🤫Мифология Уильяма Блейка.

Английский поэт и художник Уильям Блейк создал свою собственную, оригинальную мифологию, которую изложил в серии своих «пророческих книг». Эти книги проиллюстрированы, награвированы и напечатаны им самим. В этой мифологии Блейк отразил свои духовные, философские и религиозные взгляды. Здесь нашли свое отражение и его отношение к политике, общественному устройству и морали. Все это объединено в эпическое пророчество о прошлом, настоящем и будущем человечества. Как и во всякой мифологии, Блейк описал и объяснил точку зрения на сотворение, упадок и смерть этого мира.

Источниками для Блейка стали Библия, греческая и римская мифология, античная литература, скандинавские Эдды и многое другое. В том числе пьесы Шекспира и поэмы Джона Мильтона. По Блейку мироздание состоит из четырёх миров: Эдем, Порождение, Беула и Ульро.

В ранней поэме «Видения дщерей Альбиона» (1793) Блейк указывает, что человек был создан не библейским Богом Иеговой или Яхве, но неким «демоном заблуждения» и «отцом ревности», злобным и жестоким тираном, божеством по имени Уризен. На гравюрах и картинах Блейка Уризен часто изображён с гигантским циркулем в руке, с помощью которого он создаёт и ограничивает Вселенную, или с сетями, символизирующими законы и общество, которыми он, как паутиной, опутывает людей, или с раскрытой книгой, окружённый несколькими внушительными фолиантами, в которых записаны законы, придуманные им для человечества. Уризен — это символ разума, лишённого воображения.

В том, что Блейк создал свою мифологию нет ничего удивительного, ведь он сам увидел бога в возрасте четырёх лет, когда он лично заглянул к нему в окно. Огромное лицо Создателя смотрело на Блейка испытующим взглядом, пока тот кричал от ужаса. Это была первая из многих их встреч. Уже в возрасте девяти лет поэт повстречался с божественным еще раз. Он увидел ангелов, сидящих на дереве. Оно было буквально облеплено ими. Когда Блейк рассказал об этом матери, та ему не поверила и обвинила во лжи. После этого поэт ни разу не вспоминал о своих родителях. Вскоре после визуальных образов Блейка начали посещать и голоса. Они пели прекрасные гимны, и, по признанию самого Блейка, он стремился тут же записать их и как можно быстрее изобразить пришедшее к нему видение. Таким образом и возникает изобретенный им способ иллюминированной печати, где изготовленные вручную гравюры сопровождались поэтическим текстом.

🪞Символизм изображения женщины с зеркалом в живописи Возрождения.

Мотив этот имеет долгую историю в западноевропейском искусстве. В эпоху Возрождения отношение к этому изображению стало более комплексным и многогранным, что привело к трансформации образа в символ, который выражал довольно глубокие темы.

Само по себе зеркало — образ уже достаточно многогранный. Оно может означать как тщеславие, так и мудрость и самопознание. Такое же двоякое толкование символы женщины с зеркалом в живописи. С одной стороны оно представляется как тщеславие, ведь самосозерцание становится грехом. Так что зеркало выполняет функцию критика, пристыжая как героиню картины, так и самого зрителя, если повернуто к нему фронтально. Однако Ренессанс это эпоха рассвета гуманизма и самопознания, поэтому зеркало в руках женщины может трактоваться как символ рефлексии.

Интересным сюжетом можно назвать изображение богини любви и красоты Венеры. Художник уже не преследует цель пристыдить зрителя или преподнести ему философские вопросы в метафорической форме. Такие сюжеты чаще всего транслируют идею женской красоты и мудрости, художник любуется женским началом. Зеркала же преломляют и преумножают эту благодетель.

Согласно ещё одной трактовке символ женщины с зеркалом используется как аллегория благоразумия. Считалось, что главное в благоразумии — это наблюдать. В аллегориях благоразумия зеркало идет в паре со змеем или драконом, которые использовались как символы мудрости. Также в паре могло быть и второе лицо на затылке — ещё один символ мудрости, по аналогии с двуликим богом в древнеримской мифологии.

