"Светит, да не греет", театр Вахтангова. Реж. - Сергей Тонышев.
#премьерасезона
Уже собравшись за собственным впечатлением, стараюсь не читать развёрнутых отзывов и детальных разборов спектакля. Однако от беглого взгляда на театральные чаты после первой премьеры не удержалась, что сбило ожидания, но разожгло интерес. Именно с ним все три часа и смотрела на таинственную, завораживающую красотой сценографию, игру света, визуальное решение постановки. Анна Владимировна Ренёва (Евгения Ивашова) приезжает в родовое имение с целью продать его и выручить приличную сумму денег. Побывавшая заграницей, вкусившая городской жизни "штучка" будто "шагает" в призрачное прошлое, подёрнувшееся дымкой новых впечатлений, причудливой вспышкой озаряет неспешный, устоявшийся уклад оказавшихся рядом людей, ослепляя, разрушая, коверкая их судьбы. Вроде бы, делает это она не специально. Одинокая, не особо удачливая, «остывшая» внутри женщина просто неистово стремится хотя бы к мимолётным, скоротечным минутам радости. Но в бездумной, взбалмошной погоне за ними будто "отравляет" всё вокруг, умножая ряды несчастных. Что, кроме непохожести, инаковости поражает без разбора всех, ставших жертвами её чар, объяснить сложно. Может, следует спросить мужчин. Больше других от появления Ренёвой достаётся самым юным, искренним, не успевшим "нарастить" защитный панцирь Ольге (Альбина Абрамова) и Борису (Егор Разливанов). То ли из-за самой трагической участи, то ли благодаря обаянию молодости актёров-исполнителей именно их герои вызвали эмоциональное подключение и некое сопереживание. Восприятие же остальных персонажей, к сожалению, практически до финала оказалось излишне рассудочным. Я отмечала достойную игру, колоритные образы, необычные, интересные находки и решения, но головой, без душевных "колыханий". Раз уж заговорила о «минусах», первому действию хотелось добавить немного динамики, не увлекаясь столь детально воссозданием атмосферности, которая отличает большинство работ Сергея Тонышева. Хотя, возможно, истинные визуалы со мной поспорят. Да и самой углубляться в критику, пополняя ряды разочаровавшихся, не хочется. Вряд ли спектакль станет новым хитом, но своего благодарного зрителя точно найдёт.
P.s. Не исключаю, что состав имеет значение. И пришедшим на вторую премьеру с ним повезло.
#светитданегреет
#сергейтонышев
#театрвахтангова
#премьера

Не буду вас терзать ночными текстами. Всё завтра — в красках. А сегодня скажу лишь, что — и светит, и греет. Не знаю, что уж там штатским в прогонах показывали, но я удовольствие получил. И от того, что открыл сезон лавандового эспрессо-тоника по пути в Вахту, и от эмоционального и визуального богатства спектакля.

|| СЛОВО СЛАВЫ ||

До подведения итогов Первой московской блогерской премии осталось два месяца. Лонг-лист еще полностью не сформирован - ждем закрытия сезона.
Я же пока подготовила свой предварительный "лонг" для тех, кто просит рекомендации. Советы "смотреть обязательно" я никогда (почти) не даю. Все мы разные и это нормально. Поэтому не стоит рассматривать этот список как руководство к действию.
Спектакли расположены по мере их выхода - никаких баллов, оценок, призовых мест.

Москва
➖"Медовый месяц в Кукольном доме", Петр Шерешевский, МТЮЗ
➖"Три сестры", Андрей Маник, Пространство Внутри
➖"Самоубийца, Николай Рощин, МХТ им.Чехова
➖"Гамлет/творчество/", Юрий Погребничко, Около
➖"Как Фауст ослеп", Сергей Тонышев, Сатирикон
➖"Володя", Екатерина Половцева, Среда 21
➖"Чехов. Вишневый сад. Нет слов", Сергей Женовач, СТИ
➖"Боже мой", Олег Липовецкий, Шалом
➖"Остров Сахалин", Олег Долин, РАМТ
➖"Ионыч", Олег Долин, Театр Вахтангова
➖"Шинель", Антон Федоров, Пространство Внутри
➖"Плохие хорошие", Евгений Писарев, Театр Пушкина
➖"Старший сын", Андрей Калинин, МХТ им.Чехова
➖"Тартюф", Евгений Писарев, Театр наций
➖"Улитка на склоне", Петр Шерешевский, МТЮЗ
➖"Превращение", Андрей Гончаров, Театр на Таганке
➖"Голиаф", Саша Золотовицкий, Шалом
➖"Евгений Онегин", Егор Перегудов, Театр им.Маяковского
➖"Сато", Филипп Гуревич", Театр наций
➖"Аркадия", Евгений Каменькович, Мастерская Фоменко
➖"Дон Кихот", Антон Федоров, Театр наций
➖"Идиот", Владислав Наставшевс, Театр Вахтангова
➖"Мертвые души", Владимир Комаров, Пространство внутри
➖"100 бед", Галина Зальцман, Театр Вахтангова
➖"Торговцы резиной", Петр Шерешевский, Арт-партнер
➖"Зеркало", Савва Савельев, Пространство Внутри
➖"Осень", Андрей Гончаров,МХТ им.Чехова
➖"Сирано де Бержерак", Константин Райкин, Сатирикон
➖"Лето Господне", Марина Брусникина, РАМТ
➖"Женитьба", Евгений Марчелли, Моссовета
➖"Светит, да не греет", Сергей Тонышев, Театр Вахтангова

Пока не видела "Курьера" Владимира Панкова, "Гамлета" Мурата Абулкатинова, "Солнце Ландау" Анатолия Шульева

Студенческие
➖"Я - Гамлет ошибка", Татьяна Тарасова, курс Кудряшова ГИТИС
➖"Гамлет", Филипп Гуревич, курс Писарева ШС МХАТ
➖"Время 21", Светлана Землякова, курс Кудряшова ГИТИС
➖"Ганмухури", Андрей Маник, курс Назаровых ГИТИС
➖"Двойник", Екатерина Половцева, курс Женовача ГИТИС

Санкт-Петербург
➖"Восемь снов", Яна Тумина, МДТ Додина
➖"На дне", Никита Кобелев, Александринка
➖"Три", Петр Шерешевский, КТМ
➖"Театральный роман", Роман Габриа, Ленсовета

Вычеркивайте, добавляйте свои - буду рада обратной связи

⚡️ РИНАТ НА СВЯЗИ с Филиппом Гуревичем.

👉🏻 СМОТРЕТЬ в VK Видео

"Светит, да не греет» А. Н. Островский, Н. Я. Соловьев. Сценическая композиция и постановка Сергей Тонышев. Художник постановщик Филипп Шейн. Художник по свету Руслан Майоров. Театр Вахтангова.  
Крепкий спектакль по классический пьесе, традиционный для Театра Вахтангова. Сергей Тонышев достойный ученик С. В. Женовача с общей для обоих  неторопливостью действия, перегруженностью деталями, мало играющими роль в раскрытии характера персонажей и режиссерской идеи, не особо понятной в данном случае. Все это решаемо, постановка еще находится в работе. На данный момент основное слабое звено, главная героиня. Суть в том, что в пьесе Островского и Соловьева очень много моментов, в последующем совпавшими с пьесами Чехова. В главном женском персонаже, современный зритель легко считает присутствие,  практически всех женских образов Чеховских пьес. И вот тут у любого режиссера возникает сложная проблема, что же с ними делать. Приезжает в родовое гнездо, чтоб его быстро продать, из за границы, оставшаяся без средств к существованию (почему именно, вопрос открытый, все сведения об этом в инсценировке режиссер убрал, равно как и ее служанку) красивая, но уже не молодая одинокая женщина, сводит с ума всех окружающих мужчин, по разному справляющихся с возникшей или вновь вспыхнувшей к ней страстью. Каковы ее мотивы, что именно в ней привлекает всех этих очень разных мужиков. Режиссер и на эти вопросы ответы не дает. Анну Владимировну Реневу и актрису Ирина Смирнову болтает из образа в образ, изначально черная ведьма, практически демон суккуб, далее пошло, Аркадина сменяет Раневскую, обоих Елена Андреевна с финальным безумием Нины Заречной , которых в свою очередь потерянная Бланш Дюбуа с «Трамвая Желание», актриса не успевает за сменой образов и в итоге скатывается в усредненный вариант, вульгарная стареющая женщина легкого поведения, пытающаяся доказать повышая самооценку, прежде всего себе, что ее поезд не совсем ушел и она еще способна, хотя бы пусть и в деревне, запрыгнуть в его последний плацкартный вагон третьего класса. Чем может привлечь мужчин, эта шумная, изначально доступная женщина, совсем непонятно, сексом конечно, но на роковую красавицу ломающую жизни она у Ирины Смирновой совсем не тянет. Если суккуб, то складывается, страсть может охватить любого и свести с ума, но тогда за бортом остается толпа Чеховских героинь, через которых все таки стоит попытаться вывести образ на менее примитивный уровень. Хотя бы тем ,что у каждой из них был совершенно разный ключ в сердцу и штанам мужчин, Анна Владимировна Островского для каждого, так же вполне способна подобрать индивидуальный, а не пользоваться универсальной секс отмычкой. Очень интересная сценография Филиппа Шейна особенно второго действия, все оттенки  и лабиринты черной адовой бездны, что опять же определяет образ ведьмы, из темноты она возникает, в темноту в итоге и уходит, забирая с собой очередные светлые души.

РАЗМЫШЛЕНИЕ НА ТЕМУ "ЖЕНИТЬБЫ" ЕВГЕНИЯ МАРЧЕЛЛИ, ТЕАТР МОССОВЕТА

Всеволод Мейерхольд говорил, что с режиссёров нужно брать деньги за желание поставить "Ревизора". Так вот за "Женитьбу" нужно брать в тройном размере. Вгонять в долги, клеймить у столба, бить розгами... После премьеры спектакля Евгения Марчелли теперь и режиссёр в неоплатном долгу перед искусством. Болото имени Моссовета, похоже, окончательно его поглотило. А как всё начиналось...

Лето 2019-го. Один из самых ярких режиссёров страны Евгений Марчелли с красавицей-супругой, а по совместительству музой, одной из лучших актрис России Анастасией Светловой отчалили от Ярославля. Впереди гастрольный показ спектакля "Нам не страшен серый волк" в Петербурге, а дальше - манящие огни Москвы...

Я примчал на последний в волковском театре спектакль Евгения Марчелли "Восемь женщин". Ох сколько там было яда! Сколько азарта, сколько чисто мужского взгляда на пьесу Робера Тома. На сцене стеклянный террариум в полный рост, в котором гадюки, не стесняясь, совершают все свои дела: бреют ноги в туалете, отправляют нужды, поправляют чулки на сексуальных ногах, жалят друг друга до мяса. Но это было так красиво, что, гусары, молчаааать! Для тех же гусаров, что молчать не могут, есть "Восемь разгневанных пусек бятых".

И так совпало, что с родины Первого театра страны я планировал сразу улететь в Петербург, как раз на "Нам не страшен серый волк" (по "Кто боится Вирджинии Вулф?" Эдварда Олби). В маленьком аэропорту Ярославля было сложно не столкнуться с труппой местного театра, они как раз летели играть тот самый спектакль в Петербурге. Разговорились, долетели и в тот же день с одной из актрис сходили в театр Ленсовета на бутусовскую "Женитьбу". Там - "Город. Женитьба. Гоголь". Но я всё равно выспался. А моя новая знакомая, напротив, аж расплакалась на этом спектакле.

Потом был в творческом плане не самый удачный переезд режиссёра и актрисы в Москву. Пару лет мыкались по разным театрам. Тогда в театре Модерн, куда меня уже никакими коврижками не заманить, вышла "Женить ба". БА - бабушка - Лолита Милявская в главной роли. Актриса из неё, скажем честно, не выдающаяся. А вот сваху сыграла как раз Анастасия Светлова. Без Марчелли. Режиссёр - Юрий Грымов. Он, конечно, - не Крымов, но роль Анастасии перекрывала в спектакле всё. Так что впечатления остались приятными.

И вот Марчелли поставил свою "Женитьбу". Тоже без Анастасии. Сваху, к слову, играет Ольга Остроумова, но все остроты спектакля тут ещё от Гоголя. В остальном, несмотря на одинокий робот-пылесос, мыкающийся по наклонной сцене, есть ощущение пыли из бабушкиного шкафа. И даже хор алёнушек по обе стороны сцены не спасает. Хотя поют красиво. Но к Гоголю Марчелли как будто прибавить нечего. Наверно, это тоже кому-то надо. Учителя будут водить классы по именным билетам, чтобы посмотреть спект близко к тексту. Гоголь, конечно, - гений! (с) Но куда подевался режиссёрский гений Евгения Марчелли, которого мы знали и любили? Неужели его поразил синдром Богомолова?

Фото - РИА Новости (отражает мои страдания)

|| СЛОВО СЛАВЫ ||

Чудо как хороша «Женитьба» Евгения Марчелли в Театре Моссовета. Чувственная, психологически выверенная, остроумная, неземной красоты. Художник Анастасия Глебова придумала облачить хор невест, присутствующий на сцене, в костюмы a’La ruse. В подобном щеголяла царица на костюмированном балу 300-летия дома Романовых в 1912 году. Царские луки с того бала до сегодняшнего дня печатают на гадальных картах.

Это спектакль про столкновение мужского мира с алогичным, манящим, озорным и победительным женским. Агафья Тихоновна Анастасии Беловой здесь юная, красивая и невозможно обаятельная в своей непосредственности. Мужчины роятся вокруг неё, как мухи вокруг рафинада (даже Кочкарёв теряет голову, бедолага). Она притягивает, заставляет делать глупости, но понять, как устроено это инопланетное существо, невозможно.

Она живёт ожиданием любви, но не может сформулировать для себя, какой он - её трефовый король? Не мудрено, что воплощением девичьих грёз становится человек-зеро, красивая пустота - Подколёсин Александра Яцко. Такой и нужен мечтательной и наивной девчонке. Его легко доконструировать в своей голове и мигом полюбить. Жаль только, что ставка оказывается тотально неверной и счастье юной нимфетки разбивается вдребезги.

В финале прежняя хохотушка грустно всматривается в пустоту зала, а ей в ответ, как отражение, из темноты поёт печальную народную песню её копия (девушка из хора в таком же подвенечном платье). Спектакль меняет свой регистр с комедии - на драму и в воздухе зреет совсем иной Гоголь, Гоголь «Вечеров на хуторе» и «Майской ночи».

#женитьба #евгениймарчелли #театрмоссовета

К моей радости, наконец случилось, дамы и господа . Евгений Жозефоаич Марчелли поставил в театре Моссовета спектакль, который мне очень даже понравился. И не отдельными ролями или костюмами или еще какими частностями, , а как целое . Это "Женитьба"

Отзыв Елены Лазебной о спектакле Петра Шерешевского "Торговцы резиной" ("Арт-Партнер")

Отличная комедия с мудростью, и блистательными актерскими работами.
Пётр Шерешевский из тех режиссёров кто задает сейчас вектор развития современного театра. Видела все его спектакли в Москве, и никак не могла пропустить премьеру с таким актерским составом.
Сразу предупреждение - прочтите анонс спектакля. Да, там часто будут упоминаться презервативы, будут шутки о сексе. Но поверьте - никаких шуток ниже пояса, все деликатно и смешно. Просто будьте к этому готовы. Через ‘резину и секс’ вас подведут ко 2 акту и к разговору о главном - одиночестве, эгоизме, желании только получать и ничего не давать взамен. О глобальной нелюбви. Еврейский юмор и еврейская мудрость будут рядом.
Весь спектакль идет в сопровождении живого оркестра. Каждое движение героев обыгрывается звуками.
Полина Кутепова - богиня! В великолепной форме, красавица, легкая, без театральности и зажима.
Виталий Коваленко проходит путь от клоунской буффонады до античной трагедии.
Игорь Верник в привычной роли сердцееда и обольстителя выбирает в зале красавицу и танцует с ней страстно. Барышни, одевайтесь для сцены )
Три артиста три часа держат зрителя за … всех за разное. )
Яркий, нескучный, мудрый спектакль с блистательными актерскими работами.

Отзыв Леонида Соколова на спектакль «КОРОЛЕВ. ГЛАВНЫЙ».
ОРГАНИЗАТОР ПРОЕКТА – ТЕАТР «БЕЛОЕ ОБЛАКО». РУКОВОДИТЕЛЬ – ВЛАД ДЕМЧЕНКО. РЕЖИССЕР ВЛАДИМИР КИММЕЛЬМАН. ДРАМАТУРГ СТАС БАРЫШНИКОВ

Все знают монумент «Покорителям космоса» на Проспекте Мира у ВДНХ. Взмывающая в космос ракета, за которой стелется шлейф дыма и огня. Но проект, задуманный в 1958 году, из соображений секретности вводил зрителей в заблуждение: так ракеты никогда не взлетают. Но зато «картинка» получалась много эффектнее, чем при правильном вертикальном запуске.

Спектакль, которому уже год, и которой, как я понимаю, играется в связи и по случаю дня космонавтики и других памятных дат и юбилеев космической эры, тоже показывает взлет Главного Конструктора именно по параболе, по крутому виражу.

Прежде чем взлететь в стратосферу и выше, ракета «КОРОЛЕВ» могла несколько раз погибнуть – разбиться, как чуть было не разбился на горе Узун-Сырт в Коктебеле Королев-планерист; не выдержать тяжелейших условий жизни – не случайно Группу изучения реактивного движения (ГИРД) называли «Группой инженеров работающих даром»; умереть – как умер от тифа создатель ГИРД Фридрих Цандер; быть расстрелянным – как покровитель ГИРД маршал Тухачевский и руководители созданного на основе этой группы Реактивного института Клейменов и Лангемак; сгинуть в лагерях ГУЛАГа – как сам Королев, отсидевший 4 года; утонуть – тому же Королеву опоздание на теплоход «Индигирка», перевозившего заключенных с Колымы во Владивосток, спасло жизнь; сгореть на старте ракеты – как маршал Неделин и еще 125 рабочих, техников и конструкторов… Впрочем, ГУЛАГ Королева всё же убил – сломанная в застенках челюсть помешала интубации при рядовой операции, он не дожил даже до шестидесяти…

Спектакль посвящен в основном до космическому, до гагаринскому периоду жизни Королева. Главная удача именно в умелой «дозировке» нескольких компонентов – научно-технической информации, «общения» Королева и Циолковского, летописи событий в стране и сугубо личной, можно даже сказать – интимной жизни Королева – его любви к первой жене Ксении, а после их развода, встрече уже навсегда, до гробовой доски – со второй женой Ниной (в обеих ролях Анна Халилулина). Именно это «антижелезо», чудесная «любовь-морковь», трогательные обстоятельства знакомства с этими девчонками – с одной в шахте, с другой – в поисках переводчицы с английского, а ещё их письма – как романсы в прозе, так сейчас не пишут, «очеловечивают» все повествование – как иначе проглотить эти планшеты с чертежами, разговоры про твердое или жидкое топливо и прочие манометры и «есть контакт». И система экранов на заднике раздвигает зал до размеров вселенной...

Режиссерски этот спектакль на шесть актеров поставлен как гимн одержимости и безрассудству. Градус энтузиазма – как температура на солнце. И будто все время звучит свиридовская оркестровая сюита «Время, вперед!», хотя она и не звучит. Только в фильме Швейцера строили Магнитку, а здесь рвутся в космос. Но, что интересно, самый безумный сумасшедший – сам Королев в исполнении вахтанговца Влада Демченко. Актер словно поймал этот момент зажигания и подъема ракеты со стартового стола – и длит его весь спектакль. Странно, но смотрится он моложе своих молодых партнеров. Не раз за спектакль он рухнет на пол, но восстанет как из пепла – нет, пороха! Демченко – сам ракета «Королев», первая ступень сгорит, вторая сгорит, солнечные панели не раскроются, система навигации откажет, но на одной голой воле и характере он всё же уйдет в небо. «Я из пушки в небо уйду, диги-диги-ду, диги-диги-ду, диги-диги-ду»…

Отзыв Натальи Ртищевой о спектакле "Женитьба" (реж. Евгений Марчелли, Театр Моссовета)

Новое прочтение «Женитьбы» у Евгения Марчелли в театре Моссовета, чтоб вы не скучали. Женихи Агафьи Тихоновны так долго ходят в женихах, что все состарились. Дело идёт к тому, что скоро будут непригодны к супружескому делу. Доблестные воины отделения урологии все ходят и ходят на смотрины в надежде пристроить лохмотья прошлой жизни к свежему бутону. Коллекция в геронтологическом отсеке разнообразна - толстый, крашеный, лысый, заика и седой. Возглавляет парад протухших надежд Сергей Виноградов в роли Яичницы в символическом костюме цвета желтка ( отличные костюмы у Анастасии Бугаевой). Шестого и главного жениха - Подколесина- играет Александр Яцко, а его друга Кочкарева ещё один ветеран сцены Валерий Яременко. Кроме нашествия пыли с паучками в дом купца Купердягина как новое слово в трактовке знаменитой пьесы, неожиданна и сама девица. Молоденькая Ника Здорик в роли розанчика, зефирки и деликатеса дает такую Лолиту, что спектакль переходит в историю соблазнения малолетней. Первым обнюхать розанчика вышел Яичница. Сергей Виноградов хоть и разнесся телом до аппетитных размеров, не потерял ни таланта, ни умения создать комический рисунок роли и в одиночку держит выход активного долголетия на себе. За ним потекли слюнки и у остальных на очаровательное дитя, не ведающего стыда в десятке поз. Пока артист Яцко стоит в сторонке, погасив в себе сериального олигарха, на новый виток сладострастия выходит его друг Кочкарев, который, кладя деве руку на грудь, объясняет ей базу жизни - что в тех, в кого сто раз плюнули, не грех плюнуть и еще раз. И тут история, обещавшая было Набокова и одновременно «Бесприданницу» Марчелли, где невеста на выданье всего лишь товар в мужском мире, прямиком летит к трагедии отказа, к бумерангу. «Женитьба» заканчивается грандиозной буквально сценой хорового песнопения, русского плача в исполнении молодых артисток театра Моссовета в кокошниках, где для Марчелли важна тема унижения, позора быть отвергнутым, делающего несчастными и тех, кто ходит на смотрины в 17-й раз, и впервые столкнувшегося с этим розанчика. Хорошие женские роли - Ольга Остроумова в роли свахи, привыкшей поднимать настроение враньем в безнадежном деле и Марина Кондратьева в роли тётки Агафьи Арины Пантелеймоновны, сыгравшая это безнадежное дело без всяких иллюзий на надежду.

