​​Джазист: истории

Случаи из жизни великих джазовых музыкантов — в новой рубрике «Джазист: истории».

В середине 60-х великий пианист, композитор и мистификатор Телониус Монк вместе со своей группой гастролировал по Европе, и в Варшаве его потянуло к достопримечательностям. Дальше — по книге Робина Келли «Thelonious Monk: The Life and Times of an American Original» (Aurum Press, 2013):

Они пошли в Королевский замок, который с XIII века был резиденцией польских монархов. Замок сохранил первозданный вид, и посетителям приходилось надевать поверх обуви специальные тапочки. Когда экскурсия добралась до одной из спален королевы, где потолки расписаны херувимами и парящими ангелами — «прямо как Сикстинская капелла», Телониус решил пролезть через бархатные ограждения и опробовать кровать. «Я был внизу, — вспоминает [барабанщик] Бен Райли, — и вдруг услышал крик [жены Монка] Нелли. Прибежав наверх, я увидел Телониуса на королевском ложе. Охрана и все остальные стояли рядом и не знали, как быть. Я сказал: «Телониус, мэн, вылезай оттуда, это же национальное достояние. Тебя посадят. Что ты вообще делаешь в этой кровати, мэн?» А он лежит себе, скрестив руки, и говорит: «Я просто хотел увидеть то, что видела эта сучка».

Грубо, но показательно.

🔥 — если одобряете

​Джазист: гид

Продолжаем публиковать гид коллекционера и нашего друга Александра Яковлева («Джазовые пластинки») по альбомам Херби Манна, записанным им в 60-е для лейбла Atlantic. На очереди — третья часть.

«Live at Newport» (1963)

Седьмая по счету пластинка для Atlantic «Live at Newport» увидела свет в 1963 году и стала первой записью, запечатлевшей выступление Херби Манна на фестивале в Ньюпорте. Состав группы изменился: новыми участниками стали пианист Дон Фридман и плохо понимавший на тот момент по-английски венгерский гитарист Аттила Золлер, а секция перкуссионистов сократилась до Уилли Бобо и Карлоса Вальдеса. Основную часть программы составили хиты босса-новы — «Desafinado» и «The Girl from Ipanema» Антониу Карлоса Жобима и «Samba de Orfeu» Луиса Бонфа. Чутье Манна на тренды снова сработало безошибочно, и «Live at Newport» получил быстрый успех. Однако Манн не был бы Манном, если бы одновременно с коммерческим чутьем не проявил свой нестандартный подход к музыке: аранжировку «Desafinado» он обернул в «прямой» размер 4/4 и совсем убрал перкуссию, а из цепкой мелодии контрабасиста группы Бена Такера устроил одиннадцатиминутный джем.

«Latin Fever» (1963)

Следующей пластинкой Манна стала компиляция на тему латиноамериканской музыки: на «Latin Fever» можно обнаружить как бессмертную классику жанра вроде «How Insensitive» Жобима, так и менее распространенные темы — например, «Influenza De Jazz» Карлоса Лиры. В основном альбом был собран из материалов, записанных Манном во время поездки в Рио-де-Жанейро. Заглавная же композиция, наоборот, была записана в Нью-Йорке специально собранным расширенным составом музыкантов. Критики приняли «Latin Fever» прохладно, но это не мешает пластинке до сих пор сохранять обаятельный романтический флер.

«Nirvana» (1964)

Осенью 1964 года наконец вышел альбом Херби Манна с пианистом Биллом Эвансом. Для Манна эта пластинка, записанная в две сессии (в декабре 1961-го и мае 1962-го), была одной из сложнейших в карьере: ему пришлось играть не только с настоящими виртуозами, но еще и в куда менее привычной для него задумчивой, неторопливой атмосфере. Сам Манн не раз признавался, что он был большим поклонником творчества Билла Эванса, и, несмотря на музыкальные трудности, получил от процесса огромное удовольствие. Устроить совместную запись Манну помог легендарный продюсер и сооснователь клуба Birdland Монте Кей, на тот момент менеджер обоих артистов.

«My Kinda Groove» (1965)

Весной 1964 года за четыре сессии Манн записал свой следующий альбом, обозначивший расставание с босса-новой: акцент на ритмической составляющей был сохранен, однако материал был выбран гораздо более разнообразных. В нескольких композициях Манна и вовсе сопровождал оркестр, а аранжировщиком выступил Оливер Нельсон. Херби Манн старался быть на острие моды и раздавал стиль не только в музыке: на заднике конверта «My Kinda Groovе» он запечатлен одетым с иголочки. Вибрафонист коллектива Дэйв Пайк вспоминал, что многие коллеги и критики не воспринимали флейтиста как серьезного музыканта, в отличие от публики, для которой и был создан подобный образ. Как бы странно это ни звучало, для определенной части аудитории Манн позиционировался как секс-символ и имел на этом поприще успех. Едва ли «My Kinda Groove» можно назвать выдающимся альбомом, но в чувстве ритма и грува Манну отказать невозможно.

«The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd» (1965)

В марте 1965 года Херби Манн обратил внимание на британский мюзикл «The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd», частью которого были такие хиты, как «Who Can I Turn To?», «The Joker» и, конечно же, «Feeling Good». Критик Скотт Яноу назвал пластинку «самой малозначительной работой Манна в 60-е». Сам же Манн позже оправдывался как мог, вспоминая десятки джазовых интерпретаций мюзиклов, в первую очередь «My Fair Lady» в версии Шелли Манна и Андре Превина. Несмотря на то, что альбом всё-таки сложно назвать совсем проходным, сегодня его принято вспоминать в первую очередь благодаря участию Чика Кориа.

Часть 1
Часть 2

💬 «Цитатник Джазиста»: народный артист России, гитарист, композитор и педагог Алексей Алексеевич Кузнецов о самом важном в музыке.
Я до сих пор влюблен в аккомпанемент. Мне неважно соло, вот это вот всё «сыграл — не сыграл». Аккомпанемент — это для меня всегда было важнее. А вообще гитара — это целый оркестр, и путь гитариста, мне кажется, должен быть от соло до исполнения с оркестром. И помимо этого всё, что есть внутри, — дуэты, трио, квартеты, комбо. Но надо уметь играть соло и надо уметь играть с оркестром как солист, в финале. Вот если ты этот путь проходишь, всё получается. Надо помнить: самое главное — ритм. Ритм, затем гармония и только потом — мелодия.

Из интервью «Джазисту», 2021 год

Алексей Алексеевич до сих пор регулярно выступает, и ближайший концерт его проекта «Интеллигентный джаз-гитар-бэнд» состоится 6 мая в Клубе Алексея Козлова.

💿 Marshall Allen «New Dawn» (Week-End, 2025)

📝****1/2

Саксофонист Маршалл Аллен родился в 1924 году в Льюисвилле, штат Кентукки. В возрасте двадцати лет он понюхал пороху Второй мировой: его 92-ю пехотная дивизия воевала во Франции. Оказавшись в Париже, Аллен осваивает саксофон. В 1958 году он присоединяется к Sun Ra Arkestra, которому посвящает всю жизнь. После того как в середине 90-х сначала сам Сан Ра, а потом и сменивший его Джон Гилмор «покинули планету», Аллен принял на себя руководство оркестром. При нем коллектив выпустил два студийных лонгплея и до недавних пор активно гастролировал по всему свету.

В качестве сайдмена Аллен работал с пионером фри-джаза Эдом Блэкуэллом, барабанщиком Бабатунде Олатунджи, саксофонистом Оудином Поупом, группами Medeski Martin & Wood и Kronos Quartet, детройтским электронщиком Карлом Крейгом и поэтессой Энджел Бэт Дэвид — список можно продолжать долго. Тем удивительнее, что собственной сольной записи у Аллена до сих пор не было.

Дебют «New Dawn» получился, по мнению Ильи Рассказова, ярким. Это взгляд на всю историю джаза, но альбом перекликается с тем, что происходит на сегодняшней сцене. Дух Сан Ра незримо присутствует наэтой записи, но главная ценность альбома в том, что он показывает Аллена как самостоятельную творческую единицу. Аллен предстает перед слушателем как умудренный лирик и романтик, ироничный старик — и всё это резко контрастирует с привычным образом огненного демона-пришельца с саксофоном, выжигающим пространство вспышками космических лазеров.

Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.

Джазист: видеотека

1994 год. Престижный джазовый фестиваль во французском городке Вьен. На сцене хэдлайнеры — квартет Джошуа Редмана.

В составе — новейшее поколение «молодых львов»: Крисчен Макбрайд (контрабас), Брэд Мелдау (фортепиано), Брайан Блэйд (ударные).

Каждый впоследствии станет легендой с причитающимися успехом и статусом. Пока же они горят в костре амбиций и высекают искры в нескончаемых импровизациях.

Это соло Брэда Мелдау — навсегда.

​​​​Джазист: короткой строкой

Премьеры композиций, анонсы новых релизов и другие новости — во втором выпуске рубрики «Короткой строкой».

Новый альбом Чарли Баллантайна

Любимый гитарист «Джазиста» Чарли Баллантайн работает не снижая темпа: сегодня вышел его новый альбом с романтичным названием «East from Midwest». Баллантайн продолжает энергично осваиваться на Восточном побережье, куда он переехал два года назад вслед за женой из родного Индианаполиса. Первое впечатление от «East from Midwest» исключительно положительное. То ли еще будет.

Итан Айверсон прошел Blindfold Test

Журналист Эшли Кан (автор книги «Kind of Blue: история создания шедевра Майлза Дэвиса») устроил для композитора, пианиста и журналиста Итана Айверсона blindfold test — прослушивание вслепую композиций в случайном порядке без подготовки. Оба, в особенности Айверсон, демонстрируют недюжинную эрудицию и, кажется, немного любуются собой. В сухом остатке получается негусто: выбор Кана, мягко говоря, спорен, ответы Айверсона — занудны. Полностью текст можно почитать на сайте журнала Downbeat.

Архивные находки записей Кенни Дорэма и Фредди Хаббарда

Продюсер Зев Фелдман, которого за умение раскапывать затерянные во времени редкости прозвали «джазовым детективом», выпустил на лейбле Resonanse Records две уникальных записи: «Blue Bossa in the Bronx: Live from the Blue Morocco» Кенни Дорэма и «On Fire: Live from the Blue Morocco» Фредди Хаббарда. Обе записи сделаны в 1967 году в крохотном клубе в Бронксе под названием The Blue Morocco. Над качеством записи основательно поработал маститый звукорежиссер Бернард Дрейтон. Несмотря на то, что издание подобных находок давно поставлено на поток, на эти две пластинки обратить внимание как раз стоит. Конец 60-х, излет великой джазовой эпохи, тесный клуб для бедной чернокожей аудитории, блестящие составы и лидеры в своей пиковой форме. Что может быть лучше? Послушать пластинки можно тут и тут.

Джазист: стиль

Лейбл Blue Note выпустил специальную бейсбольную коллекцию.

У джаза и бейсбола больше общего, чем может показаться на первый взгляд. Впервые слово «джаз» было использовано в заметке о бейсбольном матче. В 1912 году, отвечая на вопрос корреспондента Los Angeles Times, питчер Бен Хендерсон назвал свою подачу «джазовым мячом». «В этом году я придумал новый кёрв [подача в бейсболе. — Прим. «Джазиста»] и завтра я собираюсь подать один или два таких мяча. Я называю его «джаз-мяч», потому что он шатается из стороны в сторону, и вы просто не можете ничего с ним сделать сделать», — сказал он. Статья так и называлась: «Джазовый кёрв Бена». Хендерсон проиграл тот матч и вскоре совсем ушел из бейсбола, но джаз остался в неоплатном долгу перед ним. По случаю старта нового сезона лейбл Blue Note выпустил специальную лимитированную коллекцию бейсбольной формы. Дизайн выполнен в ретростиле с отсылкой к классике 30-х.

🔥 — если считаете, что Blue Note снова раздает стиль.

Джазист: гид

Херби Манн на лейбле Atlantic. Шестидесятые (часть 2)

«Herbie Mann at the Village Gate» (1961)

Третий альбом Херби Манна на Atlantic, записанный вживую в клубе The Village Gate, стал поворотным моментом в его карьере из-за повышенного внимания к композиции «Comin' Home Baby» контрабасиста Бена Такера. Благодаря тонкому чутью Манна на потенциальные хиты пьесу заметили, и наследующий год она стала крупным хитом в вокальной интерпретации Мела Торме. На альбоме всего три темы, одна из которых, гершвиновская «It Ain't Necessarily So», превращается в двадцатиминутный джем на всю вторую сторону пластинки. В ней, к слову, находится место и для продолжительного соло контрабасиста Ахмеда Абдул-Малика, культовой фигуры в джазе 60-х.

«Right Now» (1962)

«Right Now» обозначает стремительный поворот в творчестве Манна: четыре номера альбома записаны в стиле босса-нова. Если заглавная авторская композиция еще во многом напоминает и даже недвусмысленно пытается повторить успех «Comin' Home Baby», то уже вторым номером выбран главный хит бразильской новой волны — «Desafinado» Антониу Карлоса Жобима. Афро-кубинские интерпретации тоже не остались в стороне, однако на этом альбоме они отошли на второй план. В выборе музыкантов Манн придерживается всё той же схемы с флейтой, обилием перкуссии и вибрафоном, на котором в этот раз играет Хейгуд Харди.

«Do the Bossa Nova» (1963)

В отличие от большинства американских музыкантов, пытавшихся заработать доллар-другой на случившемся босса-безумии, Манн решил устроить всё по высшему разряду. Он отправился в Рио, где за четыре сессии и записал свой первый полноценный и, пожалуй, главный альбом на эту тему. Громкое заявление на обложке полностью соответствует истине: на альбоме действительно звучит гитара Бадена Пауэлла, фортепиано Сержиу Мендеса и даже голос Антониу Карлоса Жобима. Жобим поддался на уговоры Манна и после нескольких дней усиленных занятий английским согласился впервые спеть под запись.

«Herbie Mann Returns to the Village Gate» (1963)

В попытке повторить успех «At the Village Gate» Манн и лейбл Atlantic выпустили похожим образом оформленный альбом «Returns to the Village Gate». Несмотря на название, это вовсе не возвращение флейтиста в тот самый нью-йоркский клуб: пластинка состоит из записей, не вошедших в первый альбом, и остатков с апрельской сессии 1961 года для альбома «The Family of Mann». Несмотря на концептуальную нестройность, на пластинке хватает любопытных номеров, среди которых отдельно хочется выделить «Bedouin» и «Ekunda».

Продолжение следует.

Часть 1

Джазист: гид

Херби Манн на лейбле Atlantic. Шестидесятые (часть 1)

Вчера исполнилось 95 лет со дня рождения выдающегося композитора, флейтиста и бэндлидера Херби Манна. Вокруг Манна в джазовом сообществе сложилось немало противоречий. Его принято причислять к коммерческому жанру, хотя мало кто так же самоотверженно работал и шел на эксперименты.

В последние годы жизни сам Манн в шутку называл себя «Кенни Джи 60-х», хотя создал едва ли не больше абстрактных записей, чем записные авангардисты. Он конфликтовал с джазовыми музыкантами, подчас нарочито игнорировал канон, но в конечном итоге для того, чтобы навсегда вписать в джазовый контекст, казалось бы, неджазовый инструмент.

Манн был не только выдающимся инструменталистом, но и проницательным лидером, открывавшим новые имена. Едва ли карьера Сонни Шеррока сложилась бы так же успешно, если бы не интуиция поверившего в него Манна.

Херби Манну всегда было тесно в рамках жанра, он умел создавать коммерческие блокбастеры и при этом оставаться музыкантом, чей взгляд устремлен вперед. Его влияние вышло далеко за пределы джаза, распространившись на рок и поп-музыку: при желании наработки Манна можно легко услышать в игре того же Иэна Андерсона из Jethro Tull.

«Джазист» не мог остаться в стороне от памятной даты и попросил коллекционера Александра Яковлева («Джазовые пластинки») рассказать о записях, сделанных Манном в 60-е для лейбла Atlantic. Публикуем первые две части.

«The Common Ground» (1960)

Первая пластинка флейтиста для лейбла Atlantic была записана в августе 1960 года. Основные солисты — Манн и вибрафонист Джонни Рэй, фортепиано нет, зато четыре приглашенных трубача неистово выдувают медь. Замысловатый ритмический рисунок создается сразу несколькими перкуссионистами афро-джазового секстета. На протяжении всего альбома музыканты ткут уникальное звуковое полотно на стыке модерн-джаза и африканской мелодики. Кажется, Манн сознательно игнорирует предыдущий опыт афро-джаза и предлагает свое уникальное видение этой музыки. На «The Common Ground» впервые можно услышать одного из крупнейших популяризаторов африканской музыки в США Майкла Олатунжи, который выступает здесь соавтором обязательной и характерной темы «Uhuru» («свобода» в переводе с суахили).

