САЙМАЛУУ-ТАШ

Саймалуу-Таш — высокогорная (3200 м над уровнем моря) долина в Джалал-Абадской области Киргизии. Здесь находится крупнейшее в Тянь-Шане, если не во всем Туркестане, скопление петроглифов, которые создавались на протяжении нескольких тысячелетий, начиная с позднего неолита. Я побывал там летом 2019 г.: провел три дня, фотографируя петроглифы и табун пасущихся среди них лошадей. В одну из ночей разразилась страшная гроза; она поднялась снизу, из долины, а потом скатилась обратно. Казалось, молнии сверкают совсем рядом с палаткой.
Фотографии сделаны на среднеформатную камеру Zenza Bronica ETRSi. Обратите внимание на фото №3: один из петроглифов (в самом низу) изображает повозку-одноколку, запряженную парой быков. Изображение выполнено в стиле, характерном для всего архаического искусства и совмещающем разные точки зрения на сюжет: телега показана сверху, а колеса и быки сбоку — точнее, с боков (слева и справа).
#музей_без_стен

КАМЕНЬ, ПАЛЬМА И ЗАВОД

Один из самых сюрреальных видов, с какими я сталкивался (прекрасный, «как встреча зонтика и швейной машинки»), открывается на окраине г. Оленегорск Мурманской обл. Я оказался там ранней осенью 2017 г., на обратном пути из Лапландского заповедника, где провел несколько дней в горной тундре: ночевал в ущелье Кымдыкорр, на горьком опыте осознав смысл его названия (в переводе с карело-финского — Гремящее), по хребту Мончетундра добрался до крупнейшего в Лапландии водопада Вайкис и спустился вдоль его падения в зону лесотундры, абсолютно райское место. Но на следующий день погода испортилась, и я, так и не реализовав свою мечту перебраться вброд через о. Вайкис в Волчью тундру, вернулся в Мончегорск, в гостиницу, вымокнув до нитки, а оттуда на жд-станцию Оленегорска, возможно, знакомую вам по фильму «Левиафан». Оставалось несколько часов до поезда, и, чтобы скоротать время, я совершил экскурсию в город. По дороге туда и сделаны эти кадры.
#музей_без_стен, #невольный_модернизм, #сюрреализм

#НГХМ, #музеи, #русский_авангард, #советское_искусство

#советское_искусство, #музеи

Петербургский художник Валерий Вальран известен гл. о. фигуративными картинами в духе новой вещественности. Но на выставке в «Борее» (до 26 апреля) представлены только абстрактные работы, самые ранние из которых датированы 1972 г. По словам художника, к формальным экспериментам его подтолкнуло знакомство с картинами Поллока (по репродукциям) и Михнова-Войтенко (в оригинале). Выставка охватывает более 50 лет творчества. Но я особо выделил бы ранние вещи — небольшие этюды маслом на бумаге, проникнутые духом поиска, пробужденным упомянутым двойным импульсом. Некоторые из них изумительны по сочетанию цвета и фактуры. В «Композиции МН58» (илл. 1) краска образует конфигурации в форме птичьих перьев, а в «Композиции МН69» (илл. 2) мелкие рельефные вкрапления наводят на мысль о минералах и одновременно — о панораме с фигурами. Передать эти эффекты в фотографии, тем более что работы под стеклом, невозможно — так что, если есть возможность, посмотрите оригиналы. См. подписи в комментарии
#выставки, #БорейАрт, #СПб

Кажется, скоро во мне начнут подозревать агента «Борея». Но что я могу поделать, если из всех петербургских выставок последнего времени, какие я видел, борейские кажутся мне лучшими? На выставку Игоря Князева «Достоевские картинки» (куратор Вера Бирон; до 26 апреля) я заглянул между делом — заодно с выставкой Валерия Вальрана в основных залах (о ней — завтра). Она оказалась замечательной. В своих квазинаивных картинках Князев руководствуется принципом, сформулированным его главным героем: «Нет такого предмета на земле, на который бы нельзя было смотреть с комической точки зрения». Русская классическая литература — не исключение. В версии художника великий писатель сродни кукольнику и кукловоду, но его привилегированная позиция более чем сомнительна, ведь как персонаж исторических анекдотов он и сам недалеко ушел от своих созданий, с которыми порой встречается на одной сцене. Подписи см. в комментарии
#выставки, #БорейАрт, #СПб

