодного, жестокого Отца.
Когда Гамлет видит чиновника Клавдия (Артем Кучеренко играет его таким прошаренным, стройным и загорелым депутатом из бизнес-зала), его вновь и вновь бросает к героическому отцу, который хоть и призрак, но легенда. Но тут, в среде молодой, все герои гамлеты. Детей и бьют, и целуют, и им плохо и хорошо одновременно. Все проходят через возраст созревания, где нужно дотянуться на цыпочках до гулливерского роста Отца. «Hey, you!», - требовательно поет Дэвид Гилмор, и это каждый из Гамлетов принимает на свой счет: это колокол, который звонит по тебе. И Гертруда (Вера Арсич) тоже слышит этот колокол: она пьет, чтобы наверняка умереть. Пьет как кубок, полный чумы. Все погибли от наваждения, от галлюцинации, навязанной Отцом. Связь Отец - Сын священна и жутка, это что-то в генетике, в секретах самой главной железы человека.

Еще в этом спектакле есть совершенно гениальная реприза. Открытие в Шекспире! Полоний (Василий Бобров) говорит перед спектаклем: «Я изображал Юлия Цезаря; я был убит на Капитолии; меня убил Брут». И в этот самый момент Клавдий разворачивается и с жутким взором переспрашивает: «Убил брат?!», как бы выдавая себя еще до всякого убийства Гонзаго. У меня прямо мурашки пошли от совершенно выдающейся психологической характеристики. На воре шапка горит, Клавдий про себя все время проговаривает свою каиновую печать, он слышит то, что его мучит, и, боясь разоблачения, разоблачается сам. Это перенос по Фрейду.

Паблик Шкаликов читает, который я обожаю и послушал там все рассказы - плоды чтецкого мастерства артиста Семена Шкаликова, объявил конкурс на новые записи. И я тут неожиданно выиграл: Шкаликов прочёл предложенный мною рассказ 1911 года «Цветок под ногою», где Леонид Андреев удивительным образом передаёт самоощущение ребенка в большом и сложном мире взрослых.

Два студенческих Гамлета. Часть 1

«Я Гамлет / Ошибка», реж. Татьяна Тарасова, курс Олега Кудряшова, ГИТИС
В 1960-е годы шекспировская эстетика обновилась самым серьезным образом - Шекспира научились ставить через абсурд. Абсурдизм за счет своего антипсихологизма и эстетики отстутствия восстанавливал авторитет трагедии, наново вышивал трагическую картину мира. Когда Козинцев говорил о том, что пустое пространство - это территория трагедии, это пустое выжженное, вытравленное, постъядерное пространство из «В ожидании Годо». Ждать некого и нечего. Nothing to be done. Шут в «Короле Лире» Козинцева - это едва выживший мальчик из Освенцима, от бесилии могущий только выдавить пару нот из жалейки.
А вот спектакль Татьяны Тарасовой - это и абсурдизация Шекспира, и его же одновременная макдонахизация. Может быть, это при постановке не имелось в виду, но Гамлет Михаила Жакова выглядит как бешеный Падрайк из «Лейтенанта», Розенкранц и Гильденстерн, допрашиваемые им, выглядят как Донни и Дейви, ведомые на расстрел, а Офелия Анастасии Веселкиной - как Мейрид, девочка эпохи гранжа, этакая Аврил Лавинь с трагической тушью на лице и копной изломанных волос. Тут много крови, насилия и мокрой земли. Тут пир как кладбище, и кладбище как пир. Отбросу общества Гамлету не стыдно шпионить за матерью - в его руках аргумент в виде диктофона с записью их с Клавдием интима. Ничего святого: месть по тем же законам, что и преступление. Никто не хочет быть лучше, чище, милосерднее. Этот мальчик навсегда испорчен отцом, который вручает молодому парню свое обмотанное кровавыми бинтами ружье и заставляет мстить. Этому отцу недостаточно, что он подох и стал неприкаянным призраком, он хочет свою стратегию передать несмышленому мальчику, больше и передать-то нечего. Спектакль называется «ошибкой», потому этот Гамлет чувствует себя машиной для убийства, Гамлетом-машиной, у него вытравлены все чувства, кроме агрессии и душегубства. Ошибка культуры - назначить пьесу о безжалостном убийце главной пьесой человечества.