«This Is My Beloved» (1962)

В конце того же месяца Манн собрал музыкантов для новой музыкальной интерпретации дневника в стихах поэта Уолтера Бентона под названием «Это моя возлюбленная». Чтецом стал популярный в ту пору британский актер Лоуренс Харви. Манн же заручился поддержкой проверенных коллег — вибрафониста Джонни Рэя, выступившего на этой записи в непривычной для себя роли ударника, и гитариста Джо Пумы, с которым Манн регулярно записывался в 50-е. На «This Is My Beloved» Манн показывает себя смелым экспериментатором: сравнить этот альбом практически не с чем, что исключает возможность однозначных оценок. Критики же от соблазна не удержались и «This Is My Beloved» ожидаемо разгромили.

«The Family of Mann: The Music of Herbie Mann» (1961)

На альбоме «The Family of Mann» флейтист продолжил развивать музыкальные идеи своей дебютной записи на Atlantic. Только на сей раз причудливо аранжированными оказались шлягеры в диапазоне от блюза «Why Don't You Do Right?», который стал хитом в 40-е в исполнении Пегги Ли, до джазового стандарта «Moanin’» Бобби Тиммонса. Акцент на перкуссии и нехарактерных для джаза ритмах сохранен, а солируют вновь флейта и вибрафон. Место Джонни Рэя занимает Дэйв Пайк. Примечательно, что подобному сочетанию инструментов Манн останется верен на протяжении всего десятилетия. Запись пластинки пришлась на три апрельских дня 1961 года. Чуть позже в том году она и увидела свет.

​​💿 John Patitucci «Spirit Fall» (Edition, 2025)

📝****

В прошлом году басисту Джону Патитуччи исполнилось 65 лет. В своем нынешнем статусе он живая легенда. Джазовая молодежь смотрит с восхищением, критики одобрительно качают головой. Патитуччи сделал себе такое имя, которое может обеспечить ему заслуженно комфортную жизнь. Но он тем не менее по-прежнему не дает себе спуску.

Патитуччи участвует в проектах, где его имя будет написано мелкими буквами в нижней части обложки, будь то альбом давнего приятеля, пианиста Джеффри Кизера, или австралийского трубача Троя Робертса. Ищет не признания, а амбициозных творческих задач, как в случае с «бразильским» проектом пианистки Рини Роснес. Изматывает себя в бесконечных турах. Он отказывается воспринимать музыку в качестве инструмента для решения личных задач и по-настоящему живет ею. Патитуччи не дает себе поблажек и готов рисковать. Это делает ему честь.

В таком контексте его новую пластинку «Spirit Fall» в какой-то степени можно считать уходом от собственных строгих правил. Действительно, о каком риске может идти речь, если рядом с тобой Крис Поттер (саксофоны) и Брайан Блэйд (ударные), а релиз готовит модный лейбл Edition, который уж точно сумеет достучаться до нужной аудитории. И всё-таки Патитуччи остается верен себе.

Начнем с того, что трио без гармонического инструмента — уже вызов. Чтобы умело распоряжаться свободой и не переходить границы дозволенного, требуется не только исполнительское мастерство, но и чувство музыки. Но дело не только в формате: Патитуччи придумал для «Spirit Fall» крайне нетривиальный материал, написав девять оригинальных композиций и дополнив их «House of Jade» Уэйна Шортера. Кажется, Патитуччи поставил себе цель связать всю традицию воедино: от блюза («Deluge on 7th Avenue») к постбопу («Pole Star»), от фьюжна («Lipim») к контемпорари-джазу («Sonrisa»).

Альбом стартует без раскачки с цепкого грува Патитуччи на контрабасе и полистилистического соло Поттера в «Think Fast» и уверенно движется вперед без провисаний и длиннот. Патиттучи показывает себя не только как великий мастер риффов и точеных линий, но и изобретательный солист, которому в равной степени подвластны и контрабас, и шестиструнная электрическая бас-гитара. Поттер искусно солирует, избегая общих фраз и лишних деталей, заслоняющих красоту мелодии. В нужный момент он умело нагнетает напряжение, а затем ловко сбивает градус уместной иронией. Блэйд хорош не только в грувах, но и в создании тонкой ритмической вязи, орнаментирующей звучание трио.

Вопреки названию «Spirit Fall», записанный за один день, получился альбомом о том, что джаз — это когда хорошим людям становится очень хорошо. Я имею в виду не только музыкантов, но и нас, слушателей.

Александр Аношин

Слушать альбом

Джазист: видеотека

Пианист Питер Мартин под чутким руководством своего компаньона по одному из лучших джазовых подкастов You’ll Hear It исполняет в быстром темпе и хаотичном порядке попурри из 57 и еще 14 джазовых стандартов.

Такое увлекательное повторение матчасти никогда не бывает лишним.

Оригиналы тут и тут.

​Очередной выпуск рубрики «Джазист слушает» посвящен нескольким релизам африканской музыки, которые подобрал для вас наш постоянный автор Илья Рассказов.

Florence Adooni «A.O.E.I.U.» (Philophon, 2025)

«Королева фра-фра-госпела» Флоренс Адони выпускает дебютный лонгплей. Ее музыка — это песни обитающей на севере Ганы народности фра-фра, смешанные с баптистскими песнопениями и наложенные на потрясающий этно-джаз, хайлайф, афробит и клубную электронику. Соавтором и продюсером альбома выступил основатель лейбла Philophon — немецкий барабанщики продюсер Макс Вайссенфельдт. В нескольких композициях можно услышать Джими Тенора на флейте и саксофоне. Проходных вещей на пластинке нет вообще. К прослушиванию обязательно.

Manu Dibango «Dibango 82» (Wewantsounds, 2025)

Камерунский саксофонист, бэндлидер и композитор Ману Дибанго был одним из первых африканцев, сделавших большую карьеру в Европе и Штатах. Его афро-буги-супер-хит «Soul Makossa» имел огромный успех и стал впоследствии самой сэмплированной африканской композицией в истории музыки. Интересы и способности Дибанго шли гораздо дальше этого хита и в сторону джазовой музыки. Зимой 1982 года он выступал во Франции, а сцену с ним и его группой делил Дон Черри. Запись тех концертов издается впервые: на первой из двух пластинок звучит полиритмическая корневая музыка, афробит, фанковые, ритм-энд-блюзовые и афроджазовые композиции. Следом запланирован релиз совместного выступления с Черри.

Tony Allen & La BOA «La BOA meets Tony Allen» (Comet, 2025)

Наследие нигерийского барабанщика и одного из отцов афробита Тони Аллена, которого не стало в 2020 году, продолжает давать новые и подчас неожиданные плоды. К ним вполне можно отнести альбом колумбийского проекта La Bogotá Orquesta Afrobeat, который использовал студийные записи Аллена, сделанные им для лейбла Comet Records еще в 2011-м. Взяв за основу ритмические структуры Аллена, La BOA записали сильный, богатый красками альбом на стыке афробита, джаза, соула, хип-хопа, кумбии и прочей традиционной колумбийской музыки, одновременно заставляющего вспомнить корневую музыку в исполнении Тото ла Момпосина и более современные эксперименты с афро-латинским наследием в духе Quantic или Chancha Vía Circuito.

💬 «Цитатник Джазиста»: джазовый композитор Мария Шнайдер об одной из главных проблем джаза.

На мой взгляд, одна из главных проблем джаза заключается в том, что многие музыканты думают, как бы сделать его более сложным, плотным и напряженным, — чтобы там чередовалось пятьдесят миллиардов ритмических размеров, быстро барабанили и играли много нот. Музыка может быть очень сложной, но, если вместо восторга она вызывает у меня ощущение собственной глупости, раз я ее не понимаю, — значит, проблема в ней. Не хочу, чтобы моя музыка отталкивала слушателей от себя.

Из интервью «Джазисту», 2021 год

​​💿 Ben Wolfe «The Understated» (Resident Arts, 2024)

📝****

На нашем сайте Леонид Аускерн рассказывает о новом альбоме контрабасиста Бена Вулфа.

По сравнению с успешным предыдущим альбомом «Unjust» (2023) в новой команде Вулфа уже нет такой яркой звезды, как трубач Николас Пэйтон, но в нынешний квартет перешли другие работавшие с ним на «Unjust» музыканты: пианист Оррин Эванс, саксофонистка Николь Гловер и ударник Аарон Киммел. В качестве гостей проекта в отдельных треках поучаствовали еще один пианист, Салливан Фортнер, и гитарист Расселл Мэлоун, для которого эта запись стала одной из последних.

В программу вошли преимущественно новые сочинения Вулфа, а также несколько композиций, известных по предыдущим записям. Особенно велик удельный вес в новой программе баллад — из них составлена большая ее часть. Есть, впрочем, в программе и более динамичные, темповые композиции. Независимо от настроения той или иной темы везде присутствует фирменный стиль Бена Вулфа: точная ансамблевая работа, лаконичность, если не скупость, выразительных средств, сочетающаяся с эмоциональной силой исполняемой музыки.

Целиком рецензию читайте на сайте «Джазиста».

💬 «Цитатник Джазиста»: пианист и композитор Андрей Кондаков, выпустивший в прошлом году на нашем лейбле прекрасный альбом «Being a Human Being», объясняет почему в музыке Херби Хэнкока ощущается столько свободы.

Хэнкок был одним из первых пианистов тех лет, который достиг невероятной степени свободы.

Есть такая не очень известная пьеса, которая называется «Finger Painting». У нее очень интересная форма: такты внутри квадрата делятся на 6, 8 и 6. Хэнкок специально создает такую форму, что не понимаешь, где начало квадрата. Всё время происходит обновление этой восьмерки, в середине накапливается энергия. В басу есть органный пункт на восемь тактов, потом он вырывается в последние шесть тактов, которые переходят в начальные шесть тактов. Совершенно непонятно, где граница, где начало, а где конец. Хэнкок сам формирует свободу в заданных рамках.

Еще одна пьеса под названием «Actual Proof» с альбома «Thrust» тоже очень показательна. Херби очень ее любит, часто с нее начинает концерты. Там есть два риффа, которые остаются неизменными на протяжении всей импровизации. Эти риффы смещены по отношению к первой доле и постоянно появляются, как сюрприз, не в том месте, где ты их ждешь. Получается некая пружина: с одной стороны, есть те неизменные формообразующие ритмические фигуры, с другой стороны — абсолютно свободные соло. И всё время происходит какое-то обновление. Это очень интересно для композиторов с точки зрения анализа формообразования таких, казалось бы, простых пьес — там есть над чем подумать.

Краткий курс по истории джаза, 2014 год

​Херби Хэнкоку — 85

Сегодня, в День космонавтики, свое 85-летие отмечает великий Херби Хэнкок. По случаю предлагаем ещё раз изучить гид по главным альбомам великого музыканта, который специально для «Джазиста» подготовил Олег Соболев.

Херби Хэнкок — одна из ключевых фигур в истории джаза. Уроженец южной стороны Чикаго (традиционно бедной и криминальной части этого города), он еще в детстве прославился на локальном уровне как вундеркинд классического фортепиано.

В одиннадцать лет маленький Херби исполнил один из фортепианных концертов Моцарта в сопровождении Чикагского симфонического оркестра. А к своим двадцати годам Хэнкок приобрел репутацию мощного молодого джазового пианиста, влившись в состав группы Дональда Бёрда.

Уже первая опубликованная авторская композиция Хэнкока, «Watermelon Man», стала хитом, забравшись в версии кубинского музыканта Монго Сантамарии на десятое место синглового чарта Billboard в начале 1963 года. Дальше последовала работа в знаменитом квинтете Майлза Дэвиса 60-х годов, в составе которого Хэнкок записал ряд пластинок, общепризнанно повлиявших на развитие джаза. Все 60-е и 70-е работа в качестве сайдмена вообще была очень важной для пианиста: его фамилию можно найти в буклетах множества альбомов самых разных исполнителей, от Джорджа Бенсона и Стэна Гетца до Милтона Насименту и Джони Митчелл.

Тем не менее по-настоящему прославила Хэнкока его работа в качестве бэндлидера и композитора. Он начал с серии инновационных постбоповых альбомов в 60-х, а к концу десятилетия отбросил лиричность и задумчивость, ставшие на тот момент визитными карточками его музыки, и принялся развивать музыку на стыке джаза, фанка и рока.

Другим прорывом стало использование синтезаторов Хэнкоком и музыкантами его группы. Кульминацией этого творческого периода музыканта стал альбом «Head Hunters», продавшийся многомиллионным тиражом и впоследствии ставший источником сэмплов для многих артистов, работающих вне джазовой музыки.

Как талантливый пианист стал титаном американского джаза? Как менялась его музыка на этом пути? Давайте разбираться и слушать.

Часть I | Часть II

​Для нового выпуска рубрики «Джазист слушает» Илья Белоруков послушал последние релизы шведского лейбла Thanatosis и выбрал те, которые считает достойными вашего внимания.

Àlex Reviriego & Tom Chant «Les herbages d'acier et d’émeraude» (2024)

Ирландский саксофонист Том Чант базируется в Барселоне. Нирокому кругу слушателей он знаком по мягкому нью-джазу в коллективе The Cinematic Orchestra, а на барселонской сцене известен в первую очередь как радикальный импровизатор, стремящийся как можно дальше зайти в поисках новых звуков инструмента. Этим же занимается контрабасист Алекс Ревириего, участник группы Phicus, играющей современный импров, и фри-джазового трио саксофониста Либы Виллавеккиа. Находясь в рамках текстурно-сонорной импровизационной музыки, Том и Алекс внимательно слушают друг друг и вместе выискивают звукосочетания. Иногда совсем не очевидно, где звучит саксофон, а где контрабас. Эти музыканты успешно доказывают, что приемы расширенных техник игры на инструментах стоит изучать и переосмысливать.

Alex Zethson & Nikos Veliotis «CRYO» (2025)
Раскатистыми рояльными аккордами с поддержкой виолончели начинается дуэт пианиста (и владельца лейбла) Алекса Зетсона и виолончелиста Никоса Велиотиса — и продолжается это около сорока минут. Звук нарочито размыт, повествование тягучее, развитие неспешное. Партии обоих инструментов то и дело сливаются в единое булькающее полотно. Никос не первый десяток лет знаком слушателям по дроуновым импровизациям, а вот услышать подобное от Алекса — сюрприз, ведь в последние годы он больше занимается новоджазовым материалом и в своих коллективах, и, например, в Fire! Orchestra. Музыка соответствует обложке: воображение рисует картинку катания на льду на пустующем ночном катке.

Christer Bothén 3 «L’INVISIBLE» (2025)

Трио легендарного шведского бас-кларнетиста Кристера Ботена играет композиционный камерный джаз, словно наследующий канонам Джимми Джуффри. Помогают 82-летнему Ботену контрабасист Кансан Зеттерберг, дающий ритмическую основу, и Чель Нордесон с загадочным звуком вибрафона и ненадолго появляющимся мощными ударными. На пластинке всего одна вещь, и она разделена на две части, внутри которые есть и более мелкая «навигация» по абстрактным мазкам, которые оставил композитор. Оставаясь в строго заданных рамках, музыка всё же постоянно лавирует из стороны в сторону, и слушателю необходимо быть готовым к не самым очевидным поворотам в игре трио.

Илья Белоруков

​В третьем выпуске рубрики «История одного названия» вспоминаем, в честь чего Сонни Роллинз решил назвать одну из свои лучших композиций.
 
Композицию «Oleo» 24-летний Сонни Роллинз написал в 1954 году. Первая запись была сделана для альбома Майлза Дэвиса «Bags’ Groove». Простая и оттого моментально оседающая в голове мелодия обрамлена 32-тактовой аккордовой последовательностью, позаимствованной из «I Got Rhythm» Джорджа Гершвина.

Несмотря на то, что испанских мотивов в мелодии нет и в помине, волей-неволей хочется придать названию высокий смысл. Сравнить с картиной молодого и дерзкого художника. На самом деле всё гораздо проще. Роллинз назвал композицию, ставшую впоследствии джазовым стандартом, в честь любимой марки маргарина. В этом месте можно сделать вольное допущение: если бы Роллинз написал эту композицию и звали его не Сонни, а, допустим, Евгений, он вполне мог бы выбрать название «Пышка».

Впрочем, нельзя не признать, что отсутствие высокого смысла «Oleo» ничуть не мешает, а наоборот, только пробуждает аппетит. Вечная классика.

Слушать «Oleo»

​Стиву Гэдду — 80

Сегодня исполняется 80 лет барабанщику Стиву Гэдду. Гэдд — великий мастер и в то же время выдающийся ремесленник. Это тот самый уникальный случай, когда талант и работоспособность находятся в равновесии. Гэдд создал свой собственный неповторимый стиль с уникальными наработками (chops).

Саунд Гэдда нельзя повторить — на него можно только равняться. За свою карьеру он принял участие более чем в 700 записях, с легкостью преодолевая границы устоявшихся жанров. Гэдд умеет быть самим собой вне зависимости от музыкального контекста и при этом никому себя не навязывает. Он редкий пример яркого индивидуалиста, которого нельзя упрекнуть в эгоизме.