"ЖЕНИТЬБА", Театр Моссовета, Генеральная репетиция .Премьера 19 апреля 2025
Режиссер-постановщик - Евгений Марчелли
Сценография и костюмы - Анастасия Бугаева
Художник по свету - Нарек Туманян
Музыкальное оформление - Мария Галлиардт

Классическая постановка, авторский текст в чистом виде без отсебятины, слава театральному богу сокращенный, никаких переносов действия в современность, ну если что пара деталей в стильной, строгой сценографии, аутентичные костюмы, прекрасные актеры. Ревнители русского психологического театра будут довольны и удовлетворены, их чувство прекрасного и твердая уверенность, того, как именно надо ставить Гоголя, останутся в целости и сохранности.

«Русалка» по мотивам драмы Александра Пушкина .Автор сценической версии, режиссер и художник Максим Меламедов. Художник по свету Олег Курченков, Художник модельер Елена Афанасьева. МХТ им Чехова. Пресс показ.                                                                                                                         Отзыв такой же короткий, как и сам спектакль. Первое правило Артхаба похоже  «Всё, что происходит в Артхабе — остаётся в формате Артхаба ». Рыбак поймавший русалку, крутил ее, вертел, но так и не определился в каком контексте ее надо «жарить». Максим и Русалка, они, если честно, не пара ,не пара, не пара. Эх, хвост, чешуя. Не поймал я ничего. Итог- милый, красивый актерский этюд на час времени действия, прекрасен для студенческих театров. Сам материал не предполагает, каких либо режиссерских откровений, при наличии оперы А. Даргомыжского, идеальном сочетание Пушкинской драмы и музыки тем более, в данном случае краткий пересказ сюжета с народными песнями. «Русалка слушала, смеясь, Его наивные признанья, В ней огонёк любви погас, Осталось разочарованье».

Отзыв Натальи Ртищевой о спектакле "Гамлет" (реж. Мурат Абулкатинов, Театр на Таганке)

«Гамлет» на Таганке через 54 года. Режиссер Мурат Абулкатинов. Седьмой за один сезон. Так остро вопрос жизни и смерти ещё не стоял. Шуточка могильщиков, что раньше на режиссуру раньше 30 не брали, вызвала понятные аплодисменты. Ставят «сплошные дети», почти все Гамлеты страшно молоды, младшему было, помню, 10. Молодые через Шекспира решают проблемы с родителями, с войной, с абьюзом, с неполной семьей, с мамой вышла замуж, с отчимом, с друзьями, с любимой, с государством. Мальчики Гамлеты полны страхов - пукают, заикаются, катаются на велосипеде, боятся темноты, отказываются стрелять и все не хотят умирать. Андрей Маник на курсе Евгения Каменьковича в ГИТИСе сделал важным героем Полония- Брежнева, тот тоже не хотел умирать. Девочки Офелии страдают, им не родить Гамлета третьего и поют на французском. Призрак папы учит сына боксу - хочет сильного наследника, а не рефлектирующего хлюпика. Над Гамлетом даже смеялись, Гамлета даже били. К седьмому спектаклю пьеса подошла практически в опустошенном состоянии. Однако Мурату Абулкатинову помог Юрий Любимов. Он просто взял все из его «Гамлета» 71-го года, назвав это оммажем. Вместо Пастернака - цитата из «Чайки» ( «Вот и театр» и далее цитата из Треплева). Опять же гроб на авансцене, но вместо черепов на крышке - одинокая роза. Так же, как у Любимого, занавес, важнейший герой спектакля ( художник Софья Шнырева). Открывается в несколько рядов, живет вместе с пьесой, скрывает и падает к ногам, меняет форму и цвет, рок и судьба. И такой же безальтернативный актер на главную роль - Сергей Кирпиченок, сокурсник режиссера по ГИТИСу. Там в лице сразу и Эльсинор и Виттенбергский университет. Этот Гамлет только стрижкой из 16 века - пушкинской породы, похож на лицеиста, его любимое место во дворце книжный шкаф и зелёная лампа, он несуетлив, смешлив и остроумен, когда приходит час, от растерянности фехтует деревянной палочкой, Лаэрт (Максим Михалев) застрелил безоружного. Оригинальную версию пьесы написала Ника Ратманова, назвала «новым переводом». Чтобы перевод был виден, шутят про престолов и драконов и дядю честных правил. Чтобы была видна режиссура, Гертруда (Мария Матвеева) сходит с ума вместо Офелии, Гораций ( Андрей Попов) оказывается предателем, Полоний (Филипп Котов) нежным отцом, быть или не быть произносят все. Но в целом идея сделать седьмую за сезон версию про машину государства, не сразу, но определилась довольно последовательно. Гертруда, не успев совместить похороны со свадьбой, сразу испугалась за Гамлета. Полоний сразу начал сбывать сына из дворца (Максим Михалев) и прятать дочь. Офелия ( Ксения Галибина) просить Гамлета быстрее уехать, потому что будет только хуже. Тень Клавдия (Анатолий Григорьев) тут покруче призрака отца. Один гроб стоит, два выносят и семь ждут за сценой, могильщики без работы не останутся, а страх во дворце стал темой не одного «Гамлета». Красивая любовная сцена и финал под «Imagine»Леннона, счастливый вопреки смерти, но для замысла режиссёра идеальна сцена смерти Офелии. Она тонет в брызгах шампанского из дворца и, прощаясь с любимым, кланяется ему как королю, части мира, где не получается ни жить, ни любить. Вершиной постигшей нас в этом году «гамлетомании» остается студенческая постановка Татьяны Тарасовой в учебной аудитории ГИТИСа «Я Гамлет ошибка». Самый душевный «Гамлет» тоже студенческий, его сделал Филип Гуревич на курсе Евгения Писарева в школе-студии МХАТ. На Таганку придут по памяти и посмотреть на Сергея Кирпиченка, героя московского бестселлера «Толстая тетрадь» той же Тарасовой. Как штатный актер Таганки он переиграл от матросов до собачек. Имеет право наконец сказать «Быть или не быть».

Итог — вторая подряд, совершенно противоположная в театральном направлении и стиле удача театра на ответственной основной сцене, можно, как уже говорил, относиться к ней по разному, но даже если учитывать только актерские работы, спектакль становится одним из театральных событий сезона.

"Солнце Ландау"  Сценическая композиция и постановка Анатолий Шульев. Сценография Максим Обрезков. Костюмы Мария Данилова. Свет Александр Матвеев. Генеральная репетиция. Театр Вахтангова.                                                                                                                                                                            После, спорного, эстетского, но безусловной удачи большой основной сцены театра Вахтангова "Идиот" Владислава Наставшева, главный режиссёр театра Анатолий Шульев создает постановку, с внятным, почти сериальным сюжетом, понятным и близким самой широкой зрительской массе, что конечно обеспечит ей куда больший зрительский и кассовый успех. Одно то, что в основе лежит оригинальный сценарий, история жизни реального персонажа, а не очередной перевернутый в смыслах Шекспир и Чехов, уже само по себе является большим плюсом для значительного количества театралов. Выдающийся советский физик Лев Ландау персонаж довольно эпатажный, обычно когда кто либо берется за его биографию на первое место выходят, прежде всего. грязноватые подробности его личной жизни. Анатолий Шульев не стал копаться в грязном белье гения и поставил спектакль про пусть и гения, но прежде всего обычного человека, жизнь и поступки которого невозможно разграничить по признаку  «черное и белое»,  попытался дать обоснование, начав с психологических травм и комплексов детства, даже самым, на первый взгляд, выходящим за рамки морали и логики действий своего героя. Каким бы колючим, иногда до грубости, хамоватым не выглядел Ландау, на главное место выходят непонятная для многих его патологическая честность, отсутствие способность врать и скрывать своего негативного отношения к чему, или кому либо, любовь к Родине, матери, любимой женщине и прежде всего науке. Образ в итоге вышел несколько лубочный, но опять же возвращаясь к тому, что это спектакль прежде всего для массового зрителя, который чаще всего не хочет придя вечером в театр, повторно утонуть в волне дневного негатива собственной жизни, а хочет увидеть понятную для себя историю, где какие то созвучные душевные моменты и сочувствие герою пьесы, пресекается с грустью о чем то своем, когда то случившимся или несбывшимся. Можно относиться к такому подходу, как угодно, однозначно будет критика, что представлено все слишком благостно и правильно, у каждого смотрящего свои потребности, кому то хочется исключительно скандальных моментов ток шоу, но то что к финалу половина зала смотрела спектакль сквозь слезы , уже критерий, что огромная, серьезная работа режиссера и команды проделана не зря, и на три часа зритель в зале сам становится великим физиком Львом Ландау живет, страдает, мучается сомнениями и умирает вместе с ним. Какие бы вопросы не возникали к содержанию, но Павел Попов в роли Ландау вышел на совершенно недостигаемый для многих актерский уровень, роль мало того, что энергозатратна психологически, первый акт час сорок, актер постоянно находится на сцене, пауз для отдыха нет, не выпадая из сложносочиненного образа ни на секунду, так еще и физически, персонаж находится в постоянном четко выстроенным движении по прямой, когда любой мельчайший промах, неловкий шаг разрушит всю композицию, второй акт ему уже попроще, там хотя бы есть моменты без его участия, можно успеть собрать силы, чтоб окончательно выложиться в мощном финале. Работа такого уровня ,безусловно будет отмечена всеми оставшимися на данное время театральными премиями. Попов полностью заполняет собой сценическое пространство, масштаб актерской игры, раскрывает масштаб величия личности героя настолько ,что опять же забываешь о каких то сценарных погрешностях .Актер настолько хорош, что даже одна из сильнейших театральных трупп столицы, играя другие роли, на его фоне невольно меркнет, что опять же укладывается в режиссерский посыл, прежде всего рассказать о Ландау, есть Лев Ландау- Солнце, вокруг которого вращаются планеты солнечной системы.

«Гамлет» (реж. М. Абулкатинов, Таганка)

«Я Здесь это читать не буду» - говорит то ли актер, то ли могильщик, когда ему дают бумажку с монологом «Быть или не быть». Какие только театры в этом сезоне ни выпустили «Гамлета», но ставить эту пьесу на Таганке (про спектакль Любимова с Высоцким слышали все - даже те, кто совсем не знает историю этого театра) - отчаянно смелый шаг. Прямых отсылок к Любимову почти нет, если не считать, что сценография построена на многочисленных занавесах - но если у Любимова / Боровского он был один и, скорее, анти-театральный (просто полотнище, связанное вручную, вроде как самими актерами), то здесь их много и выглядят они по-театральному вычурно (то алый, то зеленый, то с березками).

Собственно, в спектакле много иронии на тему театра - и изящно вплетенных в шекспировский текст театральных шуток, и размытая грань между событиями, происходящими в реальности, и разыгрываемыми актерами на сцене. В Шекспире одна сцена театра в театре (так называемая сцена мышеловки, где приезжие актеры разыгрывают убийство Гонзаго), здесь же и сюжет самого «Гамлета» как будто разыгрывается актёрами на сцене - начинается спектакль с того, что Гамлет «режиссирует» из зала сцену похорон своего отца (гроб все время стоит у подножия сцены, что постоянно напоминает о смерти и цене всего происходящего); потом Гертруда знаменитый свой разговор с Гамлетом («ты обратил глаза мне прямо в душу») разыгрывает так надрывно, что это явно не живой разговор матери и сына, а игра средненькой актрисы на сцене (сделано это не без перебора, надо сказать).

Это чередование живого разговора и нарочито театрального, на котором строится спектакль, задаёт важную антитезу: мертвый театральный мир с надрывными искусственными эмоциями VS живой с теплыми чувствами. Ко второй категории явно относятся Гамлет и Офелия, искренне влюбленные друг в друга, пытающиеся противопоставить себя этой мертвечине.

А мертвечина не просто пустая в плане эмоций, но и убивающая. Гамлет здесь - интеллигентный юноша, который хочет читать, рассуждать, мыслить и любить (декораций так мало, что книжный шкаф, вдруг появляющийся в одной сцене посреди пустого пространства, становится акцентом - главный атрибут этого Гамлета). Офелия ему говорит в конце: «Убийство рождает убийство. Ты сам говорил, что мы не рождались убийцами, мы родились поэтами и любовниками». Кажется, этот Гамлет даже Полония не убивает - во всяком случае, на вопрос Офелии «он ли это сделал?» он уверенно отвечает «нет» (его подставили? Повесили на него убийство?). Максимум, что может сделать этот Гамлет-поэт, это написать на одном из занавесов устрашающее «remember me» - вот и вся его месть. Да, Клавдия это напугало (его играет Григорьев, с этого сезона принятый в труппу Таганки и когда-то уже игравший Клавдия у Прикотенко - в Новосибирском «Sociopath / Гамлет»), но на руках Гамлета нет крови. Пистолет ему дают, внушая идеи мести, но выстрелить он не может - ни в Клавдия (выразительная сцена, когда вместо то ли молящегося Клавдия, то ли просящего наконец-то о возмездии и наказании мы видим только огромную тень во всю заднюю стену сцены), ни в Лаэрта в финале. А Лаэрт как раз может.

Песню Леннона «Imagine» в конце слушает Клавдий, а ее слова могли бы стать как раз лозунгом такого Гамлета: «Nothing to kill or die for // Imagine all the people living life in peace». Но мечта остается мечтой - особый цинизм этого мира («век безумный, что сошел с петель» - последние слова Гамлета) в том, что эти гуманистические слова слушает Клавдий, цинично победивший все живое и настоящее.

#гамлет #таганка

 IMAGINE, HAMLET!

С чем ассоциируется у нас Театр на Таганке @tagankatheatre? Конечно, с Высоцким и его рвущим жилы Гамлетом!
И вот спустя полвека именно на этих подмостках завтра - 12 и 13 апреля на Основной сцене состоится премьера спектакля «Гамлет» популярного режиссёра новой волны, ныне главного режиссёра Красноярского ТЮЗа, Мурата Абулкатинова (предыдущим его спектаклем стал «Десять посещений моей возлюбленной» в Театре Наций). Однако не удивляйтесь, что от Вильяма ненашего Шекспира осталось совсем мало, так как за основу взята пьеса Ники Ратмановой по мотивам произведения.

Это очень современный и молодежный спектакль, он возник как результат лаборатории и суть «прекрасная авантюра»: Мурат и Сергей Кирпичёнок учились почти в одно и то же время в ГИТИСе, соответственно в мастерской Женовача и мастерской Кудряшова. Возможно, тогда родилась идея (а это уже четвертая совместная работа тандема) дать такой образ Гамлета-романтического мальчика поколения зумеров.
Режиссер не скрывает, что спектакль говорит с людьми сегодняшними о сегодня и что его Гамлет «не безумный мститель, а поэт, стремящийся найти ответы на вечные вопросы». «Сегодня в театрах Гамлеты являются один за другим, неожиданно и необъяснимо, именно сейчас. Интересно посмотреть на то, каким будет Гамлет сегодня и существует ли он вообще – нынешний Гамлет. Почти во всех моих работах, так или иначе, есть тема неслучившейся, ускользнувшей любви. Мне кажется, что театр должен быть сентиментальным, нежным. Во всяком случае, мой театр. Мой Гамлет — романтический и любящий».

И режиссёр, и исполнитель заглавной роли заверили журналистов, что премьера - оммаж и «ироничный поклон» создателям легендарной любимовской версии и что Владимир Семенович, Юрий Петрович и Давид Боровский такие же соавторы, как и Мурат Абулкатинов, драматург Ника Ратманова, художник Софья Шнырёва, режиссёр по пластике Никита Беляков, композитор Симона Маркевич.

Количество персонажей сильно сокращено (зато и длится чуть более полутора часов), а дети и родители практически одного возраста. Исключение - актриса Мария Матвеева, выпускница курса Любимова в роли Гертруды, которая передает эстафету и заветы своего мастера.

Плюс главенствующую роль играет бордовый занавес (на фоне гигантской хрустальной люстры) - и не один, а разноуровневый, что многократно театрализует новый спектакль. Очень красивый, графически отточенный и ансамблевый, со световыми чудесами от Евгения Ганзбурга и даже с теневым элементом, в котором Гамлет-младший общается с Тенью Гамлета-старшего. Режиссер столь сильно поменял полярность всех событий, поступков, где всё наоборот, где Шекспир переписан настолько, что из трагедии превратился в комедию. В зале то и дело раздается смех. "Мой дядя самых честных правил", говорит Гамлет. А ещё - про новые формы в театре и со скольких лет берут в режиссеры, упоминает романы о престолах и драконах. Вопросом "быть или не быть" тут задается каждый персонаж.

Меня такой постмодернистский спектакль оставил с холодным носом (и сердцем), но уверена, что у него будет масса поклонников среди любителей осовременивания классики. Во всяком случае, ни одного трупа на сцене - при наличии от одного до трех гробов - и торжество хеппи-энда. Представьте, Гамлет и Офелия уходят в будущее, взявшись за руки под бессмертную песню Леннона Imagine…

#театрнатаганке #шекспир #гамлет #муратабулкатинов #сергейкирпиченок
 

Сценография Софьи Шныревой в какой то степени возвращает в легендарный спектакль Таганки Юрия Любимова, занавес конечно не утяжеленный металлом, но его использование, с открытием действия на той или иной частей сцены, аналогично. История Гамлет -Офелия так же далеко не каноническая. Итог- оригинальная версия по мотивам пьесы Шекспира, разрушающая самые прочные стереотипы, очередная репертуарная удача Театра на Таганке. PS. Имеет место момент самоцитирования режиссера, перенесенный с его постановки «Евгений Онегин», ничего криминального в этом нет, «Онегина» мало кто видел, да и это именно самоцитирование. Почему бы не повторить собственный удачный момент в другом контексте, уже на столичной сцене, если его без реверансов уже перецитировал, вставив в свой спектакль, куда более опытный и известный режиссер с именем.

«Гамлет» режиссёр Мурат Абулкатинов, по пьесе Ники Ратмановой, по мотивам произведения Уильяма Шекспира. Художник Софья Шнырева. Художник по свету Евгений Ганзбург. Режиссер по пластике Никита Беляков. Композитор Симона Маркевич. Театр на Таганке. Генеральная репетиция.
Премьеры в Театре на Таганке настолько частое явление и приходится повторяться, о том что это самый недооцененный зрителем театр столицы. Уже то ,что практически подряд, вышло четыре!!! («Пиковая дама» Денис Азаров, «Превращение» Андрей Гончаров, «Каренина» Александр Карпушин и теперь «Гамлет» Мурата Абулкатинова) очень солидных, неординарных, с оригинальной трактовкой весьма замусоленных постановками произведений, в меру сложных, в большой мере зрительских, способных украсить репертуар и пополнить кассу любого театра, само по себе выводит эту театральную площадку в лидеры текущего сезона.
Перед молодым режиссером Муратом Абулкатиновым стояла пожалуй самая сложная задача, в этом сезоне постановка Шекспировского «Гамлета» главный тренд, не затеряться будучи погребенным под множеством уже представленных вариантов пьесы, не то что сложно, а практически нереально. Но как оказалось невозможное возможно. Абулкатинов не пытался ставить пьесу Шекспира, а представил своей вариант альтернативной истории сюжета о принце Гамлете, с учетом того, что и для Шекспира сюжет не является оригинальным, то такой подход вполне правомочен .Премьера еще только через пару дней ,поэтому подробный разбор. который бы хотелось сделать будет выглядеть спойлером, а в постановке Абулкатинова, неожиданность трактовки играет очень важную роль. Поэтому только о том, на какие с моей точки зрения детали стоит обратить внимание. С самого начала режиссер задает тон, не цитируя в лоб, а обыгрывая замыленную частыми повторами фразу  про мир- театр, люди- актеры. Гамлет присутствует на похоронах отца , которое представляется ему и через его комментарии зрителю, как театральное действо, это не театр в театре, это театр жизни, когда каждый играет свою роль, стараясь казаться не тем, кто есть на самом деле, эта тема развивается дальше по ходу действия. Шедевральная сцена разговора Гамлета с матерью, точней ее монолога, где великолепная Мария Матвеева- Гертруда за пару минут, выдает полный набор вариантов игры этой сцены актрисами, чуть ли со времен первой постановки пьесы. Появление актеров( практически Счастливцев и Несчастливцев ) подхватывающих роли могильщиков ставит в этой теме яркую точку. Гамлет Сергей Кирпичёнок, еще совсем мальчишка, из голливудской типажной категории  «Boyz N The Hood» «Парень с соседнего двора» никакого безумия, даже притворного, милый, правильный мальчик с чудесными детскими воспоминаниями и сожалением, о том, что с отцом не были так близки, как ему бы хотелось, при этом еще и убежденный пацифист. Отсутствие у парня желания мстить и жажды власти, пугает окружающих куда больше, чем сумасшествие, оно привычная реакция, а что ждать от человека, который большей частью молчит, а если и говорит, то что не видит смысла в насилии, которое породит еще большее насилие, не высказывает никакой агрессии, не совершает никаких действий. А то что мы не понимаем, проще уничтожить, чем пытаться разобраться есть для этого повод. Да и тому кто привык решать свои проблемы через убийство, трудно поверить, что кто то другой может быть против такого пути. В постановке Мурата Абулкатинова, все персонажи разрушают стереотип своих образов, закрепившихся за каждым всей историей постановок пьесы. Да и гробов в финале будет только три. Во всех постановках Гамлета в этом сезоне множество агрессивной музыки, танцев и шума. Гамлет Сергея Кирпичёнка за все время действия не повышает голоса, не выдает практически никаких эмоций. Даже встреча с призраком отца, так же выбивающимся за стереотипы ( практически безумный юродивый) и та не выводит его из видимого состояния равновесия и спокойствия, нет танцев, только фоновая оригинальная музыка Симоны Маркевич, в финале единственный песенный трек окончательно определяющий главную тему спектакля.