Окончательно эти образы закрепились в XVII веке, вместе с выходом таких книг, как «Иконология» Чезаре Рипа. По сути, эта книга была ликбезом к символике в искусстве. Там перечислялись самые распространенные символы, их значение и то, как правильно их использовать.

🤩Издательство «Пантеонъ».

Издательство было основано в 1907 году Зиновием Исаевичем Гржебиным. В России рубежа XIX — начала XX века культура античного мира становится одной из центральных тем литературы и философии, что и отразилось на издательстве. «Пантеонъ» был одним из первых предприятий, ориентированных на выпуск неоклассики, античность же рассматривалась как базис всей классической культуры. Использование греко-римского декора в художественном оформлении изданий “Пантеона” должно было ещё раз подчеркнуть универсальный характер передовой русской культуры, ее способность не только усвоить, но и творчески переработать идеи античности. Издательским знаком выступало условное изображение древнегреческого храма, которое разработал английский художник-график Владимир Яковлевич Чемберс.

К моменту открытия издательства «Пантеонъ» Гржебин уже имел репутацию талантливого издателя и возмутителя спокойствия. Всё благодаря сатирическим литературно-художественным журналам «Жупел» и «Адская почта» резкой антимонархической направленности, которые он издавал в 1905-1906 годах. Власти очень быстро прикрыли оба издания, а Гржебин был приговорен к 13 месяцам тюрьмы и запрету заниматься издательской деятельностью в течении 5 лет. Но ни тюрьма, ни судебные запреты не остановили Гржебина: уже в 1906 году он основывает издательство «Шиповник», а ещё через год — «Пантеон», изначально преследовавший уже исключительно просветительские цели. Издательство стремилось наладить выпуск «литературных памятников всех времен и народов, в лучших переводах, лучшем оформлении и по доступной широкой публике цене». Кроме того, предполагалось «…параллельно томикам, посвященным литературе, издать свою серию книжек, посвященных прочим искусствам: живописи, архитектуре, скульптуре, музыке и сцене», а также планировалось проводить публичные лекции о мировой литературе и вечера с участием ряда деятелей искусства. В планах издательства также значилось издание собственного альманаха.

Так как Гржебин находился под надзором полиции, издательство было оформлено на мужа его сестры Михаила Константиновича Дориомедова, а позднее на его зятя, журналиста Михаила Семеновича Фарбмана. Официально возглавить собственное «детище» он смог только в январе 1910 года.

Гржебину удалось сконцентрировать вокруг себя лучшие литературно-художественные силы своего времени. В редакцию «Пантеона» входили К. Бальмонт, В. Брюсов, Ю. Балтрушайтис, Л. Андреев и многие другие знаменитые писатели и поэты. Художественным оформлением занимались А. Бенуа, Е. Лансере, М. Добужинский, С. Чехонин, Л. Бакст. И читатели, и критики сразу отметили высокое качество переводов и изысканность оформления книг.

Будучи художником, Гржебин очень большое значение придавал внешнему виду своей печатной продукции. Идейно он был близок к представителям художественного объединения «Мир искусства». Эта группа молодых живописцев выступала против господствующего на тот момент в России академизма и критиковала передвижников за чрезмерную идеологизацию, отстаивая полную свободу творчества от каких-либо политических и даже этических рамок.

Модернистская концепция «Пантеона» позволяла этим неординарным художникам в полной мере воплотить свои идеи. В итоге, даже самые придирчивые критики отмечали, что книги «Пантеона» «поразительно красивы». Но, несмотря на красоту изданий и высокое качество переводов коммерческого успеха продукция “Пантеона” не имела. У Гржебина возникало всё больше проблем со сбытом продукции и выплатами писательских гонораров. В итоге, в мае 1912 года, из-за финансовых трудностей, издательство “Пантеон” вынуждено было закрыться. К сожалению, далеко не все издательские планы удалось осуществить, но стремление Гржебина изменить лицо русской переводной литературы не прошло даром. Просуществовав, в общем счете неполных шесть лет, “Пантеон” успел выпустить более 50 изданий. Среди них — собрание сочинений Ги де Мопассана, Герберта Уэллса, Оскара Уайльда и многих других. И по уровню переводов, и, тем более, по художественному оформлению продукция “Пантеона” превосходила все, что было до него.