Свои музыкальные находки Гэдд использует не для саморекламы, а для того, чтобы песни и композиции других людей зазвучали лучше. Он, безусловно, каждый раз играет самого себя, но никогда не делает одно и то же. Возможно, именно поэтому Гэдд при запредельной производительности умудрился не выйти в тираж. Несмотря на возраст, он и сейчас в отличной форме: не утратил интереса ни к созданию нового, ни к музыкальной рутине, которой по-прежнему готов подчинять свою жизнь.

Охватить всё творчество Гэдда в одном посте невозможно, поэтому сооснователь «Джазиста» Александр Аношин решил остановиться на шести своих любимых записях.

«50 Ways to Leave Your Lover» Пола Саймона и «Aja» Steely Dan

Пик карьеры Гэдда удачно совпал с периодом расцвета музыкальной индустрии. В 70-е Гэдд, востребованный сесcионный музыкант, работал круглыми сутками, и, по собственному признанию, к вечеру уже мог не помнить, какие композиции записывал с утра. Его вступительное соло в «50 Ways to Leave Your Lover» и кода в «Aja» были записаны в дефиците времени и с одного дубля. Это можно считать не иначе как божественным провидением, так по-гэддовски высеченным из пахоты и поденщины. Сам Гэдд скромно считает, что ему просто повезло. Те, кто хотя бы раз слышал его грув в этих песнях, не забудут его никогда.

«Rock Skippin'» Джима Холла

Альбом «Concierto» — шедевр Джима Холла, жемчужина лейбла CTI и одна из вершин продюсерского гения Крида Тейлора. Состав из звезд (Джим Холл, Чет Бейкер, Пол Дезмонд, Рон Картер, Роланд Ханна) и одновременно состав-звезда. Но именно Гэдд здесь — та самая ось, вокруг которой вращается эта блистательная музыка. Его «время» безошибочно, акценты — безупречны. В эллингтоновской «Rock Skippin'» умение Гэдда слушать музыку, в нужные моменты оставаться в тени и при этом насыщать пространство своим фирменным четвертным грувом, проявляется едва ли не лучше всего.

«Maputo» Дэвида Сэнборна и Боба Джеймса

Гэдд много работал с Сэнборном и Джеймсом по отдельности, записав с каждым по дюжине альбомов. Но именно на совместной пластинке «Double Vision» на пару с басистом Маркусом Миллером ему удался лучший грув смус-джаза всех времен и народов.

«Quartet 1» Чика Кориа

Гэдда принято ассоциировать с фьюжном, фанком и сессионной работой с поп-артистами, но нельзя забывать, что он и выдающийся постбоповый барабанщик. Альбом «Three Quartets», записанный Чиком Кориа в начале 80-х, стал подарком поклонникам джаза в период, когда акустический джаз находился в упадке. В первой композиции, построенной вокруг простого и цепкого вэмпа, Гэдд не только качает грув, но и искусно орнаментирует звучание.

«Foots» Stuff

Stuff — сессионная супергруппа во главе с гитаристом Эриком Гейлом, которую недооценивали критики. Считалось, что музыканты способны на большее, чем просто развлекательная музыка для всех и каждого. Сейчас, переслушивая альбомы Stuff, к группе есть только одна претензия: почему альбомов так мало? Редко кому из инструменталистов удавалось создавать композиции, столь безупречные по форме и содержанию. «Foots», первый номер одноименного альбома группы, помимо прочего, наглядно демонстрирует, что такое настоящий грув in the pocket.

Отдельное упоминание: двухчасовой концертный альбом группы Steps «Smokin' in the Pit».

Александр Аношин

​​💿 Anthony Joseph «Rowing Up River to Get Our Names Back» (Heavenly Sweetness, 2025)

📝**** 1/2

Новый релиз поэта, писателя и музыканта Энтони Джозефа — двойной альбом, который отсылает к роману самого Джозефа «The African Origins of UFOs», экспериментальной афрофутуристической метапрозе на стыке научной фантастики и современного мифотворчества. По мнению Ильи Рассказова, новая работа подтверждает статус Энтони Джозефа как одного из лучших англоязычных джазовых поэтов наших дней, а ведь это только первая часть двойного альбома.

Предыдущий альбом Джозефа «The Rich AreOnly Defeated When Running for Their Lives» вышел четыре года назад и был гораздо более джазовой, а для новой записи он искал вдохновения в другом, более эклектичном звучании. Место утонченного спиричуэла и размеренного постбопа заняли электронные эффекты, хоповый бит, разнузданный афро-госпел, «грязный» гитарный саунд и много чего еще.

Целиком рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.

​В нашей традиционной рубрике «Джазист слушает» Леонид Кравченко рассказывает о трех авангардных альбомах, которые могут заинтересовать даже слушателя, не подготовленного к такой музыке.

Patrick Shiroishi & Piotr Kurek «Greyhound Days» (Mondoj, 2025)

Японо-американский саксофонист Патрик Широиши и польский пианист и электронщик Пётр Курек записали немало мультижанровой экспериментальной музыки, но на этом альбоме их дуэт звучит мягко, мелодично и просто уютно. Это неспешный камерный джаз с теплым звуком и обволакивающей вечерней атмосферой, в который музыканты также привносят немного эмбиентного духа. При кажущейся простоте в «Greyhound Days» есть множество увлекательных композиционных и саунд-дизайнерских деталей: интересные контрапункты, обработанные голоса, легкий синтезаторный «симфонизм». Это прекрасный образец того, как экспериментальная музыка может оставаться доступной для неподготовленного слушателя.

Teun Verbruggen, Ikue Mori, Ingrid Laubrock & Bram De Looze (aka Blind Io) «Pillars of Creation (Part 1)» (Rat Records, 2025)

Blind Io — квартет бельгийского барабанщика Теуна Вербрюггена, в который входят еще один бельгиец Брам Де Лозе (фортепиано), а также две звездные участницы — Икуэ Мори (электроника) и Ингрид Лауброк (саксофон). На первом альбоме квартета музыканты представили материал, созданный в режиме свободной импровизации. Саксофон Лауброк придает музыке мелодический компонент, ритм-секция постоянно выдает головоломные рисунки, а электроника Мори добавляет звуку остроты. Альбом получился экспрессивным и эмоционально заряженным, но в экстремальный импров он всё же не ушел. Одни вещи тяготеют к фри-джазу, в других музыканты работают с текстурами на грани шумового эмбиента, но во всех случаях им удается эффектно взаимодействовать. Интеллектуальность этой музыки здорово сочетается с живым драйвом.

Bruno Trchmnn + Morgane Carnet «MUITOS PÁSSAROS» (scatterArchive, 2025)

Бразильский исследователь звука Бруно Трошманн (Trchmnn) и французская саксофонистка Морган Карне вживую записали этот материал в здании бывшей железнодорожной станции в Сан-Паулу. Бруно играет на рабеке (португальской скрипке) в найденном им нестандартном строе: издаваемые ею звуки напоминают дисторшированную электрогитару. Музыкант создает шумовые текстуры, на фоне которых развиваются чистозвучные и местами мелодичные саксофонные линии Морган. Сочетание получается интересным: музыка балансирует между околонойзовой и околоджазовой областями. Бруно и Морган выстраивают интересную драматургию, плавно перемещаясь между шумно-интенсивными и разреженно-медитативными фрагментами. Классный импров с необычными звукосочетаниями.

Леонид Кравченко

💬 «Цитатник Джазиста»: народный артист России пианист Даниил Крамер о том, что мы называем российским джазом.

Что мы называем российским джазом? Мы можем назвать российским джазом музыку с использованием российского фольклора. Это ли мы называем российским джазом? Или мы называем российским джазом то, что российские музыканты немножко по-своему играют американский или «проевропейский» джаз? Или мы называем российским джазом генерацию идей в России, которая отличается от генерации идей в Соединенных Штатах и от генерации идей в Европе. Что мы называем российским джазом? Если мы говорим о генерации идей, то пока что российского джаза маловато. В основном идет накопление информации, и пока что российский джаз, на мой взгляд, более вторичен, нежели первичен. Это не хорошо и не плохо.

Из интервью «Джаз.ру», 2025 год

​Сегодня 110 лет со дня рождения Билли Холидей. По этому поводу «Джазист» публикует перевод фрагмента из большого эссе британского критика Йена Пенмана — о записях Холидей с оркестром Тедди Уилсона, о ее голосе, исполнительской мощи и жизнерадостности.

«С 2 июля 1935 года по 10 февраля 1942 года Билли Холидей, выступая в сопровождении Тедди Уилсона и его ансамбля, записала двадцать одну песню. Из них как минимум семнадцать — совершенно незаменимые, краеугольные камни современной популярной музыки. Именно с них началось мое знакомство с Холидей.

Сначала меня привлекла ее темная сторона — "Gloomy Sunday", "I Cover the Waterfront", "Solitude", — но вскоре передо мной открылись и другие миры. Если где-то и существуют более заразительные, воздушные мелодии, чем "Them There Eyes" или "Me, Myself and I", то мне о них ничего не известно.

Типичный темп дуэта Холидей и Уилсона — это не полноценный свинг и неоткровенный блюз, а нечто между: умеренное, размеренное движение, сплав джазовой изобретательности и легкого, ослепительного блеска. Даже в грустных песнях что-то сияет. В начале моего увлечения Холидей был момент, когда я снова и снова читал о несчастной Билли, возвращался к ее ранним записям с Уилсоном и думал: подождите-ка, да это же невероятно жизнерадостная музыка!

Кажется, ее мрачный имидж слишком раздут — возможно, из-за привычки критиков романтизировать мрачную сторону модернистской культуры. Большая часть ее творчества — это не страдание, а оживленность, легкость, кокетство. Это песни не о безысходной боли, а о пробуждающемся желании.

Даже в самых печальных композициях звучит что-то вроде последней, едва уловимой надежды. В ее версии "Gloomy Sunday" есть один из самых возвышенных моментов в истории популярной музыки, когда она поет: "I wake and I find you asleep / in the deep of my heart, dear" ("Просыпаюсь, а ты еще спишь / В глубине моего сердца, дорогая").

Трудно передать, как именно она произносит эту фразу — ее нарастающее интонирование, воздушность. Это звучит примерно так: "I wake and I find youasleep in the deep of my h e a r t" — как медленный подъем по ступеням от сна к бодрствованию. А заключительное "dear" — как длинная, накатывающая волна. А строчка "Little white flowers will never awaken you" ("Маленькие белые цветы никогда тебя не разбудят" (до сих пор кажется мне одной из самых странных в известных песнях — уместной скорее на надгробии, чем в эфемерных лирических стихах.

Когда я впервые влюбился в эту погребальную балладу, решил, что "маленькие белые цветы" — это похоронный букет. Но подходят ли для похорон такие цветочки? И, кстати, здесь сложно не вспомнить большие белые цветы, которые Холидей часто вплетала в волосы.

Что делает ее исполнение столь неподражаемым? Фирменный тембр — чарующе неопределенный: новый, до того не ощущавшийся в музыке тип наслаждения, в котором сочетаются дистанция и интимность. В этой туманной расплывчатости, возможно, кроется негласное политическое высказывание — иная форма сопротивления.

Всё то пространство, всю легкость и свободу, которые были отняты у Холидей в жизни из-за цвета кожи, она обретает в песне — как мечту о покое, движении, размышлении, об утопическом, воздушном пространстве без границ. Это не стоицизм блюза и не всеобъемлющая сила госпела. Ее песни скорее об утешении, игривости, беззаботности. И еще о чем-то, чему трудно подобрать имя. Тому, что противоположно тревоге».

​​Джазист: короткой строкой

Премьеры композиций, анонсы новых релизов и другие новости — в рубрике «Короткой строкой».

Новый сингл Tortoise

Маститая группа Tortoise впервые за девять лет выпустила новый сингл — композицию «Oganesson». В скором времени стоит ожидать альбом, который совместными усилиями выпустят лейблы Nonesuch и International Anthem. Композиция «Oganesson», с одной стороны, звучит как старый-добрый Tortoise, а с другой стороны, невозможно не почувствовать хипстерский флер нового чикагского джаза. Поэтому, ознакомившись с «Oganesson», стоит переслушать великий альбом 1998 года «TNT».

Новый альбом Сайруса Честната

У пианиста Сайруса Честната, которого смело можно причислить к поколению «молодых львов», в конце апреля выходит альбом с незамысловатым названием «Rhythm, Melody and Harmony». Первый сингл — вечная классика «Autumn Leaves». Несмотря на то, что Честнату удается избежать явных клише, сам выбор композиции всё же кажется больше конъюнктурным расчетом, нежели душевным порывом.

Кэндес Спрингс записала трибьют Билли Холидей

В понедельник будет отмечаться 110-летие со дня рождения Билли Холидей. По этому случаю певица Кэндес Спрингс записала трибьют великому альбому Холидей «Lady in Satin» с полной репликой обложки и оркестром из шестидесяти человек. Пока можно послушать сингл «I’m a Fool to Want You». Впечатления противоречивые: с профессионализмом, конечно, не поспоришь, а с музейностью, наоборот, случился перебор.

​​Выдающийся музыкант, уникальный композитор, яркий бэндлидер

Поздравляем Анну Королеву с днем рождения! Для «Джазиста» возможность выпускать Анину музыку — радость и честь. Каждый из альбомов — акустический «Antigravity», фьюжновый «Over the Mountains» или барочный «Timeless» — для нас особенный.

Королева способна преодолеть границы любого устоявшегося жанра. Стилистическая канва для Анны — лишь штрихпунктиром очерченная территория событий. В то же самое время трудно найти музыканта более требовательного и последовательного.

Каждый раз Королева говорит о том, что ее волнует, не прячась за искусно созданную музыкальную оболочку. Она не делает музыку, а живет ею и не приемлет соглашательскую позицию. Анина способность придумывать и воплощать в жизнь всё новые и новые проекты феноменальна. Угнаться за ней невозможно. Королева удивляет каждый раз и, мы уверены, будет продолжать делать это снова и снова.

Свой день рождения Аня отметит на сцене родного Клуба Алексея Козлова. Мы же рекомендуем переслушать каждый из Аниных альбомов, подписаться на ее Телеграм-канал и посмотреть маленький, но выдающийся фрагмент одного из живых выступлений трио Анны Королевой.

​💿 Jeremy Pelt «Woven» (HighNote, 2025)

📝 ***

О трубаче Джереми Пелте можно сказать много хорошего: мастеровит, работоспособен, джазовый канон не отрицает, за хайпом не гонится. Успел поработать с Уэйном Шортером, Роем Харгроувом, Рави Колтрейном, Джимми Хитом и Фрэнком Фостером. В музыкантском сообществе получил заслуженные уважение и почет. За двадцать лет выпустил 25 сольных альбомов и ухитрился избежать откровенной халтуры. Привлекал в свои составы талантливую молодежь без громких имен, что называется, на вырост.

Свежий альбом Пелта «Woven» все названные тезисы, в общем-то, подтверждает. Пелт верен своему саунду, отсылающему к Клиффорду Брауну и Фредди Хаббарду. Он рискует, отходя от акустики в сторону электричества, но делает этов меру. «Woven» с недвусмысленными кивками в сторону альбомов Майлза Дэвиса конца 60-х звучит скорее ностальгически, а не новаторски. Рядом с ним в составе сплошь новые и неизведанные имена, а клавишницу Пелт и вовсе нашел, пролистывая видео в одной из соцсетей. Материал пластинки под стать названию — тщательно соткан по всем канонам жанра. На месте и быстрые номера с грувом, свингом и жаркими соло гитары, трубы и вибрафона, и медленные баллады с парящими мелодическими линиями.

Всё на «Woven» устроено ладно и складно, и тем не менее трудно отделаться от ощущения, что перед нами необязательная музыка. Пелт, конечно, одаренный мелодист, но не настолько, чтобы взять за душу. Набранная им молодежь, безусловно, талантлива, но пока способна вызывать лишь дежурный интерес, а не искреннее любопытство. Джереми — профессионал высшего уровня — наверняка готов записать еще 25 альбомов без потери качества, но все они не будут стоить и минуты «Red Clay» или «Filles de Kilimanjaro». У Пелта, вне всякого сомнения, сложился свой собственный голос, но он не настолько уникален, чтобы мгновенно распознать его среди многих на него похожих. Это, к слову, проблема совсем не Джереми Пелта. Как бы странно это ни звучало.

Александр Аношин

Слушать альбом

Джазист: видеотека

1983 год. Херби Хэнкок и Куинси Джонс с неподдельным энтузиазмом играют с настройками цифрового синтезатора Fairlight CMI и устраивают небольшой спонтанный джем. Полностью этот фрагмент, вошедший в документальный фильм «I Love Quincy», можно посмотреть на YouTube.

​​💬 Сегодня в «Цитатнике Джазиста» гитарист Чарли Баллантайн размышляет о поиске вдохновения для написания песен:

«В какой-то момент я начал думать о себе больше как о сонграйтере, чем гитаристе, и написание песен стало важной частью моей повседневной жизни. Иногда [песни] приходят, иногда нет, но я стараюсь сознательно держать этот канал открытым. Когда я сажусь заниматься и у меня появляется идея, я пытаюсь опереться на нее и сформировать ее до конца. Это может произойти, когда ты просыпаешься. Это может быть во время обеда или среди ночи. Это странная штука, и я понимаю, что должен с ней справиться, иначе она исчезнет бесследно. Иногда лучшее приходит, когда чувствуешь себя хуже всего.