Наконец сходил на "Чехов. Вишневый сад. Нет слов" у Женовача и остался весьма доволен. Столичная публика вообще-то не очень длинные паузы, на сцене, начинает в свои смартфоны лезть или дремать. Но тут, особенно во втором действии, во втором особенно, паузы, молчание и умолчание, шумы и жесты, руки и выкрики действуют очень сильно. Эмоциональное разнообразие тишины только усиливает значение редких слов
Но я сейчас о другом . О том как иногда полезно бывает смотреть спектакль не сразу. И о прекрасном Иване Янковском, который в театре играет преступно редко, но, к счастью у нас есть сериальчики. Так вот. Премьера была осенью, но Янковский с помощью режиссёра конечно точно "снял" будущее. Только сейчас понятно что его Лопахин с непрерывной ухарской и придурочеой деловой ажиотацией "Дачи, дачи, нарезать участки, большая прибыль, дачи, дачи" это один в один другой центральный сегодня персонаж с "Сделка, сделка, большая сделка, только сегодня, завтра будет уже не такая большая сделка, big deal, я вам говорю"

ТРИ БРАТА В ЗАКРЫТОЙ КОМНАТЕ, НЕ СТЕСНЯЯСЬ АННЫ

//ОТЗЫВ НА ПРЕМЬЕРНЫЙ ПОКАЗ СПЕКТАКЛЯ “КАРЕНИНА”, ТЕАТР НА ТАГАНКЕ //

Мылом по Толстому ударил режиссёр Александр Карпушин на Таганке. Его “Каренина” началась как сериал на Нетфликс, но местами кто-то переключал на РТР. А там:

– Думает, что любит тебяяя!
– Да она не может любить меня!!!
– Да я люблю тебяяя!!!

Самые эмоциональные сцены оказались самыми невыигрышными. А вот второстепенные линии, напротив, выстрелили. А теперь всё по порядку…

Сериальность в романе Льва Николаевича, конечно, же есть сама по себе. Большое количество героев и сюжетных линий порождает ощущение целого мира дикого Востока, растянутого на несколько сезонов. И хоть мы знаем, чем всё закончится, всегда интересно, кто и как Анну доведёт до рельсов?

Спектакль с первых минут несётся невским экспрессом. И дело не в том, что Каренина совершает путешествие из Петербурга в Москву и обратно, а в динамике повествования. Плотно сплетённые между собой сцены, с головы до ног одетые в чёрное и белое, стильный саунд – не слышно даже типичных для России стыков, высокоскоростная магистраль обещает домчать до пункта назначения за 2 часа 30 минут... ЧИТАТЬ ПРОДОЛЖЕНИЕ

Чудесные фотографии - Игорь Червяков

Видео, которое вы искали, — в первом комменте ⬇️

|| СЛОВО СЛАВЫ ||

"Каренина» Толстой- Чехов. Режиссер Александр Карпушин. Художник сценограф, по костюмам Ксения Кочубей, хореограф Анна Закусова. Художник по свету Антон Поморев. Театр на Таганке.
Очередная в этом сезоне интерпретация русской классики, как уже стало традицией очень неоднозначная, провоцирующая споры и раздоры «А разве, так можно было?». Почему бы и нет, пересказов разной степени подробности и даже хореографического воплощения сюжета не счесть, что то новое придумать сложно и если Карпушину удалось (а ему удалось) разрушить, какие либо ставшими стандартно- стереотипными рамки произведения, то даже уже одно это достойно уважения и интереса. История Анна Карениной Толстого еще никогда не замыкалась в стенах вокзального ресторана и тесно не пересекалась с Чеховым. При всем, начинающаяся, как дичайший треш в итоге заканчивается вполне серьезно с сохранением авторских смыслов, но при этом адаптированных так, чтоб спустя почти полтора века со времен написания романа, были понятны и близки для современного зрителя. По подаче материала очень близко к самым зрительским спектаклям Петра Шерешевского «Три» и «Кукольный дом», но молодой режиссер Александр Карпушин, тем не менее, идет своим путем совершенствуя от спектакля к спектаклю собственный авторский стиль. Как уже несколько раз отмечал, Театр на Таганке один из самых недооцененных театров Москвы, жертва совершенно необоснованных часто сугубо личных зрительских предубеждений, театр выпускающий в сезон пожалуй самое большое количество премьер, такое что собрав их можно открывать в столице еще один театр с полным репертуаром. Естественно не все идеальны, но тем не менее, если бы часть их спектаклей (Превращение, Пиковая дама и теперь Каренина) выходили бы на каких то других более популярных площадках, то все мгновенно становились бы хитами.
Итак ресторанно- вокзальная Анна Каренина. Все действие замкнуто в пространстве двух вокзальных ресторанов Москвы и Петербурга. Как там у Пелевина „Читая роман, человек как бы поедает чужую жизнь, пусть даже иллюзорную. Это подсознательно примиряет его с тем, что какая-то сила проделывает то же самое с ним самим. Другая литературная форма вряд ли способна дать подобный опыт. Это последовательность состояний ума, похожая на обед в ресторане: starter, main course, dessert, coffee. Поэтому роман наиболее востребован рынком. Даже непредсказуемость современного романа предсказуема, и читатель спокойно ожидает её с самого начала: он не знает, что именно будет на десерт, но он знает, что десерт будет.“ У Моруа „Наблюдая за парой, сидящей за столиком ресторана, по длине пауз в их разговоре можно судить о том, как давно они живут вместе.“ Вокзальный ресторан это особая категория, место где можно встретить кого угодно и что угодно может произойти, если сам вокзал общее место встреч и расставаний, то вокзальный ресторан чаще место личных интимных катастроф, кладбище погибших надежд. Если Петр Шерешевский в своей постановке по чеховским мотивам шел от обратного, три сестры не сестры, брат Андрей им не брат, не пожар, а потоп, то Карпушин идет еще дальше, три официанта в замкнутом пространстве вокзального ресторана с вполне  последовательным по пьесе тестом Чеховских сестер и тапер эквивалентный брату Андрею. Мечты о Москве в Питере заканчиваются тем же рестораном, но в вожделенной Москве и с теми же перспективами, точнее их полным отсутствием, как у и Трех сестер, все чаще звучит версия, что они будут несчастны везде, хоть в Москве, хоть в Париже, проблема не в месте с перспективами роста, а в безнадежности и бесполезности их жизни как таковой, что уже изменить невозможно. К финалу постановки эта мысль становится для официантов вполне явной и их финальные речи, уже почти бредовый поток фраз из других пьес Чехова. Основная история Анны замыкается не паровозом, а тем же замкнутым пространством вокзального ресторана и финалом Вишневого сада.

"Лето Господне". Режиссер Марина Брусникина. РАМТ

Постараюсь написать коротко, поскольку литературоцентричный театр Марины Брусникиной, мне кажется, не нужно ворошить и разбирать по "косточкам". Это спектакли - настроение, спектакли - интонация, к которым либо "подключаешься" и очаровываешься, либо остаёшься равнодушным.

"Лето Господне" основано на  автобиографическом романе Ивана Шмелёва. Первое действие - это, скорее, иллюстрация текста, в котором подробно описана дореволюционная жизнь жителей Замоскворечья в её бытовом и духовном изводе - церковные праздники, обычаи, традиции, взаимоотношения в семье и в обществе. Тут и ярмарка с продавцом воздушных шаров, и стирка белья в речке, которая выстраивается на авансцене вереницей медных тазов, и поющий священник (Денис Баландин). И самый "жир" романа Шмелёва - описания блюд русской кухни. Кулебяки, щи, гречневые каши, пирожки с груздями, горячие баранки.

Рассказчиком, точнее, Иваном Шмелёвым, в спектакле выступает Александр Девятьяров. Тягучая как сон история раскрывается через восприятие маленького мальчика Ванятки - самого автора в детстве. Даже двери комнат и выдвижные ящики комода на сцене выглядят такими большими, словно мы смотрим на них глазами ребенка. Нельзя не отметить самого юного артиста - Максимилиана Кутузова, который почти три часа героически не покидает сцену и вполне гармонично взаимодействует со своим взрослым коллегой - Александром Девятьяровым. Максимилиан уже играет в спектакле «Леопольдштадт», но тут у него роль иного масштаба - Ивана Шмелёва в детстве. Растёт!
Поставлено это вдохновленно-поэтично и с любовью к той России, которая никогда уже не вернётся, и о которой автор через интонации, чувства, улыбки и слёзы Александра Девятьярова вспоминает с радостью и грустью одновременно. Но это только первый акт.


Во втором действии безмятежное счастье ребенка, покой и благополучие сменяются горечью и болью ранней утраты - смертью отца. Иван Шмелев писал "Лето Господне", переживая чудовищную трагедию - расстрел сына в 1921 году. "У меня выветрилась душа", - в отчаянии напишет Иван Шмелев Луначарскому. И весь второй акт - это взгляд отца, потерявшего сына, на события далекого прошлого, когда он - еще семилетний мальчик - переживал смерть своего отца. И вот спустя годы - опять надежда на чудо, которое опять не произойдет...
Евгений Редько - отец Ванятки и Александр Девятьяров играют не просто личностную драму (хотя что может быть страшнее потери самого родного человека?), но трагедию всей страны накануне колоссальных перемен.

Эксклюзив ✨
Интервью, которого нет в сети 😉
Светлана Бердичевская поговорила с Игорем Гординым

"Сирано де Бержерак". Режиссер Константин Райкин. Сатирикон.

Две хорошие премьеры подряд (в музыкальном театре и в драматическом) - это круто.

Пожалуй, я впервые задумалась о том, догадывалась ли Роксана, что настоящий автор писем к ней - Сирано. И поняла, что такая трактовка возможна. Роксана догадывается уже в тот момент, когда оба - Сирано и Кристиан, стоят под её балконом, и Сирано произносит слова огромной любви, которым прежде не давал волю. Его голос, красноречие, острый ум - всё знакомо ей с детства. Роксана в исполнении Екатерины Ворониной с понимающим всё взглядом (кто из двух тут истинный поэт) насмешливо смотрит вниз на влюбленных в неё мужчин. И в общем-то очевидно, что внешность для неё не имеет значения, она влюблена в красоту внутреннего мира Сирано. Понимая, что добиться признания в любви от терзаемого собственным "уродством" Сирано ей будет нелегко, Роксана дразнит его своей любовью к Кристиану (Илья Гененфельд). Но её надежда, что с появлением соперника Сирано начнёт бороться за неё, не оправдалась. Комплексы Сирано оказались соразмерны его носу - ведь свою любовь поэт, философ, отважный воин и остряк считал неразделенной. Он не страшился отправиться на войну, но боялся признаться в своих чувствах любимой. Роксана колотит его кулаками и всем, что попадается под руку (эта сцена мне напомнила момент, когда Фрейндлих-Людмила Прокофьевна бьёт Новосельцева в "Служебном романе"), всё тщетно.

Даниил Пугаёв играет дерзкого, нервного, несдержанного на язык молодого человека, который одним прыжком оказывается на столе. Даже шутки про свой нос он превращает в яростную рэп-декламацию. "Ни дня без дуэли" - утверждает Сирано и демонстрирует виртуозный поединок на шпагах, в котором оба артиста пластически просто совершенны. Это не фехтование - это шикарный танец со шпагами, где точен и изящен каждый жест, отбитый удар и выпад. А для Даниила Пугаёва в маске с носом - это подвиг вдвойне.

История Сирано рассказана его другом Лебре (Константин Новичков), которого тут вполне можно назвать самим Ростаном. Однако Лебре не только рассказчик, делающий тому же подробные ремарки по тексту. Он еще и создаёт спектакль в миниатюре на своём столе, расставляя и меняя декорации. Это так здорово и необычно.

Конечно, "Сирано де Бержерак" - спектакль о любви, о препятствиях, возникающих на пути к ней. Спектакль яркий, хулиганистый, смешной, драйвовый. Но Константин Райкин не мог обойти важную у Ростана тему поэта (художника, творца) и власти. Монолог "Быть может, стать льстецом" Сирано произносит на авансцене, буквально обращаясь в зал, оставив всю суетность мира позади. "Министрам посвящать стихи? И, легкой рифмою балуясь, Мне тратить свой талант и ум па пустяки?.. Пускай мечтатель я! Мне во сто крат милей всех этих подлых благ - мои пустые бредни. Мой голос одинок, но даже в час последний Служить он будет мне и совести моей!"

На сцене (художник Дмитрий Разумов) раскинулись горы писем и рулоны стихов. Всё испещрено текстом, даже картонные фигуры, заменяющие множество второстепенных персонажей пьесы. За управление и "оживление" марионеток отвечают всего два артиста - Кирилл Бухтияров и Антон Егоров. Очертания белой горы из писем вызвали в моей памяти картину Верещагина "Апофеоз войны". Наверное, поэтому я была почти уверена, что именно гора станет "могилой" Сирано: поглотит его в финале, погребая под ворохом листков, исписанных словами любви...

Трагическая история любви людей, которые зачем-то мучали себя, друг друга, обрекая на одиночество и несчастье, не даёт покоя ни читателям, режиссерам, ни зрителям уже более ста лет и будет продолжать терзать и волновать до бесконечности в попытках разгадать тайну гениального Сирано.

Фото Елена Кондратова

В чем мое преступление? Только в том, что живу.

Посмотрел «Самоубийцу» в МХТ. Сложный и очень точный спектакль. Эрдман трудный автор. Читаешь его - и сразу чувствуешь и юмор, и боль, и меру. А как только его пытаются ставить, то обыкновенно пропадает все и сразу.

Николаю Рощину удалось сохранить Эрдмана. Это уже огромная удача. И хотя первые минут 15 были пугающе экстремальными по уровню фарса. Можно сказать, что это был такой форсированный фарс, то потом они становятся оправданными и ты начинаешь принимать все приемы.

Геометричные декорации: жизнь в гробу, лестница в никуда, мавзолей Подсекальникова… мощно.

Иван Волков - точный, трогательный, беспомощный… отдельный шедевр создает Илья Козырев.

Очень своевременный спектакль. Все мы виноваты уже тем, что живем. И все мы ничего с этим поделать не можем.

"Сирано де Бержерак", Сатирикон. Реж. - Константин Райкин.
#премьерасезона
Кажется, когда-то уже писала, что героическая комедия Ростана является если не самой любимой классикой в стихах, то одной из - точно. Поэтому очередной постановки по ней ждала с большим интересом. Дождалась. Надеюсь, пересказывать сюжет не стоит, тем более, когда он не претерпел особых метаморфоз и не удивил взглядом под каким-то неожиданным углом. История отъявленного романтика, оказавшегося жертвой собственных комплексов, просто перенесена в некое вневременье. Сжата без ущерба для содержания до 2,5 часов. И чуть-чуть дополнена цитатами Губермана, которые заметят и угадают, как мне кажется, единицы. Если честно, узнав о предстоящей премьере, ожидала её бОльшей актуальности. Но то ли Константин Аркадьевич решил лишний раз не играть с огнём, ограничившись сказанным ещё в 18 веке, то ли в ходе репетиций сердечные переживания главного героя взяли верх. Теперь можно только гадать. В итоге получился спектакль о поэте, который стихами и любит, и бичует, и докучает вельможам, и обретает признание. Концентрированным текстом здесь пропитано всё, включая сценографию. Он появляется в виде проекций на заднике, скручен в гигантские рулоны писем и бумажные кулёчки для печенья, пришпилен к мобильным декорациям, начертан на картонных силуэтах, стараниями Кирилла Бухтиярова и Антона Егорова оживающих и превращающихся в бесчисленных персонажей. Жизнь, прожитая на бумаге, превратившейся в гигантский ворох, становится единственным убежищем человека, проигравшего свой главный поединок - схватку с самим собой. При этом, для окружающих Сирано - отчаянный, дерзкий, бесстрашный, искромётный авантюрист и храбрец. Вездесущий, стремительный, неутомимый, он владеет шпагой так, что глаз не оторвать (постановщикам фехтования Виктору и Олегу Мазуренко отдельное браво!). Даниил Пугаев блестяще справился с поставленной задачей. Выразительность движений, голоса, колоссальная самоотдача вызывали искреннее восхищение на протяжении всего спектакля. Но за ним таились нечто вроде досады и (на мой взгляд) один из главных минусов режиссёрского решения. Грим, призванный подчеркнуть внешнюю некрасивость, практически полностью скрыл истинное лицо актёра. А противоречивому, раздираемому сильнейшими чувствами герою, чьи мимика и взгляд погребены под "маской", в полной мере достучаться до зрительских сердец крайне затруднительно. Правда моё осталось совершенно равнодушным к другому образу - Роксаны (Екатерина Воронина). Она, диссонируя с остальными исполнителями, казалась самым слабым, инородным звеном, неоднократно вызывавшем мысленное: "не верю". Третий, наиболее незначительный минус - пояснительные ремарки, зачитываемые со сцены. Исходно они просто отвлекали от основного действия, к финалу ощущались искусственным затягиванием времени (возможно, из-за отсутствия антракта). Однако заканчивать на негативных нотах не хочется. Разочарования спектакль точно не вызвал. Актёрские работы за исключением одной в разной степени увлекли и запомнились. А главное - вышла с твёрдым решением вернуться (очень любопытно и заманчиво увидеть трактовку Сирано Ярославом Медведевым), что уже говорит само за себя.
#сиранодебержерак
#сатирикон
#константинрайкин
#премьера

«Сирано де Бержерак» Эдмон Ростан. Перевод Владимира Соловьева с реверансом классическому переводу Т. Л. Щепкиной- Куперник. Режиссер постановщик Константин Райкин. Сценография Дмитрий Разумов. Костюмы Мария Данилова. Художник по свету Денис Солнцев. Театр «Сатирикон» Генеральная репетиция.
Постановка буквально кладбище неоправдавшихся надежд. Была надежда на спектакль в Сатириконовском духе «The Show Must Go On» шумный , громкий, пестрый с большим количеством музыкальных номеров, получили стильную, строгую, без присутствия каких либо ярких цветов в серо-черно-белых картонно-бумажных декорациях Дмитрия Разумова, с минимальных музыкальным рядом, возникающим только в случае, когда музыка дополнительное средство позволяющая точней раскрыть раскрыть характеры героев и нет случайных музыкальных тем, будь то даже рэпер Эминем или шансонье Серж Генсбур, поющий на русском языке. Не оправдались и ожидания, что сюжет будет осовременен, постановщики очень аккуратно прошли по тонкой грани между классикой и современностью лишив примет, не только какого либо точного времени действия, но и смогли выйти  за его пределы, избавив даже от намека на бытовые моменты, постановка в условном театре будущего, когда прошлое зрителями уже давно забыто и требует ремарк- пояснений, присутствующего тут же на сцене летописца. Когда ставят «Сирано», то всегда под какого то известного опытного актера, который дорос, не побоюсь этого слова, иногда и дожил наконец до этой роли, надежды что молодые актеры театра в одной из самых сложных ролей мирового репертуара потеряются к ужасу всех, так же не оправдались. Сирано- Ярослав Медведев мало того, что с ролью справился посрамив многих заслуженных, но и почти впервые максимально приблизил, не разрушая авторского текста, своего героя к современности, когда комплексы зачастую имеющие пустячную причину для появления и укрепления, становятся практически дьявольской одержимостью и окончательно разрушают даже очень талантливого во всем, сильного изначально человека. Давно не было такого отчаявшегося, уже уставшего постоянно доказывать всему миру свое превосходство Сирано как у Медведева, который всему то миру доказал, но по прежнему совершенно беспомощен перед любовью, она главная в его жизни и потерпеть поражение на любовном фронте это самое страшное поражение, которое он только может представить, жить после такого дальше будет точно невозможно, тем более когда женщина изначально и сильней и уверенней в себе, чем он сам, Роксана (дивная Екатерина Воронина), тоже одержима комплексом, что все таки мужчина должен стать лидером в их отношениях. Да конечно женщина любит ушами и слова любви прекрасны, но как там у Чехова, не могу же я сама делать ему предложение, общая неспособность героев проговорить свои проблемы в итоге ведет к катастрофе. Надежда, что густонаселенная пьеса предполагает наличие на сцене большого количества актеров, так же погибла, условность сценографии и концепт, позволили актерам, как в общем то давно в «Сатириконе» водится, играть по нескольку ролей и даже во всех своих сыгранных по ходу действия ролях выходить в итоге на поклоны. Тревожащее предчувствие, что пьесу, как обычно растянут на часа на четыре, так же не оправдалось. Сценическая версия театра с очень плотным, концентрированным текстом, при сохранении всех пяти положенных действий пьесы, динамично уложилась пока в 2.30 без антракта, но явно будет сокращена, как говорил Константин Аркадьевич до двух с небольшим часов. Бонусом идет великолепно поставленная сцена фехтования. Итог -как же чудесно, что иногда, как в данном случае, надежды и предчувствия не оправдываются.

С Днём Театра, друзья!