💀Dance Macabre.

«Dance Macabre» переводится с французского, как «пляска смерти». Эта традиция родом из Средневековой Европы, описывающая символику смерти в живописи, музыке и танцах. Драма и танцы были в ту пору неразрывно связаны между собой; этим объясняется происхождение названия Пляски смерти.

В средние века смерть была неотъемлемой и пугающей частью быта. Часто её рассматривали как живого персонажа. Голод, Столетняя война и чума влияли на восприятие людей. Вездесущая возможность внезапной и болезненной смерти увеличивала как религиозное желание покаяния, так стремление к пиру во время чумы, к последним развлечениям перед гибелью. В «Плясках смерти» живут отзвуки народных поверий о кладбищенских танцах мертвецов, выбирающихся из могил в определённые дни года.

В основании её содержания лежали идеи о ничтожестве человеческой жизни, ежеминутно угрожаемой кончиною, о мимолётности земных благ и несчастий, о равенстве всех и каждого пред лицом смерти, внезапно сражающей и папу, и императора, и последнего из простолюдинов, одинаково неумолимо уносящей и старца, и юношу, и новорождённого младенца.

В годы мировых поветрий распространилось сочинение более сложных и замысловатых аллегорий. Вначале смерть олицетворялась то в виде земледельца, поливающего поле человеческой жизни кровью, то в виде могущественного царя, ведущего беспощадную войну с людским родом, и тому подобного. Позже в содержании подобных сочинений начинает преобладать горький юмор: смерть изображается, например, ловким шулером, наверняка обыгрывающим всякого партнера, или водителем хоровода, в котором невольно участвуют люди всех возрастов, званий и состояний, или злорадным музыкантом, заставляющим всех и каждого плясать под звуки своей дудки. Такие иносказания пользовались большой популярностью и так как по заключавшемуся в них назидательному элементу могли служить к укреплению религиозного чувства в народе, то католическая церковь ввела их в круг мистерий и допустила их изображения на стенах храмов, монастырских оград и кладбищ.

В простейшем своём виде она состояла из краткого разговора между смертью и 24 лицами, разделённого по большей части на четверостишия. Представления этого рода во Франции были в большом ходу в XIV веке. С начала XV века Пляска смерти стала всё чаще и чаще воспроизводиться не только в живописи, но и в скульптуре, в резьбе по дереву, на коврах и в книжных иллюстрациях.

Из Франции пляска смерти добралась до Англии, и как указывает роман Мигеля де Сервантеса «Дон Кихот», в Испанию. Однако сильнее всего пляска смерти укоренилась в Германии. Древнейшим из немецких изображений Пляски смерти (начала XIV века) была исчезнувшая стенная живопись в бывшем Клингентальском монастыре близ Базеля. Здесь вся композиция распадалась на отдельные группы в числе 38, причём в каждой из них фигурировала смерть. В одной из капелл Мариинской церкви в Любеке Пляска смерти представлена в своём простейшем виде: 24 фигуры, изображающие духовенство и мирян в нисходящем порядке, начиная с папы и кончая крестьянином, перемежаясь с фигурами смерти, принявшей облик закутанного в саван, сморщившегося человеческого трупа, держатся рука за руку и образуют вереницу, которая корчится и пляшет под звуки флейты, на которой играет смерть, представленная отдельно от прочих фигур.

Несколько позже написана Пляска смерти, сохранившаяся в сенях под колокольней Церкви Святой Марии в Берлине, с 28 танцующими парами. Клингентальская Пляска смерти была повторена (ранее середины XV века) на стене мирского кладбища при Базельском монастыре доминиканского ордена; число и расположение пляшущих фигур остались без изменения, но в начале композиции прибавлены священник и скелет, а в конце — сцена грехопадения Адама и Евы.