Я как-то разговаривал с джазовым барабанщиком Дэвидом Кингом, когда мы были в туре, и на улице было паршиво. Шел дождь, и вид вокруг был ужасно тоскливым. Я сказал ему: "Ненавижу такие дни", а он ответил: "Это лучшие дни, чувак. Ты не можешь вдохновиться и сделать что-то значительное, когда на улице +30 и солнечно. Настоящее вдохновение приходит во время ненастья"».

Из интервью порталу American Songwriter, 2024 год

​​В рубрике «Джазист слушает» Александр Аношин делится впечатлениями от трех альбомов, вышедших в начале этого года.

Billy Mohler «The Eternal» (Contagious Music)

Выпускник Бёркли и Института джаза им. Телониуса Монка, бывший басист поп-гранжевой группы The Calling (олды наверняка помнят хит «Wherever You Will Go») выпустил четвёртый за шесть лет альбом акустического джаза «The Eternal». Материал пластинки собран из восьми авторских композиций и четырех сольных зарисовок Молера на контрабасе. После прослушивания «The Eternal» первым на ум приходит слово «крепкий»: Молер берет не ловкостью рук, а музыкальным кругозором и сонграйтерским мышлением. Он умеет сочинить цепкий мотив, придумать крепкий рифф и создать надежный фундамент для развития мелодических линий. Каждый из участников квартета тоже при деле: звездный гитарист Джефф Паркер создает вязкий гармонический контекст с емкими и легко узнаваемыми фразами, барабанщик Дэмион Рид отвечает за ритмический рисунок, саксофонист Девин Дэниелс уверенно и свободно развивает мелодии. Пусть «The Eternal» и не дарит откровений, но звучит на редкость цельно — без музыкантского пижонства и попыток прорваться в вечность, зато со знанием дела.

Kasan Belgrave «Dual Citizen» (Tribe)

«Dual Citizen» — это зажигательный свинг, упругие грувы, ритм-энд-блюзовый кач и яркие инструментальные схватки. Настоящий hot jazz по-детройтски. Тем более что лидер состава — 25-летний саксофонист Касан Белгрейв, сын легендарного детройтского трубача Маркуса Белгрейва, воспетого критиком Марком Страйкером в книге «Jazz From Detroit». В составе исключительно талантливая местная молодежь, сплошь выпускники Мичиганского университета. Белгрейв сотоварищи не воспроизводит традицию, а ищут в ней источники для вдохновения. «Dual Citizen» напоминает, что тот самый джаз до сих может быть музыкой большого города даже без дополнительных надстроек. Jazz not dead.

Larry Goldings «I Will» (Sam First Records)

«I Will» — запись живого выступления акустического трио многоопытного пианиста и органиста Ларри Голдингза в маленьком лос-анджелесском клубе Sam First. Кажется, Голдингс выпустил пластинку, что называется, для своих или вовсе для себя самого. Возможно, как раз поэтому «I Will» невозможно найти на стримингах. Сама музыка тоже оставляет ощущение доверительной беседы со свободой в отношении времени и подчас спонтанными решениями. Трио постоянно действует на полутонах, избегая устоявшихся клише и скрывая смысл в исполнительских нюансах. Местами «I Will» звучит по-монковски угловато, местами — абстрактно а-ля ECM, но так и остается вещью в себе. Этот альбом хочется переслушивать раз за разом потому, что его не возможно понять до конца. Вот уж воистину: будь загадочнее, и тогда к тебе обязательно потянутся.

Александр Аношин

Фразировка — главное в блюзе

​​💿 Claire Martin «Almost in Your Arms» (Stunt Records, 2024)

📝****

Наш автор Леонид Аускерн считает Клэр Мартин самой выдающейся британской певицей традиционного (в широком смысле этого слова) джаза и констатирует, что она ничуть не снижает творческой активности в своей карьере, начатой почти сорок лет назад.

Ее новый альбом «Almost in Your Arms» показывает, что годы ничуть не повлияли на характеристики отменного вокала певицы —высочайшую технику, тонкое интонирование, отточенную фразировку, глубокое погружение не только в музыкальную, но и в лирическую ткань каждой композиции.

Вдобавок к этому волшебство таланта Клэр превращает в полнокровный джаз вещи, достаточно от него далекие. Композицию «This One’s from the Heart», которую Том Уэйтс написал для одного из фильмов Фрэнсиса Форда Копполы, Мартин поет вместе с американским гостем, певцом Чарли Вудом, и джазовая прописка этой версии сомнений не вызывает. Клэр изящно меняет и блюзовое настроение композиции Кэрол Кинг «Bitter with the Sweet». Очень убедительна и ее версия песни Берта Бакарака и Элвиса Костелло «This House Is Empty Now».

Полную рецензию Леонида Аускерна читайте на сайте «Джазиста».

​​💿 Cymande «Renascence» (BMG, 2025)

📝***

Послушав новый альбом группы Cymande, наш автор Илья Рассказов не нашел в нем ни сюрпризов, ни откровений.

Открывающая альбом композиция «Chasing an Empty Dream» — вполне актуальный афрофанк, хотя партия струнных кажется здесь инородным телом. Лучшим и самым джазовым номером оказывается «Coltrane» — полное первоклассного грува посвящение Джону Колтрейну. Вполне убедительны обе композиции с гостевым вокалом — идеальная поп-баллада «Only One Way» с участием молодой британской соул-дивы Селест и грувовая пьеса «How We Roll», украшенная афро-речитативом от легенды британского хип-хопа Jazzie B, основателя Soul II Soul. Удачей можно считать и «Sweeden» — инструментальный фанковый позитив с отменным саксофонным соло.

В остальном же альбом ценен тем, что он может отправить нас слушать (или переслушивать) три пластинки, которые группа выпустила еще в 70-е и за которые ей можно простить даже творческие неудачи.

Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.

Слушать альбом

​Сегодня в авторской рубрике «Ориентиры» Олег Соболев рассказывает об альбоме барабанщика Скотта Амендолы «Believe» и объясняет, почему эта музыка и спустя 20 лет не утратила своей актуальности.

💿 Scott Amendola Band «Believe» (Cryptogramophone, 2005)

Барабанщик Скотт Амендола прежде всего известен как сайдмен в группах Нельса Клайна и Чарли Хантера —двух совершенно разных гитаристов, объединенных, однако, приверженностью к жанру, который можно описать как американа. Эта музыка питается множеством традиций Нового Света, легко перетекая из раннего блюза в южную готику, из фанка промышленных городков в ритмы латиноамериканских диаспор.

Неудивительно, что и сольные работы Амендолы тяготеют к подобной стилистике. Проблема лишь в том, что о них почти никто не знает. Вот, например, слышали ли вы о диске «Believe»? А между тем он совершенно прекрасен. Такой альбом ставишь, чтобы один раз «прогнать» ради интереса, руководствуясь хронической меломанией, и через несколько дней обнаруживаешь, что слушаешь его примерно постоянно.

Состав участников — с ума сойти. Клайн при деле, а вторым гитаристом значится Джефф Паркер — теперь заслуженный ветеран чикагской сцены, не нуждающийся в представлениях, а тогда в первую очередь участник Tortoise. На басу — ныне покойный Джон Шиффлетт, музыкант тоже не самый известный, но по-своему культовый, одинаково тонко чувствовавший как сложную, так и простую музыку. На скрипке — Дженни Шейнман, еще одна певица американы, соратница Билла Фризелла, сама по себе крайне интересный композитор и инструменталист.

Собери этих людей вместе, дай им полную свободу — и они, возможно, на интуитивном уровне создадут великолепную музыку. Но Амендола (а это, кстати, свойственно многим барабанщикам) — прирожденный мелодист. Он непросто дает своей группе пространство творить, а направляет ее изящными мелодиями и разрешая их точными композиционными решениями. Достаточно послушать вторую вещь на альбоме, «Oladipo», чтобы понять, о чем речь: трек начинается с куплетов в духе классического афробита, но внезапно разрастается до почти симфонического размаха в припеве. Придумать такой ход — дорогого стоит.

Можно сказать, Амендола удивляет своим сочинительским чутьем. Он умеет превратить на первый взгляд простой, даже слегка слащавый блюз в эпос («Buffalo Bird Woman») или прокладывает под тонкими латиноамериканскими ритмами незаметную, но настойчивую мелодию безумной красоты («Valentine»). Его композиции полны неожиданных поворотов, игры с формой, сюжета, который то стремительно развивается, то неожиданно останавливается. Именно поэтому ему был необходим такой многогранный басист, как Шиффлетт, — этой музыке нужна опора.

Но главные звезды здесь — всё-таки три солирующих голоса: Клайн, Паркер и Шейнман. Все трое играют в пение: Клайн удерживается от авангардных экспериментов, но вспоминает про то, что он фанат Тома Верлена и группы Television; Паркер не углубляется в длинноты, а выдает филигранные лаконичные блюзовые соло; Шейнман придает музыке балладную широту. Их партии звучат так, будто были тщательно вписаны в композиции Амендолы в ходе долгих репетиций, и в то же время остаются живыми, спонтанными, искренними.

Яркий, мелодичный, игривый, мастерский альбом. Забытая жемчужина американского джаза нулевых. Пожалуй, ему не хватает лишь одного —хорошей обложки.

Олег Соболев

Слушать альбом

​Сегодня в новом выпуске рубрики «Мнение» наш постоянный автор, музыкант и композитор Юрий Виноградов размышляет о движущей силе любви и интереса к джазу.

Джаз часто называют сложным или элитарным. Действительно, для наслаждения джазом требуется если не минимальная музыкальная «квалификация», то хотя бы определенная склонность или слуховой опыт. Конечно, возможна чистая и непосредственная влюбленность в такую музыку, но всё же получение удовольствия от музыки, скажем, Сан Ра или Сесила Тейлора предполагает некоторую наслушанность. С другой стороны, джаз — открытая музыка, которая всегда доступна для исследования, и «сложность джаза» — всего лишь вопрос привычки. Чтобы наслаждаться «So What» Майлза Дэвиса, не нужна специальная подготовка.

Необязательно любить что-то, чтобы живо интересоваться этим. Интерес позволяет расширить собственные горизонты, увеличить свой мир, поселить в нем новые феномены, и этот процесс сам по себе может быть наслаждением. Интерес к джазу не требует безоговорочной любви — достаточно любопытства.

Джазом можно интересоваться как уникальным, непростым и насыщенным музыкальным миром, культурным и историческим феноменом, источником влияний на поп-культуру, гуманитарную науку или другие жанры музыки. Джаз возник на плодородной почве, поэтому интересно изучать его как реакцию музыкального сознания события и обстоятельства XX и XXI веков. Как рэгтайм и новоорлеанский джаз превратились во фри-джаз и хард-боп? Как джаз влияет на современную популярную музыку, в частности хип-хоп (Роберт Гласпер) или электронику (Flying Lotus)?

Джазом можно восхищаться как уникальным примером живой музыкальной речи, где так важна импровизация. Джаз говорит не заученно. Он, как лакмусовая бумажка, проявляет окрас текущего мгновения. Это уникальный опыт, с которым сложно соприкоснуться в других жанрах и формах музыки.

Можно не любить музыку Дюка Эллингтона, но зацепиться за импровизации Кита Джарретта. Или увлекаться бибопом, но скучать от фьюжна. Интерес может быть выборочным, но базовые вопросы для любого исследователя — что происходит в этой музыке и почему другие люди способны ее любить. Поиск ответов на эти вопросы — «путешествие» к другим людям, к чужой субъективности. Двигаясь к незнакомому нам искусству, мы движемся к людям.

​💿 St. Petersburg Improvisers Orchestra «Session Lxxx» (Artes Mirabiles, 2025)

📝****
 
Санкт-Петербургский оркестр импровизации — первый в России проект такого рода, созданный на базе Галереи Экспериментального Звука (ныне — Музей Звука) и объединяющий музыкантов-импровизаторов разных поколений. Уже более десяти лет оркестр собирается на концертные сессии, каждая из которых получает свой порядковый номер. На втором альбоме коллектива запечатлена восьмидесятая сессия, которая состоялась в 2018 году в зале Яани Кирик.

Оркестр в тот раз состоял из инструментальной, электронной и вокальных групп (в общей сложности почти три десятка музыкантов), которыми поочередно дирижировали Дмитрий Шубин, Марк Коммери Николай Рубанов. От такого оркестра можно ожидать громкого и шумного материала, но на деле оказывается нечто противоположное: порой запись балансирует на грани слышимости, и даже в самых интенсивных моментах музыка остается тихой и вдумчивой.

Вам не раз придется напрягать слух, различая тонкие звуковые нюансы, — вероятно, на характер материала значительно повлияла церковная обстановка и акустика. Слушать эту работу стоит либо в наушниках, либо на большой саунд-системе. Чуткие уши найдут в ней немало приятных моментов. 

Леонид Кравченко

Слушать альбом
 

​​💿 «Бром» «Чёрная голова» (Addicted Label / Лапшичная, 2025)

📝****

Наш постоянный автор Юрий Виноградов (@classic_mechanics) делится впечатлениями от нового альбома группы «Бром». Юрий отмечает интересные и небанальные ритмы, музыкальный полет, динамику, интенсивность, запилы на саксофоне, четкие барабанные ритмы, упругие бас-гитарные партии и экзальтированную электронику.

«Бром» — опытные музыкальные экспериментаторы. Чтобы очистить свою музыку от границ и ожиданий, они называют ее no jazz —«ноу-джаз». Ее непросто описать с помощью общих понятий, если не прибегать к совсем неопределенным вроде «авангарда», «панк-джаза» и «экспериментальной музыки». Эту музыку сложно назвать и каким-то гибридом, хотя в ней есть элементы нойз-рока, мат-рока и свободной импровизации.

По мнению Юрия Виноградова, «Бром» продолжает расширять границы того, что мы называем джазовой музыкой, и если вы готовы к экспериментам, то этот альбом станет приятным и захватывающим опытом.

Подробности — на сайте «Джазиста».

Слушать альбом

​​На лейбле Jazzist новый релиз — дебютный альбом «Rivers» московской группы Flying Fish!

Каталог лейбла, в котором уже два с лишним десятка работ, — это почти без исключений джаз в его разных ипостасях, от консервативных до новаторских. Но Юрий Льноградский справедливо замечает, что той музыки, которую играют Flying Fish, в нем до этого практически не было.

Группа представляет на этом альбоме, например, болгарский и молдавский народные танцы, алжирский канун, индийский коннакол или бузуки, инструмент с греческими корнями, — и это далеко не всё. Добавьте сюда нацеленность на современные аранжировки, никак не повторяющие канонических форматов той или иной народной музыки. Добавьте безладовый электрический бас, современные ударные, трубу, саксофоны. Добавьте (как говорится, внезапно) древнюю европейскую виолу да гамба, которая имеет куда больше отношения к салонному аристократическому мышлению, чем к той или иной национальной музыкальной школе. Что на выходе? World music плюс современные аранжировки, не ограниченные узкой стилистикой.

Читайте полный текст Юрия Льноградского на нашем сайте и слушайте «Rivers» на всех главных стриминговых платформах.

Презентация альбома состоится сегодня в КЦ «ДОМ». Билеты еще остались!

💿 Laura Agnusdei «Flowers Are Blooming in Antarctica» (Maple Death Records, 2025)

📝****

Третий студийный альбом итальянской саксофонистки Лауры Агнусдеи — работа с мощным концептуальным фундаментом. Запись «исследует взаимоотношения человека с природой, экологические конфликты и мир нечеловеческих существ», а вдохновением послужили книга «Ways of Being» Джеймса Брайдла, фантастическая энциклопедия «CodexSeraphinianus» Луиджи Серафини и творчество Джеймса Балларда. Но как бы композитор ни пыталась загнать себя в угол концептуализмом, альбом, по мнению нашего автора Олега Соболева, скорее подталкивает к интуитивному погружению, чем требует аналитического разбора.

Ориентиры Агнусдеи как архитектора звучания ясны. С одной стороны — Джон Хасселл, пионер «музыки четвертого мира», сочетавшей шаманский фольклор, эмбиент и абстрактный джаз. С другой — спиричуэл-джаз, но не стремительный и экзальтированный, как у Мюриэль Гроссман или Камаси Вашингтона, а мягкий, медитативный, детализированный.

Агнусдеи не просто заимствует чужие идеи — она развивает их, находя собственный путь. Ее ансамбль не стремится к виртуозности, но работает точно и выверенно. Электроника и спецэффекты органично вплетены в звучание — они не перегружают, не отвлекают, а тонко подчеркивают фактуру композиций. Ну а главное, считает Олег, — драматургия: «Flowers Are Blooming in Antarctica» воспринимается как короткий экспериментальный рассказ с четко выстроенной аркой.

Полный текст читайте на сайте «Джазиста».