Отзыв Натальи Ртищевой о спектакле Антона Яковлева "Преступление и наказание", Театр Гоголя

Неожиданные открытия в местах, куда редко заглядываю. Антон Яковлев поставил «Преступление и наказание» на сцене театра Гоголя. Если Владислав Наставшев в «Идиоте» в театре Вахтангова из романа про болеющую нацию, склонную к крайностям и тёмным финалам, сделал чуть ли не русскую историю преступлений, то Яковлев мечту соотечественника, как спасти мир, загубив себя, рассказал без новообразований, прибегая к стандартам. Тем не менее, спектакль головокружительный, захватывает целиком. Думала, в чем его воздействие и поняла - больше, чем интеллектуального драйва и паранойи, в нем того, что в Достоевском бесценно - жалости к людям. И ведь не гремит бюджетом спектакль. Актеры лицом к лицу, все герои на сцене сразу, живые и мертвые, спортивные упругие диалоги ( автор инсценировки Елена Исаева). Начинается как суд после убийства Алёны Ивановны и Лизаветы, вы и убили-с, теория превосходства Раскольникова - деление людей на низкий материал и имеющих дар. Во втором сама история. И покаяния в конце нет, не нужно Раскольникову покаяние, не кается русский, вошь убил. Еще художник Алексей Кондратьев ( костюмы Тамара Эшба) поместил Петербург в каркасы деревянных шкафов. Сценография динамичная и когда доски плотно прижаты друг к другу, то походят на нары и несут тень Омской каторги, а когда каркас Раскольникова ставят горизонтально, каморка напоминает гроб и актер Василий Неверов демонстрирует чудеса гутапперчивости - крутится, сворачивается кольцом, упирается ногами в верх, пытается как-то вытянуться и обрести человеческий облик и не может его обрести. Душегубы и святые в таком соседстве почти родственные души, часть одной русской муки жить. Давно не испытывала такого сострадания к героям Достоевского. Яковлев не боится ставить эмоциональные сцены. Над историей загнанной лошадки из воспоминаний семилетнего Роди, в конце первого акта плакал, по-моему весь зал ( Алена Гончарова). Яковлев сделал человечным даже уход Свидригайлова. Андрей Финягин играет разбитое сердце злодея, и это одна из лучших сцен в спектакле. К тому же у Яковлева актёрское разнообразие. Чудесная Соня Янины Третьяковой из академии Михалкова, Неверов-Раскольников - ученик Табакова, додиевский Андрей Кондратьев- комичный в лицемерии Лужин не оставил шанса быть не замеченным. Дмитрия Высоцкого -Порфирия Петровича и так знают, ну, а Финягин это Финягин. Второй раз в этом театре после Гоголь-центра и если так в нем складываются актерские ансамбли, то можно только приветствовать. Как и актуальность спектакля. Вышел у Яковлева такой герой нашего времени - некомфортный русский, с чувством превосходства, вырывший ров между собой и другими, решающий проблемы самым ужасным образом, не договорной, не желающий каяться, не готовый к согласию, готовый к разговору, спору, дискуссии, в окружении спасающих его женщин. Он в нас, он повсюду.

«Лето Господне» по роману Ивана Шмелева. Режиссер Марина Брусникина. Художник Нана Абдрашитова. Художник по свету Нарек Туманян. Композитор Александр Девятьяров. Музыкальный руководитель Алена Хованская. РАМТ.
Новая постановка в РАМТ по своей сути и смысловому содержанию составляет, в той или иной степени, трилогию с двумя предыдущими «Леопольдштадт» Тома Стоппарда и «Усадьба Ланиных» Бориса Зайцева в постановке художественного руководителя театра Алексея Бородина. Объединенные мыслью о потере родины, родного дома, своих корней. Утраченная память о своих корнях не просто потеря интереса к истории своей семьи и страны, когда мы отрываемся от прошлого, то лишаем себя возможности понимать настоящее и предвидеть будущее. Как писал А.С. Пушкин  „Я далёк от того, чтобы восхищаться всем, что вижу вокруг себя; как писатель я огорчён…, многое мне претит, но клянусь вам моей честью – ни за что в мире я не хотел бы переменить Родину, или иметь иную историю, чем история наших предков, как её нам дал Бог.“
Иван Шмелев находясь в эмиграции написал пожалуй один из главных романов о дореволюционной России, именно с этой точки зрения, при том что его детство и тем более последующая жизнь, после смерти отца было совсем не безоблачны, но  «Счастлив тот дом, где пребывает мир… где брат любит брата, родители пекутся о детях, дети почитают родителей! Там благодать Господня…» 
Роман очень сложен для переноса на театральную сцену, много бытового описательного текста, подробностей  религиозных праздников, но Марине Брусникиной удалось почти невозможное, создать из всего этого связную историю, когда в финале смерть отца становится эквивалентом потери не только близкого человека, а в самом широком смысле и Родины. Трагедия, которую можно принять, смириться, но невозможно забыть, в этом случае жизнь уже точно будет завершена и не только для тебя, но и для всех последующих поколений. „Смерти нет, а есть любовь и память сердца…“
Итог-зрителю пришедшему на спектакль, нужно четко понимать, что то о чем там говориться никак не сможет стать развлекательным зрелищем, формат романа и спектакля предполагает медитативное воздействие, поэтому свои личные ощущения, о том что было скучно лучше придержать от публичных высказываний.

«Зеркало» (реж. С. Савельев, Пространство Внутри)

Это уже вторая премьера Саввы Савельева в «Пространстве Внутри»: в прошлом году он здесь выпустил «Петушки» (очевидно, по Ерофееву), в этом - «Зеркало», спектакль в основу которого легли тексты Белля и Воннегута. Впрочем, рассказ Белля «Молчание доктора Мурке» здесь, скорее, - отправная точка для разговора о совсем другом.

В рассказе сотрудник радио вынужден вырезать из старой (1945 года) аудио записи лекции слово Бог и заменить его на «то, существо, которое мы все чтим», потому что профессор-лектор решил, что религиозность больше не актуальна. Ироничный, но достаточно вторичный рассказ про лицемере. Савельев, перенеся действие на 10 лет вперед (в 1965 год), усиливает социальный контекст (60ые - время студенческих волнений, появление новой свободной рок музыки и т. д.). Поэтому на тему лицемерия накладывается тема про разрыв поколений. На первый взгляд, профессор (его играет сам Савельев) и радио редактор (изначально должен был быть Горчилин, но в итоге - Павел Табаков) - предельно контрастны. Их диалог - бесконечная пикировка и поддевка друг друга. Иногда без повода, а просто из желания задеть, иногда - из-за социальных разногласий. Профессор - пожилой немец, ратующий за порядок. Герой Табакова - свободный молодой человек, ведущий по ночам программу про рок музыку, выходящий на демонстрации, выступающий с левыми (весьма наивными) идеями против богатых.

В дальнейшем их диалог обнажает лицемерие обоих (как в детективе мы постепенно и иногда неожиданно с каждой следующей сценой узнаем что-то новое про них): профессор, ратующий за соблюдение закона, занимается контрабандой живописи (картин, которые якобы пропали во время бомбардировок Дрездена в 1945 г.); а радио редактор на словах борется с зажравшимися чиновниками в уютных креслах, а по факту - едет отдыхать в отель Ритц с возлюбленной (дочкой какого-то баварского магната). Контраст этот сделан стереотипно, все построено на прямых противоположностях - из-за этого кажется слишком примитивным.

Но сюжет рассказа Беля, скорее, - способ, чтобы эти два героя встретились. Вторая половина спектакля, куда Савельев вставил страшные тексты Воннегута про жестокие (и бессмысленные во многом) бомбардировки Дрездена, обнаруживает, что у этих, таких, казалось бы, контрастных героев, есть общее страшное прошлое - оба они пережили те самые бомбардировки (случившиеся в День всех влюбленных - примитивный, но работающий прием, когда хроника бомбардировок показывается под какой-то приятный блюз). Становится понятно, почему профессору так тяжело далась радио запись (он ее записывал в домашней «студии», оборудованной в шкафу, обклеенном одеялами, - сценографически спектакль очень дотошно выстраивает быт тех лет с магнитофонными пленками, пластинками в картонных файлах и т. д.) - после 1945 г., после попыток спастись от бомб в подвале понятно, почему он боится замкнутых пространств. А радио ведущий, внешне такой ироничный, в конце снимает рубашку - и мы видим, следы страшных ожогов, полученных тогда же.

Взгляды у них разные, но отчасти общее травматическое прошлое могло бы сблизить. Профессор в пылу кидает ему «Двадцать лет назад мы боролись за жизнь, а вы боретесь за сексуальную свободу» - а правда заключается в то, что двадцать лет назад они оба боролись за жизнь. Но прошлое не объединяет - казалось бы, они могли бы понять боль друг друга, но вместо этого только обвиняют. И не только за поступки друг друга, но и за поступки родителей - отец одного был нацистом (бежавшим в Аргентину), отец другого, вероятно, своровал картины в суете разрушаемого города. Поэтому это не просто конфликт поколений, но и конфликт предыдущих поколений, который никуда не девается и много лет спустя.

Я понимаю, что Савельев хотел сделать, но вышло очень прямолинейно - в тексте спектакля столько стереотипов, что это только отдаляет от серьезного разговора про ответственность поколений.

Балл: 5+ из 10

#зеркало #саввасавельев
#пространствовнутри

Сюрреалистичный марафон одержимости. «Торговцы резиной», реж. Петр Шерешевский

Что сказать за «Торговцев резиной»?

Ханоху Левину – классику современной израильской драматургии, к критике и неприятию своих пьес не привыкать. Скажу больше, сам драматург сознательно, изобретательно и увлеченно прилагал все усилия, чтобы щеки романтических барышень запунцовели, а дамы с жизненным опытом жеманно собрали губы в куриную гузку и увели своих спутников в антракте. Да что там, не каждый мужчина выдержит, когда на сцене показывают «такое». Жанр пьесы «Торговцы резиной» (второй вариант «Продавцы резинок») обозначается как комедия. Роли: женские: 1; мужские: 2; детские: нет; массовка: нет. Режиссер Петр Шерешевский расширил жанровые рамки спектакля до кабаре, где зрителей ждут песни, танцы и живая музыка.

Гениальным решением было предложить роли Белы Берло, Шмуэля Спроля и Иоханана Цингербая - Полине Кутеповой, Игорю Вернику и Виталию Коваленко.

Шо ви на меня так смотрите? Ви смотрите на сцену лучше. Там Белочке Берло два очень приличных молодых человека делают предложение! Приличной женщине нелегко сейчас найти себе хорошего жениха! Цингербай – 40 лет, хороший мальчик, мама завещала ему 60 тысяч, таки он выполняет завет своей мамы и бережет их! Спроль – 40 лет, тоже хороший мальчик, отец завещал ему 10 тысяч резинок, таки он практично распоряжается своим капиталом! Нет смешного, такие серьёзные резинки, ви, между прочим, обязаны им жизнью, вернее их отсутствию! И я вас умоляю, шо ви так краснеете? Вас шо, мама нашла в капусте?

У каждого из героев паталогическая привязанность – Белы Берло к аптеке, Цингербая к неприкасаемому счету в банке, Спроля к своему гигантскому запасу «резинок», который он отчаянно пытается продать. Поначалу весело наблюдаешь за ними, как героями из анекдотов про еврейский практичный характер, потом как за детьми, которые не могут наиграться своими игрушками, а далее на смену смеху и жалости приходит инфернальный ужас. Эта фетишистская привязанность – делает из героев зомби.

Даже ради личного счастья, даже на «том свете», эти трое продолжают спорить, делить, тянуть на себя и не уступать ни пяди бесполезной «резиновой» рухляди, убыточной аптеки, неприкасаемого вклада в банке. Абсолютно не в состоянии пожертвовать чем-либо, цепко держат «своё» – и это страшно. Для усиления флешбэка героев прогоняют через два временных цикла: период их расцвета и период угасания. Зрителям позволяют заглянуть в их мечты (ставят себе ограничения и там), и даже в их жизнь после смерти. Не меняется ничего, вся история превращается в полубезумный сюр, из частной истории переходит в другое глобальное измерение. Это уже не просто история о странных людях — это притча о человеческой одержимости.

«Продавца резины» - странная пародия на… нищих духом обывателей, которая всегда будет вызывать споры из-за нетрадиционного и нахального взгляда на вещи. Возможно, даже создадутся общества борьбы за нравственность, которые встанут пикетом у стен театра, где идут «Торговцы». Романтики могут назвать спектакль вульгарным, ханжи - порнографическим. Но ведь это не про вас, верно?

Вы увидите такого Игоря Верника, каким вы даже не подозревали, он может быть! Извержение вулкана Этны ничто по сравнению с вулканом Верника! Вы попадете в плен чарующего таланта и медового голоса Полины Кутеповой, нашей русской Мэрил Стрип! И шо ви имеете сказать насчет убийственной харизмы Виталия Коваленко?

Петр Шерешевский как часовых театральных дел мастер, выставил режиссерские настройки с швейцарской точностью. Красиво и полубезумно, серьезность и полный трэш, кукольная марионеточность кабаре и драма, комедия и трагедия. Тот, кто придет на спектакль в поиске смысла жизни (звучу как Погребничко), тот его обязательно обрящет, а кто не нашел, значит, не искал.

Делать публике приятно помогал композитор Ванечка и Оркестр Приватного Танца.

Спектакль создан Театральным агентством АРТ-ПАРТНЕР XXI

🌹 Театральная Роза… и автостоп

ИВАНОВО ДЕТСТВО

//ОТЗЫВ НА ПРЕМЬЕРНЫЙ ПОКАЗ СПЕКТАКЛЯ “ЛЕТО ГОСПОДНЕ”, РАМТ //

Мы попали в какой-то ностальгический цикл. Когда в стране что-то меняется, люди вновь и вновь смотрят в прошлое, бубня под нос: “А вот раньше-то…” Что было раньше, не важно, – важно, что тогда мы были моложе, счастливее, беззаботнее. Писатель Иван Шмелёв в своём “Лете Господнем” ностальгировал по детству, а вместе с ним – по стране, которую он потерял после Революции. Марина Брусникина почти век спустя ностальгирует по литературе, которая ностальгирует по стране и по детству.

Хотя её спектакль “Лето Господне” больше не про геополитическое, а про человеческое. Все мы дети, пока живы родители. И в постановке Брусникиной эта мысль звучит первой скрипкой. Почти бессюжетная радость бытия, радость находиться дома, с отцом, с людьми, которые стали родными, занимает большую часть постановки.

Оттого так много перечислений. Пришли на постный рынок, а там: “несуть вязки сухихи грибов, баранки, мешки с горохом, везут на салазках редьку и кислую капусту”. Или воспоминание об именинах: “Так наложили в сумку осетрины заливной, и миндального киселика в коробке, и пирогов всяких, и лещика жареного с грибами, с кашкой, с налимьим плесом”. Всё со вкусом, всё с запахом, сплошной калейдоскоп фрагментарных, но очень конкретных продуктов звучит в режиссуре Брусникиной сплошным многолюдным базаром – ощущение толпы, весёлой, шумной, не покидает.

Смотрится это, правда, тяжеловесно. Нет крупных историй, в череде сплошных перечислений – еды, событий, персонажей – артистический ансамбль создаёт какофонию в почти стерильном антураже. У зрителя буквально нет возможности зацепиться мыслью за какую-то отдельную яркую историю или зарисовку. Разве что сюжет с гаданием Горкина по книге. И оттого этот эпизод, несмотря на свой проходной характер, кажется выпуклым, заметным.

В качестве основной декорации использованы стеллажи с архивными ящиками. Вот где хранится память Ивана Шмелёва. Какие-то ящички открыты, какие-то навсегда присохли. Задник сцены прикрывает подвижная стена. Когда она начинается раздвигаться и за ней открываются разноцветные миры маленького Вани, неловко вспоминаешь, как открывалась коробка серой реальности в голове мальчика Николя из бутусовского спектакля “Сын”. Там иллюзорный мир мальчика был мрачным: сухое дерево, ворона, мрак.

Конечно, эта параллель между спектаклями возникла не случайно. Ведь на сцене те же артисты – Александр Девятьяров и Евгений Редько. Только на этот раз происходит сценический твист – теперь Александр играет сына, а Евгений – отца. В “Сыне” всё было вывернуто в обратную сторону.

Несмотря на то, что у Ивана большого есть возможность посмотреть на себя маленького – Ваню в детстве сыграл Максимилиан Кутузов – артисту Девятьярову не с кем разделить всю боль переживаний в момент смерти отца его героя. И он несёт это знамя с таким упорством, что, если вы не заплакали уже на первых минутах, то к финалу у вас всё равно заструятся ручьи по щекам. Выматывающая роль, очень болезненная.

Вообще, вторая часть спектакля смотрится куда собраннее и камернее, чем разухабистая первая. Но дальше приходится идти по топи. Ноги увязают в тяжёлых эмоциях и каких-то излишних стараниях. При этом не отпускает ощущение, что тебя мучают, буквально насилуют, чтобы ты хоть на граммулечку почувствовал боль мальчика по уходящему детству, по лету его жизни, которое длится от чистого понедельника до Радуницы, и которое – закончилось навсегда.

|| СЛОВО СЛАВЫ ||

"Сто бед". Режиссер Галина Зальцман. Театр Вахтангова

Честно признаюсь, для меня этот спектакль стал сюрпризом. Узнав, что режиссера вдохновило творчество Эмира Кустурицы, я ожидала увидеть цыганскую эстетику, в которой решены его знаменитые фильмы. Но ничего такого в спектакле нет. Зато есть яркий, слегка фантасмагоричный мир Кустурицы-кинорежиссера, где подросток плавает в ванне аквариуме и разговаривает с карпом. Где за красным (цвет этой театральной весны) занавесом обнаруживаются музыканты, поющие In the death car we are alive - песню из фильма "Аризонская мечта" . Где по диагонали сцены ездит дрезина, а на полу лежит ковёр из рассыпавшихся спелых помидоров.

В основе постановки - сборник рассказов Эмира Кустурицы "Сто бед", главный герой которого есть сама любовь, с её взлетами и падениями, ссорами и расставанием, болью, страхами и надеждой. И, конечно же, в ней есть немного безумства и странностей.
Основное действие происходит в конце 70-х годов в Югославии и "перескакивает" в 90-е - в страшное время войн на Балканах. Сюжет представляет собой воспоминания о прошлом Эмира Кустурицы наших дней - поэтому на сцене мы видим заброшенный кинотеатр, стен которого коснулись бомбардировки. В роли Кустурицы - Евгений Кравченко, по-моему, безукоризненно освоивший сербский говор, да и внешне похожий на своего героя.

Как же устроен этот мир воспоминаний автора? Пионерское детство в стране, которой больше нет, школьные друзья, их семейные истории и переживания. Тут и первая любовь с её волнующим первым поцелуем и клятвами верности, и страх за родителей, когда они попадают в больницу; и страшная попытка самоубийства; и зрелая любовь, которая сохраняется всю жизнь, но проявляет свою силу и глубину в моменты, когда любимому человеку грозит смертельная опасность.

Галина Зальцман говорит, что поставила спектакль о любви, о такой любви, которая, по словам Кустурицы, способна победить всё, если её в свою очередь не победит что-то другое. И это другое - война. Война настигает влюблённых, встретившихся спустя годы, врывается в жизнь страшной реальностью - дуло танка, которое пробивает стену, грохот падающих бомб... "Нам дали большой шанс прожить жизнь в мире, но мы его упустили"- говорит Кустурица и он сто раз прав.

Чудесные молодые артисты, исполнившие в спектакле роли подростков, с какой-то особой выразительностью раскрыли внутренний мир своих героев, их безудержную энергию и детский авантюризм. А всех мам и пап замечательно сыграли Светлана Йозефий и Артем Пархоменко, передав всю сложность чувств взрослых людей.

И еще. Март - очень важный и трагический месяц для сербского народа: именно в марте начались американские бомбардировки. И неслучайно именно в марте начинается действие спектакля. Поэтому особенно символично и очень правильно, что премьера "Ста бед" состоялась именно сейчас.

Отзыв Натальи Ртищевой о спектакле Петра Шерешевского "Торговцы резиной" ("Арт-Партнер")

Спектакль «Торговцы резиной». Продюсер Леонид Роберман, режиссёр Пётр Шерешевский по пьесе израильского классика Ханоха Левина. 3,20 еврейских анекдотов про презервативы в присутствии в зале дам - уже повод для отторжения. Трио клоунов в жанре кабаре - так себе жанр, но есть нюансы. Шла на антрепризу, думала хана бобику, а посмотрела один из мощнейших спектаклей Шерешевского. Анекдот идёт длиною в жизнь и заканчивается смертью, а за еврейским юмором встают главные вопросы, которые задаёт себе человек. В отличие от своих героев, проигравших жизнь, - один держался за счет в банке, другой - за наследство отца, третья за свою аптеку - Шерешевский не держался за свою узнаваемую манеру. Он вышел из дома без багажа и открыл новую дверь. За этой дверью оказались три клоуна и три этапа их жизни, очень похожие на наши - когда многое можно изменить, когда ещё есть возможность и надо решиться и когда уже ничего не поменяешь. Музыкальная история в сопровождении изумительного Оркестра приватного танца и его руководителя Ванечки, как три еврея не отказались каждый от своей ноши ради счастья, вцепились в имущество и утащили его на тот свет, оказалась притчей о поступках, которые мы не совершили, раздумьями о том, как принять другого человека без условий и выгоды и как вообще правильно распорядиться своим лучшим временем до сахарного диабета и артрита. На такой философской высоте пошлятина с гондонами сразу потеряла стыд, а дураковаляние актёров придало их еврейским жадинам, не расчищавшим вес гешефта с временем жизни, обаяние. Трёх припыленных жизнью евреев, которые не сторговались за счастье, играют Игорь Верник, Виталий Коваленко и Полина Кутепова. Из еврейских чемоданов без ручки герою Виталия Коваленко досталось мамин счёт в 60 тысяч, героине Кутеповой - аптека, не приносящая дохода, а Игорю Вернику те самые 10 тысяч пачек презервативов от страстного папы годностью четыре года. Все трое дают высший класс мастерства и житейский итог истории прост - выгода от презервативов не в том, как их выгодно продать, а как быстрее их выбросить, завести жену, детишек и научиться быть счастливым, потому что не только у презервативов есть время годности. Куда важнее время годности человека.