Выставка иллюстраций к детским книгам Эрика Булатова и Олега Васильева «Чудесное путешествие» в московском Мультимедиа Арт Музее открыта еще неделю, до 16 апреля. Возможно, когда-нибудь этот жанр, все еще имеющий статус маргинального, будет ассоциироваться с главными достижениями советского изобразительного искусства 1960–1980-х годов. А иллюстрации Булатова и Васильева затмят их достижения в области концептуальной живописи. По крайней мере в моих глазах это уже произошло. В представленных на выставке оригинальных акварелях видны такие нюансы техники, которые теряются в полиграфическом воспроизведении. Также очень эффектно выглядят пустоты между картинками, виньетками и буквицами, которые в готовой книжке будут заполнены текстом: благодаря им визуальная составляющая приобретает самодостаточность, а общая композиция разворота — бо́льшую определенность.

#выставки, #советское_искусство, #МультимедиаАртМузей

НЕКЛЮДОВСКИЙ МУРАЛ

Эту великолепную стенопись/инсталляцию я обнаружил прошлым летом в павильоне железнодорожной станции Неклюдово Нижегородской обл., куда мы отправились с целью покупки растений в тамошнем питомнике.

Она напомнила мне известную работу немецкого художника Блинки Палермо 1971 г. (илл. 5-6). Но неклюдовская лимонно-желтая роспись — более агрессивно-чувственная как по цвету, так и по геометрии пространства (а еще мультисенсорная: в помещении стоял запах свежей краски). И, как выяснилось, сайт-специфичная — не только потому, что неотделима от места экспонирования, но и потому, что перекликается с окрестными видами — полями, заросшими золотарником (илл. 3-4). Это удивительно точное и, разумеется, абсолютно случайное попадание, одновременно напоминающее работы другого немецкого художника, Вольфганга Лайба, который собирает пыльцу цветов и выкладывает из нее красочные поля (илл. 7).

Красивая вещь, я бы еще раз съездил посмотреть.
#музей_без_стен, #невольный_модернизм

#НГХМ, #музеи, #русский_авангард, #абстракция

АНОНИМНАЯ СКУЛЬПТУРА

Упоминание книги Майкла Фрида напомнило мне об одной относительно недавней находке из серии #невольный_модернизм. Эту цветную трех- (или четырех?) -частную скульптуру, обладающую также некоторыми важными чертами архитектуры, я обнаружил летом 2024 года на окраине Ростова (не того, который на Дону, а того, который на озере Неро, в Ярославской обл.), по пути в Спасо-Яковлевский монастырь.

С одной стороны, она перекликается с проблематикой скульптуры высокого модернизма — в частности, с использованием цвета в работах Энтони Каро и других скульпторов того времени. По словам Фрида, «в большинстве скульптур Каро цвет используется для того, чтобы придать самому веществу — а что может быть более вещественным, чем его массивные брусья? — преимущественно оптический характер», то есть цвет работает здесь на преодоление объектности и буквализма.

С другой стороны, этот объект определенно отличается от работ Каро более сдержанной, неэкспрессивной и скорее тяготеющей к минимализму эстетикой. Важно и то, что здесь использованы объемы-резервуары, явно полые внутри и, вероятно, наполненные каким-то содержимым (для Каро это не очень характерно, а вот для минимализма очень даже). Тот факт, что каждый из объемов снабжен дверью, при этом надежно запертой, акцентирует это обладание интериорностью и различие между видимым экстерьером (видимость которого подчеркнута интенсивным цветом) и скрытым интерьером. Точнее — интерьерами, поскольку если внешне, визуально конструкция выглядит довольно цельно, несмотря на то что составлена из нескольких обособленных друг от друга объектов (важную роль в их объединении, опять же, играет цвет), то внутренне она распадается на три или даже четыре самостоятельные сущности.

#музей_без_стен, #невольный_модернизм, #абстракция

«Выставка о вкусной и здоровой пище» (куратор — Наталья Звонарева, экспозиция — Игорь Панин) в питерском «Борее» оказалась визуально питательной, а многие из блюд отличаются незаурядными вкусовыми качествами. Настолько, что сегодня я посмотрел ее еще раз — и даже приобрел две небольшие керамические вещицы. Тот факт, что практически все экспонаты продаются, и некоторые по доступной цене, кажется логическим продолжением концепции, уравнивающей произведения искусства с кушаньями. Другой важный момент состоит в том, что выставка с замечательной свободой смешивает свободные и прикладные искусства, уравнивая их в правах. Вместе это выглядит как похвала ремеслу — неброскому, скромному по материалам и размерам, иногда грубоватому по исполнению, но очень качественному и старомодно, гуманистически рукодельному.