Слушать альбом

💿 Alexey Kruglov «Transfiguration 100. Duos» (SoLyd Records, 2025)
 
📝****

Свой сотый (!) релиз саксофонист Алексей Круглов сделалпоистине монументальным. Это тройной (!) альбом, состоящий из дуэтов со многими выдающимися музыкантами: в записи участвовали Вячеслав Ганелин, Владимир Волков, Владимир Мартынов, Саинхо Намчылак, Аркадий Шилклопер и другие. Выбор партнера задает тон пьесе: с Сергеем Старостиным Круглов двигается в фольклорном направлении, с Алексеем Борисовым уходит в шумовой импров, с Анной Чекасиной выдает мощный вокальный фри-джаз и так далее. Значительная часть материала посвящена поэтическим опытам Алексея: из композиций с его декламациями стихов собственного сочинения можно собрать отдельный полноформатный альбом. Некоторые коллаборации идут в достаточно неожиданных направлениях: скажем, синтезаторы Ганелина обретают тут практически «твинпиксовский» дух. Круглов в полном соответствии с названием альбома демонстрирует свои способности к перевоплощению — и делает это убедительно. А вот эклектичность материала можно считатьи достоинством, и недостатком релиза: не каждый слушатель полюбит его целиком, но каждый найдет в нем что-то для себя.
 
Леонид Кравченко

Слушать альбом

​​26 марта, 1 и 2 апреля в столичном Центре исполнительских искусств состоится очередной VOLKOV ManiFEST — детище петербургского музыканта Владимира Волкова. Эклектичная программа фестиваля будет посвящена Чику Кориа и джазу, «Форели» Шуберта и «Картинкам с выставки» Мусоргского.

Участниками VOLKOV ManiFEST в этот раз станут звезды российской импровизационной и академической музыки: Аркадий Шилклопер, Алиса Тен, Вячеслав Гайворонский, Руст Позюмский, Андрей Кондаков, оркестр «Дивертисмент» и многие другие.

Подробности читайте на сайте «Джазиста».

Вчера 70-летний юбилей отметил басист, клавишник, композитор и художник Алекс Ростоцкий.

Несколько запоздало присоединяемся к поздравлениям, а заодно предлагаем перечитать интервью Ростоцкого на «Джазисте». Разговор получился вдумчивым, неторопливым и, несмотря на то, что прошло уже больше трех лет, не утратил своей актуальности.

​​20 марта на лейбле Jazzist выходит дебютный альбом «Rivers» московской группы Flying Fish.

Музыка Flying Fish — это академическая выверенность и джазовая свобода, Восток и Запад, старое и новое. По словам группы, каждая композиция на альбоме — река со своим собственным характером, а вместе они питают океан. Участники Flying Fish ценят разнообразие и эклектику, неожиданные сближения и гармонию противоречий. Именно это они и постарались выразить в своей дебютной работе.

20 марта альбом будет доступен на всех стриминговых платформах, и уже сейчас вы можете сохранить его заранее.

В тот же день в КЦ «ДОМ» состоится презентация альбома. Не пропустите!

​​​💬 «Цитатник Джазиста»: пианист Джейсон Моран о традиции нарушать традиции.

Я порой чувствую себя студентом, изучающим историю музыки, ведь я должен понять, что именно, как и когда великие музыканты нарушили. Что поменяла Мэри Лу Уильямс и как это привело к рождению бибопа? Какие традиции подорвал Сесил Тэйлор и почему именно в 60-х? А пианистка Джери Аллен — какую революцию она устроила в 80-х? Все джазовые светила, в творчество которых я погружался, проходили через нечто подобное. Подрыв устоев — их девиз. Джеки Байярд занимался разрушением старого с ансамблем Чарльза Мингуса. Эндрю Хилл — с лейблом Blue Note. Послушайте его основополагающие записи; каждая забирается всё дальше и дальше, а ведь он записал большинство из них в течение всего лишь одного года. Так что меня учили те, кто был на передовой джаза, для них самой традицией стало нарушение традиции. Благодаря им я понял, что моя роль — избегать пассивности, что нужно сохранять остроту творческой мысли и быть напористым.

Из интервью проекту «Джазист», 2022 год

​В очередном выпуске рубрики «Джазист слушает» Илья Белоруков рассказывает о трех релизах лейбла Relative Pitch, которые вышли в этом году.

Jacqueline Kerrod & Joe Morris «Morpeth Contemporary 2024»

Перед нами камерная импровизационная музыка. Струнные инструменты Жаклин Керрод и Джо Морриса — арфа и акустическая гитара — прекрасно сочетаются: оба звучат негромко и компактно. В формате дуэта каждый из инструментов можно услышать во всей красе, а с учетом того, что музыканты используют расширенные техники, этих красок огромное множество. Сама же музыка стремится охватить как можно большее число динамических оттенков, от еле слышных щипков струн в тишине до максимально возможной экспрессивной подачи.

Laura Cocks «FATHM»

Не так часто можно встретить в импровизационной музыке флейту. Еще реже попадаются пластинки, записанные на флейте соло. Тем ценнее вклад американки Лоры Кокс, которая не побоялась бросить такой вызов прежде всего самой себе. Лора — выходец из академической музыки, она работает в TAK Ensemble и записала сольный диск с пьесами современных композиторов для флейты и электроники. На альбоме «FATHM» Лора выражает собственные мысли и с энтузиазмом пробует разные приемы игры на инструменте. Она не боится уйти от скупого академизма в выразительные пассажи или работу со звукоизвлечением, и за счет этого музыка насыщена событиями в каждом из девяти треков.

Denley Gorfinkel Farrar «Vents»

Тему флейты развивает и альбом, записанный австралийским трио Denley Gorfinkel Farrar. За флейту отвечает Джим Денли, которого ценители современной импровизационной музыки знают как одного из самых креативных альт-саксофонистов последних лет тридцати. Флейте он, однако, уделяет не меньше внимания. Партнеры Денли по трио — это Питер Фаррар и Дейл Горфинкел. Фаррар — тоже саксофонист, но здесь использует разные объекты, а Горфинкел соорудил airdrums — гибрид духового и перкуссионного инструментов. Играют они текстурную импровизацию, где всё внимание уделено тембрам и их неспешному изучению, а взаимодействия выстроены слоями. Распознать в этой ситуации флейту не так-то просто.

💿 Neil Swainson «Here for a While» (Cellar Music Group, 2024)

📝****
 
Возможно, любители джаза не очень хорошо знают канадского басиста Нила Суэйнсона, но наш автор Леонид Аускерн уверен, что джазовым профессионалам это имя говорит о многом. Джазовый ветеран Суэйнсон (род. 1955) начинал свой путь в городе Виктория, в «канадской Калифорнии» — провинции Британская Колумбия. Редкий случай в современном джазе: Суэйнсон — самоучка, освоивший контрабас самостоятельно и достигший с этим инструментом головокружительных высот.
 
Для записи своего нового альбома Нил собрал секстет из опытных американских и канадских партнеров: тут и известная пианистка Рини Роснес, и тромбонист Стив Дэвис, и канадские духовики Брэд Тёрнер и Келли Джефферсон, и ударник Куинси Дэвис. Сам же Суэйнсон един в трех лицах: как басист, композитор и бэндлидер.
 
Программа, состоящая из девяти треков, выдержана в духемейнстрим-джаза, музыки, которую Нил играет всю жизнь. К чему бы ему на старости лет изменять своим вкусам? Но уж показать товар лицом в этой органичной для него атмосфереСуэйнсон, по мнению Леонида Аускерна, умеет с блеском.
 
Читайте полную рецензию на сайте «Джазиста».
 
Слушать альбом

​Для рубрики «Джазист слушает» наш автор Илья Белоруков (musicworm) послушал свежие релизы австрийского лейбла Trost и посчитал несколько из них достойными для освещения.

Franz Hautzinger, Ignaz Schick, Sven-Åke Johansson «Rotations +» (2025)

Заслуженный, но не прекращающий удивлять даже в свои 82 года перкуссионист Свен-Оке Йоханссон записал концерт в трио с трубачом Францем Хаутцингером и Игнацем Шиком, использующим для создания музыки виниловый проигрыватель. Хаутцингер и Шик переосмыслили возможности своих инструментов в первое десятилетие нулевых и до сих пор продолжают модифицировать акустический звук, используя различную электронику. Франц и Игнац заняты текстурной игрой и медленным развитием музыки, а Йоханссон оттеняет «гуделки» ритмами, чуткой игрой на тарелках и шуршанием малого барабана. Не забыт и аккордеон Йоханссона, секретный ингредиент, вдруг проступающий в дебрях электроники.

Georg Graewe & Sonic Fiction Orchestra «In Concert, Bochum 2022» (2024)

Большой ансамбль немецкого пианиста Георга Греве насчитывает одиннадцать человек. Как и подобает в подобных случаях, бэндлидер выстраивает для музыкантов рамки композиций, в которых работают музыканты, а сама музыка по большей части импровизационная. Структуры, которые создает Греве, непросты и требуют дисциплины не только при исполнении, но и при прослушивании. Результат оказывается намного ближе к академической музыке, нежели к импровизационной. Георг умудряется сохранить камерный звук при наличии большого количества музыкантов. Звуковая палитра заслуживает особого внимания: кроме привычных инструментов, здесь звучат арфа, фагот, вибрафон и электроника.

Arashi & Takeo Moriyama «Tokuzo» (2024)

Еще один мастодонт фри-джаза в этой подборке — японский саксофонист Акира Саката. 21 февраля ему исполнилось 80 лет, но это никак не повлияло на его мощную игру. В 2002 году он пережил инсульт, но уже через три месяца продолжил играть на альт-саксофоне, хотя и с некоторыми ограничениями. Трио Arashi, в котором также участвуют барабанщик Пол Нильссен-Лав и басист Йохан Бертлинг, уже больше десяти лет, а новый альбом, записанный в 2019 году на концерте с приглашенным барабанщиком Такео Мориямой, стал одной из их лучших записей коллектива. Это классический фри-джаз в том виде, в котором он только и может существовать сегодня, — без зауми и концептуальных идей, без политической подоплеки и назидательности. Остается лишь музыка, наполненная экспрессией и органикой взаимодействий музыкантов.

Илья Белоруков

​Roy Ayers (1940–2025)

Принято думать, что Рой Эйерс создавал музыку для хорошего настроения — feel good music, — подразумевая, что она легкомысленна, в быстрых треках танцевальна, в балладах — предельно расслаблена. Но в его творчестве всегда было двойное дно. Многие композиции в исполнении Эйерса будто намекали на затишье перед бурей. Послушайте великолепную, восьмиминутную версию «You Send Me» Сэма Кука: на первый взгляд, это действительно благость, но грув намекает на внутреннюю драму, а струнные к концу песни переходят в поистине демонические крещендо. Рай так не звучит.

Многие его фанковые вещи — такие, как мощнейший боевик «Freaky Deaky» с альбома «Let’s Do It», — вообще звучат как часть той жесткой реальности, в которой музыканту пришлось работать — окрашенной в сепию атмосферой американских 70-х. Под несколько хаотичную, тревожную ритм-секцию этого трека легко почувствовать себя даже не в сказке, не в «блэксплотейшне» (Эйерс писал музыку для фильмов этого жанра), а действительно на улицах большого города со всеми их опасностями и проблемами.

Да и в той же «Everybody Loves the Sunshine» рефрен вовсе не кажется оптимистичным. Назойливый звук синтезатора ARP, сопровождающий песню, словно мешает музыке оставаться расслабленной. Эйерс часто рассказывал, что написал «Everybody Loves the Sunshine», вспоминая детство в Лос-Анджелесе, когда достаточно было выйти на улицу, чтобы погрузиться в яркий солнечный свет. Но постоянный жар солнца приносит не только радости, как и детство не бывает без тайных, иногда страшных воспоминаний.

В этом кроется, пожалуй, важнейшее достоинство Роя Эйерса: он не был ослепительным показным дураком, продающим образ беспроблемной жизни. Несмотря на то, что его музыка порой звучала «фирменно», даже буржуазно, в ней всегда оставалось место для интерпретации. Это многослойное искусство, которое нельзя свести к простым словам или стилистическим ярлыкам, — оно требует внимательного слушателя, а не фонового использования.

При этом Эйерс всё-таки умел дарить чистое счастье, особенно вживую. Вспоминаю его концерт в московском клубе «Б1 Maximum» в 2008 году. Несмотря на относительно большой зал, это было камерное выступление — без лишних выкрутасов, без долгих погружений в плотный грув. Музыка была аккуратной, плавной и совершенно волшебной. На дворе стоял ранний октябрь, и, кажется, тоже светило солнце.

Олег Соболев

​Сегодня в рубрике «Ориентиры» наш постоянный автор Олег Соболев рассказывает об альбоме «Pilgrimage» Майкла Брекера (1949–2007), который великий американский саксофонист записал за пять месяцев до своей смерти.

Во время записи своего последнего альбома Майкл Брекер умирал от лейкемии. Смирился ли он с этим или продолжал до конца верить, что всё обойдется, мы можем только предполагать.

Слушая «Pilgrimage», сначала кажется, что саксофонист всё-таки верил в лучшее. Альбом получился жизнерадостным, динамичным, оптимистичным. Совсем не таким, каким мог бы быть диск человека, принявшего скорую смерть. Уже первая композиция «The Mean Time» — хитрая, хард-боповая, с занятной мелодией и сбитыми ритмами, которые моментально перерастают в огненное соло самого Брекера, — погружает слушателя в атмосферу танцев в тесном джазовом клубе. А чуть позже появляется грувовая, фанковая «Tumbleweed», что в переводе значит «перекати-поле». Вроде бы история в духе классическойамериканы, но с необычным вокалом, напоминающим саамские йойки, и жирным соло Пэта Метини на гитарном синтезаторе.

И так продолжается дальше: даже баллады, такие как «When Can I Kiss You Again?», чье название Брекер услышал от сына, навещавшего его в больнице, не мрачны, а наполнены внутренним огнем. Композиции на «Pilgrimage» — про краски, чувства, переживания — про то, что и положено человеку, об искусстве которого на YouTube есть видео под названием «Настолько ломающее соло, что переоцениваешь жизнь». Про танец, в конце концов,— аккуратный, сдержанный, красивый, которого здесь очень много, особенно в дерзких, немного латиноамериканских «Cardinal Rule» и «Loose Threads».

Музыке, конечно, помогает и звездная команда — мастера, которые уж точно знают, как наполнить звук энергией. Помимо Брекера и Метини, в записи участвовали ритм-секция из Джона Патитуччи и Джека Деджоннетта, а также две легенды фортепианного искусства — ХербиХэнкок и Брэд Мелдау, которые делят композиции на альбоме пополам.

Показательно, что, судя по короткометражному фильму о записи«Pilgrimage», сессии проходили в очень живой атмосфере, совершенно не предвещающей траур. И, к слову, отдельно хочется похвалить продюсеров — Метини, его давнего товарища Стива Родби и Гила Голдстайна. Они постарались сделать звук альбома сочным, полным деталей. Совершенно не соответствующим своей эпохе, известной глухим и выхолощенным саундом, а, наоборот, метящим в вечность.

Когда старые друзья собираются, чтобы поддержать больного товарища, траур не встает на первый план. Нужно быть выше обстоятельств. Оставаться сильными. И радость в такие моменты нахлынивает не из-за того, что смотришь в будущее с оптимизмом, а потому что празднуешь прошлое — свои победыи достижения, всё хорошее, что уже было сделано. У Брекера этого хорошего наберется на толстенную книгу воспоминаний, на страницах которой «Pilgrimage» совсем не затеряется.

Олег Соболев

Слушать альбом

​💬 «Цитатник Джазиста»: великий контрабасист Эдди Гомес о музыке и политической повестке.

«Я не думаю, что музыка должна выражать какую-то политическую позицию. У каждого композитора есть свое четкое мнение о том, что происходит вокруг, но необязательно высказывать его в музыке. У каждого своя жизнь и своя история. Кто-то, например, говорит мне: "Вот ты родом из Пуэрто-Рико, и я слышу в твоей музыке много танца". А я не играю так специально — это просто есть, и всё. Этого не может не быть, от этого невозможно избавиться. Всё дело в том, кто мы. Именно это отражается в нашей работе».

Из интервью проекту «Джазист», 2023 год

💿 Phil Dawson ٤-tet «Don’t Waste Your Ancestors’ Time» (Funkiwala Records, 2024)

«Не тратьте время ваших предков зря» — так называется альбом лондонского гитариста Фила Доусона и его группы, в которой собрались сливки британской афробитовой и фьючер-джазовой сцены.

Название альбома вдохновил своим творчеством нигерийский писатель и драматург, лауреат Нобелевской премии по литературе Воле Шойинка, и это название можно интерпретировать как призыв помнить свое духовное наследие и ценить то, за что боролись предки, «ценить свое прошлое, чтобы добиться прогресса в будущем».

По мнению Ильи Рассказова, Филу Доусону удалось создать красивый гибрид африканской музыки и джаза с любовью и глубоким знанием обоих. Музыканты вдохновенно творят буквально каждую секунду, неоднократно заставляя слушателя потеряться во времени и пространстве.