Отзыв Елены Мамонтовой о предпремьерном показе спектакоя "ГоГоЛьИЛиАДА". Найти своих и успокоиться. Игорь Миркурбанов дебютировал в качестве режиссера с постановкой «ГоГоЛьИЛиАДА» в «Ленкоме»

«Мчатся тучи, вьются тучи» вокруг дебюта известного артиста на одной из ведущих сцен Москвы. Разделились на анализирующих-хвалящих и бесноватых-бранящих блогеры и театральные зрители. Хорошее начало. Как и то, что было в спектакле: с одной стороны сценического портала стоит Гоголь, с другой – Пушкин. Молодые, красивые, «чушь прекрасную несут». Между делом Пушкин подсказывает Гоголю сюжет «Мертвых душ» и советует второй том обязательно сжечь.

Миркурбанов сам сочинял инсценировку, основываясь на ключевых произведениях Николая Васильевича: «Нос», «Портрет», «Записки сумасшедшего», «Мертвые души», «Ревизор». Но когда вышел на подмостки, в сочинение полилось столько «неучтенного», что зритель, включаясь в игру слов и ассоциаций, только успевал: Кубрик, Триер, Линч вплетались в реплики и даже музыкальный ряд, иногда просто сбивая с толку: куда эту ассоциацию приложить в этом разношерстном лоскутном очень модном шитье, где кожа и шелковые кружева, дерюга и стеклярус.

Начитанность и насмотренность тут первостепенна, без нее пазл не сложишь, хоть расшибись головой об авансцену. На продвинутых зрителей и рассчитывает автор (надо же, как похоже на опытного режиссера Богомолова, с которым Миркурбанова связывают годы совместной работы). Как оказалось в ходе спектакля, Миркурбанову очень многое хотелось не то, чтобы обыграть и оформить в метафоры, да хотя бы произнести! От мыслей-ассоциаций перехлестывало, образное варево переливалось через край, отчего спектакль растянуло на три с лишним часа.

Тот, кто пришел со знанием русской классики на уровне школьного образования, минут через сорок нащупывал основную лыжню: ага, это все-таки «Ревизор»! Да, так и есть, инсталляции из сюжетов и героев Гоголя как-то прибились к основной канве, где в центре появляется Инкогнито и вокруг него – узнаваемая провинциальная закормленная элита со всей мыслимой и немыслимой придурью.

Но мир режиссера не хочет успокаиваться и льет на этот сюжет цитату за цитатой, связать которые порой нелегко. Религиозные, мистические и нравственные поиски автора спектакля летают сквозь века, нанизывая смысловые точки в поворотах истории, чтобы сделать эту постановку, действительно, самой загадочной в сезоне. В потоке слов возникает, к примеру, Пипин Короткий, как символ прекращения династии Меровингов (символ вероломства), но к этому сюжету мысль не долетает. Хотя торжествующее зло тут же подкрепляется другой метафорой. Или возникают Розенкрейцеры – тайное мистическое общество, но куда они ассоциативно ведут? Гораздо позже по действию появляется страшноватое, но четко визуализированное «всевидящее око», которое уже не уходит до финала.

Мистики по горло. Ее вносят и сами гоголевские персонажи: и мертвые из «Мертвых душ», и Селифан Чорт, и Панночка, и даже Аделаида, но уже не крапленая колода карт.

Звучание оркестра и эстрадные номера – вот то, что делает спектакль поистине «ленкомовским», встраивая его в традицию некогда прославленного театра. Яркость сценических решений с преобладанием красного, к сожалению, ставит его в другой, совсем не парадный ряд. Но не это будут обсуждать. Больше будоражит умы собственная, почти гомеровская Илиада Миркурбанова, как путешествие по сакральным темам, приводящим его к теме личной ответственности перед высшим судом. Как поиски юного Вертера. Но юность здесь только лишь режиссерская, когда мятежный дух жаждет одного: чтобы его услышали, поняли так, как он того хочет, о чем почти кричит. Он хочет найти своих. И успокоиться.

Отзыв Елена Мамонтовой о предпремьерном показе спектакля «ГоГоЛьИЛиАДА». Найти своих и успокоиться. Игорь Миркурбанов дебютировал в качестве режиссера с постановкой «ГоГоЛьИЛиАДА» в «Ленкоме»

«Мчатся тучи, вьются тучи» вокруг дебюта известного артиста на одной из ведущих сцен Москвы. Разделились на анализирующих-хвалящих и бесноватых-бранящих блогеры и театральные зрители. Хорошее начало. Как и то, что было в спектакле: с одной стороны сценического портала стоит Гоголь, с другой – Пушкин. Молодые, красивые, «чушь прекрасную несут». Между делом Пушкин подсказывает Гоголю сюжет «Мертвых душ» и советует второй том обязательно сжечь.

Миркурбанов сам сочинял инсценировку, основываясь на ключевых произведениях Николая Васильевича: «Нос», «Портрет», «Записки сумасшедшего», «Мертвые души», «Ревизор». Но когда вышел на подмостки, в сочинение полилось столько «неучтенного», что зритель, включаясь в игру слов и ассоциаций, только успевал: Кубрик, Триер, Линч вплетались в реплики и даже музыкальный ряд, иногда просто сбивая с толку: куда эту ассоциацию приложить в этом разношерстном лоскутном очень модном шитье, где кожа и шелковые кружева, дерюга и стеклярус.

Начитанность и насмотренность тут первостепенна, без нее пазл не сложишь, хоть расшибись головой об авансцену. На продвинутых зрителей и рассчитывает автор (надо же, как похоже на опытного режиссера Богомолова, с которым Миркурбанова связывают годы совместной работы). Как оказалось в ходе спектакля, Миркурбанову очень многое хотелось не то, чтобы обыграть и оформить в метафоры, да хотя бы произнести! От мыслей-ассоциаций перехлестывало, образное варево переливалось через край, отчего спектакль растянуло на три с лишним часа.

Тот, кто пришел со знанием русской классики на уровне школьного образования, минут через сорок нащупывал основную лыжню: ага, это все-таки «Ревизор»! Да, так и есть, инсталляции из сюжетов и героев Гоголя как-то прибились к основной канве, где в центре появляется Инкогнито и вокруг него – узнаваемая провинциальная закормленная элита со всей мыслимой и немыслимой придурью.

Но мир режиссера не хочет успокаиваться и льет на этот сюжет цитату за цитатой, связать которые порой нелегко. Религиозные, мистические и нравственные поиски автора спектакля летают сквозь века, нанизывая смысловые точки в поворотах истории, чтобы сделать эту постановку, действительно, самой загадочной в сезоне. В потоке слов возникает, к примеру, Пипин Короткий, как символ прекращения династии Меровингов (символ вероломства), но к этому сюжету мысль не долетает. Хотя торжествующее зло тут же подкрепляется другой метафорой. Или возникают Розенкрейцеры – тайное мистическое общество, но куда они ассоциативно ведут? Гораздо позже по действию появляется страшноватое, но четко визуализированное «всевидящее око», которое уже не уходит до финала.

Мистики по горло. Ее вносят и сами гоголевские персонажи: и мертвые из «Мертвых душ», и Селифан Чорт, и Панночка, и даже Аделаида, но уже не крапленая колода карт.

Звучание оркестра и эстрадные номера – вот то, что делает спектакль поистине «ленкомовским», встраивая его в традицию некогда прославленного театра. Яркость сценических решений с преобладанием красного, к сожалению, ставит его в другой, совсем не парадный ряд. Но не это будут обсуждать. Больше будоражит умы собственная, почти гомеровская Илиада Миркурбанова, как путешествие по сакральным темам, приводящим его к теме личной ответственности перед высшим судом. Как поиски юного Вертера. Но юность здесь только лишь режиссерская, когда мятежный дух жаждет одного: чтобы его услышали, поняли так, как он того хочет, о чем почти кричит. Он хочет найти своих. И успокоиться.

"Зеркало" Генрих Белль, Курт Воннегут. Драматическое кабаре. Режиссёр, драматург и художник Савва Савельев, художник по свету Елена Перельман, художник по костюмам Алексей Бородачев -Архипов. "Пространство внутри".
Спектакли на двух актеров, крайне редко у меня могут вызвать, хоть какой то интерес. В обозримом времени, кроме "Швейцарии" Татьяны Тарасовой и припомнить не могу, каких либо явных удач. Поэтому шел без особых ожиданий и с негативным настроем. Каково же было мое удивление, что из достаточно простого рассказа оказывается можно создать подобный, не побоюсь этого слова, режиссерский и актерский шедевр. Продумано все до мелочей, даже самая мелкая деталь сценографии точнейшее отражение времени действия, в кои то веки костюмы на актёрах сидят как влитые, подбор музыкальных тем, уместность экранов, хореография и конечно же великолепная игра актеров все идеально. Режиссёр Савва Савельев выступает еще и одним из актеров своего же спектакля, в первоначальном варианте вторым актером должен был стать Александр Горчилин, но похоже что то не срослось и в данном случае появление Павла Табакова, выросшего в очень хорошего актера, стало очередной удачей постановки, все таки Савельев и Горчилин слишком похожи, а в случае с Табаковым обшая игра на диаметральном контрасте персонажей настолько увлекательна, что даже на часы мысли смотреть не возникает. Итог - очередная удача "Пространства внутри" и в этот раз даже обошлись без каких то громких актерских имен, не стараясь чем то поразить зрителя, театр в чистом виде, идеальный театр. Если бы еще Савва Савельев, смог бы нам показать свою постановку о Марлен Дитрих с Лизой Янковской и Семеном Штейнбергом.

Ну что ж, раз Кирилл Игоревич Крок развивает новый жанр - публичного доноса обсуждения неподведомственных ему театров, то пусть и ответ будет.

Три причины этого ответа:
1) Я актер, а в посте упоминаются и артисты, которым должно быть сложно выходить на сцену.

2) Я директор по развитию благотворительной организации. И в общем отчасти понимаю трудности и их причины в различных структурах.

3) Я учился у Кирилла Игоревича на театральном менеджменте. И такое было.

Итак, ответ тоже будет по пунктам, так проще.

А) Начну с актеров. Кирилл Игоревич, поверьте, актерам сложно выходить не когда в фойе отошел лак от паркета. Актерам сложно выходить, когда за спектакль неловко. Когда в неухоженном состоянии то, что происходит на сцене. Доложу вам, что имею счастье играть от 12 до 18 спектаклей в месяц. И в каждом из них мне не то, что не стыдно выходить. Я горжусь, что причастен к ним. Потому что каждый из них обращен к человеческой природе, в каждом из них есть личностные вопросы и есть то, во что я когда-то бесповоротно влюбился и почему стал актером.

Б) Этика профессионального сообщества заключается в том, что не может один руководитель обсуждать другого. Это неуместно. Вы же знаете телефон директора? Наберите, если вас так волнует ремонт. Занимая пост директора благотворительной организации, и видя минусы других организаций, никогда не позволяю себе в публичном поле критику конкретных организаций. Могу говорить о тенденциях или нюансах, которые в моей сфере меня не устраивают. А вот обсуждения решений других директоров, которые возникают в публичном поле уже не первый раз - не этичны.

В) Я не считаю, что все эти проблемы незначительны. Я их вижу, но еще я вижу сколько работы делается ежедневно в театре. Двери руководства открыты, лично у меня есть язык и проблем с коммуникацией нет…

А зрительница нашла способ написать вам (директору другого театра), но не написала в сам театр. Не странно это вам? Не напоминает ничего зачеркнутого выше?

А еще я вижу, в каком ограниченном ресурсе существует большинство театров. Да, это так. Вы лучше меня знаете процент бюджета, выделяемый на культуру. И это не последние годы, это последние десятилетия. Но даже в этих ограниченных условиях делается многое.

Г) Театр, в котором каждый миллиметр является театром - это колоссально! Да, у нас в фойе играют спектакли. И не потому что так меньше зрителей надо найти, а потому что это принципиальное решение пространства. Естественно, это тоже влияет на износ поверхностей. А ведь мало в каком театре так работают с пространствами…

Д) Не знаю как вы расширили временное пространство и находите свободное время, чтобы оценить присланные ревизором-зрителем фотографии. Но мне интереснее, что заставило зрителя ходить по всем углам и фотографировать. В любом случае, понимаю, что время было проведено с интересом и зритель таки получил искомые впечатления.

Ну и в заключение. Убежден, что однажды в сфере культуры будет не только достаточная свобода у администрации для более продуктивного управления, но и возникнет этика взаимодействия. Кажется, Станиславский начинал именно с нее. Это я так, к слову.

P. S. А еще из полных залов, которые в нашем театре являются обычным явлением возник всего один взволнованный ревизор - тоже о многом говорит, не правда ли? Значит искусство все же первостепенно?

С приветом, актер Смирнов.

Сегодня юбилей у лауреата первой Премии театральных блогеров в номинации "Лучшая мужская роль второго плана", артиста РАМТа Александра Девятьярова!

Дорогой Александр! Поздравляем Вас с Днём рождения и желаем новый творческих побед!

СПАСТИ РЯДОВОГО ПОДСЕКАЛЬНИКОВА

//ОТЗЫВ НА СПЕКТАКЛЬ “САМОУЙБИЦА”, МХТ //

А в Камергерском, как в Арбате престиж, – новый год! Ёлки-145 у входа в МХТ вновь и вновь возвращают нас в зиму. Сверху свисает праздничный светодиодный дождь, с афиш на нас смотрят бриллиантовые Пуси, купившие театр с потрохами. Восхитительная атмосфера для того, чтобы самоубиться, не правда ли?

Кстати, британские учёные подсчитали, что именно в Рождество в Британии больше всего людей сводит счёты с жизнью. Почему? Да потому что ты одинок, а вокруг все радуются.

Так что увидеть “Самоубийцу” – повод для праздника. И если бы в сезоне не было других премьер, кроме “Восьми бестолковых женщин” от мастера бессмысленных постановок Аллы Сигаловой и спектакля Николая Рощина, то уже только это держало бы равновесие и не позволило свалиться миру в яму с “Щастьем”.

“Самоубийца” симптоматичный. Никто не хотел умирать, но вокруг так много подстрекальников. “Посмотри, жизнь прекрасна!” – Восклицает сосед и открывает ставни, чтоб о без того разбитое окно шмякнулась дохлая ворона. Такой мрачный получился гимн жизни. Гроб в гробу (основная декорация), гроб на гробу, гроб гробом погребает. Но надо выгребать, вывозить хоть как-то. Подсекальников понимает это только покружившись и выпив на брудершафт со смертью.

При просмотре из третьего ряда, конечно, видишь больше деталей, чем из конца партера. Вот тень с колбасой в руке, словно обвислое мужское достоинство, болтается из стороны в сторону справа, фактически за сценой. Импотенция как состояние души вполне рядового члена общества Подсекальникова. Смерть его, как у Кощея, в яйцах, да только яиц нет.

За криками жены и тёщи из ближнего партера виден гротеск. Эмоции Юлии Чебаковой и Янины Колесниченко льются слишком нетеатрально, через сцену. Но это шаржи. С одной стороны, усталая жена, которая тащит на себе дом, мать, мужа, а тот сопротивляется. С другой, тёша, которая в глазах Семёна, – одержимая бесом бабка. Её разве что батюшка подзатыльником успокоить может.

Кстати, вновь интересная параллель как раз с “Восемью женщинами”. Там Марселя одолели бабы, поэтому он стреляется. Тут эти самые бабы, напротив, тянут на себе типичного абьюзера из помойной ямы, спасают, как могут, а самоубийство для него становится лишь очередным методом манипуляции. Оттого оно и не состоялось.

Рощин здорово кодифицировал и обогатил плеяду говорящих образов, что оставил ему Эрдман. Например, писатель. О как он похож на современного режиссёра или перформера. То кровью себя обольёт, то возьмёт мачту-крест и понесёт через сцену как мессия. Дальше по плану только мошонку прибить к сцене, но этого мы, к счастью, не увидели.

Отдельное удовольствие рассматривать лицо Александра Семчева, который не теряет присутствия роли, даже когда его герой никак не задействован в сцене. Все застыли, а он живёт, бросает тяжёлые, но говорящие взгляды, заискивает, ведёт внутренний монолог, если внешнего не дали.

Ну и Иван Волков, чей портрет уже висит в фойе где-то неподалёку от другого новоприбывшего в МХТ Волкова – Сергея. Опытный артист Александринки со времён премьеры на новой для себя сцене набрался уверенности. Сейчас даже падающий с грохотом телефон в партере становится частью его роли. Каждый шорох, каждое движение отыграно взглядом, поворотом головы.

В общем, вот и ответ, зачем смотреть “Самоубийцу” второй раз? Да затем, что спектакль стал крепче, дым из крематория гуще. Монологи про год призыва ещё обжигают. А жить хочется.

|| СЛОВО СЛАВЫ ||

КОНДОМОДРАМА

«Торговцы Резиной», АРТ-Партнер, режиссер Петр Шерешевский. Премьера

Антиода человеческой жадности и глупости. Так можно охарактеризовать вкратце антерпризную премьеру Петра Шерешевского.

Завязка сюжета – одному поцу, шоб он был здоров, в наследство досталось 10 тысяч презервативов. А он, не будь кондом, пытается их втюхать аптекарше, знакомому, да бог весть кому еще. Пьеса израильского драматурга Ханоха Левита с первых минут настраивает на еврейские прибаутки и выговор как у тети Сони из Одьессы, здрасьте. Тем более, Полина Кутепова на нее похожа как один шекель на другой.

Весь спектакль разыгран на троих. Партию Полине составляют Игорь Верник и Виталий Коваленко. И таки все трое по-актерски дают жару. Все роли им по размеру, гусары молчать! Да, такого вот юмора низовой культуры по Бахтину будет много. Раблезианство со привкусом клубничной смазки и форшмака. И сквозь буффонаду, зонги и задорные шутейки формата кабаре первого акта, видно всю скорбь людей среднего возраста. Первый акт удивит тем, что Шерешевским и не пахнет. Красный занавес и лампочки – до такого уровня стендапа главный герой «Кукольного домика» доходит только к финалу, а герои этого спектакля уже успели выпестовать свои травмы.

Хотите Шерешевского? Дождитесь второго акта, там будут и экраны, и другие измерения, и исследование с линейкой измученных душ. И во втором акте проявляются простые вроде истины – ни деньги, ни резиновые изделия с собой не возьмешь. И сцене загробном мире на фоне советского ковра в отражении советского же трельяжа ярко это видно. Что вещи? Теплые воспоминания только в нашей памяти, а не в предметах быта.

«Даже если у меня что-то есть, почему я должен давать»? – фразу одного из скупых резиновых рыцарей можно отнести ко всем троим. Никто из них не торопится отдавать, ожидая, что сначала дадут ему.  Выигрышная стратегия в бизнесе. Проигрыш в отношениях. Насквозь коммерческий подход к любви оканчивается полным провалом, вместо дивидендов – потраченная впустую жизнь, которая, как и презервативы, имеет свой срок годности. И откладывая жизнь, мы все теряем на инфляции, какой бы ни была ставка Центрального банка.

Короче,  наплакаться и насмеяться) будет много.  И с этого спектакля можно начинать знакомство ненасмотренного старшего поколения с творчеством Петра Шерешевского – ничего сверхъестественного для понимания, но многим именно это и нужно. А уже потом подсовывать "Кукольные домики",  "Ромео и Джульетты" и "Улитки" там всякие. Хитрый план.

Особый бонус - это музыкальное сопровождение в исполнении композитора Ванечки и его оркестра Приватного танца - отдельный спектакль в спектакле от автора музыки к песне "Я в своем познании настолько преисполнился"

#театр #Шерешевский

Отзыв Ирины Даен о предпремьерном показе спектакля Петра Шерешевского "Торговцы резиной"

Почтенная публика! Дамы и господа, джентельмены и джентльменшы!
Пусть никого не введёт в заблуждение прозаическое название спектакля «Торговцы резиной» по пьесе израильтянина Ханоха Левина.
Это театр- кабаре, театр- праздник.
Итак, занавес, огни, оркестр!
Весь вечер с вами - неповторимые актеры: Лысый, Красивый и Полина Кутепова. Мы начинаем!
… легкое , смешное, игривое повествование о жизни двух незадачливых мужчин и одной изворотливой женщины как пузырьки шампанского лопается по ходу действия спектакля. На смену приходит понимание героями тщетности их целей и осознание не вероятности упущенной выгоды, а украденного у самого себя счастья.
… вы прочитали краткое косноязычное описание одного из смыслов спектакля.
Не хочу лишать вас, друзья, непременного кайфа от еврейского юмора в тексте. Страстно хотела запомнить эти хохмы, но их так много, что вам придется проверить самим))
Предвижу ваши восторги от песен композитора Ванечки и от певческих талантов Кутеповой, Коваленко и Верника, добавлю лишь, что таких фриков необычных я за ними не припомню)) Они не похожи на Верника, Кутепову и Коваленко)) . Они лучше.
И мой изначальный скепсис, что эти трое не удержат внимание почтенной публики три часа, улетучился как дым.
Очень серьезная работа. Второе действие- просто про всех нас, про наши метания, фальшивые цели, ненужную суету и глупости, которые украли наше житейское счастье.
Все оказалось непросто.
У режиссера Петра Шерешевского никогда не бывает просто.
Я искренне поздравляю театральное агентство Арт-Партнер с таким прекрасным сотрудничеством. И спасибо всем участникам этого праздника для уважаемой публики! В добрый час!
Бегите за билетами, друзья! Не боюсь, что вы меня побьете, ибо говорю правду и только правду 🤪
#торговцырезиной
#артпартнер #Шерешевский

https://artpartner.ru/shows/torgovtsy-rezinoj/

ПУСИФИКАЦИЯ МХТ

//ОТЗЫВ НА ПРЕМЬЕРНЫЙ ПОКАЗ СПЕКТАКЛЯ “8 РАЗГНЕВАННЫХ ЖЕНЩИН”, МХТ //

– Говорят, сегодня и на ближайших показах бриллианты на артистах будут настоящими.