Мир делится на две категории людей: на тех, кто читает книги и других, которые слушают тех, кто читает.

👉 Канал «Вдохновение и Философия» создан для того, чтобы как можно больше людей принадлежало к первой категории:

🟠 Проникновенные цитаты

🟠 Хлесткие и отрезвляющие высказывания

🟠 Книги и фильмы

🟠 Интеллектуальный юмор

🟠 Фразы из разных языков

🟠 Отрывки из книг лучших популяризаторов науки

«Вдохновение и Философия» — с любовью к истинным, глубоким размышлениям 📚

🤩Кто иллюстрировал «Алису в стране чудес»?

🟡Самыми каноническими считаются иллюстрации Джона Тэнниела. Именно он изобразил Льюиса Кэрролла в образе Додо, лидера либеральной партии Уильяма Гладстона и премьер-министра Великобритании Бенджамина Дизраэли в образах Льва и Единорога. Сам художник был представлен в образе Белого Рыцаря. Работая над картинками к «Алисе в Стране чудес», Джон Тэнниел, первый иллюстратор сказки, брал героев из жизни, произведений искусства и собственных фантазий. Он не только рисовал, но параллельно и редактировал текст. Так, именно Тэнниел потребовал, чтобы в крикет играли фламинго, а не страусами, и предложил избавиться от нескольких глав, что Кэрролл и сделал.

🟡Над «Алисой» трудился и известный иллюстратор сказок Либико Марайя. Он работал над многими сказками, так что его стиль достаточно узнаваем. Марайя начал работать с книжной иллюстрацией довольно поздно, попробовав себя до этого и в качестве автора благотворительных открыток Красного креста, и художника-оформителя, и даже аниматора. Но только иллюстрация стала его настоящей большой любовью.

🟡К сказке Кэрролла приложил руку и Грег Хильдебрандт. Этот художник работал с иллюстрациями «Властелина колец» Дж. Р. Толкина, вместе с братом Тимом рисовал персонажей и карты для Marvel, а также стал автором первого постера к «Звездным войнам».

🤩«Закрашенный» художник.

Сложно найти человека, который не знал бы картину Шишкина «Утро в сосновом лесу». Конечно, во многом это благодаря конфетам, на обертках которых изображена картина пейзажиста. Считается, что мастерство Шишкина проявилось в этом полотне наиболее ярко. Современники даже называли его певцом русского леса.

И действительно, когда смотришь на это полотно, кажется, что художник предлагает войти с ним в нетронутую человеком лесную чащу, где сосновые дебри живут по своим законам. Огромные деревья растут и умирают, и в центре полотна зритель видит вырванную с корнем сосну, на которой расположилось семейство медведей. Кажется, что именно они составляют главное содержание полотна. Однако настоящим героем произведения является девственный лес.

С этой картиной, а именно с медведями, связан один интересный, но малоизвестный факт. Дело в том, что Шишкин написал эту картину не один. Вернее, Иван Иванович написал для это картины только лес. Над медведями же работал Константин Савицкий. Однако его подпись перекрыта мазком, так что заметить ее сразу очень сложно.

Художник шутливо говорил, что они с Шишкиным «убили медведей и шкуру поделили! И я участник в 4-ю долю». Связано это с тем, что когда Третьяков приобрел картину, он заплатил за неё крупную для пейзажного произведения сумму — четыре тысячи рублей. И Савицкий получил из них только четвертую часть.

Во всех каталогах выставок и у Павла Третьякова картина значилась с авторством только Шишкина. Скорее всего, это связано с тем, что Савицкий был мене известным художником, и Третьяков считал, что это может дурно сказаться на цене картины.

🤩Безумный скрипач.

На этой картине художник изобразил странного мужчину со скрипкой, который сидит с безумным видом в грязном чердачном помещении. Рядом на кровати лежит пожилая женщина.