Подробности об этом альбоме — на сайте «Джазиста».

Слушать альбом

Простите нас.

​В первый день весны предлагаем вам вспомнить, о чем «Джазист» писал в феврале.

Премьера «Джазиста»
Новый релиз нашего лейбла — альбом Антона Горбунова «Роза ветров» («The Wind Rose»), воплощение давней мечты Антона о записи с биг-бэндом.

Рецензии на новые альбомы
Carl Allen «Tippin’» (Cellar Music, 2025)
Steve Davis «We See» (Smoke Sessions, 2024)
Mario Rusca «4th Dimension» (Right Tempo, 2024)
Ronald Snijders «Penta» (Night Dreamer, 2025)
Troy Roberts «Green Lights» (Toy Robot, 2024)

Дайджест «Джазист слушает»
Илья Рассказов и Илья Белоруков делятся впечатлениями от услышанного: выпуски 2, 3 и 4.

«Мнение»
Эссе о смысле «лишних» нот от нашего постоянного автора, музыканта и композитора Юрия Виноградова.

«Ориентиры»
Вместе с Олегом Соболевым вспоминаем альбом «Swing Me No Waltzes» сэра Роланда Ханны.

«Личный выбор»
Александр Аношин рассказывает о трех джазовых альбомах гитариста группы The Police Энди Саммерса.

«История одного названия»
Выясняем, что имел в виду саксофонист Уолтер Смит-третий, когда назвал свою композицию «Cézanne».

Лонгриды
Гид по дискографии Генри Тредгилла, написанный Ильёй Белоруковым к 80-летию чикагского композитора.

Потери
Сьюзан Элкорн
Роберта Флэк

«Джазист читает»
Рекомендуем к прочтению тексты джазовых авторов и критиков: Марк Страйкер рассказывает о контрабасисте Израиле Кросби, Джейкоб Гарчик разбирает соло Уэйна Шортера, а Итан Айверсон пишет эссе о нью-йоркской сцене конца 60-х.

Оставайтесь с нами, в марте будет не менее интересно.

Ральфу Таунеру — 85
 
1 марта гитарист и мультиинструменталист Ральф Таунер отмечает 85-летие. Это событие вдохновило Юрия Льноградского на очерк о жизни и творчестве выдающегося музыканта.
 
«С ним вообще мало что происходило очевидным и предсказуемым образом. Его ансамбли — это почти всегда “неформат”, его джаз не в большей степени джаз, чем его же классику можно считать классикой, его композиция не совсем композиция, а гитара, с которой ассоциируется его имя — это не электрическая “доска”, а равноправное содружество классического инструмента с нейлоновыми струнами и двенадцатиструнной версии с металлическими. Он много издавался на ECM Records, но при этом концертировал с Аструд Жильберту, записывался с Weather Report и выступал с Сонни Роллинзом. Как пианист. А его симфонические вещи исполнял оркестр под управлением Георгия Гараняна. Но, наверное, обо всём по порядку?»
 
Целиком текст читайте на сайте «Джазиста».

​В рубрике «История одного названия» мы рассказываем о происхождении названий джазовых композиций. В первом выпуске выяснили, что имел в виду Майлз Дэвис, когда назвал одну из своих композиций странным сочетанием слов «Fat Time». Сегодня разберемся, всё ли так однозначно с пьесой «Cézanne» композитора и саксофониста Уолтера Смита-третьего.
 
Композиция «Cézanne» с напевной мелодией, яркими соло, плотным свинговым движением и моторным грувомукрасила прошлогодний альбом саксофониста УолтераСмита-третьего «three of us are from Houston and Reuben isnot».
 
Сомнений быть не может: «Cézanne» точно отсылает к творчеству Поля Сезанна. В воображении тут же начинают оживать знаменитые натюрморты и пейзажи-конструкторы. Сложенная как будто из кубиков постбоповая структура композиции легко увязывается с художественными принципами великого французского художника.
 
На самом деле всё совсем не так. Подсказка — во вроде бы несуразном названии альбома. Оказывается, «Cézanne» — не думы о высоком, а воспоминания о культовом хьюстонском джазовом клубе. Маленький зал при пабе в южной части города был открыт в начале 90-х музыкантами-энтузиастами и просуществовал большетридцати лет. Здесь свои первые концерты давали выдающиеся хьюстонские музыканты разных поколений, от Роберта Гласпера и Джейсона Морана до Джеймса Фрэнсиса. Сам Смит играл в «Cézanne» не раз и в интервью называл клуб «местным Village Vanguard».
 
Когда 2020-м году в жизни клуба произошли перемены и он переехал на новое место, все обрадовались. Наконец-то зал стал более вместительным, обстановка — респектабельной, а звук — под стать уровню музыкантов. К сожалению радость была недолгой: в пандемию Cézanne остался без финансовой поддержки и вынужден был закрыться.
 
В мечтательно-мелодичной теме «Cézanne» можно при желании услышать ностальгию по прошлому и навсегда ушедшему. В плотной ритмической и гармонической фактуре — почувствовать атмосферу джемов в маленьких,под завязку заполненных залах. В названии-обманке — найти, помимо горького юмора, отражение нелинейного времени композиции. В шутнике Уолтере Смите-третьем — разглядеть ранимую и рефлексирующую натуру.
 
В джазе, как и в жизни, всё оказывается не тем, чем кажется на первый взгляд, а гораздо интереснее.

​💬 ​Юрий Иванович Маркин (1942–2022) о главной тайне джаза:

Цель музыканта-импровизатора — сделать свою игру настолько логичной и содержательной, чтобы слушатель не поверил в то, что это играется сиюминутно, а считал бы, что исполнитель как в «классике» сделал всё заранее. В этом и заключается главная тайна джаза: как достичь такого совершенства?

Многие сломали себе зубы, раскусывая этот «орешек», другие, склонные к авантюрам, пошли иным путем — ударились в авангард, так как там всё дозволено. Наконец, наиболее догадливых джазменов осенило, что овладение джазовой импровизацией сродни овладению иностранным языком. Необходимо сначала выучить слова, затем учиться правилам строить из них фразы, осваивать произношение, потом тренироваться вовремя и к месту применять выученное.

Сейчас уже ни для кого не секрет, что джазовая импровизация — процесс подготовленный. Фокусник не может одновременно удивить и публику, и себя своим фокусом, для него это плод многих тренировок. Хотя, разумеется, получается лучше или хуже в зависимости от обстановки и настроения, но при этом, если исполнитель и недоволен своей игрой, публика не должна этого заметить.

В данной ситуации выручает «автопилот»: натренированность не позволяет опуститься ниже определенного уровня. Поэтому мастер чаще всего бывает недоволен своим исполнением, так как знает, что у него не всё получилось, публика же, не разбираясь в тонкостях, чаще всего бывает в восторге.

«Школа джазовой импровизации», 2008 год

​В рубрике «Джазист слушает» наш автор Илья Рассказов (Headz.FM) вновь делится записями, которые привлекли его внимание. Представляем вашему вниманию фанковый дайджест.

The Pro-Teens «MF TEEN: Your Concurrence in the Above Is Assumed» (College of Knowledge, 2025)

Новый релиз мельбурнского лейбла College of Knowledge — фанковый трибьют иконе андерграундного хип-хопа MF Doom. Трибьют сыгран The Pro-Teens, коллективом Хадсона Уитлока, ударника проектов Karate Boogaloo и Surprise Chef. MF Doom скончался несколько лет назад в разгар пандемии, и австралийцы не успели поработать с ним, хотя такая коллаборация могла бы дорогого стоить. Австралийцы вживую переигрывают его композиции, сделанные в разные годы и в разных ипостасях. Мрачный бум-бэп оригинала превращается в полную эстетского ретрофутуризма инструментальную фанкоделию, которая очень идет таким вещам, как «One Beer», «Kon Queso», «Charsnuka» или «Curls».

Les Truffes «Variété Noir» (Funk Night, 2024)

Еще один прекрасный альбом из отечественного фанк-подполья выходит в США, на родине жанра. Детройтский лейбл Funk Night имеет давние связи с постсоветской музыкальной сценой и в конце 2024 года выпустил на виниле альбом петербургского трио Les Truffes, сайд-проекта ветеранов отечественного фанк-авангарда True Flavas Band, где играют барабанщик Роман Зырянов, клавишник Даниил Малов и гитарист Марк Борцер. Название «Нуаровое варьете» во многом говорит само за себя: «Трюфели» находят свое звучание на пересечении мистического библиотечного саунда, эстетского изи-листенинга и крутого, обильно приправленного экзотическими специями фанка, который одинаково понятен в любой части земного шара.

Emilia Sisco «Introducing Emilia Sisco» (Timmion, 2024)

Дебютный альбом Эмилии Сиско, молодой темнокожей вокалистки из Хельсинки, стал еще одним отличным релизом лейбла Timmion, культивирующего золотые стандарты соула и фанка. Эмилия записала этот альбом в сотрудничестве с трио Cold Diamond & Mink — ведущим фанк-коллективом Финляндии, усиленным на записи трубой джазмена Юкки Эскола. Вдохновляясь медленной лирикой в духе Ареты Франклин и Билли Холидей, Сиско вызывает в памяти и других великих див, от Марвы Уитни и Милли Джексон до Гвен Макрей и Эрики Баду, а номера вроде «Certainly» или «Turn Up» звучат как совершеннейшая классика американского ритм-энд-блюза и госпела 60–70-х.

Илья Рассказов

​Роберта Флэк (1937–2025)

Говорим Роберта Флэк — подразумеваем «Killing Me Softly with His Song». Или в крайнем случае «The First Time Ever I Saw Your Face». Однако американская певица и продюсер была намного большим феноменом, чем эти две песни.

Флэк начала записываться поздно, в 32 года, хотя музыка сопровождала ее с самого детства. В семье пели фольклор, она играла на органе в методистской церкви, увлекалась джазом и оперой. После раннего окончания университета в 19 лет Флэк успела поработать преподавателем музыки в средней школе, выступала в клубах Нью-Йорка и Вашингтона. К моменту выхода дебютного альбома «First Take» в 1969 году ее опыт был уже очень значительным — фактически вся жизнь Флэк была пронизана музыкой.

И этой жизнью — этим ощущением чуда звука, которое приходит к нам в разных сущностях, — она охотно делилась со слушателем. Любая пластинка артистки — это мир, в котором всё соединяется неразрывно и естественно: джаз, соул, госпел, модные ответвления поп-музыки, фанк, фолк. По версии Роберты Флэк, музыка не разделялась на жанры, а состояла из одних и тех же нот, аккордов и ритмов, схожих мелодий.

На ее записях всегда играли джазовые музыканты — от Рона Картера, чей бас звучит на трех самых известных альбомах, до Джо Фаррелла, Боба Джеймса, Идриса Мухаммада и Альфонса Музона. Наряду с Джони Митчелл и группой War именно Флэк точнее всего в 70-е пересобрала и переосмыслила идею связи между джазом и мейнстримовой песенной музыкой эпохи после «Битлз». Долго искать примеры не нужно. Послушайте хотя бы композицию «I Can See the Sun in Late December» с альбома «Feel Like Makin' Love». Песню, написанную для Флэк Стиви Уандером, она превращает из загадочного арэнби-хита в мощнейшую импровизацию, которая явно наследует «In a Silent Way» Майлза Дэвиса.

Олег Соболев

Роберта Флэк (1937–2025)

Говорим Роберта Флэк — подразумеваем «Killing Me Softly with His Song». Или в крайнем случае «The First TimeEver I Saw Your Face». Однако американская певица и продюсер была намного большим феноменом, чем эти две песни.

Флэк начала записываться поздно, в 32 года, хотя музыка сопровождала ее с самого детства. В семье пели фольклор, она играла на органе в методистскойцеркви, увлекалась джазом и оперой. После раннего окончания университета в 19 лет Флэк успела поработать преподавателем музыки в средней школе, выступала в клубах Нью-Йорка и Вашингтона. К моменту выхода дебютного альбома «First Take» в 1969 году ее опыт был уже очень значительным — фактически вся жизнь Флэк была пронизана музыкой.

И этой жизнью — этим ощущением чуда звука, которое приходит к нам в разных сущностях, — она охотно делилась со слушателем. Любая пластинка артистки — это мир, в котором всё соединяется неразрывно и естественно: джаз, соул, госпел, модные ответвления поп-музыки, фанк, фолк. По версии Роберты Флэк, музыка не разделялась на жанры, а состояла из одних и тех же нот, аккордов и ритмов, схожих мелодий.

На ее записях всегда играли джазовые музыканты — от Рона Картера, чей бас звучит на трех самых известных альбомах, до Джо Фаррелла, Боба Джеймса, Идриса Мухаммада и Альфонса Музона. Наряду с Джони Митчелл и группой War именно Флэк точнее всего в 70-е пересобрала ипереосмыслила идею связи между джазом и мейнстримовой песенной музыкой эпохи после «Битлз». Долго искать примеры не нужно. Послушайте хотя бы композицию «I Can See theSun in Late December» с альбома «Feel Like Makin' Love». Песню, написанную для Флэк Стиви Уандером, она превращает из загадочного арэнби-хита вмощнейшую импровизацию, которая явно наследует «In a Silent Way» Майлза Дэвиса.

Олег Соболев

​В рубрике «Личный выбор» сооснователи и авторы «Джазиста» будут делиться подборками любимой музыки без привязки к времени, месту и инфоповоду. В первом выпуске Александр Аношин рассказывает о трех джазовых альбомах бывшего гитариста группы The Police Энди Саммерса.

После распада группы The Police гитарист Энди Саммерс, в отличие от коллег, не стал гоняться за деньгами, влиянием и славой, а пошел по пути большей личной и творческой свободы. Он много путешествовал, серьезно занимался фотографией, даже устраивал персональные выставки и, конечно же, записывал много музыки. Отдельное место в дискографии Саммерса занимают джазовые альбомы, ведь именно благодаря джазу он в свое время, совсем еще мальчишкой, взял в руки гитару, а позже нашел собственный неповторимый саунд. Мой выбор пал на три джазовые пластинки Саммерса, которые я люблю переслушивать чаще всего.

«Green Chimneys: The Music of Thelonious Monk» (BMG Classics/RCA Victor, 1999)

Для записи альбома-посвящения Телониусу Монку Саммерс получил едва ли не лучший состав из всех возможных и распорядился им с умом, чувством и тактом. Барабанщик Питер Эрскин, органист Джоуи Дефранческо, трубач Уолт Фаулер и виолончелист Хэнк Робертс получили достаточное пространство для маневра, чтобы выйти за рамки того, что обычно ждешь от сессионного бэнда. С другой стороны, они оказались увлечены общей идеей создания цельной студийной работы, отходящей в сторону от привычного джазового канона. Саммерс подошел к делу не как джазовый гитарист-виртуоз, а как человек, пропустивший музыку Монка через себя и проникшийся ее духом без остатка. Он завоевывает уши и сердце слушателя не ловкостью рук — с этим уверенно справляются другие, — а образным мышлением. Благодаря этому все необходимые «нужные ошибки» и спотыкания музыки Монка оказываются на своих местах.

«Peggy's Blue Skylight» (BMG Classics/RCA Victor, 2000)

Затея с Монком удалась, поэтому эксперимент под названием «неджазовый гитарист переосмысляет джазовую классику» решено было продолжить. Подход Саммерса к великому и ужасному Чарльзу Мингусу едва ли можно объяснить одним лишь велением сердца. Здесь речь идет скорее о продуманной продюсерской работе. Амбиции на «Peggy's Blue Skylight» возросли, а вместе с этим увеличилось и количество приглашенных звезд: от трубача Рэнди Брекера до Дебби Харри, от рэпера Q-Tip до Kronos Quartet. Со стороны всё это может выглядеть жутковато, но Саммерсу удается использовать такую разношерстную компанию строго по назначению и добиться желаемого результата. «Peggy's Blue Skylight» можно назвать образцовым кроссовером: вне времени, жанровых рамок и вкусовых предпочтений.

«Earth+Sky» (GoldenWire, 2003)

Трибьют Мингусу стал последним появлением Саммерса на мэйджор-лейбле. В дальнейшем он продолжит выпускать альбомы самостоятельно и будет решать свои творческие задачи вдали от глаз широкой аудитории. Характер записей тоже поменяется, и на«Earth+Sky» это отчетливо слышно. Вся пластинка проникнута атмосферой расслабленного джемминга, а репертуар составлен целиком и полностью из оригинальных композиций Саммерса. Состав музыкантов снова превосходен: теперь на первых ролях в нем выступают легендарный барабанщик Винни Колайюта и клавишник Джон Бизли. Саммерс прекрасно отдает себе отчет, в какой компании оказался, и поэтому вновь ловко уклоняется от исполнительского состязания в виртуозности и полностью сосредотачивается на создании контекста. Он окружает искусные сольные партии нетривиальными гармониями. Находит пространство для того, чтобы ненавязчиво показать свои фирменные chops. Демонстрирует незашоренное мышление, беглое владение джазовым словарем и дар отличного мелодиста. Он умеет не перегружать внимание лишними деталями и доносит идеи с помощью метких фраз. «Earth+Sky», простите за штамп, слушается на одном дыхании и уносит за собой с первых тактов стартовой композиции «Above the World».