Петрушка — шутник и задира в красной рубахе и колпаке с кисточкой. Его дальний родственник Карагёз (в переводе с турецкого — «черноглазый») также известен своими хитростями и веселыми проделками. Познакомиться с этими персонажами и узнать о традициях русского и турецкого кукольного театра можно с 7 по 11 апреля в «ГЭС-2».

Мастерскую проведут турецкий режиссер Дженгиз Самсун и художница Людмила Рогова. За пять дней участники освоят основные приемы театра теней и работы с перчаточной куклой, пофантазируют о том, как встретились Петрушка и Карагёз, и соберут эскиз спектакля.

Подробнее — на нашем сайте.

#ges2family

И я туда же, но КАКАЯ ЭТО КРУТАЯ КНИГА!

Объявляю конкурс!

Я охочусь за книгам о театре. И наконец-то мне попалась книга Татьяны Шах-Азизовой «Полвека в театре Чехова». Кто знает, тот знает. А кто не знает, то Татьяна Шах-Азизова была ведущим специалистом по Чехову. Её книга «Полвека в театре Чехова» – подробный экскурс в сценическую и кинематографическую историю чеховской драматургии. А как Татьяна Константиновна пишет! Дай Бог нам всем так вести мысль. Но к делу.

Условия конкурса.

1. Расскажите забавно (в любой форме: текст, видео и т.п.) в своих соцсетях (VK, TikTok, запрещённый с картинками, Telegram и т.п.) о своём любимом произведении А.П. Чехова.

2. В этой публикации обязательно надо упомянуть «Мы драмтим» и дать на него кликабельную ссылку (можно «зашить», можно в скобках).

ссылка на канал – https://t.me/wearemakingdrama

Например,
Моё любимое произведение А.П. Чехова – рассказ «На даче». Ничего смешнее в жизни не читал. И вот ничего вроде особенного, а смешно до колик. Зачем я об этом Вам сообщаю? Очень хочу выиграть в конкурсе от «Мы драмтим» редкую театральную книгу. Ну и потому что не могу сдерживать своей любви к Антону Павловичу, конечно.

3. После того, как Вы расскажите забавно в своих соцсетях о любимом произведении А.П. Чехова, нужно заполнить на сайте форму, где Вы укажите свой имейл, ссылку на опубликованный пост и логин в Telegram.

форма для загрузки ссылки на публикацию

4. Все участники конкурса должны быть подписаны на «Мы драмтим».

5. Конкурс длится до 9 апреля, а 13 апреля торжественно объявлю победителя.

6. Книгу отправлю почтой или передам лично, если Вы в Москве.

Рэди, стэди, гоу!

майский курс
расписание читок

Школьный театр — нафталиновые костюмы и затертый до дыр сюжет

Попались?

Мы творческое объединение «Парк Культурная Школа» и мы уверены, что сможем вас переубедить 😎

За год существования мы собрали два спектакля (и четыре полных зала!) с нуля, готовим «Чеховский фестиваль» и это только начало…

Наша миссия — дать подросткам возможность пробовать реализовать свои идеи. Театр теней? Музыкальная импровизация?
Главное, не бояться предлагать!

Как вы это делаете?

Всё в нашем канале!

Реклама.
Зимина Ксения Андреевна
ИНН: 773574899164
ERID: CQH36pWzJqMv2ApWoY8GmME9b7HAtTUYxPFiircn2d9fvE

🟢 7 апреля в 19:00 в Доме-музее К.С. Станиславского продолжится серия читок малоизвестных для широкой публики пьес «МХТ: репертуарная линия».

Студенты 3 курса Школы-студии МХАТ (мастерская Сергея Земцова и Игоря Золотовицкого) прочтут пьесу Александра Гельмана «Наедине со всеми».

Режиссер — Арина Доленко

«Наедине со всеми» – пьеса на двоих, которую поставил Олег Николаевич Ефремов в 1981 году. Александр Гельман был одним из главных драматургов ефремовского периода управления МХАТом. Шутка ли: Ефремов поставил семь его пьес!