Гвоздем экспозиции стали натюрморты-ассамбляжи из керамики, текстиля и дерева. Их в общей сложности шесть, и все замечательны, но меня безоговорочно покорили два: текстильная «Снедь» Анны Маркарян и керамический «Вот вам к чаю» Натальи Звонаревой. Если первый натюрморт наводит на мысль о барочной щедрости Франса Снейдерса, то второй — об изысканных завтраках Виллема Калфа. Впрочем, уверен, что кому-то больше придется по душе брутальный «Набор для пикника» Сергея Горшкова (из окрашенного дерева) или рокайльные «Деликатесы» (текстильные броши) Маши Гадаловой, среди которых имеется и канонично модернистский пучок спаржи, скромно затерявшийся среди прочих вкусностей.

Среди живописных и графических работ тоже есть первоклассные вещи, включая «Рыб» высоко мной ценимой Евгении Голант (хотелось бы однажды посмотреть ее персональную выставку в «Борее»), «Итальянское масло» Татьяны Сергеевой, соединяющей наивность с высокой живописной культурой, «Основные пирожные» Надежды Эверлинг — миниатюрные картины-рельефы, тонко обыгрывающие более чем уместный (учитывая сюжет) сладко-кичевый колорит, картины-мозаики Анны Замулы... А фотографии картофельных скульптур-оммажей Дениса Трусевича привносят в это изобилие концептуальную ноту (мне особенно понравился «Оммаж №4», где ломтики жареного картофеля имитируют самоопорную скульптуру Ричарда Серры).

Выставка закрывается вечером 29 марта. У вас осталось всего два дня, чтобы ее посмотреть, что я настоятельно рекомендую сделать. А если не получится, то вот картинки с выставки:

Анна Маркарян. Снедь. 2025. Деталь 1
Анна Маркарян. Снедь. 2025. Деталь 2
Наталья Звонарева. Вот вам к чаю. 2024–2025
Наталья Звонарева. Вот вам к чаю. 2024–2025. Деталь
Сергей Горшков. Набор для пикника. 2010–2020
Маша Гадалова. Деликатесы. 2020–2025
Евгения Голант. Рыбы. 2024
Татьяна Сергеева. Итальянское масло. 2025
Надежда Эверлинг. Основные пирожные. 2008
Анна Замула. Кастрюля борщу. 2022
Денис Трусевич. Оммаж художникам №4 в виде скульптуры из картофеля. 2021-2022

#выставки, #БорейАрт, #СПб

Заглянул в «Борей» и застал там аж две выставки, которые стоят того, чтобы их посмотреть. О большой постараюсь написать завтра. А о малой, в «мраморном» зале, скажу пару слов уже сегодня. Серия Антона Леухина «Земля» подхватывает традицию поздней модернистской абстракции (да, в ней присутствует линия горизонта, а значит — указание на трехмерность, но это не так важно). Я считаю, что писать абстрактные картины очень трудно: в фигуративной можно опереться на сюжет и найти в нем нечто новое и свежее, пусть исполнение будет традиционным. В абстракции такой возможности нет; между тем традиция велика и подавляюща. Не уверен, что в данном случае художник способен с ней совладать. Мне его картины напомнили работы Виталия Пушницкого — более сложные по цветовым гармониям и технике. Но есть у Леухина своя интонация, а кроме того — смотреть его картины нужно не по отдельности, а в целом, как некую инсталляцию. И тогда, во взаимном различии, эти живописные пузыри обнаруживают всю свою красоту.
#выставки, #БорейАрт, #СПб

#НГХМ, #музеи, #русский_авангард

БИВИС и БАТТХЕД

Иногда ловлю себя на том, что вижу в случайных вещах произведения искусства, причем искусства глубоко рефлексивного, пластически выразительного и/и концептуального, созданные, однако, ненамеренно или, во всяком случае, за рамками официальной сферы искусства. В основном это вещи, изготовленные руками человека, иногда — с определенным эстетическим намерением, но встречаются среди них и сугубо утилитарные штуковины, и мусор, и даже природные объекты. Отныне буду под хештегами #музей_без_стен и #невольный_модернизм публиковать свои находки с комментариями.