– Но ведь также говорят, что стекляшки на сцене сверкают ярче.

– Поэтому достаём бинокли, будем рассматривать! – Мои соседки в шестом ряду партера не шутили и, действительно, достали бинокли, чтобы рассмотреть, что-то по-настоящему важное на сцене. Улов оказался крупным – даже я увидел. А бренд, название которого здорово рифмуется со словом Pussy, уже на занавесе гордо заявлял, что каждая женщина хочет эту самую P.

Так что спектакль “8 разгневанных женщин” оказался настоящим подарком всем женщинам к 8 марта. Всем восьми довольным собой женщинам, которые тусовались на сцене. Фигуристая и томная Аня Чиповская, интересная Даша Мороз, вечно на вампирском Александра Ребенок, самоироничная Алла Сигалова, рождённая играть само недовольство и больше ничего Софья Эрнст и другие, кому я по лености не придумал никаких эпитетов, – с первой секунды наслаждались роскошью бытия.

“Я хочу, чтобы всё было мистически, романтически, шикарно. Чтобы все на меня смотрели!” Ах, девочки, мечты сбываются!

Ещё больше подчеркнуть бриллиантовую элегантность позволили дешёвенькие и напечатанные с большими пикселями баннеры, которыми, как интерьеры деревянных сортиров в деревне, обклеили сцену. Потом, правда, появились бумажные цветы, плоские люстры и ёлка, ростовые картонные фигуры диких животных, среди которых косоглазый и очень пиксельный тигр, а также просто пиксельные шакалы.

Но если и судить кого-то за всё это недоразумение, то только талантливую художницу Марию Трегубову. Это она оформляла большинство спектаклей Дмитрия Крымова, это её рук дело – визуальное звучание “Сказки про последнего ангела”, “Левши” и других легендарных постановок, это её имя – стандарт качества, даже если режиссёр где-то накосячил. Хотя, конечно, с ней всегда работали лучшие.

И вот пожалуйста! От такого “авангарда” Трегубовой у иных и губы затрясутся от негодования. Простейшие решения, глянцевые декорации, от которых несло за версту: дешёёёёвка! Гламур для дур, Сергей Зверев для народа – вот что читалось между строк, рекламирующих якутские бриллианты.

Совершенно нельзя судить за режиссуру Аллу Сигалову. Она хоть и училась у великого Эфроса, но зря. Вершина её творческого метода – это “ба-бах!” с мерцающим светом. Причём сам звучок (один на весь спектакль) взят из бесплатной базы. Видимо, деньги ушли на демонстрацию бриллиантов – модели дорогие.

Для тех, кому не очень нравятся каверы в спектаклях Филиппа Гуревича, спектакль Сигаловой – отличная находка. Саундтреки здесь – сплошь оригиналы самых затёртых хитов пошлого.

– Может, прошлого?
– Нет.

Нет худа без добра. Добрый здесь я.

Просто перед спектаклем меня попросили быть добрым. Стараюсь по жизни. Ах, знаете ли, скольких я бабушек перевёл через дорогу, скольким таскал сумки, скольким уступал места, про другое и не говорю. Из этих-то бабушек можно собрать маленькую африканскую страну. Ну говорю же, добрый я.

Просто тут вышел из зала одним разгневанным мужчиной.

И так много вопросов и мало ответов. Как можно было из восьми очень разных женщин на сцене сделать примерно один типаж? И зачем? Подчеркнуть, что все они одной масти? Ну ок. Каждой по пучку на голову, кроме разве что Дарьи Мороз, но там и так причёска – вечное лето, длина – 2 пальца, чтоб не запариться.

Как можно было красавицу Анну Чиповскую разукрасить чёрными тенями до Панды Чиповской? Почему служанки были в бриллиантовых серьгах, а хозяйские дочки без? Ну и наконец, почему все эти дивы, буквально не сходящие со сцены и с экранов тв, совершенно забыли, что ещё и нужно играть? Хотя что уж я опять добрею? Некоторые зайки и не умели никогда.

Пожалуй, единственная находка этого спектакля — финальная сцена, в которой 8 змеюшек поедают тело почившего Марселя. Но и тут рука маститого мастера нашла способ всё опошлить. После спектакля женщинам раздавали цветы со стола-могилки в фойе театра. Символично. Очень приятно. С праздником, девочки!

|| СЛОВО СЛАВЫ ||

Не самый подходящий для праздника отзыв. Но будем считать, что кому-то он станет подарком в виде сэкономленных денег и времени.
"Сделка", театр Пушкина. Реж. - Игорь Теплов.
#премьерасезона
Последние годы практически каждый новый спектакль Пушки (чудесные писаревцы не в счёт) заставляет ощутить себя мышью, раз за разом кусающей кактус. Поэтому на "Сделку" рискнула пойти исключительно из-за Веры Воронковой. Наивно предположив, что будто для неё написанный образ Клары Цаханассьян невозможно испортить настолько, чтобы впечатление получилось провальным. Но, как оказалось, я очень сильно недооценила способности Игоря Теплова. А он, решив удивить во что бы то ни стало, превратил главную героиню в клоуна. Безвкусные, кричащие наряды, уродующий лицо грим, нелепые головные уборы, за которые особенно хотелось ударить того, кто их придумал, диктовали соответствующую манеру игры, воссоздавая на сцене откровенную карикатуру. Стайкой фигляров выглядела и «свита» миллиардерши, примерявшая на себя то уши Микки-Мауса, то плюшевую голову кота, то женское платье. Всё это вдвойне резало глаз на контрасте с органичными, естественными персонажами Андрея Заводюка (Альфред Илл) и Владимира Николенко (Мэр), гораздо более соответствовавшими в остальном довольно банально решённой постановке. В итоге к антракту единственным аргументом остаться на второе действие выступил принесённый с собой букет. Справедливости ради, отмечу, что оно за стойкость вознаградило аж двумя эпизодами, подарившими возможность увидеть вместо буффонадного нечто ту актрису, ради которой пришла. Да к тому же, услышать довольно актуально прозвучавший монолог Андрея Кузичева (Учитель), обличающий общество, променявшее справедливость и милосердие на своё маленькое, житейское благополучие. Но даже эти бонусы не стоили предшествующих 2,5 часов, которые насмотренные театралы вряд ли осилят. Зрители же, ставшие основной аудиторией театра, вряд ли оценят именно развязку. Предугадать, на кого рассчитана новоиспечённая премьера, довольно сложно. Осознавать, в каких постановках вынуждены участвовать замечательные актёры труппы, полюбившиеся по спектаклям совсем иного уровня, очень горько. 
#сделка
#театрпушкина
#игорьтеплов
#премьера

«Восемь разгневанных женщин» (реж. А. Сигалова, МХТ)

Красочные декорации, яркие костюмы, танцы под хорошую, но очень попсовую музыку и, главное, звёздный состав - кажется, МХТ и Сигалова решили, что зрителю, на которого они работают, большего и не нужно. И самое обидное, у этой весьма бездарной гламурной антрепризы он будет (обидно еще и от того, что такого уровня спектакли выходят в когда-то так мною любимом МХТ).

Возможно, была идея сделать пародию на китч. Во всяком случае, мне сложно поверить в то, что Трегубова, вообще-то прекрасный театральный художник, могла сделать такое всерьез: спектакль можно разделить на 4 части, по цветам декорации - белый пролог; резко все покрасневшее после предполагаемого убийства (и комната с огромными цветами и бусами, узнаваемым атрибутом Трегубовой, и платья); внезапно зеленые джунгли во втором действии (с картонными леопардами и динозаврами посреди буйной чащи); и черный минимализм с пустой сценой финала (на заднем плане только ель, а героини поочерёдно переодеваются в мужские костюмы).

Обсуждать всерьез, по какому принципу Сигалова разделила действие, мне совсем не хочется - глупо искать смысл там, где его априори нет. Столь же глупо пытаться понять, зачем нужны танцевальные вставки (очень сомнительного качества, тем более, хотя уж хореография, казалось бы, - ее главная профессия - то под Джо Кокера, то под Рэя Чарльза (а Сигалова сама цитирует «шаг Мадам» под «Ils s’aiment» из «Служанок» Виктюка, в первой версии которых она была хореографом). Хотя, если быть честной, я знаю, зачем это было нужно - чтобы порадовать фанатов каждой из актрис, поэтому неважно, как это вытекает из пьесы. Да никак, но надо же каждой дать себя показать. Правда, и с актерской точки зрения это все очень слабые работы (даже удивительно, потому что почти всех этих актрис достаточно много видела на сцене) - видимо, в отсутствии внятной режиссуры и в желании пародировать пошлость все они несколько заигрались.

Не менее китчевый финал - «восемь разгневанных женщин» вкушают доведенного ими мужчину (тело его вл всю длину сцены - почти что Лежачий Булла). Может это и была отсылка к «Повару, вору, его жене и ее любовнику» Гринуэйа (может и цветовая игра тоже оттуда), но и в этой аллюзии смысла не больше чем во всем другом.

Так вот МХТ поздравил женщин с 8 марта - бессмысленной гламурной антрепризой…

Балл: 3 из 10 (думала, что оценок ниже 4 у меня тут никогда не будет. Думаю, этот «шедевр» станет топ-1 с конца в этом сезоне (а может и не только в этом)

Вышли с прогона «для мам-пап» спектакля “8 разгневанных женщин» в МХТ им. Чехова.

Скажите, а кто сказал Алле Сигаловой, что ей надо заниматься режиссурой?
После говно-спектакля «Щастье» мы же искренне рекомендовали помочь к премьере в МХТ заинтересованным мужикам. Но «три Константина» проигнорировали эту просьбу. Константин Юрьевич-раз, Константин Юрьевич-два и Константин Львович.
Страшно, что легенда МХАТ (МХТ им. Чехова) превращается в какую-то пошлую «тусовку с Патриков»…

Спектакля нет. Поэтому трудно что то говорить про актерские работы.
Красивые костюмы, просто ради костюмов.
Непонятные декорации.
Одинаковые танцы, просто ради танцев.( О! Нет! У Софьи Эрнст танец с марокассами)
А ещё когда #говорят как капризно и отвратно ведут некоторые из занятых актрис за кулисами с костюмерами и гримерами, вообще не понимаешь - зачем это всё существует и зачем тратятся на всё это деньги, время и энергия.
Это - отдельное.

Некоторые артистки делают себя пародией на «приму театра». Даже хуже! Рената Литвинова - элегантный фрик- некогда играла в Диву. Так некоторые артистки в своём поведении стали пародией на фрика. Увы. Лучше бы «режиссёра» капризами изводили.

Оцепление театра из-за бриллиантов спонсора спектакля - какой-то привет из нулевых. Да и после действа последнее, что хочется, приобрести эти бриллианты.

Прийти просто поглазеть на это «действие» даже неискушенному зрителю будет странно. Может быть, кто-то просто выберет какую ту актрису, которая ему больше нравится и будет за ней наблюдать. Как в витрине. Больше не знаем, как оправдать это мероприятие. Но это не совсем про театр. Кажется.

"8 РАЗГНЕВАННЫХ ЖЕНЩИН", - премьера 8 марта! ,по мотивам пьесы Робера Тома.
  Режиссёр-постановщик и хореограф Алла Сигалова 
  Художник Мария Трегубова
  Художник по костюмам Тамара Эшба
  Художник по свету Иван Виноградов
  Музыкально-звуковое оформление Алла Сигалова
  Креативный продюсер Софья Эрнст
  МХТ им Чехова. Генеральный прогон.

  Габи жена Марселя - Дарья Мороз
  Сюзон старшая дочь Марселя - Мария Фомина
  Катрин младшая дочь Марселя - Софья Шидловская
  Огюстина сестра Габи - Софья Эрнст
  Бланш мать Габи и Огюстины Алла Сигалова
  Служащие в доме Марселя:
  Барбара управляющая домом - Юлия Чебакова
  Адель помощница управляющей - Аня Чиповская
  Та, которую не ждали,  Пьеретта - Александра Ребенок
.                                                                    Охладев,
Увядших дев
Поменяют на новых подруг…
Но камни сияют
И форм не теряют!
И бриллиант – твой лучший друг!

Тиффани… Картье!
"Кохинор", "Романов"!
Ах, говорите мне о них, я хочу узнать их поближе!

Бывает, что день наступает ненастный,
(А бриллиант – твой лучший друг!)
Коль шеф, подобрев, говорит: «Вы - алмаз мой!»
Не теряй момент!
Но не меняй карат на комплимент!

Он с тобой – и хвост трубой,
Но когда рынок падает вдруг
Все эти пижоны
Бегут к своим женам…
А бриллиант – твой лучший друг!

Слыхала про чистые я отношенья…
(А бриллиант – твой лучший друг!)
Но ты предпочти чистоту украшенья –
Кому в том вред,
Коль перстеньком скреплён обет!

Юность пройдет и прелесть уйдет,
И печаль твою спину согнет…
Коль станут трудны дни –
Надейся на Тиффани!
Diamonds Are a Girls Best Friend

Облетела листва, у природы свое обновленье,
И туманы ночами стоят и стоят над рекой.
Твои волосы, руки и плечи - твои преступленья,
Потому что нельзя быть на свете красивой такой.
Восемь первых красавиц Москвы в блеске бриллиантов и нескольких смен роскошных платьев и костюмов от Тамары Эшбы, а еще Жозефина Бейкер, легендарный выход Мадам, Повар, вор ,его жена и ее любовник Гринуэйя и еще много всякого гламура. Идеальный спектакль для обитателей Патриков, Рублевки и их подруг, КБ и Бронная рыдает, удар которого не ожидали, не предвидели, с перспективным перехватом целевой аудитории. У давнего подарочного спектакля МХТ "Номер 13" появился свежий конкурент.

«Сто бед» (реж. Г. Зальцман, театр Вахтангова)

Югославия, школьное детство, каникулы, заставляющие читать родители (якобы иначе душа не вырастет), первая любовь и первый поцелуй, болезнь родителей… казалось бы, обычная история подростка - желание проводить каникулы не за книжкой, а играя в море (на авансцене - большой аквариум, куда герой, надевая маску, периодически заныривает головой) и впервые влюбляясь. Первый страх перед возможной смертью близких (у мамы подозревают рак, а отец, разволновавшись за нее, попадает в реанимацию с инфарктом). Но Зальцман явно хочет рассказать не обычную подростковую историю взросления. Действие происходит в 1976 году - задолго до войны в Югославии, но она постоянно как будто надвигается. Про нее не говорят, но она где-то рядом уже есть. То поздравляя женщин с 8 марта, говорят «нет никакого смысла говорить о войне, когда вокруг столько любви», то параллельно семейным сценам возникает тема войны - дуло танка высунется в окно, а во время разговоров о дне рождении на экране сзади мы видим документальную хронику с перевернутой машиной и бегущей куда-то толпой.

Герои, казалось бы, этого не замечают (кроме единственной, почти финальной, сцены, где война явно их напрямую задела - встреча с первой любовью происходит много лет спустя и уже под страшные звуки бомбежек). Собственно, понятно почему - никакой войны в 1976 году еще и близко не было, но Зальцман в сценическом пространстве совмещает сразу два временных пласта, те события и историю Югославии через 15-20 лет. Напрямую они никак не связаны и не пересекаются, но они объединены в голове главного героя. Собственно, все это - не реалистичный последовательный рассказ о юности, а воспоминания, в которых легко могут соединиться события из разных лет. Потому что невозможно сейчас говорить о Югославии и не вспоминать, какая трагедия происходила там в 90ые. «После всех трагедий я стал учиться забывать - во всяком случае, подавлять те мысли, которые не дают мне покоя». Правда, забыть у него не выходит, он все равно мысленно постоянно возвращается туда - «Я всегда называл себя югославом, хотя такой национальности не существует, я не знаю есть ли у меня теперь дом».

Образ, который, казалось бы, стилистически выбивается из спектакля и поэтому становится главным, - рыба, периодически проекцией «проплываюшая» под самыми колосниками сцены. И в параллель к этому образу герой говорит (не один раз): «Рыба молчит, потому что ей и так все ясно». Образ очень понятный - все молчат как рыбы, все понимают, но продолжают жить свою жизнь, даже не лишенную некоторых приятностей… пока за окнами либо уже летают бомбы, либо готовятся…

Мне понятно, о чем хотела поговорить Зальцман, но, тем не менее, эту идею, по-моему, приходится зрителю самому достраивать и доводить до какой-то логичной точки. Слишком много недосказанности, и военный фон слишком пунктирно возникает посреди достаточно скучной истории (вернее, даже не скучной, но у меня бОльшую часть спектакля возникал вопрос - зачем мне это банально-бытовое рассказывают?). Не знаю, осознанный ли это перевес или Зальцман просто побоялась больше педалировать разговор о том, что происходит за окнами мирной семейной жизни…

Балл: 6 из 10

#стобед #галиназальцман #театрвахтангова

"Мертвые души". Режиссер Владимир Комаров, второй режиссер Андрей Маник. ТО "Озеро". Пространство Внутри.

Мнения в очередной раз разделились, но это нормально.
Спектакль поставлен по пьесе Владимира Комарова, написанной в соавторстве с Миленой Черкес. В основе - поэма Гоголя "Мертвые души" и пьеса "Ревизор". Правда, от Гоголя там примерно ничего не осталось, кроме фразы "Я пригласила вас, чтобы сообщить пренеприятное известие", монолога про Русь и имен помещиков, ставших помещицами. Ничего другого от театрального объединения "Озеро" я не ждала, и люблю их в том числе за эту частицу безумия в спектаклях и отчаянную смелость.

Живущие в наше время Павел Иванович Чичиков (явно мелкий чиновник на посылках) и его племянник Руслан отправляются в 19 век за "мертвыми душами", которыми надо заполнить те мероприятия, куда "живые" идут неохотно. Миссия не из лёгких, но приказ приходит с самого верха, надо исполнять. Приказ отдает знакомый каждому из собравшихся в зале голос Ивана Урганта. При этом не обошлось без его фирменного финального "Работаем!".
Еще один артист сыграет в спектакле не целиком 😃 - Елизавета Янковская предстанет в виде голограммы, мерцающей в Чёрной дыре. Вернее, она и есть та самая Черная дыра, которая поглотит дядю Пашу с племянником, перенося их в 19 век. Там парочка путешественников во времени вместо гоголевских помещиков встретит их вдов - Манилову и Ноздреву. Коробочка, правда, так и останется Настасьей Петровной Коробочкой, но дни будет проводить на свежей могиле мужа: время такое, что все мужчины умирают. Заявленные в программке Плюшкина и Собакевич в спектакле не появятся. Вместо них будет Анна Григорьевна, которую мы помним как "даму, приятную во всех отношениях", и её дочь. В этих же образах угадываются жена и дочь Городничего. Причем, в отсутствие самого Городничего, который, скорее всего, тоже умер в результате "несчастного случая". Виктория Исакова, исполняющая роль Анны Григорьевны, и, правда, дама приятная во всех отношениях и, конечно же, звезда этого спектакля.

Очень мне понравилась Соня Райзман в роли Маргариты Ноздревой, добавившая персонажу огонька драйва, взрывной энергии, разнузданности и своеволия - под стать характеру своего "мужа"-дебошира.
С вдовой Манилова немного сложнее. Совсем не поняла, зачем Таисия Вилкова подражает Марии Смольниковой в этой роли.

Не знаю, кто как определит и в чем найдет (и найдет ли?) смыслы спектакля - а у меня, как это часто бывает, всё сводится к современным реалиям. В финале Чичиков (Гоша Токаев) лежит на земле, образующей могильный холмик, и произносит монолог "Русь, куда несешься ты". Словно ниоткуда, появляется Маленький принц и начинает говорить о том, что есть ростки, которые нужно беречь и растить, а есть сорняки и гигантские баобабы - их надо уничтожать, иначе они разворотят Землю. И в общем-то понятно, что фраза - "Мы в ответе за свой бугорок" из уст Маленького принца, она не про бугорки и баобабы - она про страну и те разрушительные силы, которые её разрывают. Просто авторы настолько увлеклись, как мне кажется, желанием сделать постановку смешной, отвязной и яркой по форме, что вырулить на серьезный финал пока сложно.

Автор видео Елена Посувалюк. Смотреть лучше со звуком 😍

Ровно год назад не стало Великого Режиссёра Римаса Туминаса.
Светлая память...