Гельман известен, прежде всего, как драматург «производственной темы». Конфликты и споры о труде, производстве, управлении, рабочем классе, об осознанности формировали типичное поле дискуссии конца 1960х – начала 1980х. И в целом пьеса «Наедине со всеми» формально остается на этой территории, но только переносит противоречия производства, конфликт человека и плана как основы социалистической экономики в дом, в семью. Пьеса «Наедине со всеми» говорит о страшном; в семье случилась трагедия. Тут ищут виновных, а, поняв, что виноваты все, ищут точку комфорта. Разговор мужа и жены превращается в капитуляцию человечности.

Читка сопровождается небольшой вводной лекцией куратора проекта, театроведа, доцента Школы-студии МХАТ Павла Руднева и дискуссией.

💚 Билеты

Видео: Кербер К.

В блоге для начинающих театральных критиков журнала "Театрал" новая публикация.

Юлия Бирюкова пишет о спектакле «Скрудж. Сны» в театре «Манекен» (Челябинск), реж. Игорь Бармасов

Ностальгическое видео.

Наталья Крымова рассказывает о выдающемся спектакле курса Петра Фоменко (еще не было театра) «Приключение», который изменил представление о возможностях театра у целого поколения зрителей и профессионалов. В ролике - молодые Евгений Каменькович, Иван Поповски, актриса Театра на Бронной Вера Майорова, Юрий Степанов в китайском балахоне и Анри-Генриэтта Галины Тюниной со шваброй и множество других артистов курса.

Самое невероятное: в каком состоянии тот самый коридор, в котором игрался спектакль «Приключение». Ходил тогда по ГИТИСу и совершенно не замечал разрухи и запустения. Пышный, барочный, волнующий театр, затрудняющий дыхание цветаевский стих перекрывали реальность.

В книге Николая Горчакова «Режиссёрские уроки К.С. Станиславского» (1950) среди по большей части стереотипно изложенного материала (впрочем, в духе своего времени) встречаются очень смешные содержательные куски:

«К.С. Станиславский. По природе своего творчества актер очень доверчив, как ребенок, который, играя, верит в то, что под самым обыкновенным столом у него существует пещера Робинзона Крузо, а из-за двери на него каждую минуту готовы напасть полчища коварных индейцев.

Эта детская вера в свое творческое конкретное видение того или иного события пьесы является неотъемлемой частью искусства актера. Обманывая актера, надо возбуждать его фантазию, его творческое видение…

В. В. Лужский. А не жестоко ли будет обмануть наших молодых актеров, сказав, что к возобновлению «Горя от ума» с их участием будут сделаны новые декорации, тогда как на самом деле мы вытащим из декорационного сарая старые павильоны «времен Очакова и покоренья Крыма»…

В книге Николая Горчакова «Режиссёрские уроки К.С. Станиславского» (1950) среди по большей части стереотипно изложенного материала (впрочем, в духе своего времени) встречаются очень смешные содержательные куски:

«К.С. Станиславский. По природе своего творчества актер очень доверчив, как ребенок, который, играя, верит в то, что под самым обыкновенным столом у него существует пещера Робинзона Крузо, а из-за двери на него каждую минуту готовы напасть полчища коварных индейцев.

Эта детская вера в свое творческое конкретное видение того или иного события пьесы является неотъемлемой частью искусства актера. Обманывая актера, надо возбуждать его фантазию, его творческое видение…

В. В. Лужский. А не жестоко ли будет обмануть наших молодых актеров, сказав, что к возобновлению «Горя от ума» с их участием будут сделаны новые декорации, тогда как на самом деле мы вытащим из декорационного сарая старые павильоны «времен Очакова и покоренья Крыма»…