Этот листок бумаги с портретом Бивиса и Баттхеда я нашел — страшно подумать — лет 25 назад в аудитории питерского Университета ИТМО, где читал лекции по истории искусства на кафедре графического дизайна. Нашел, если не ошибаюсь, перед началом занятий, так что, увы, не я вдохновил автора на создание этого произведения.

А мог бы. Потому что в 90-е годы я ими очень увлекался. Как со временем выяснилось, в этом увлечении я был далеко не одинок: в интеллектуальной среде, особенно близкой к современному искусству, его разделяли многие. Такой вот Zeitgeist витал в воздухе. Некоторые им подражали (я тоже). Один довольно известный питерский интеллектуал, имени которого называть не буду, умел танцевать как Баттхед, о чем сообщал его приятель, еще более известный московский художник. Он, как и многие, идентифицировал себя с хитроватым прагматиком Баттхедом. Я же был поклонником простоватого неврастеника Бивиса, периодически впадающего в священное безумие («Я великий Кукурузо!»). Русская MTVшная озвучка, в которой Баттхед называет своего друга то бакланом, то сайгаком, а то и вовсе точилкой, абсолютно шедевральна.

Рисунок, как видите, довольно лихо исполнен: непринужденно и точно. Но этим дело не ограничивается, потому что Баттхед и Бивис выступают здесь в ролях Платона и Аристотеля: имена философов написаны у них на футболках вместо обычных AC/DC и Metallica. Это, разумеется, пародия на «Афинскую школу» Рафаэля. Кто бы ни был автор рисунка, он бесспорно гений.

#музей_без_стен, #невольный_модернизм

#НГХМ, #музеи, #русский_авангард, #модернизм

#выставки, #ГРМ, #СПб, #современное_искусство

#НГХМ, #музеи, #модернизм, #абстракция

Все, что вы хотели знать о Марселе Дюшане, но боялись спросить у Тьерри де Дюва (опасаясь заумностей): фильм от детской анимационной студии «Анималевич». Онлайн-премьера! Спешите видеть!!!
(Кстати, там много интересного, так что подписывайтесь на канал — а то и записывайтесь в студию.)

Та-дам! Ты-дыщ! А вот и наш мультфильм о Марселе Дюшане! 
Недавно выкладывали маленький мульт-оммаж ко дню рождения Константина Бранкузи, а ещё рассказывали, как идёт съёмка мультфильма о сюрреалистах. Марсель Дюшан дружил с Бранкузи и сюрреалистами, так что самое время ознакомиться с его мульт-биографией!
Художник любил шахматы, ценил юмор в искусстве, отстаивал право на лень и не любил торопиться: должно быть, поэтому мы работали над этим проектом так доооолго) И, действительно, к чему спешка?

Будем рады обратной связи в комментариях)

#НГХМ, #музеи, #русское_искусство, #модернизм, #ориентализм

Широко разрекламированная выставка «Открытый мир. Современное искусство Екатеринбурга и Уральского региона» (Музей Фаберже, СПб, до 16.03) не только разочаровала, но и слегка озадачила: такого количества плохой живописи, собранной в одном месте, я давно не видел. И всем известный Эрнст Неизвестный не исключение. Но исключения есть. Есть симпатичные картины примитивиста Александра Лысякова, недурная живопись Сергея Лаушкина, забавный «Ковер» (из доски) художника, скрывающегося под псевдонимом Красил Макар. Еще понравились странные миниатюрные гризайли Анатолия Михуля-Морозова (этакие воспоминания о Ренессансе), особенно одна. Увы, погуглив, с сожалением выяснил, что работа эта для художника не типична. Передовое искусство региона на выставке не представлено.

Вид экспозиции с работами Э. Неизвестного
М. Брусиловский. Урал. 1942 г. 1967
А. Лысяков. Полина. 1970-е
С. Лаушкин. Из серии «Ступени». 2020-е
Красил Макар. Ковер №6. 2019
А. Михуля-Морозов. Горная радуга. 2000

#выставки, #СПб

#Псковский_музей, #музеи, #советское_искусство, #суровый_стиль

В любимом мной Государственном музее Востока в Москве до 9 марта открыта выставка «Пусть расцветают все цветы», на которой представлены произведения китайского декоративно-прикладного искусства и традиционной живописи гохуа. Своим названием выставка обязана одному из образцов последней — шестиметровому панно 1950-х гг.