​Воскресенье как нельзя лучше подходит для вдумчивого чтения текстов о джазе. Для подборки «Джазист читает» мы отобрали три хороших лонгрида, написанных в этом году.

«Israel Crosby Revolutionized the Bass» Марка Страйкера

Джазовый критик Марк Страйкер (его книгу «Jazz from Detroit» «Джазист» настоятельно рекомендует к прочтению) два года вел для издания JazzTimes колонку «Хронология». В последнем выпуске Страйкер написал о контрабасисте Израиле Кросби, получившем наибольшую известность по записям в составе трио Ахмада Джамала. Впрочем, у Кросби была яркая карьера в 30-е и 40-е годы, и в этот период он сильно повлиял на звучание джазового контрабаса. К сожалению, записей с участием Кросби сохранилось не так много, но Страйкер детально разбирает стиль контрабасиста, объясняет его новаторский подход и снабжает это примерами.
Читать

«The Shorter Opening» Джейкоба Гарчика

Композитор и тромбонист Джейкоб Гарчик завел свой блог на Substack. Гарчик транслирует музыкантский опыт слушания и детально разбирает знаковые наработки музыкантов прошлого. При этом ему здорово удается совмещать подробный музыковедческий разбор ключевых, по его мнению, фрагментов композиций с форматом эссеистики. Например, в статье «The Shorter Opening» Гарчик не только разбирает соло Шортера в разном музыкальном контексте (от акустических составов до сессионной работы над альбомом «Aja» группы Steely Dan), но и размышяет о природе импровизации как таковой.
Читать

«Jazz Off the Record» Итана Айверсона

Композитор, пианист и критик Итан Айверсон написал для The Nation статью о нью-йоркской джазовой сцене 1967–1972 годов. Айверсон считает, что в этот период акустический джаз как музыкальное искусство достиг своего пика и одновременно с этим оказался на задворках индустрии. Несмотря на то, что поводом для написания текста послужил выпуск ранее не издававшейся записи квартета Маккоя Тайнера «Forces of Nature», не стоит сводить этот текст только лишь к альбомному гиду. В гораздо большей степени у Айверсона получилось трогательное размышление о genius loci. Конец 60-х, Нью-Йорк, вечно набитый битком, крохотный, обшарпанный клуб-салун Sluggs и удивительная музыка, создававшаяся в абсолютно непригодных для этого условиях.
Читать и изучать альбомный гид

​В рубрике «Ориентиры» наш постоянный автор Олег Соболев рассказывает о неочевидной, но прекрасной музыке прошлого и настоящего. Сегодня речь пойдет об альбоме Сэра Роланда Ханны «Swing Me No Waltzes».

Sir Roland Hanna «Swing Me No Waltzes» (Storyville, 1980)

10 февраля исполнилось 93 года со дня рождения Роланда Ханны — единственного музыканта в истории джаза, который подписывался «сэр». Сэр Роланд Ханна. Именно так пианиста называли даже на обложках его альбомов. По широко распространенной версии, в конце 60-х Ханна пожертвовал около 100 тысяч долларов на строительство школ в Либерии. За это музыканта представили к Ордену Африканского искупления, высшей награде страны. Но правда ли это? И если да, то действительно ли орден предоставлял ему право пользоваться приставкой «сэр»? Если предоставлял, то почему этим правом не пользовались другие кавалеры ордена? И вообще, откуда у малоизвестного, в основном сессионного музыканта конца 60-х были такие деньги? Ведь 100 тысяч долларов тогда — это порядка 800 тысяч сегодня.

А важно ли это? Сэр — значит сэр. Тем более манера игры Ханны вполне моглабы оправдать этот титул. Он играл с настоящей рыцарской аристократичностью — мощно, раскатисто, но галантно и с истинным чувством меры. Включите «Swing Me No Waltzes», его лучший сольныйальбом, и с первой же композиции «I Hear You Knocking but You Can't Come In» вы поймете, что я имею в виду. Это чистый свинг — очень эллингтоновский, — но с особенной размеренностью, широтой и неожиданными барочными элементами.

Ханна, выросший в Детройте — самом «черном» городе США — и окончивший Джульярдскую школу по классу классического фортепиано, прекрасно сочетал джаз и западную академическую традицию. Именно на этом синтезе держались его пианизм и композиторская манера. Причем последняя, на мой вкус, отличалась даже более органичным, естественным взаимодействием элементов джаза и классики, чем сочинительский почерк Джона Льюиса из Modern Jazz Quartet.

Стиль Ханны завораживает. Неудивительно, что он не стал самым известным пианистом 60–70-х годов. Он не был настолько лиричным и трогательным, как Билл Эванс, не фанковал, как Херби Хэнкок, не стремился к импрессионизму, как Кит Джарретт, и не был виртуозом в духе Оскара Питерсона. Он был старомоден, но эта старомодность была живой, четкой, настоящей. Главное на «Swing Me No Waltz» — разнообразие материала, к которому Ханна применяет свой стиль. Из свинга он перетекает в прохладную, как осенний воздух, балладу «Some Kind of Folk Song», затем в резвую, почти танцующую «A Little Sweetnin’ for Sweden» и так далее. Иногда звучат отголоски позднего романтизма, иногда — несколько секунд чистой абстракции.

Это настоящий вихрь. Альбом, который не отпускает ни на минуту. Слушайте его громко.

​В очередном выпуске рубрики «Джазист слушает» наш постоянный автор Илья Белоруков рассказывает о трех релизах шотландского лейбла Scatter, выпущенных в 2025 году.

Takahashi Rose «Morning Music»

Свежайший альбом демонстрирует берлинскую сцену — Echtzeimusik. Это дуэт англичанина Саймона Роуза на баритон-саксофоне и японки Мари Такахаши на скрипке. Внимательно слушая друг друга, они играют, полагаясь на основы классического британского импрова и заимствуя приемы сонорной эстетики, всё еще популярной в Берлине. Стоит обратить особое внимание на Роуза, ведь он один из немногих баритон-саксофонистов на импров-сцене. Заодно можно вспомнить его прошлогодний сольник, записанный в Вене.

Veronika Mayer & Gobi Drab «live recording session #1»

В столице Австрии записан и альбом Вероники Майер (электроника) и Гоби Драб (блок-флейты, голос). Уже лишь инструментарий и место записи многое скажут о материале знатокам электроакустической импровизации. Музыка дуэта уходит корнями в венское сообщество klingt.org, которое развивает идеи сочетания акустических инструментов и электроники. Максимальное внимание к тембрам, неспешное повествование, мимикрия и стремление к камерному саунду — Майер и Драб добавляют классный релиз в копилку венской сцены.

Ernesto Díaz-Infante «Pocket Strings»

Гитарист из Сан-Франциско Эрнесто Диаc-Инфанте посвятил свой новый альбом великому Дереку Бейли. Во время записи Эрнесто слушал альбом Бейли «Drop Me Off at 96th» (1994), который направлял его собственные импровизации. А может, «Pocket Strings» — дуэт? Чтобы понять это, нужно пробовать послушать оба альбома одновременно. Но сама концепция вряд ли была бы интересна без хорошего звукового воплощения, и Диас-Инфанте играл на крошечном гитарном тренажере, который едва ли может рассматриваться в качестве полноценного инструмента. Впрочем, Диасу-Инфанте это не мешает, и его уверенность пронизывает альбом, делая его прекрасным образцом переосмысления наследия Дерека Бейли. Скупой, сухой, перкуссивный звук тренажера не помеха.

💿 Troy Roberts «Green Lights» (Toy Robot, 2024)

📝****

Трой Робертс может играть типичный мейнстрим и музыку близкую к фанку. Может играть только на тенор-саксофоне или использовать чуть ли не всё семейство саксофонов, а то и самостоятельно играть партии почти всех инструментов. Он может исполнять сбственную музыку и с не меньшим вдохновением играть чужую. За шестнадцатилетнюю карьеру в джазе он выпустил шестнадцать альбомов, поэтому нашего уважаемого автора Леонида Аускерна не удивило появление его новой работы, а интриговало лишь то, каким Трой предстанет на этот раз.

Предстал же он в качестве лидера мощного квартета, где за ударную установку сел Джимми Макбрайд, а компанию им составили гитарист Пол Болленбэк и Джон Патитуччи на контрабасе. По мнению Леонида Аускерна, стилистика альбома «Green Lights» несколько размыта, но в целом он занял достойное место в дискографии Робертса, хотя и не стал вершиной творчества этого талантливого музыканта.

Полную рецензию читайте на сайте «Джазиста».

Слушать альбом

Jazz Across Borders?

​💿 Ronald Snijders «Penta» (Night Dreamer, 2025)

📝 ****

На новом альбоме родившегося в Парамарибо и живущего в нидерландском Харлеме флейтиста Рональда Снайдерса нет ничего лишнего, зато есть всё, что нужно для создания отличного настроения.

«Penta» — это качающие грувы in the pocket («Basic Things») и фактурные басовые линии, искусно вплетенные в композиционную ткань («Nevertheless» и «Fusionize»). Это зажигательные ритмы самбы, калипсо и суринамской музыки касеко («Kaseko Sisters», «Maseko») и моментально оседающие в голове напевные мелодии («Nite Time» и «Ode to Wayne Shorter»).

73-летний Снайдерс, легенда малоизученного нидерландского джаза, собрал вокруг себя не звездных, но очень талантливых музыкантов. Они не занимаются самопрезентацией, а работают на общую идею, не забывая при этом одаривать слушателя проблесками подлинного инструментального мастерства. Пусть альбом «Penta» и не провозглашает ничего нового, но всё-таки сделан он не по формуле, а сыгран, простите за штамп, с душой и сердцем.

Да и в самом Снайдерсе есть нечто большее, чем просто умение производить цепкие композиции в стилистике джаз-фанка 70-х и расцвечивать их виртуозными соло. В конце концов, не зря сам Чик Кориа называл его не только прекрасным флейтистом, но и превосходным композитором.

В подходе Снайдерса подкупает то, что он может себе позволить не заимствовать приемы у культовой музыки прошлого, поскольку сам неразрывно с ней связан. Он начинал у самого Виллема Бройкера, а первые сольные (к слову, блистательные) альбомы начал записывать еще в конце 70-х. Его музыкальные наработки — те самые chops — не куплены в магазине, а получены в результате практики длиною в жизнь. Поэтому теперь Снайдерсу не нужно лезть из кожи вон, чтобы звучать естественно и убедительно.

Он не стал перегружать «Penta» избыточными амбициями, но добился того, что под эту музыку как минимум хочется танцевать и улыбаться. А что еще нужно для радости?

Александр Аношин

Слушать альбом

💬 Валерий Степанов о том, какое влияние на его музыку оказала Мэрайя Кэри:

Как бы странно это ни прозвучало, но вокальная мелизматика Мэрайи Кэри оказала влияние на мое голосоведение в импровизации. Возможно, не для всех это работает и не многим это близко, но Кэри помогла мне ощутить суть музыки соул и R&B. В тот момент стилистические грани для меня начали быстро стираться, и музыку я стал воспринимать как большой комок настроения и эмоций, а не как конкретный стиль или направление. Считаю такие изменения большим скачком вверх.

«Поставь мне джаз», 2023 год

Послушать плейлист с любимыми композициями Валерия Степанова можно здесь.

В четверг 20 февраля Валерий Степанов вместе со своим проектом Fusion Project выступит на главной сцене Клуба Алексея Козлова.

​Генри Тредгиллу — 81!

Сегодня 81 год исполняется выдающемуся чикагскому композитору, саксофонисту флейтисту Генри Тредгиллу. Присоединяемся к поздравлениям и предлагаем еще раз перечитать подробнейший гид по творчеству Тредгилла, составленный к его прошлогоднему юбилею нашим замечательным автором Ильей Белоруковым. Пока что это самое подробное исследование непростой музыки Тредгилла на русском языке. Материал для изучения собран весьма обширный — дерзайте!

В последние годы интерес к творчеству Тредгилла растет, и музыкант продолжает давать поводы о себе поговорить — почти каждый год он выпускает новую музыку. Его дискография может показаться не такой обширной, как у некоторых коллег, но это осознанный выбор. В его наследии практически нет проходных или необязательных релизов. Надо сказать, что дискография Тредгилла — один из редких примеров (в музыке вообще и в джазе в частности) последовательного развития идей и концепций. Можно с уверенностью сказать, что каждый новый проект для этого композитора и саксофониста становится основным и самым значимым в текущий момент. 

📖 Гид по творчеству Генри Тредгилла в 38 альбомах и одной книге

​​💿 Mario Rusca «4th Dimension» (Right Tempo, 2024)

📝****

Итальянский пианист Марио Руска начал свою карьеру еще в конце 50-х. Сейчас ему 88 лет, и он до сих пор активно выступает и записывается. Его новый альбом, по мнению Ильи Рассказова, заслуживает самых добрых слов.

Одним из эффектов, которых Руска хотел здесь достичь, была кинематографичность. Пианист изящно разбавляет бибоп-романтику элементами латиноамериканской музыки и фанкового фьюжн-звучания, предлагая слушателю превосходные трактовки джазовых стандартов.

Но отдельных комплиментов заслуживают композиции, написанные самим Марио, прежде всего титульная «4th Dimension», как будто взятая изсаундтрека к фильму о приключениях элегантных авантюристов и роковых красавиц на фоне Итальянской Ривьеры. А в «Blue Dream» Руска и его партнеры заставляют слушателя притоптывать в такт широко шагающему свингу, который в 2025 году звучит, как и весь альбом, актуально и стильно.

Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.

Слушать альбом

💿 Carl Allen «Tippin’» (Cellar Music, 2025)

📝***1/2

Кажется, первый за тридцать лет сольный альбом барабанщика Карла Аллена просто не мог не получиться выдающимся.

Во-первых, пятизвездочный состав с участием Крисчена Макбрайда и Криса Поттера. Во-вторых, интереснейший формат трио без гармонического инструмента. В-третьих, с чувством, тактом и расстановкой составленный репертуар: для знатоков — проверенные временем авторские композиции вроде «Morning Story» Макбрайда или «Roy’s Joy» самого Аллена, для эстетов — «James» Пэта Метини, для ценителей со стажем — вечная классика «Parker’s Mood» Чарли Паркера и «The Inchworm» Джона Колтрейна. Да и запись сделана не где-нибудь, а в знаменитой студии Руди Ван Гелдера.

«Tippin’» представляется заведомо беспроигрышным вариантом. Записываем формулу успеха: к блестящему мастерству каждого участника прибавить полное взаимопонимание Макбрайда и Аллена и умножить полученный результат на способность Поттера вести мелодию вне четко обозначенных гармонических границ. Всем джазовым aficionados приготовиться к прослушиванию!

На деле же ожидания с реальностью начинают расходиться довольно быстро. У «Tippin’» действительно есть все перечисленные выше достоинства, но нет главного — ощущения вызова. Бесконечные дружеские похлопывания по плечу притупляют внимание уже к исходу первой трети альбома, и мысли начинают идти своим чередом под старый-добрый джазовый джаз. Минутный укол совести — ну нельзя же работу таких мастеров воспринимать как должное — исчезает так же стремительно, как и возникает. Кажется, он и нужен только для того, чтобы провести оставшееся от «Tippin’» время в состоянии совсем уж безмятежной дремы.

Александр Аношин

Слушать альбом

​​Steve Davis «We See» (Smoke Sessions, 2024)

Пятеро джентльменов и одна леди на обложке альбома «We See» — секстет тромбониста Стива Дэвиса, записавший этот альбом на концерте в нью-йоркском клубе Smoke. «We See» оказался финальным релизом в серии концертных альбомов лейбла Smoke Sessions Records, посвященной 25-летию клуба и 10-летию лейбла, издающего исключительно записи, сделанные в стенах Smoke.

Программу музыканты подобрали исключительно привлекательную для поклонников мейнстрима: классика от Телониуса Монка, Фредди Хаббарда, Майлза Дэвиса «акустического» периода. Особое место заняла композиция «To Wisdom, the Prize» — трибьют ее автору, умершему в 2019 году пианисту Ларри Уиллису.

Публика, собравшаяся тогда в Smoke, хорошо представляла, какого рода музыка их ждет, и, по мнению Леонида Аускерна, наверняка получила удовольствие от сложного и виртуозного переплетения трех голосов духовых инструментов и слаженной работы ритм-группы.

Полную рецензию Леонида Аускерна читайте на сайте «Джазиста».

​Сегодня на «Джазисте» премьера рубрики «Мнение». В ней авторы и сооснователи проекта будут сделают шаг в сторону от рецензирования альбомов и начнут делиться своими впечатлениями от процесса прослушивания как такового. Цель — не объяснить, а пригласить к размышлению и диалогу. Для первого выпуска наш автор, музыкант и композитор Юрий Виноградов, написал прекрасное эссе о смысле «лишних» нот.