Но если у Френкеля герои в замкнутом пространстве вагона, то Наставшев помешает своих в фантастический, постапокалиптический ад разрушенного кинотеатра, где все находятся за два шага до дымящегося огненного входа в следующий, еще более страшный его нижний круг, рискуя в любой момент в него провалиться. Что это, сон, бред, галлюцинация, иллюзия настоящей жизни, кого именно общая для всех героев или одного лишь Мышкина. Что является самой великой мировой иллюзией, удовлетворяющей извечную бессознательную потребность людей в общих воспоминаниях, конечно кино и театр, к тому же и кино и театр это еще по сути, как кто то сказал, жизнь из которой вырезали самые скучные сцены. Четыре героя Достоевского, три из которых устраивают театральные представления для одного практически безмолвного и безответного зрителя, кто из них более сумасшедший, играют, заигрываются, если вы упрямо и непреклонно будете крутить в мыслях свое кино, реальность рано или поздно придет в соответствие с ним. Реальности просто некуда деваться таково ее свойство. Не только вы зависите от реальности, но и она от вас. В итоге три опасных сумасшедших окончательно разрушают и себя и единственного зрителя, которому уже никогда не выйти и из состояния безумия и не покинуть своего место в ряду адского кинозала. В спектакле в этом театре, куда вход только для сумасшедших по Гессе, есть все, жизнь театр люди актеры по Шекспиру, герои смотрят в бездну буквально, а она на них по Ницше, не понимая что Ад это другие по Сартру, Настасья Филипповна с телефоном «Человеческого голоса» Кокто, в финале когда действие окончательно разворачивается и у героев уже нет никаких тормозов, концепт первого действия голливудских фильмов нуар, уходит уже непосредственно в театр, тут и Джулия Ламберт в узнаваемой чалме театральной сцены разборки с соперницей, и Чеховская Аркадина и даже Миссис Эрлин Оскара Уайльда, саундтрек заезженной пластинки с записью фонограммы фильма Александрова «Цирк», делает это нарастающее общее сумасшествие еще более страшным . Частично сценический рисунок Анны Дубровской и финал спектакля с погружением в безумие Мышкина прокладывают мост памяти к постановке Римаса Туминаса, которой он когда то взорвал театральным мир «Дядя Ваня». Нет в спектакле Владислава Наставшева ничего случайного, даже в деталях и тем более издевательства над первоисточником, вопрос насколько зритель способен это считать и понять. Итог- удача театра, один из лучших спектаклей сезона. Театру можно пожелать, только терпения и веры в адекватность зрителя, на профессиональных критиков судя по отзывом на последние несколько громких премьер надежды мало и вспомнить Раневскую. «Все, что говорят обо мне за спиной слушает, только моя задница». The Winner Takes It All (Победитель получает все), в данном случае даже если и будет видимость поражения, то все равно чистая победа остается за театром.

«Идиот» Сценическая версия и постановка по роману Ф. М. Достоевского, а так же сценография Владислав Наставшев. Художник по костюмам Майя Майер. Художник по свету Руслан Майоров. Прогон. Театр им Вахтангова.
Очередная премьера Театра Вахтангова без сомнения произведет в театральных и околотеатральных кругах эффект разорвавшейся бомбы и этот факт прекрасен. Перефразируя известную цитату «У театра такая безупречная репутация, что его уже давно пора скомпрометировать». Нет ничего хуже безупречной красоты, она быстро приедается и становится обыденностью, ну и чего именно лишены «безупречные» в «Игре Престолов» мы тоже все знаем. Любой уважающий себя театр должен иметь в репертуаре постановку, не про «коммерцию», а про «творчество» и неважно даст ли она кассовую прибыль, это вопрос престижа и статусности театра. Естественно в театре Вахтангова, когда смело выпускали спектакль реально оценивали риски, да и проходили это уже с предыдущей постановкой Наставшего «Повесть о Сонечке» которая кто бы как к ней не относился, получила заслуженное признание умного зрителя и критиков. Уже второй раз поражает неуместный зрительский истеризм недовольства, о смене и даже сокращении актерского состава, это творческий процесс в театре и режиссеру видней, кто ему именно подходит, а не личный корпоратив на которым проплатил Дженнифер Лопес, а приехала Бузова в стрингах. Время показало, что с выбором актеров в «Повести о Сонечке» режиссер не ошибся, в «Идиоте» после первой волны кликушества, время так же все расставит по своим местам. Опять же система двойных стандартов, если Бутусов мог начинать ставить «Дон Кихота», который по ходу репетиций менялся на «Пер Гюнта», или «Три сестры» закончившиеся «Отелло» это расценивалось, как режиссерский поиск, а вполне себе стандартный кастинг близких к твоему видению актеров становится теперь, чуть ли не преступлением. Равно как и выбор возрастной актрисы Анны Дубровской на роль Настасьи Филипповны, справедливости ради, Настасьи Филипповны в возрасте обозначенном автором, за редким исключением. в театрально и кино природе не водятся, а уж в современном театре возрастные рамки тем более размыты, считается, что с нелегкой руки Константина Богомолова, опять же когда в его версии «Идиота» Аглаю играла Елена Шанина, расценивалось, как театральная революция, хотя та самая революция начиналась, как раз в Театре Вахтангова, когда в «Сирано» Владимира Мирзоева, Роксаной стала Ирина Купченко, о Настасье Анны Дубровской поговорим позже. Зрительские реакции удивлять не могут, у всех разный интеллектуальный багаж и тем более театральная насмотренность. Удивляет реакция вроде как профессиональных театральных критиков, когда например вполне себе солидная дама с претензией на значимость и правильность собственного мнения, то устраивает истерику, словно монашка, который садовник показал член в пост, на спектакль Шерешевского, какая это гадость, то посмотрев только одну часть спектакля Наставшего и покинув зал, определяет его пустым тупым трешем, давать какую либо оценку далеко не линейному спектаклю не досмотрев, это по меньшей мере непрофессионально. После длительного и наверное занудного эпилога переходим все таки непосредственно к постановке. В «Пространстве Внутри» Олега Карлсона не так давно был однократный показ спектакля со сложным названием в режиссуре по собственному сценарию Алексея Френкеля, как раз по роману Достоевского, где Рогожин и Мышкин в замкнутом пространстве вагона чистилища , после убийства Настасьи едут в никуда, все время пытаясь избавиться от орудия преступления ножа ,выкидывая его в окно, но он бумерангом мигом возвращается, и по ходу действия пытаются решить вопрос, кто из них главный герой романа, даже спрашивая у самого неожиданно появившегося Достоевского. Шансов, что Наставшев видел этот спектакль никаких, был показан один раз и похоже до сих пор переделывается автором, но что интересно так это общность идеи двух творческих людей пришедшей к ним независимо друг от друга.

«Пустые поезда» (реж. А. Золотовицкий, РАМТ)

Наверное, нет лучшего места предаться размышлениям, чем долгая дорога в поезде. Герой спектакля Золотовицкого (и, видимо, романа Данилова так же- я, к сожалению, еще не успела его прочесть), путешествующий непонятно откуда, непонятно куда, именно этим и занимается. За окном мелькают мрачные пейзажи (декорация - вагон электрички с грязными окнами; как шутит герой, это и есть русский триколор - серо-черный-белый - небо, лес и снег); а в его голове - самые разные мысли. Какие-то совсем абстрактные, какие-то как ассоциации с местами, которые они проезжают - станция Дно вызывает не только шутки про псковский диалект (во Псков и в Дно), но и, конечно, целую сцену про Николая II, отрекшегося от престола как раз там; станция Тихорецкая, понятно, вызывает воспоминания о всем известной песне и т. д.

Это не просто дорожные размышления, но еще и попытка уйти от реальности - вообще-то мужчина едет к маме, попавшей в больницу с инсультом. Ему страшно, он не может дозвониться до врача, он не знает, как мама, но, как он говорит, неизвестность даже лучше - она дает возможность еще сколько-то пожить в иллюзии, что все нормально. Отсюда и поток ассоциаций - про абстрактное думать проще, чем про потенциально умирающую маму.

При всей формальной реалистичности происходящего (и причина поездки, и атмосфера электрички - унылые пейзажи сквозь грязные окна; нелепые песни нелепых музыкантов, ходящих по поездам; продавцы, продающие какую-то ерунду - очень узнаваемые российские реалии) понятно, что это не реалистический разговор. С самого начала реалистичность переходит в нечто абсурдное - например, мужчина, пытаясь дозвониться в больницу, вместо конкретных данных упорно повторяет «фамилия такая-то, имя такое-то, год рождения такой-то», а дальше, еще усиливая абсурд, все то же самое начинают повторять все его попутчики, которые еще несколько минут назад казались самыми обычными пассажирами электрички с не менее обычными бытовыми разговорами и спорами. То они обычные пассажиры, то странные существа в голове героя; то они сидят с ним рядом на лавках, то становятся частью пейзажа за помутневшим окном.
Проблема спектакля в том, что он, как и герой, движется из ниоткуда в никуда. Атмосфера есть - сочетание реалистичного пласта с метафизическим и абсурдным, но динамики почти нет (что дает каждый следующий эпизод, едва ли понятно - ощущение, что их можно было бы еще столько же придумать, про другие известные железнодорожные станции). Да и само чередований этих двух регистров быстро приедается - из-за чего быстро становится скучно, а спектакль кажется однообразным и слишком ровным.

Балл: 5 из 10

#пустыепоезда #рамт #золотовицкий

До введения именных билетов в театрах московского подчинения осталось менее 2 недель

Критическая дата для многих московских театров и театралов приближается. С 15 марта в организациях столичного подчинения вводятся именные билеты. Вернее, они уже введены. При покупке мест на даты со второй половины марта уже нужно вводить паспортные данные.

Радиостанция Бизнес ФМ решила узнать, как в театральном сообществе относятся к этой реформе. Собрали пачку негативных комментариев, в том числе мой:

«Опыт ему не особо понравился» 😂

В итоге, купил на дату поближе, чтоб не иметь дел с именными билетами. При этом не теряю надежды на то, что мосвласти ещё передумают. И для этого не потребуется пары месяцев, чтобы увидеть спад финансовых показателей театров. На мой взгляд, инициатива имеет право на существование, но точечно. Только супер кассовые спектакли. Всё остальное — самострел.

Прочитать полностью материал можно тут

|| СЛОВО СЛАВЫ ||

Критические Плохие отзывы

Знаю, что не все актеры спокойно к ним относятся. Некоторые вообще стараются не читать никакие отзывы, чтобы не расстраиваться и не ранить себя.

Понимаю… потому что, выходя на сцену, все равно ты совершаешь каждый раз сеанс странной публичной откровенности и получать после него неприятные и часто личные уколы совсем не хочется.

Но я вот любопытный и очень люблю читать все, что пишут. Да и выбрал публичную профессию - получай все ее бонусы. И с интересом читаю именно негативные комментарии, хотя настоящих разборов и мало.

Иногда, кстати, натыкаешься и на отдельное упоминание себя. От чего отдельно приятно. Мол, все было не очень, но вот актер Илья Смирнов - это уж совсем плохо.

Благо, таких отзывов было не много. Но они периодически появляются. И даже есть секунда, в которую ты как будто падаешь, но потом… ну какое-то приятное тщеславное злорадство - так не понравился, что даже запомнили!

А бывают забавные негативные отзывы вне логики, которые можно собирать в сборник.

Вот сегодня читаю:

Попытались сходить в театр. Именно попытались. Спектакль «Медовый месяц в кукольном домике».

Негативный отзыв часто, кстати, начинается с того, что название видоизменяют.

Ушли в первом антракте. Прямо с первого ряда. Не хватило всего. Игры актеров, динамики сюжета. Не хватило энергии, конфликта. Точнее, его раскрытия.

Все пока вполне ок. Могу понять. Но раскрытие конфликта в первом акте… не рановато ли?.. Потом есть пересказ сюжета и вывод:

Внимание вопрос: правильно ли поступила жена? Как бы поступили вы на её месте?
К сожалению, в спектакле этого ответа мы не находим.

В спектакле 3 акта (сумма прописью - три) . Зритель посмотрел один. Но вывод - ответов в спектакле не находим.

Можно закрыть условного Достоевского после того, как Раскольников убил старушку, и сказать, что сюжет интересный, но не хватает конфликта, вернее его решения. Много вопросов: тварь он дрожащая или право имеет? Раскаивается ли он? Как бы мы поступили? К сожалению, роман на эти вопросы ответов не дает. Не стал даже дочитывать.

В общем, утром улыбнулся.

P. S. А спектакли все же досматривайте. Как сказал на одном концерте Дмитрий Хоронько, когда две зрительницы ушли после двух песен:

- Уже ушли? После двух песен? Я бы за эти деньги сидел пока не понравится…

ПРЕМЬЕРЫ МАРТА 2025 г.
По традиции огоньком выделяю то, что жду больше всего.

ДРАМА
Театр Маяковского
▪️🔥Малая сцена
1, 2, 10 марта "Маяковка+Бутусовцы. Итоги". Режиссеры Александр Цереня ("Подлец" Владимира Набокова), Иван Орлов («Страсти-мордасти» Максима Гокького), Егор Ковалев ("Герман и Марта" Леонида Андреева)

Театр Камбуровой
▪️1, 2, 7 марта "Петроград - Ленинград". Режиссер Иван Поповски

Театр им.Вахтангова
▪️🔥Основная сцена
4, 5 марта «Идиот». Режиссер Владислав Наставшевс.
▪️🔥Симоновская сцена
8, 9 марта «Сто бед» Эмира Кустурицы. Режиссер Галина Зальцман.

Театр им.Пушкина
▪️6 (предпремьера), 20, 21 марта «Сделка» по мотивам трагикомедии Фридриха Дюрренматта «Визит старой дамы». Режиссёр Игорь Теплов.

Театр Ермоловой
▪️7 марта «Мещане» Максима Горького. Режиссёр Григорий Южаков.
▪️27, 28 марта «Вроде легче» по пьесе Рината Ташимова. Режиссёр Лера Суркова.

МХТ им.Чехова
▪️🔥Основная сцена
8, 9 марта «8 разгневанных женщин» Робера Тома. Режиссер Алла Сигалова.
▪️🔥Новая сцена
15, 16, 30 марта «Осень» Августа Стриндберга. Режиссер Андрей Гончаров.

«Прогресс-сцена» Театра сатиры
▪️8, 9, 20 марта "Женитьба". Пластическая комедия по пьесе Гоголя. Режиссер-хореограф Сергей Землянский.
▪️25 марта «Три сестры. Наташа» Чехова. Режиссёр Альберт Хасиев.

Губернский театр
▪️8, 9 марта «Дон Жуан. Новый миф» Жана-Батиста Мольера. Режиссёр Максим Меламедов.

ЦДР на Беговой
▪️9 марта "И.А. Бунин. В Москве". Режиссер Кирилл Пирогов

Электротеатр
▪️Трилогия "Пик Ник или Сказки Старого Ворона". Режиссер Борис Юхананов
10, 14, 20 марта "Город миражей"
11, 15, 21 марта "Никогда"
12, 16, 22 марта "Прибытие"

Шалом
▪️Сцена на Новослободской. Кафе
13 марта (единственный показ) "Ахашверош-шпиль". Современная вариация пуримшпиля.

Пространство Внутри
▪️13, 14 марта "Зеркало". Детективное кабаре по мотивам рассказа Генриха Белля «Молчание доктора Мурке». Режиссер Савва Савельев.
▪️Запланирована еще одна премьера - название, режиссер, актерский состав известны, но дат пока нет. Как только будет официальная информация - добавлю.

Ленком
▪️14, 15, 29 марта «ГоГоЛьИЛиАДА» по мотивам произведений Н. В. Гоголя «Нос», «Портрет», «Мёртвые души», «Записки сумасшедшего», «Ревизор». Режиссёр и автор инсценировки Игорь Миркурбанов.

Арт-партнер
МТЮЗ
▪️🔥10, 11 марта "Торговцы резиной". Режиссер Петр Шерешевский
▪️17, 18, 30 марта "Пух и прах". Режиссер Александра Толстошева.

Театр Роста
▪️20 марта "Ежик в тумане" (6+). Режиссер Аркадий Черкашин

Театр им.Моссовета
▪️Сцена "Под крышей"
21 марта "Машенька" по пьесе Александра Афиногенова. Режиссер Евгения Тикиджи-Хамбурьян. Худ.руководитель Андрей Кончаловский.

Малый театр
▪️Сцена на Большой Ордынке
22, 29 марта «Маленькая опера» Славы Сэ. Режиссер Владимир Драгунов. Инсценировка - Елена Исаева.

Сатирикон
▪️🔥29, 30 марта «Сирано де Бержерак» Эдмона Ростана. Режиссёр Константин Райкин.

Театр на Таганке
▪️Малая сцена
29, 30 марта «Пиноккио» по мотивам сказки Карло Коллоди. Режиссёр Ярослав Жевнеров. Инсценировка - Виктория Костюкевич.

ШДИ
▪️29, 30 марта «Зависть» Юрия Олеши. Режиссёр Игорь Яцко

РАМТ
▪️🔥Ждем даты премьеры "Лето господне" Марины Брусникиной

ОПЕРА/БАЛЕТ
Геликон опера
▪️4, 5, 6 марта "Ключ на мостовой" Жака Оффенбаха. Режиссер Ольга Мелкумова, дирижер-постановщик – Артем Давыдов.

МАМТ им.Станиславского и Немировича-Данченко
▪️7, 8, 9 марта "Андре Шенье". Опера Умберто Джордано. Режиссер Александр Титель

Новая опера
▪️🔥28, 29, 30 марта "Кармен в моей голове". Балет. Хореограф-постановщик Татьяна Баганова. Композитор Настасья Хрущёва

КУКЛЫ
Театр кукол им.Образцова
▪️27, 28 марта "Чайка по имени..." Джонатана Ливингстона. Режиссер Борис Константинов

КОТ ПИХОТ И ДРУГИЕ ПРИКЛЮЧЕНИЯ БУНЦЕВ

//ОТЗЫВ НА ПРЕМЬЕРНЫЙ СПЕКТАКЛЬ “ДОН КИХОТ”, ТЕАТР НАЦИЙ //

Мы прощаемся! Моя спутница не смогла досидеть вторую часть спектакля “Дон Кихот” и за час до конца постановки ушла. А я расстроился из-за неё. Потому что самое интересное началось как раз в этот момент. Пересказ Сервантеса своими словами окончательно превратился в карнавал, а метароман с поправкой на современность оформился в метапостановку.

Что это значит? Автор не просто пересказывает историю героев, но также существует в диалоге с автором книги, со зрителем, с артистами (некоторых героев зовут именами актёров). И предмет этого разговора не абстрактный – всё предельно конкретно. Вплоть до крика души одного из героев: “Я так устал бояться”. Эта фраза могла подвести черту подо всем, что нам уже показал Антон Фёдоров, но у режиссёра в рукаве оказалось ещё 3 финала. И ни один – не лишний... ЧИТАТЬ ПРОДОЛЖЕНИЕ. Будет много букв, много пояснений, параллелей, но те, кто спектакль. выдержал, выдержат и это, правда?

|| СЛОВО СЛАВЫ ||

« Преступление и наказание» Федор Достоевский. Авторы инсценировки Елена Исаева и Антон Яковлев. Художник постановщик Алексей Кондратьев. Художник по костюмам Тамара Эшба. Режиссер Антон Яковлев. Театр Гоголя.
Итог сразу, безусловно постановка удача режиссера и театра и претендент на один из лучших спектаклей в сезоне. Театре Гоголя второй раз удивляет. «Воскресенье» Паши Пархоменко стало первым и очень удачным в последующей череде множественного сценического воплощения сложнейшего произведения. При этом тяжеловесный, перегруженный философскими размышлениями роман Толстого был без ущерба для содержания и авторского смысла, их лишен. И вот снова, если вдуматься более чем смелая, даже дерзкая режиссерская попытка, поставить уже произведение Достоевского, которое, кто и как только уже не ставил и кажется ничего нового в нем уже раскрыть невозможно. Оказывается не обязательно по новой изобретать велосипед, что то от себя дописывать, переносить время действия, притягивать какие то совсем уж далеко лежащие за гранью романа смыслы, мудрствовать, умничать, а вполне можно поставить, опять же лишив роман тяжеловесности, изнурительных длинных монологов и диалогов, без попытки впихнуть все идеи, что накопились в голове, вполне цельное режиссерское высказывание, динамичное по ритму, не растекающееся мыслью и красивейшей, опять же не перегруженной избыточностью, сценографией прячущей режиссерские недочеты, не отвлекающей, которая служит рамкой ,иногда буквально, для великолепной актерской игры прекрасных актеров театра. Про актеров. Антон Яковлев смог за достаточно небольшой период, собирая по крупицам создать сильную, профессиональную труппу, к нему потянулись интереснейшие актеры других театров, где их талант не был использован в полной мере и не менее талантливая молодежь. В Театре Гоголя место и ярких ролей нашлось для каждого. Спектакль «Преступление и наказание» идет с подзаголовком «следственный эксперимент», состоит из двух частей, первый акт непосредственно следственный эксперимент, попытка реконструкции преступления, выходящее за пределы реальности, происходит ли все это в реале, а может сам Раскольников в горячечном бреду пытается найти оправдание своему преступлению и забыть о своей причастности.                                                                                                                                         Второй акт уже реалии, как все действительно было, выздоровление, прозрение, принятие и полное отсутствие раскаяния. Финальная фраза неожиданно для зрителя, вне каких то стандартов, по новой разворачивает сюжет и предполагаемую мораль. Если талант Дмитрия Высоцкого- Порфирий Петрович актера Таганковской школы и перешедшего в труппу театра, наконец оставивший Шалман драматического искусства Андрея Финягина, который когда то уже играл Алешу Карамазова Достоевского в «Нелепой поэмке» у самого Гинкаса, а теперь дорос до Свидригайлова, сомнению не подлежит, они его уже давно всем доказали, то Василий Неверов- Раскольников длительное время консервированный в Театре Табакова, Антоном Яковлевым раскрыт в полной мере, от достаточно однотонного по игре полубредового состояния первого акта, до эмоционального урагана во втором. Янина Третьякова в «Воскресенье» Катя Маслова, рисковала в роли Сонечки Мармеладовой застрять в уже привычном образе, и этого тоже слава театральному богу и режиссеру не случилось. Безумная Катерина Ивановна роскошная Ирина Выборнова с голосом банши, способная разрушить уже им одним, не говоря уже о ее актерском темпераменте, стены театра. Все актерские работы выверены до малейших деталей, сложность еще и в том, что приходится играть по нескольку ролей, опять же не просто из экономии бюджета, а в смысловой связке с главным образом. Допустим невинно убитая Елизавета становится по ходу действия, еще и главной детской травмой Раскольникова. забитой на его глазах лошадью.

Еще раз итог, несмотря на не имеющее под собой оснований предубеждение и обвинений в захватничестве, с там же успехом можно обвинять КБ что он отжал театр у Михоэлса, или Евгений Писарев у Таирова, Театр Гоголя и его художественный руководитель набирают силу, репертуар ничем не хуже, а во многом и лучше, чем в половине театров Москвы, труппа не менее сильная и профессиональная, плюс к этому прилагается активное использование ее возможностей. Последняя премьера «Преступление и наказание» динамичная, практически идеальная во всем от инсценировки до режиссуры и работы актеров, оригинальная версия, сложнейшего для постановки любым режиссером, романа.