(c) Кузьма Петров-Водкин. Африканский мальчик. 1907

Был тронут спектаклем «Работа горя» в Театре.doc – это результат мастерской любительского театра по вербатиму, который ведет Дарья Мазур. Увиденное – свидетельство того, что технология, заложенная Греминой и Угаровым, существует, работает, увлекает. Суровый, лаконичный, аскетичный театр, дающий голос тем, кто не слышен.
Артисты в час умещают череду живых свидетельств о человеческом горе и его преодолении. Кто-то теряет родственников, друзья кончают жизнь самоубийством (звучит имя Ильяс), уходит муж, люди теряют кров на Донбассе…
Горевание – это ритуал, это процесс. Нужно провести человека через пик осознания потери, помочь ему. Горевание - коллективный обряд. Горевать – значит работать, это «искусство маленьких шагов», которое может привести к смерти, а может к излечению. Актеры показывают терапевтический путь, это не просто констатация горестного мира, это опыт проживания и преодоления. Смерть - это кислота, которая все прожигает, разъедает в пустоту, но существует и парадокс в виде силы жизни – прорастание в человеке внутреннего спора с обидной реальности. Почка набухает, выращивается на парадоксе новое дыхание, когда, казалось бы, жизнь уходит насовсем.
Пожалуй, еще одна тема доминировала над всеми сюжетами. Это чувство вины. Отягченность виной не дает распуститься силе жизни моментально. Женщина умоляет своего умершего мужа: «Ну скажи мне просто: «Ты не виновата». Ну скажи мне...» Чувство вины делает горе зримым. Чувство вины доводит горевание до пика. Через вину человек определяет свою человечность.

Недавно писал про это! Тут, правда, Петр Семак. Но он не хуже Владимира Майзингера поёт.

Взрывной дуэт — Виталий Коваленко и Петр Семак — исполнит «песню про настоящих тургеневских женщин» на спектакле «Отцы и дети» 2 и 3 мая 🎟

Если мечтаете о карьере в киноиндустрии и хотите научиться снимать кино, то есть такая возможность под названием «Режиссура. Короткий курс».

Киношкола «Индустрия» подготовила короткий онлайн-курс для режиссеров и начинающих кинематографистов.

За полгода вы с мастером создадите
6 этюдов на разные темы, отработаете конкретные режиссерские навыки на практике и попадете в сообщество талантливых и творческих людей.

Обучение проводят действующие специалисты из сферы, а программу разработал режиссер, продюсер, основатель студии «Водород» и школы «Индустрия» Александр Андрющенко, фильмография которого включает все части франшизы «Лед», фантастические фильмы «Сто лет тому вперед» и «Притяжение», а также нашумевший сериал «Чики».

Присоединяйтесь и убедитесь, что двери киноиндустрии всегда открыты новым талантам.
Оставляйте заявку на сайте

Набор до 31 марта 2025 года.


Реклама / ООО "Среда обучения" |
ИНН 7734402556 | Erid 2VtzqxZTN2k

Алексей Весёлкин - артист из моего детства. Телевизионный бог из детских передач и ведущий мастер ЦДТ. Веселкину досталось для развития таланта перестроечное и постперестроечное время, и трансформация этого артиста как раз случилась в последние годы на наших глазах. Из молодого живчика, телевизионного и радийного смехача, привыкшего к бесконечной самопрезентации и к языку без костей, Веселкин превращался в серьезного драматического артиста. Та же самая карьера, как и у Игоря Верника, с обретением возраста и опыта потерь ставшего мощной психологической краской в руках режиссера.

Был трагический поэт Георг Гервег в "Береге утопии", разделяющий с Герценом любовную драму.
Был душка Фамусов в "Горе от ума", слишком добрый малый, чтобы интриговать против Чацкого. Рассудительный разорившийся купчик, который не дает дочери выйди замуж за небогатого и неблагонадежного. Фамусов Алексея Весёлкина оттеснял Чацкого из своего дома незлобиво, забрасывал как мусор под ковер. В Скалозубе он видел денежный мешок, а в Чацком - былого мальчишку-сорванца из прошлого, который уже неактуален. И за него просто стыдно. Все прошлые связи надо оставить, братец. Пошалили, и будя: не ровня ты ей, Софью надо продать подороже.

Был в "Гупешке" Лёня - здесь Веселкин, пожалуй, сыграл редкое для себя: отчетливо плохого парня, омерзительного красавчика - морального урода. Выпадал из засады в халате боксера с капюшоном, разминал ноги и руки, готовясь к расправе над изменившей женой и ее полюбовничком. Этот Лёня - хозяин, кукловод, манипулятор. И на правах хозяина он творил бытовое насилие над женщиной - по праву закрытых занавесок. Любил фальшивую, вычурно-эстрадную Ротару с плаката (устроил себе для нее альков, иконостас для женщины мечты) и не любил женщину живую, которую сам же и изуродовал. Бесчувственный абьюзер, ложный самец, он одевал жену как куклу и оправлял ее восвояси, в смерть.