Однако меня покорила другая вещь — ширма «Сто драгоценностей» (к. XIX в.), на одной стороне которой в технике лаковой живописи изображены цветы и птицы, а другая украшена миниатюрными рельефами из камней и фарфора: вазами, статуэтками, принадлежностями для письма, фруктами в тарелках и другими милыми вещицами, похожими на вмонтированные в створки реди-мейды (чудесным образом уменьшенные). И если первая сторона просто красива, то вторая — нездешне красива. Еще она наводит на мысль о поп-арте, о картинах-ассамбляжах Тома Вессельмана, хотя создана ширма задолго до поп-арта и к современному искусству вообще отношения не имеет.

#выставки, #традиционное_искусство, #МузейВостока, #музеи

#выставки, #советское_искусство, #ГТГ, #современное_искусство

На сайте «Нового литературного обозрения» выложен 191 номер журнала (1/2025), а в нем — составленная мной подборка материалов на тему взаимодействия искусства и вернакулярной — то есть низовой, местной, обытовленной — культуры. Она небольшая, всего три текста, не считая краткого введения: «Показ с акцентом» Дарины Поликарповой (о таких элементах фильма, которые создателями не предусматривались, но влияют на наше восприятие), «Барин даст на водку» Алексея Бобрикова (о проекте Николая Полисского «Никола-Ленивецкие промыслы» как имитации карго-культа) и «В переводе на живопись» вашего покорного слуги.

Последняя — о живописной серии Владимира Дубосарского «Нижегородская резьба» (одна из работ, «Русалка» 2015 года, приведена выше), источниками которой послужили образцы т. н. «глухой» домовой резьбы, распространенной в Верхнем Поволжье в XIX веке, а точнее — фоторепродукции из посвященного этой традиции советского альбома. Я неравнодушен к хорошей живописи, народному искусству, да и к фотографии в ее скромной документирующей роли. К тому же серия эта для художника довольно неожиданная. Мог ли я пройти мимо нее?

#книги, #современное_искусство, #народное_искусство

#фотография, #НГХМ, #выставки, #русский_авангард, #советское_искусство

В 1990-е и начале 2000-х годов петербургская галерея «Борей» была чуть ли не главной художественной площадкой города (она, в частности, служила неофициальной штаб-квартирой легендарной группы «Новые тупые»). Позднее художественная активность переместилась в другие места, но галерея существует по сей день — и иногда там проводятся интересные выставки. Вчера посмотрел как раз такую.

«Надежда» Веры Светловой представляет собой четырехчастную — по числу залов — инсталляцию, название которой отсылает к «имени» проходческого щита диаметром более 10 м, с помощью которого пробиваются тоннели петербургского метро (традиция давать тоннелепроходческим машинам женские имена восходит к имени св. Варвары, покровительницы шахтеров). Прямых иконографических отсылок к метростроевской Надежде в представленных объектах нет, но они наводят на мысль о каких-то подземных коммуникациях и, главное, побочных продуктах их прокладки, «отвергнутых строителями». Можно также усмотреть в этих объектах инвертированные пространственные негативы, то есть пустоты, которые приобретают материальность и плотность вещей (главный среди них — подвесная «труба», разгородившая второй зал). Этот мотив, конечно, не нов и прорабатывался еще неоавангардом 1960–1970-х годов, но художница предложила свою, довольно эффектную и концептуально нагруженную, версию.

Не менее зрелищно выглядит «панно» в последнем зале. По словам Светловой, оно навеяно мраморной отделкой фальшстены в переходе станции Александра Невского 2. Действительно, сходство есть. Но у меня эти золотисто-коричневые разводы вызвали ассоциации не столько с камнем, сколько с низкими субстанциями грязи, торфа и экскрементов — со скрытой подземной материей, в которой и прокладываются тоннели метро и другие коммуникации, но которая вытесняется и маскируется всевозможными оболочками и преградами вроде той же фальшстены.