Есть много способов различать виды музыки. Один из критериев — наличие «лишних» нот. Они разрывают предсказуемое развитие материала. Их невозможно предугадать. «Лишними», однако, могут быть не только ноты, но и сдвиги темпа, флуктуации в артикуляции и динамике, нерегулярности ритма. Иначе говоря, любые сбои, помехи, глитчи — всё, что может восприниматься как ошибка, обман ожидания. Меньше всего таких сбоев в популярной музыке, функция которой — усыплять. Больше всего — в современной академической и импровизационной музыке, которые намеренно обманывают ожидания. Впрочем, для современного уха много «лишних» нот и в старинной музыке, в том числе модальной средневековой, ведь она устроена по другим законам, чем привычная тональная.

В джазе «лишние» ноты оживляют и одухотворяют музыку, добавляют ей оттенков и глубины. Одно из отличий джаза от других форм музыки — в преклонении перед «лишними» нотами, балансе между шероховатой свободой и рациональной «сделанностью» материала. Но «лишние» ноты — это не источник хаоса, а скорее инъекции рациональности иного порядка в предсказуемость.

«Лишние» ноты в джазе можно рассматривать не как случайные отклонения, ошибки или неряшливость, а как осмысленную динамику внутри музыкального движения, создающую дополнительные возможности. Они формируют поле напряженности между структурой и ее подрывом, деконструкцией, между привычным и новаторским. «Лишние» ноты делают музыку многослойной. Они уводят ее от плоского линейного течения и открывают перспективу для множества трактовок и интерпретаций, подрывая господство единого образа.

Если рассматривать музыку как коммуникацию, то «лишние» ноты — это жесты, выходящие за пределы ожидаемого диалога. Элементы, разрушающие стереотипы. В свободной импровизационной музыке роль «лишних» нот доведена до уровня, на котором они перестают быть «лишними» и становятся основой музыкальной коммуникации. Именно они создают образ и позволяют ему меняться в реальном времени.

Развитие музыкального языка во многом определяется именно отклонениями — в них кроются новые интонации и формы выражения. Что-то похожее можно наблюдать и в эволюции тональной музыки: диссонансы, некогда воспринимавшиеся как «лишние», постепенно стали органической частью музыкального языка. То, что кажется «лишним» сегодня, может стать основой музыкального мышления завтра. И тогда придется искать новые пути для создания «лишних» и оживляющих искажений.

На лейбле Jazzist новый релиз — альбом Антона Горбунова «Роза ветров» («The Wind Rose»), воплощение давней мечты Антона о записи с биг-бэндом.

Один взгляд на состав участников заставит сердце джазового фаната биться чаще. Ключевая роль у Большого джазового оркестра п/у Петра Востокова, а в ритм-секцию и в качестве солистов Горбунов пригласил элиту российского джаза: это Дмитрий Илугдин, Антон Баронин, Антон Залетаев, Иван Акатов, Владислав Савенков, Артур Газаров, Александр Кульков и другие. Но главное действующее лицо — конечно же, сам Антон Горбунов, который закладывает железобетонный басовый фундамент и виртуозно солирует.

Читайте подробности на нашем сайте и слушайте «Розу ветров» на всех стриминговых платформах.

Презентация альбома пройдет 12 февраля в Клубе Алексея Козлова. Ждем вас!

​​На лейбле Jazzist новый релиз — альбом Антона Горбунова «Роза ветров» («The Wind Rose»), воплощение давней мечты Антона о записи с биг-бэндом.

Один взгляд на состав участников заставит сердце джазового фаната биться чаще. Ключевая роль у Большого джазового оркестра п/у Петра Востокова, а в ритм-секцию и в качестве солистов Горбунов пригласил элиту российского джаза: это Дмитрий Илугдин, Антон Баронин, Антон Залетаев, Иван Акатов, Владислав Савенков, Артур Газаров, Александр Кульков и другие. Но главное действующее лицо — конечно же, сам Антон Горбунов, который закладывает железобетонный басовый фундамент и виртуозно солирует.

Читайте подробности на нашем сайте и слушайте «Розу ветров» на всех стриминговых платформах.

Презентация альбома пройдет 12 февраля в Клубе Алексея Козлова. Ждем вас!

#лейбл_джазист

Susan Alcorn «Soledad» (Relative Pitch, 2015)

В прошлую пятницу, 31 января, на 72-м году жизни умерла Сьюзан Элкорн — американский виртуоз педальной слайд-гитары, композитор, импровизатор.

Педальная слайд-гитара традиционно широко использовалась в кантри и гавайской музыке, а в 80-х ее тонкий, высокий звук вошел в обиход жанра эмбиент благодаря стараниям Даниэля Лануа. Но именно Элкорн ввела этот инструмент в пространство джаза и импровизации. В ее дискографии — альбомы с Михаилом Фейгиным, Кеном Вандермарком, Джо Макфи, Мэри Халворсон, Юджином Чэдборном и прочими. Помимо этого, она выпустила множество сольных альбомов, варьирующихся по стилю, звучанию, подаче и концепции. При этом записываться Элкорн начала довольно поздно, лишь в начале нулевых.

Но в ее творческой жизни была и другая важная грань — исполнение чужой музыки. Перед смертью Элкорн завершала цикл переложений произведений своего любимого композитора Оливье Мессиана, а альбом «Soledad» она посвятила Астору Пьяццолле. В него вошли четыре пьесы великого аргентинца и одна авторская композиция Элкорн — «Suite for AHL». В последней ей подыгрывает известный контрабасист Майкл Форманек, но все произведения Пьяццоллы на диске исполняются сольно, исключительно на педальной слайд-гитаре.

Первое, на что обращаешь внимание, — насколько богаче палитра звуков слайд-гитары Элкорн по сравнению с тем, к чему мы привыкли. Обычно этот инструмент воет и плачет, а его струнная природа угадывается сразу, но под пальцами Элкорн он приобретает совершенно иной характер. Здесь есть и вой, и плач, но местами слайд-гитара звучит как перкуссионный инструмент или даже как фортепиано — и настолько убедительно, что в определенные моменты хочется заглянуть в кредитсы альбома и убедиться, что не сошел с ума. Здесь правда нет пианиста?

Но сама по себе насыщенная звуковая палитра не имела бы смысла, если бы Элкорн не умела правильно ею пользоваться. А она умела. Всё, за что любят Пьяццоллу, — стройность, драматизм и неочевидный юмор — передано удивительно точно. При этом интерпретации на «Soledad» далеки от традиционных формальных исполнений: в них хватает места и чистой импровизации на основе конкретных мелодических фрагментов, и неожиданных цитат — например, из Вагнера или Орнетта Коулмана.

Эту музыку легко понять. Она говорит со слушателем на простом, прямом языке, прицельно бьет в сердце. У «Soledad» очень точное название: и в том смысле, что Элкорн играет практически в одиночку, и в том, что ее музыка — об одиночестве. Исполненные пауз, долгих нот и одновременно красивых, динамичных пассажей, композиции будто рассказывают историю о том, что происходит в душе, когда ты один. И находят в этом одиночестве безумную красоту.

Слушать альбом

Олег Соболев

​Во втором выпуске «Джазист слушает» Илья Рассказов (Headz.FM) снова делится впечатлениями от новых альбомов:

Jessica Lauren «Film» (BBE, 2024)

Переиздания малоизвестного альбома 1997 года «Film» — настоящий подарок поклонникам английской пианистки и бэндлидера Джессики Лорен. Альбом не утратил актуальности, а, наоборот, показал, насколько мультижанровые эксперименты Лоурен опередили свое время. Органичная смесь из библиотечной музыки, модального джаза, неоклассики, IDM-электроники, футуристичной боcса-новы и киношного изи-листенинга — к этой странице биографии Лорен действительно стоило вернуться.

«Chakalaka Jazz: A Selection of South African Gems» (Heavenly Sweetness, 2024)

В последние годы южноафриканский джаз всё чаще становится объектом музыковедческих исследований, но в регионе еще скрывается немало музыкальных сокровищ. Сборник «Chakalaka Jazz: A Selection of South African Gems» составил французский диджей и виниловый археолог Фредериком Жакье, известный как Fred Spider, который много лет живет Кейптауне. Подборка охватывает период с 1969 по 2003 год. Несмотря на присутствие на сборнике культовых исполнителей вроде контрабасиста Джонни Дьяни или саксофониста Уинстона Нгози, многие музыканты — например, Кларенс Уилсон, The Drive и The Four Sounds — станут открытием.

Unionen «Unionen» (We Jazz, 2024)

Участники квартета Unionen хорошо известны на скандинавской и европейской постджазовой сцене. Шведско-норвежская джазовая уния объединяет клавишника Столе Стурлёккена, ударника Гарда Нильссена, духовика Пера Йоханссона и басиста Петтера Эльда, хорошо знакомого аудитории лейбла We Jazz. Квартет записал впечатляющий альбом, красивый и многогранный. Здесь и медитативная романтика («Ståhlbad»), и нервные нуаровые импровизации («Den Grimme Elling»), и панк-психоделия («6983»), и сумрачная смесь джаза и классики («Search Party», «Kolgruvan»), но особый восторг вызывает заглавная вещь — проникновенный нордический спиричуэл, претендующий на звание будущей классики.

Илья Рассказов

​​Дорогие подписчики, у нас потрясающая новость: 10 февраля на лейбле Jazzist выйдет «Роза ветров» — новый альбом басиста Антона Горбунова!

Да еще какой: с Большим джазовым оркестром под управлением Петра Востокова, целой плеядой ярких солистов и двумя прекрасными певицами.

Заранее добавить альбом в свою медиатеку можно по ссылке.

Презентация альбома состоится 12 февраля в Клубе Алексея Козлова. Адрес и билеты здесь. Не пропустите!

Сегодня последний день юбилейного месяца «A Love Supreme», ведь легендарный альбом Джона Колтрейна вышел в январе 1965 года, то есть 60 лет назад.

Карлос Сантана сказал об «A Love Supreme» так:

Впервые услышав «A Love Supreme», я воспринял альбом как настоящий удар. Для меня это было что-то с Марса или даже из другой галактики. Я помню обложку альбома и его название, но музыка тогда не укладывалась в привычные для меня схемы. Как если бы я был обезьяной и мне кто-то пытался объяснить, что такое духовность — или компьютер.

А вот что сказал об альбоме Фрэнк Лоу:

Мне пришлось перестать слушать эту пластинку. Колтрейн завладел мной слишком сильно. Я даже специально избегал «A Love Supreme», потому что люди воспринимают его почти как культовую реликвию. Иногда я просто не мог этого вынести. Все вокруг твердили: «О, это так духовно», — но казалось, что альбом теряет что-то еще, ведь это просто музыка, которой можно наслаждаться.

Ниже — цитата из текста Юрия Виноградова, опубликованного в 2020 году к 94-летию Колтрейна:

Драгоценные плоды культуры иногда кажутся столь хрупкими и непрочными, что их обретение — результат случайности, удачного и ничем не гарантированного стечения обстоятельств. В декабре 1964 года Джон Колтрейн, пианист Маккой Тайнер, барабанщик Элвин Джонс и басист Джимми Гаррисон записали «A Love Supreme». Был обычный зимний вечер, во время записи в студии приглушили свет, но в музыке, рожденной посреди забот и тревог (коих у Колтрейна было немало), струится восторг, радость, любовь. Это не просто музыка, но высказывание, манифест, утверждение о том, что музицирование — не просто ремесло, но любовь к миру и Богу, надежда, выраженная в звуках.

Читайте статью Юрия Виноградова на сайте «Джазиста». Всех с юбилеем!

​Tubby Hayes «Mexican Green» (Fontana, 1968)

Сегодня исполняется 90 лет со дня рождения Эдварда «Табби» Хейза — одного из лучших британских джазовых саксофонистов своего поколения. Как и многие музыканты 50-х и 60-х, он жил трудно и быстро: рано пристрастился к героину, заработал себе миллион проблем со здоровьем и умер во время открытой операции на сердце в 1973 году — в 38 лет.

Но на «Mexican Green» — своем лучшем альбоме и одном из главных шедевров британского джаза — Хейз остается жив спустя десятилетия. Вместе с ним здесь его верный пианист Мик Пайн, мастерски аккомпанирующий резкими аккордами и переходящий в задумчивые соло. Ритм-секция контрабасиста Рона Мэтьюсона и барабанщика Тони Левина (не того Тони Левина, но тоже важного — позже он станет заметной фигурой на британской фри- и фьюжн-сцене) дает огня: шумит, шутит, бьет в набат.

Сам Табби выписывает головокружительные, ударные, непредсказуемые соло, которые всегда возвращаются к основной мелодии, но проходят через вихри обрывков чужих тем, криков, плача, лирики и физкультуры. За исключением аккуратной боповой пьесы «Off the Wagon» и баллады «A Dedication to Joy», общее настроение — веселый вечер в шумной распивочной, где поставили сцену.

Музыка — даже 13-минутная финальная заглавная вещь, многочастная и довольно модернистская, — джазовый консерватизм, уже познавший Колтрейна, но цепляющийся за прошлое. Возможно, потому что в прошлом не было героина, больного сердца, не было проблем. Но к черту горечь ностальгии. Самое время разорвать воздух мощью саксофона. Мы живы, пока звучим.

Олег Соболев

Слушать альбом

​​​​К 50-летию «The Köln Concert»

24 января 1975 года в половине двенадцатого вечера в зал Кёльнской оперы набились зрители. Прозвучал финальный звонок, и на сцену вышел человек. Он сел за фортепиано и начал играть. Дальнейшее — история. Лейбл ECM выпустил запись концерта в ноябре того же года, и «The Köln Concert» разошелся миллионным тиражом. Вероятно, это самый известный джазовый альбом с записью музыки для фортепиано соло. Возможно, самый известный альбом с записью фортепианной музыки вообще. Какие у него конкуренты? Разве что оба издания «Гольдберг-вариаций» в исполнении Гленна Гульда.

Историей уже давно стали и обстоятельства, предшествовавшие тому кёльнскому концерту Кита Джарретта. Пианист и его продюсер, глава ECM Манфред Айхер, ранним утром 24 января выехали на крошечном старом «Рено» из Лозанны, где Джарретт выступал накануне. Сейчас эта дорога занимает примерно семь часов, тогда — на час дольше. Плюс небыстрая машина. Плюс пройти границу было сложнее. Чтобы успеть, нужно было выезжать затемно, поэтому ни Джарретт, ни Айхер не спали. В Кёльне они рассчитывали на подготовленный зал и возможность немного отдохнуть перед выступлением. Но Джарретт и так почти не спал последний месяц — его мучила сильная боль в спине. Всю дорогу он ехал в ортопедическом корсете.

Джарретт и Айхер добрались в Кёльн только днем, и там всё было плохо. 17-летняя фанатка джаза Вера Брандес, которая взялась организовать концерт, не смогла достать нужный рояль. Пришлось пользоваться инструментом, предоставленным театром. Фортепиано оказалось в плачевном состоянии: нижний и средний регистры были еще сносными, но верхние ноты звучали ужасно. Времени на замену не оставалось. Поспать Джарретт не успел, поесть тоже. А еще концерт начинался в половину двенадцатого, потому что до этого шла опера. А еще — аншлаг, все 1400 билетов проданы.

Даже если бы не эти обстоятельства, «The Köln Concert» всё равно стал бы легендарной записью. Музыка говорит сама за себя: это гениальная часовая импровизация, в которой сплетаются блюз, рэгтайм, романтизм, госпел, американский минимализм — всё лихо закручено. На базовом уровне поражает техника Джарретта как импровизатора. Кто еще был способен на такое? Кто способен сейчас?

Но, разумеется, контекст концерта тоже отчетливо слышен в музыке — начиная с первых нот, имитирующих звонок Оперного театра, и заканчивая тем фактом, что Джарретт очень редко берет высокие ноты. Чувствуется, что ему долго приходится искать себя — будто бы он медленно просыпается. Но после двадцатой минуты звучит повторяющийся минималистичный мотив — думаю, тем, кто слушал альбом, достаточно указания точки на хронометраже, чтобы воспроизвести этот мотив у себя в голове, — и становится ясно: Джарретт наконец проснулся. Вывел нас, слушателей, из прекрасного сна в еще более яркую реальность.

Это история о преодолении. Возможно, сам факт того, что Джарретт сыграл этот концерт, не самый грандиозный подвиг. Есть куда более сложные и великие подвиги. В застенках проклятых азиатских заводов и на колтановых шахтах, например, совершаются каждый день подвиги в тысячу раз серьезней. В зонах военных конфликтов — тоже. Каждый день ухаживать за больным престарелым родственником — это подвиг, достойный песен и гимнов. Выносить ребенка одной, без мужа и без родни — это подвиг. Простить, прощать каждый день, прощать, несмотря ни на что, — это подвиг.

Но всё-таки в контексте Кита Джарретта «The Köln Concert» — это тоже подвиг. Подвиг напоминания. Музыка «The Köln Concert» рассказывает нам о том, что всё можно преодолеть. Отчаиваться не надо. Силы — будут.

Иногда важно об этом подумать.

Олег Соболев

Apple Music | Яндекс.Музыка | YouTube