Последняя роль Алексея Веселкина была удивительной. Он играл Сильвио в пушкинском "Выстреле". На маленькой сцене было видно, что артист сильно повзрослел, его миловидное лицо ловеласа обрело черты угрюмого философа, размышляющего о жизни. Седой волос исключал беспечность и порывистость молодости. Сильвио отложил смерть, оставил за собой право на выстрел. И эта отложенная месть погрузила его в размышление, он ходил около смерти, он словно проглотил пулю, не вошедшую в телу обидчика. Он выращивал месть, а вырастил в себе человека, остановив насилие.

У Пушкина Сильвио был убит под Скулянами. Он всю свою жизнь упражнялся во владении пистолетом. А был убит в сражении, где рубилась саблями конница, где нужен был ближний бой.

Пушкин нам дает великий урок жизни: готовишься к одной стратегии выживания, а жизнь затем резко принимает другой оборот.

Сильвио копил месть, впустил в себя смерть, право распоряжаться сроком чужой смерти. Сильвио копил месть, а накопил только прощение.

Думаю, что новые поколения зрителей не знают этого шедевра Вадима Жука - выдающийся капустный номер "А что артист несет домой?". Очень грустный капустник.

Мне кажется, что синтез современного театра и новейшей философии, жанр спектакля-лекции, размышления, философской импровизации - это театр, преодолевающий свои границы. Досократики настаивали на том, что философия не может быть изречена в тексте, философия - это мышление вслух.

Лес. Трактат / 28 марта, 26 апреля / Театр Среда21

Актер Борис Алексеев играет самого себя – воронежского артиста, он играет лектора-гида в философию XX-XXI веков, он играет философа Владимира Бибихина, изображающего другого философа-собеседника Людвига Витгенштейна, и он играет Витгенштейна, в котором прорастает выдающийся русский мыслитель Бибихин. Момент склейки личностного высказывания и роли неуловим, становится загадкой импровизации. В спектакле говорится об общей боли, об удивительной способности человеческого существа почувствовать боль другого и разделить ее. Спектакль становится метафорой эвхаристии, где вместо хлеба – мысль, передаваемая и приобретающая значение хлеба. Мысль кормящая, насыщающая голод одиночества.

С 31 марта по 6 апреля в столице пройдут Большие гастроли Александринского театра. Наряду с показами спектаклей в программу Дней Александринского театра в Москве включены лекции и творческие встречи. Все мероприятия образовательной программы пройдут в Портретном фойе Московского Художественного театра.

30 марта, 16:00 — «Без театра нельзя…». Театр в жизни А. П. Чехова. Лекция Александра Чепурова

3 апреля, 17:00 — «Чужой театр. Закрытие ГосТИМа». Лекция Вадима Щербакова

6 апреля, 15:00 — «Текст и театр». Разговор с Валерием Фокиным и Дмитрием Трубочкиным

6 апреля, 17:00 — «О романе Льва Толстого „Воскресение“». Разговор с Павлом Басинским и Никитой Кобелевым

‼️‼️‼️ Мероприятия образовательной программы Дней Александринского театра проводятся бесплатно. Стать участником можно, прислав запрос на адрес: zritel@mxat.ru. В письме необходимо указать название лекции и свою фамилию. Пожалуйста, соблюдайте правило: одно письмо — один человек — одна лекция. Количество мест ограничено.

🟢 🫶🫶🫶 Камергерский, 3

👀 Посмотреть спектакль онлайн гораздо проще, чем кажется. Проект Leo Classics от Российского фонда культуры регулярно добавляет на площадку новые постановки лучших театров России.

Вот небольшая подборка интересных и ярких спектаклей, чтобы скоротать вечер с друзьями или близкими:

🎭 "Дневники Алисы Коонен" от Московского драматического театра имени А.С. Пушкина
🎭 "Женитьба", спектакль Валерия Фокина по комедии Н.В. Гоголя от
Александринского театра
🎭 "Приключения Незнайки" от театра "Зазеркалье"
🎭 Спектакль "Грезы Любви, или Женитьба Бальзаминова" от режиссера Г.М. Козлова, театр "Мастерская"
🎭 "Ой, Каледа!" спектакль от фольклорного ансамбля "ЯромилЪ"

❤️ Смотрите с удовольствием на Leo Classics!

Реклама. ООГО "Российский фонд культуры" ИНН 7704412980 Erid: 2VtzqwzybNp