На выставке представлены также тексты сотрудницы интерактивного музея Метрополитена Анастасии Дубровской, драматурга Зины Николаевой и филолога и переводчика Александра Черноглазова. Выставка открыта до 22 февраля, так что у вас есть еще целая неделя, чтобы ее посмотреть.

Второй зал
Третий зал
Четвертый зал

#выставки, #БорейАрт, #современное_искусство

#Псковский_музей, #музеи, #советское_искусство, #портрет, #русский_авангард

Как ясно из предыдущего поста, работы бразильцев на меня особого впечатления не произвели. За явным исключением одной — «Выдоха» (2000) Кау Гимарайнса и Ривани Нойеншвандер. Она тоже очень проста по структуре: на протяжении неполных шести минут мы наблюдаем за полетом большого мыльного пузыря. Фильм включает несколько монтажных склеек, растягивающих жизнь эфемерного объекта, с которым по пути случаются маленькие события вроде встречи с другим пузырем.

Есть еще одно качество помимо эфемерности, которое делает банальный объект завораживающе интересным, а именно то, что от окружающей среды его отделяет тончайшая и непрочная оболочка. Собственно, он и есть эта оболочка, больше ничего; никакого внутреннего наполнения, которое отличало бы интерьер от экстерьера (не считая выдоха). Вдобавок пузырь прозрачен, так что мы видим сквозь него пейзаж, на фоне которого он проплывает, и лишь легкое мерцание и слабые контуры напоминают о существовании этой сущности. И все-таки она существует!

#выставки, #видеоарт, #ГЭС2

В один из последних дней успел посетить выставку бразильского видео-арта «Перевод не требуется» в ГЭС-2. Как ни смешно, больше всего мне понравилась работа российского художника (российское искусство на выставке тоже представлено). О ней для интриги скажу в конце, а сначала — пару слов о видео-арте вообще.

Мне это понятие всегда казалось размытым и каким-то концептуально бесполезным: звучит как название направления (поп-арт, процесс-арт…), а на самом деле не предполагает никакой стилевой определенности. Наверное, следует понимать видео-арт просто как вид искусства наряду с живописью, скульптурой и т. д., но и такое, то есть медиальное, определение выглядит малопродуктивным. Ведь в категорию видео-арта попадает множество совершенно разных работ, начиная от «экспериментального» кино вроде фильмов Мэтью Барни (в случаях, когда эти фильмы экспонируются в выставочном пространстве), и заканчивая видео-документацией перформансов.

Тем не менее существуют работы, которые по полной используют возможности видеотехники или извлекают максимальный эффект из минимальных средств. Короткий фильм Дмитрия Булныгина «Союз-11» (2011) как раз такой. Его название отсылает к советскому космическому кораблю, полет которого обернулся двойной катастрофой: сначала неудачной состыковкой с орбитальной станцией, а затем и гибелью экипажа при возвращении на Землю. Но ничего этого в фильме нет. А есть — выразительный образ энтропии, созданный из подручных средств. Каких именно — рассказывать не буду; сами поймете, если посмотрите.

С точки зрения техники тут существенны четыре момента. Во-первых, уже отмеченная простота использованного материала: представленный процесс мы можем наблюдать в повседневном быту. Во-вторых, остранение этого материала, который становится неузнаваемым (то есть узнаваемым, конечно, но не сразу) и даже фантастичным. Частью этого остранения является неопределенность масштаба, обеспеченная рамкой кадра. В-третьих, лаконичность: показан один объект, с которым происходит один процесс. В-четвертых, закольцованность видео, которая играет как смысловую (указание на цикличность), так и структурную роль: с ее помощью решается проблема начала и конца, актуальная в ситуации галерейного просмотра. Ведь посетитель галереи или музея, в отличие от кинозрителя, практически всегда смотрит видео-работу откуда-то с середины, что часто противоречит внутренней драматургии этой работы. В «Союзе-11» не только не противоречит, но усиливает, поскольку не позволяет зрителю сразу разгадать его секрет.

Отмечу особенно выразительную деталь: превращение кубических модулей, образующих тело разлагающегося объекта, который кажется таким прочным, таким монументальным, в пустые ячейки-негативы, скрепленные хрупким скелетом. Побочным эффектом этого превращения становится размывание границы между органическим и неорганическим. Впрочем, широкий спектр вызываемых ассоциаций — неотъемлемое качество этой работы.