ЗРИТЕЛЬСКАЯ ГАСТРОЛЬ

//ОТЗЫВ О ПРОГОНЕ ПРЕМЬЕРНОГО СПЕКТАКЛЯ «ПУХ И ПРАХ», АРТ-ПАРТНЁР //

Натальная карта сменилась перинатальной, хрустальный шар помутнел, карты Таро оказались краплёными. Короче, есть ещё шанс увидеть ясное-прекрасное будущее. Достаточно поехать в – Дубай, Японию, Китай, Силиконовую долину Щёлково! Там Арт-Партнёр Леонида Робермана решил обкатать спектакль «Пух и прах» с Агриппиной Стекловой и Антоном Кузнецовым в постановке Саши Толстошевой прежде, чем везти на суд привередливых москвичей.

Отдельных привередливых москвичей, правда, пригласили посмотреть прогон и заглянуть в будущее. Оно пока туманно, как моя голова, потому что показ вовремя не начался. Пришлось зависнуть в Щёлково до самого вечера и быстренько продать свой билет на первый премьерный показ «Дон Кихота» Антона Фёдорова. Слегка подкопчённые ожиданием блогеры всё же увидели и пух, и прах.

Конечно, это ещё не спектакль. Зарисовка. Но кое-что уже понятно было давно. Агриппина Стеклова – актриса невероятного магнетизма, которая на сцене может хоть пальцем в носу ковырять, и это будет самое невероятное ковыряние, которое вы когда-либо видели. Антон Кузнецов, показавший в спектаклях Юрия Бутусова, что с ним можно делать что угодно, -- годная пара для Стекловой на сцене.

И вот пошло искушение двух простых поляков деньгами. Живущие в бедности и нелюбви они воспринимают выигрышный лотерейный билет как угрозу своей стабильности. В мечтах рушатся миры, распадается их брак, летят пух и прах (порошок какао), цветные шарики, конфетти, цветы и отдельно стоящая зебра.

Толстошева заваливает сцену реквизитом, создавая ощущение цирковой избыточности. Номер за номером, сальто-мортале, размазанная помада, полный отказ от восприятия реальности, парики, реквизит, клоуны… Да здесь действительно чувствуется вот эта параллель со спектаклем Толстошевой «Клоуны» в Около.

Оба артиста в спектакле поют по-польски. И это довольно забавно, особенно когда твой испорченный масс-культурой мозг ждёт, что ссорящиеся супруги вот-вот начнут называть друг друга bobr и kurwa. Но всё очень прилично.

Понятно, что спектакль ещё несобранный, нет смысла говорить вам, бегите, покупайте, как делают некоторые блогеры, но, вероятно, пыль с рам отряхнётся, клей высохнет, краски тоже, и мы увидим не просто лицедейство двух грандиозных артистов, но и полноценную постановку.

|| СЛОВО СЛАВЫ ||

Отзыв Елены Мамонтовой на спектакль "Дон Кихот" Театра наций. Свою версию Дон Кихота представил режиссер Антон Федоров.

Из спектакля в спектакль переходит ярко выраженный режиссерский язык Федорова. Это то, что отличает его от современников, что станет особенностью и войдет в историю, если у Федорова хватит энергии, умения, убедительности закрепить свой почерк успешными, если не триумфальными премьерами. Но это не о «Дон Кихоте».

Самобытный язык идальго проявляется сразу. Он рождается из актерской импровизации, клоунады, звуков и безрассудной актерской легкости главного героя. На эту роль приглашен ведущий актер театра «Сатирикон» Тимофей Трибунцев.

Дон Кихот появляется из стиральной машины. Он и другие бомжеватого вида посетители в ожидании стрики становятся свидетелями нескончаемой импровизации славного рыцаря. Могущественная Испания XVII века перемещается в сегодняшние дни.

Рядом с героическим Дон Кихотом, который быстро переключается с тарабарщины на возвышенный язык романа, появляется обаятельный и смешной Санчо (Семен Штейнберг). «Сцены в грубом духе того времени» нам обещала надпись-проекция на занавесе, которую читали все, входящие в зрительный зал. Но вместо этого началась череда абсурдно-криминальных эпизодов с посетителями прачечной и случайно залетающих сюда уголовного вида испанцев.

Весь первый акт мотивация рыцаря не дает покоя, Дон Кихот сражается с мельницами, роль которых ловко исполняют потолочные вентиляторы. Идальго обещает завоевать остров и сделать Санчо его губернатором. При всем нагромождении импровизаций, режиссер Антон Федоров в целом следует канве романа Сервантеса. Но на этом пути ему встречаются длинные рассказы, которые вязнут, как увяз в своей долгой истории Карденио (неожиданный образ создал Андрей Максимов).

Во втором акте вышла Герцогиня (блистательная Анастасия Светлова) с партнерами, и начался какой-то отдельно существующий спектакль. Смешной, нарисованный ярко, нарочито-пастозно. Не жалея масла, театрально, иронично «правящие миром» вносят порядок, благодаря им появляется внятная метрическая система: странствующие жалкие чудаки нелепы, бубнят чушь – правящая элита узнаваема, сильна, может применить насилие. Сцену игривого общения герцогини и Санчо можно преподносить как эталонный этюд для всех студентов театральных вузов.

«Смехотворно уязвимый герой» и его союзники благими намерениями устилают дорогу в ад. Инферно является адскими глазищами и ручищами, которые загребают Дон Кихота. Освободившись, он снова хватается за револьвер, стреляет в бомжей и принцесс, кровь ручьями льется из заряженных краской раздавленных пузырей. «Как живую собаку надувают воздухом и пинают ногами» - эти слова из знаменитой «Лекции о Дон Кихоте» Набокова предопределяют ожидания и оправдывают насилие, которое к третьему часу спектакля становится обыденным, как выпить чаю. И пора бы начать подозревать Антона Федорова в каких-то не очень человеколюбивых качествах, если бы это был первый спектакль режиссера. Но, слава богу, первым довелось увидеть его спектакль "Иваново детство" по киносценариям Тарковского в Казанском ТЮЗе. Это был потрясающий опыт, тонкая режиссура, концентрация светлого воображения и чуткого человеколюбия. Невероятная этичность по отношению к Тарковскому, к киноязыку, к умению перевести визуальные метафоры, казалось бы, непереводимые - в сценический пласт. Тихо, сосредоточенно, детально прорисовалась тема войны, смерти и жизни после смерти, тема мальчика, которого играл взрослый актер и отдельно - кукла. Зал сидел, вжавшись в кресла, вслушиваясь в каждое слово. Вот бы так сидеть на «Дон Кихоте»!

«Дон Кихот» (реж. А. Федоров, театр Наций)

За какого бы автора ни брался Федоров, его режиссерский стиль узнаваем с первых же минут, а всех его героев (хоть из Гоголя, хоть из Флобера, хоть из Платонова) лучше всего описывает слово «чудики». То же самое случилось и с героями Сервантеса - Федоров их поместил в заброшенную прачечную (левая часть сцены уставлена большими стиральными машинами - в которых то на «деликатной стирке» застирывают кровь после «рыцарских» сражений, то сами герои вылезают из них).

Замкнутые в этом странном пространстве (снаружи этой прачечной происходит своя и другая жизнь), они начинают играть в не менее странные игры - герой Тимофея Трибунцева (он впервые работает с Федоровым - ожидаемо очень круто вписался в его эстетику) вдруг начинает играть в рыцаря, своим «оруженосцем» назначает нелепого курьера (Штейнберг), принесшего им всем пиццу на празднование дня святого Мирона Евгеньевского😂 Подвиги этого Дон Кихота похожи на детскую игру - за мельницы он принимает вентиляторы, свисающие с потолка, и все в таком духе.

Но это не добродушная игра, а насилие. Дон Кихот, с одной стороны, - нелеп и смешон, но, с другой, - он берет в заложники всех находящихся в этой прачечной с бесконечно повторяющимся рефреном «так нельзя, так нельзя». Федоров здесь разошелся (в хорошем смысле - процесс очень остроумный с так узнаваемой его фонетической игрой) - это пародия и на мафию, и на испанские страсти, и на кровавые разборки в стиле Тарантино. Но при всем остроумии процесса за ним встает история про то, что на каждого «тирана» найдется более властный «тиран». И так до бесконечности… Дон Кихот, так «храбро» подчинивший себе заложников, сам подчиняется внезапно вошедшим мафиози. Но и это не верхушка власти - во втором действии находятся настоящие «руководители» этой «игры». Внезапно становится понятно, что все происходящее до этого (и игрушечные подвиги, и насилие - то ли настоящее, то ли тоже понарошку) было театром, разыгрываемым для одной пары, для хозяев этой жизни, которые с отвратительным любопытством смотрят на то, как Дон Кихот кривляется перед ними, изображая дурака. (Надо сказать, что эта пара, смотрящая представление, развалившись в креслах, в стенах театра Наций выглядит даже более ехидно - в зале тут таких много можно встретить. Даже интересно, как спектакль зайдет - театр Федорова явно очень специфический и совсем не для массового зрителя). Пожалуй, только в этой сцене становится понятно, почему на занавесе до начала спектакля Федоров пустил цитату из лекции Набокова про «Дон Кихота»: «… неблагосклонный читатель, который обожает смотреть, как живую собаку надувают воздухом и пинают ногами, словно футбольный мяч».

Из моего описания спектакль может показаться смыслово последовательным и выстроенным, но, к сожалению, это совсем не так. Федоров, как обычно, больше сосредотачивается на построении каждой отдельной сцены, с явным упоением придумывая многочисленные (остроумные, не спорю) шутки и театральные игры. Все это очень оживляет процесс, но за отсутствием внятной драматургической основы (инсценировку писал он сам) спектакль разваливается на отдельные сцены, на отдельные смыслы. Начало второго действия (кстати, когда Трибунцева становится сильно меньше) так провисает, что зал оживляется только во время появления безумно огромного красного дракона. Но… такой, казалось бы, акцент остается лишь очередным театральным приколом. А размытость смыслового посыла, как это обычно бывает, приводит к цепочке финалов (ложных ли? Или просто Федоров не придумал, чем лучше закончить спектакль?) - уход властных зрителей (после игрушечных выстрелов Дон Кихота звучит первый настоящий - игры кончились); уход Дон Кихота в стиральную машинку; его танец с женщиной (Дульсинея? Игра и насилие не все настоящее убили?)… все это не скрепляет предыдущие 3,5 часа, а только больше их разваливает. Впрочем, это был первый показ на публику - поэтому можно надеяться, что Федоров сократит все придуманное и откажется от лишнего (хотя это будет отчасти противоречить его почерку)

Балл: 7- из 10

#донкихот #театрнаций #антонфедоров

Прежде ,чем побороть зло в мире, нужно сначала побороть зло в себе. Чистое зло никогда не кажется злом. Оно проявляется, если к нему примешивается добро. Добро и зло, правильное или неправильное, долг и судьба. Важны ли они? Действительно ли они более привлекательны, чем эйфория сражения. Итог -неоднозначная работа, не менее неоднозначного режиссера, пока еще сырой вариант который в дальнейшей работе явно будет сокращен и его избыточная фрагментарность сложится в цельный единый смысл. Как всегда уникальные актеры Федорова Семен Штейнберг, Наталья Рычкова, Сергей Шайдаков, Алексей Чернышев. Впервые с режиссером работает Тимофей Трибунцев, который влился, как родной и при всей своей занятости и востребованности нашел время для репетиций этого сложного проекта, с высоты своего опыта с ведущими режиссерами поколения понимая, что это не театральный проходняк. Повезло талантливой молодежи для Симы Гощанской, Элизабет Дамскер, Ефима Белосорочки и Маши Лапшиной работа с режиссером такого уровня, рядом с великолепными его актерами это уникальный опыт и одна из лучших актерских школ, какую только можно представить. Равно для молодых и не очень режиссеров надо идти смотреть и учится, как надо выстраивать мизансцены, когда на сцене большое количество актеров, находящихся в постоянном движении и взаимодействии ни на секунду, не позволяющих себе расслабиться и выйти из образа.

«Дон Кихот» по мотивам романа Мигеля де Сервантеса. Режиссер, автор инсценировки и художник Антон Федров. Художник по свету Игорь Фомин. Композитор Григорий Калинин. Первый прогон на зрителя. Театр Наций.
На данное время Антон Федров уже совершенно определенно стал Режиссером №1 страны. Кто бы как к нему не относился, но это пожалуй единственный из оставшихся режиссеров, создавший свой уникальный театральный постановочный стиль и говорящим со зрителем на сложнейшем, опять же исключительно своем театральный языке, не особо морочась трудностями перевода, не похожий ни на что и на кого, кто был раньше у нас и ничего не позаимствовав из каких то зарубежных источников, его работы в дальнейшем войдут в историю театра и по ним театроведы будут писать диссертации. Кто бы как не возмущался, что это за театр и почему мне ничего не понятно, но тем не менее любая его постановка становится событием, кассовым хитом и недоброжелатели следуют за ним как за Гамельнским музыкантом с волшебной флейтой. Еще Антон Федров очень свободный режиссер, который никогда не заигрывает со зрителем в навязчивом стремлении тому понравится и искусственно эпатировать, а ставит так как считает нужным и понятным иногда только исключительно для себя. «Дон Кихот» как раз из этой категории. По своей сути он вышел, вплоть до нескольких прямых цитат,  из недолго идущего в Гоголь Центре «Буковски» того же Федорова, самый длительный по времени действия, самый сложный и самый недооцененный, значительно опередивший время спектакль режиссера, похоже ставший его болевой точкой и незакрытым гештальтом. Официальная премьера Дон Кихота еще впереди, но уже среди зрителей и коллег режиссера произошел раскол с самыми разнообразными реакциями от категорического неприятия, отторжения, до попыток все таки вникнуть в режиссерский замысел. Вроде и подсказка имеется, на занавесе перед началом фрагмент лекции Набокова по Дон Кихоту, но которая еще больше запутывает. По ходу действия есть сцена, когда проповедник надевает платье с репликой «Ой какое пыльное!» Смотрит на прикрепленную бирку и читает «Театр Советской армии». Какие версии по поводу этого совершенно невинного момента я услышал после окончания, окончательно облысеть можно, хотя тут всего лишь ирония по поводу того, что в Театре Советской Армии несчетное количество лет шла версия Сервантеса «Человек из Ламанчи» где Владимир Зельдин играл Дон Кихота буквально до 100 лет. Антон Федоров попытался вытряхнуть из романа пыль веков и многочисленных ранних постановок. Что получилось описать невозможно, равно как и проанализировать. Сервантес запараллелен с Рабле «Гаргантюа и Пантагрюэлем» и Шекспиром, разбавлен латиноамериканскими сериалами и треш хоррором Тарантино- Родригеса, фильмом Козинцева,  неожиданным портретом Дэвида Линча в финале около поверженного Дон Кихота, Герника и танцующего Барышникова с танцем повторяемым мультипликационным котом. К финалу на первый план все таки выходит вполне определенная мысль 
В сказках злу противостоит добро, это очень удобно. В жизни злу противостоит еще более отвратительное зло, и ты, жалкий микроб, ничего изменить не можешь.

"Аркадия". Режиссер Евгений Каменькович. Мастерская Фоменко.

Около 20% текста пьесы написано научным языком. Как это передать зрителям, не знакомым с сюжетом, чтобы спектакль было понятно и интересно смотреть? Ольга Варшавер (переводчик пьесы) сказала, что к доходчивости и прозрачности своего интеллектуального текста стремился сам Том Стоппард. Этот же принцип, как мне кажется, взял за основу в своей постановке Евгений Каменькович. В результате спектакль получился если не конгениальным тексту, то точно не скучным, содержательным и увлекательным, как научный детектив и искусствоведческий триллер.

Действие разворачивается в двух временных отрезках одновременно - в начале 19 века и в конце 20го, но в одном и том же месте - в поместье семьи Крум.
Что происходит в 19 веке? 13-летняя девочка выдающего ума по имени Томасина изучает науки, которые преподает ей учитель Септимус, в то время как взрослые живут своей жизнью, полной интриг, адюльтеров и несостоявшихся дуэлей. Этой старой Англии отдана левая половина сцены. Правая же половина - комната конца 20 века, где собрались исследователи в своем желании понять, что же случилось в этом доме почти 200 лет назад. С этой целью в поместье приезжают сначала Ханна - писательница, которая хочет разгадать загадку отшельника, а вскоре и профессор Бернард Солоуэй в погоне за сенсационным открытием, касающемся Байрона.
Действие устроено таким образом, что сцены из прошлого и настоящего чередуются. Как только у Ханны и Бернарда возникают вопросы в настоящем времени - в прошлом происходят те события, которые способны их прояснить. Как связаны между собой Томасина, её учитель, отшельник и Байрон - зрителям предстоит разобраться во время спектакля.

Спектакль ведет рассказчик - он озвучивает авторские ремарки, старается объяснить ход событий (кому-то это кажется излишним, кому-то помогает вникнуть в сюжет). На стенах мелькают формулы, всё говорит о том, что здесь живут гении, и не Байроном единым славился 19 век.

Сценическое пространство, придуманное художником Алексеем Трегубовым, - это настоящий визуальный фокус. Мы как будто открываем альбом с работами английского ландшафтного дизайнера Хамфри Рептона, где на одной половине листа изображен пейзаж до изменений, а на другой — после, отражая связь прошлого с настоящим. При этом интерьер разделенных комнат в точности повторяется, но в зеркальной симметрии. Во втором действии эти комнаты сливаются в единое пространство, передавая основной замысел пьесы: у Стоппарда - пространство неразделимо, сквозь него медленно течет время. Символом неразрывной связи времён становится заводная черепаха, так напоминающая живую - в течение всего действия старушка совершает путешествие по сцене из одного "века" в другой. И успевает состариться до 293 лет.

Если в начале спектакля было яблоко - не только плод, благодаря которому Ньютон открыл законы физического притяжения, но и символ знания, искушения и потерянного рая, то в финале персонажи разных эпох оказываются вместе в черно-белой, словно нарисованной карандашом, Аркадии, обретая свой рай. Вдохновением в создании визуального образа Аркадии Алексею Трегубову послужил рисованный культовый клип группы A-ha 1985 года, который так же состоит из переходов между реальностью и фантазией.

Действия не совсем равноценны по ритму. Второе мне понравилось больше, но и в первом я не ощутила "тяжеловесности" - изящно, умно, с хорошим юмором. Возможно, это академическая постановка, но она доставила мне эстетическое удовольствие. Актерский ансамбль прекрасен. Отличные Федор Малышев - умный, ироничный Септимус, Полина Айрапетова, играющая Ханну, и Юрий Буторин - упрямый Бернард, тип, который залезет в окно, если его выставляют за дверь. Большая удача Дмитрий Рудков в роли деликатного Валентайна - ученого, который в "современности" первый осознает гениальность Томасины. Но главная героиня спектакля - Екатерина Новокрещенова - Томасина, покоряющая своим очарованием.
А вы знали, что её прототипом была дочь Байрона Ада Лавлейс - создательница арифметических программ для счетных машин, по сути первых компьютеров?

У Азарова в повести достаточно проходной персонаж становится чуть ли не главным, не графиня, а именно он КНЯЗЬ и есть тайная недоброжелательность, дьявольское искушение и еще и лихо одноглазое, воплощение злой судьбы, патологического невезения, великий умелец морочить, играя на скрытых человеческих комплексах и страхах. Он был бы безупречен, но постоянно слезящийся, даже кровью, больной глаз и неожиданная его фраза проводящая параллель с уродливым Ричардом Третьим Шекспира, опять же приводит к мысли, что все не то чем кажется. Лиза у Пушкина в общем то не прописана как образ, в данном случае соединила в себе судя по обрывкам фраз всех лирических героинь Пушкина и саму графиню в молодости. Герман в спектакле, исключительно очередная жертва искушения и дьявольских игр, как выше говорилось с манипуляцией его скрытыми желаниями.   
"...Этот Германн, – продолжал Томский, – лицо истинно романтическое: у него профиль Наполеона, а душа Мефистофеля..."   "...Деньги, – вот чего алкала его душа!.." Германн в душе игрок, но он никогда в жизни не играл в карты до истории с графиней. Финал так же неоднозначен. Рефреном через весь спектакль проходит песня Эдит Пиаф «Нет, я не жалею ни о чем !» Она мантра успокоения старой графини, выводящая ее из бреда мучительных воспоминаний, она и главный девиз всех героев, даже Герман в своем финальном безумии чувствует себя вполне комфортно. Так что бы не случилось с нами когда то и что будет дальше уже неважно.

Нет! Ни о чем,
Нет, я не жалею ни о чём
Ни о добре, которое мне сделали,
Ни о зле,
Мне все равно
Нет! Ни о чем!
Нет, я не жалею ни о чем
Все оплачено, выброшено, забыто,
Мне наплевать на прошлое
Из моих воспоминаний
Я разожгла костёр.
Мои радости, мои печали
Мне больше не нужны...
Выброшена любовь,
С её тревогами.
Выброшена навсегда,
Я начинаю с нуля.
Итог- удача Театра на Таганке с безупречным актерским кастом (дикция Филиппа Котова в роли Томского сама по себе урок для студентов театральных Вузов) ,великолепная роль Ирины Апексимовой. Можно смотреть пытаясь распутать клубок режиссерских загадок, а можно как стильный высокохудожественный (Николай Симонов) музыкальный клип с очень красивыми актерами, прекрасно поющими и танцующими. Кто бы что не говорил, о том Театр на Таганке не так популярен, зрительный зал битком и главное больше двух третей зрителей молодежь, а не участники программы активное долголетие подвозимые автобусами для его заполнения.