#выставки, #видеоарт, #современное_искусство, #ГЭС2

Завтра, 8 февраля, в гонконгской галерее Rossi & Rossi открывается выставка выдающегося казахского художника Ербосына Мельдибекова «Точка становится кругом, круг становится шаром в искривленном пространстве».

Если охарактеризовать искусство Ербола очень коротко, то это сатира в лучшем смысле слова. Под лучшим я подразумеваю то, что не укладывается в повестку и не сводится к злобе дня, а осложнено дополнительными эффектами и смыслами, которые и делают искусство — искусством. Думаю, даже по фотографии на афише это понятно.

Показан фрагмент одного из объектов серии «НКВД» (2020–2021) — алюминиевый таз, изображающий горный пик имени Пьера де Кубертена в Таджикистане (ранее — пик НКВД, еще ранее — пик Ягоды), с нанесенными на него изолиниями топографической карты, которые приобретают абсурдно тавтологический характер (и так ведь видно, что выше, а что ниже), отсылающий, кстати, к концептуальному искусству. Вот только сюжет — не столько концептуальный, сколько локальный и аффективно нагруженный.

Главная тема Ербола — новейшая история региона, который раньше именовался Средней, а ныне чаще именуется Центральной Азией: смена политических режимов, взлеты и падения, величие и унижение и, разумеется, сопровождающее все это насилие. Тема универсальная, просто раскрываемая на конкретном и до боли знакомом автору материале. Часто — на материале возводимых и сносимых памятников, не только искусственных, но и природных, вроде упомянутых горных вершин, «снос» которых носит символический характер переименования.

Я давний поклонник Мельдибекова, считаю его видеоперформансы, «Семейный альбом», горную серию и шкуры с выжженными тавро подлинными шедеврами, выдерживающими сравнение с лучшими образцами жанра. Но в двух словах об этом не расскажешь. Так что вот мой наиболее полный текст по теме:

Неидиллические пасторали

#искусство_Казахстана, #contemporary_art, #выставки

#Псковский_музей, #советское_искусство, #музеи, #модернизм

Дочитал книгу Дэвида Джослита «Американское искусство с 1945 года», которая вышла в прошлом году в издательстве «Ад маргинем» в переводе Ольги Гавриковой под редакцией Алексея Шестакова. У меня было предубеждение насчет автора, сформировавшееся в ту пору, когда мы работали над переводом книги «Искусство с 1900 года». Напомню, что там Джослитом написаны главы о новейшем искусстве — и они мне не очень понравились. Ни выбором имен и явлений, ни их интерпретацией.

Должен скорректировать свое мнение, потому что «Американское искусство» — хорошая книга. Общие идеи сбалансированы кратким анализом конкретных работ от картин Поллока и де Кунинга до фильмов Мэтью Барни и проектов раннего нет-арта (оригинальное издание вышло в 2003 году и отражает тогдашние интересы). Сквозной сюжет образует мысль о преобразовании публичной сферы в США послевоенного периода под воздействием массмедиа и под знаком массового потребления — и о влиянии этих процессов на искусство. Не могу сказать, что это самый близкий мне подход, но стоит его учитывать. Конечно, жанр предполагает неизбежное «галопом по Европам» (вернее, Америкам), но и в этом есть кое-что ценное: автор вынужден выделить то, что представляется ему наиболее важным, а читатель — это важное сразу получить.

У меня есть некоторые претензии к обложке. В частности — почему на ней воспроизведена картина (поздний автопортрет Уорхола), которая в книге не только не рассматривается, но даже не упоминается? То есть я, конечно, прекрасно понимаю, почему. Уорхол — поп-звезда, единственный художник (точнее — персонаж) послевоенного американского искусства, которого знают все, причем в лицо. Предполагается, что это привлечет широкую аудиторию, которой только лица (в смысле — личные истории) и интересны. Но так нечестно, потому что книга — не про жизнь поп-звезд, а про искусство, пусть и в социальном контексте.

Но обложка — это мелочь, гораздо важнее то, что под ней. А там — очень толковое введение в тему, к тому же прекрасно переведенное, которое можно рекомендовать всякому, кому эта тема интересна. Что я и делаю.

#книги, #ad_marginem, #искусствознание, #современное_искусство

#НГХМ, #выставки, #советское_искусство, #суровый_стиль

#Псковский_музей, #русское_искусство, #модернизм, #портрет, #музеи