Картину написал русский художник Пётр Косолап, который был родом из семьи казачьего офицера из Екатеринодара (нынешнего Краснодара). В основном, мастер специализировался на батальной живописи, однако одной из самых популярных его работ стала картина «Сумасшествие».

На полотне явно скрывается нерассказанная художником история, которая очень напоминает сюжеты Достоевского или Диккенса. Музыкант играет на скрипке рядом с телом мёртвой матери. Совершенно безумный взгляд героя говорит о том, что он вполне определённо сошёл с ума, причём произошло это гораздо раньше, чем скончалась его мать.

Художник не говорит нам, в какой именно период мужчина потерял рассудок, однако об этом можно судить по жуткому беспорядку в помещении и внешнему виду мужчины.

По всей видимости, безумие началось не менее года назад. Возможно, это произошло из-за того, что герой не смог состояться как музыкант и махнул на себя рукой. Они с мамой влачили нищенское существование в маленькой чердачной каморке, пока несчастная женщина не выдержала всего этого и ушла в мир иной.

Оставшись в полном одиночестве, мужчина окончательно потерял рассудок. Его сознание отказывается принимать происходящее, извлекая из памяти лишь навсегда полюбившуюся музыку.

📝Как создавались образы Шарика и Профессора Преображенского?

У этих героев есть реальные прототипы, а сами образы показывали отношение Булгакова к новой власти. Образ Шарикова говорит о том, что любому необразованному и потому внушаемому человеку можно вложить в его голову все что угодно. Полиграф Полиграфович недалек, но изворотлив, сомнительное обаяние и страсть к пересудам позволяют ему быстро заводить знакомства, в том числе и со Швондером. Рассуждения председателя домкома кажутся Шарикову интересными, и довольно быстро он принимает их за свои собственные.

Отчасти именно поэтому произведение так и не попало в печать. Борис Леонтьев, заведующий редакцией издательства «Недра», куда Булгаков отнес рукопись, в мае 1925 года извещал автора: «Сарычев в Главлите заявил, что „Собачье сердце“ чистить уж не стоит: „Вещь в целом недопустима“ или что-то в этом роде». Попытки обойти цензуру закончились и вовсе невесело: в 1926-м рукопись была изъята при обыске квартиры Булгакова.

Литературовед и биограф Булгакова Михаил Шапошников предполагал, что прообразом бывшего пса послужил некий Иван Потапов — рабочий, живший по соседству с дядей писателя. Облик, некоторые привычки Шарикова, а также эпизоды из биографии почившего Клима Булгаков позаимствовал именно у Потапова.

Преображенский же является полной противоположностью Шарикова. Он — Хирург и ученый мирового уровня, человек, одаренный острым умом и скептическим взглядом на вещи. Профессор Преображенский у Булгакова вышел типичным представителем чудом уцелевшей после революции прослойки состоятельных людей. Не выступая открыто против новой власти, он тем не менее не боится выражать свое недовольство. Так, своему ассистенту Ивану Борменталю он рекомендует не брать за обедом в руки советских газет, ведь они портят пищеварение.

Удачный технически, но провальный с моральной точки зрения эксперимент Преображенского — это булгаковская карикатура на попытку создать властью новое общество. Вот только если отчаявшийся профессор превратил грубияна Шарикова обратно в собаку, то повлиять на социальные изменения было невозможно. Оставалось разве что наблюдать, как глупые, но хваткие и наглые люди становятся новыми хозяевами жизни.

Сам же образ Преображенского был списан сразу с нескольких медиков. Один из них — родной дядя писателя, гинеколог Николай Покровский. Преображенский позаимствовал у родственника литератора не только внешность и характер, но даже и место жительства — улицу Пречистенку. А вот на то, чтобы сделать своего героя специалистом по омоложению, Булгакова вдохновил хирург Сергей Воронов, который тоже интересовался вопросами продления жизни и даже практиковался в пересадке обезьяньих желез своим пациентам.

🤩Как создавалось «Преступление и наказание»

В 1849 году Ф. М. Достоевского приговорили к расстрелу, но в последний момент заменили высшую меру наказания на каторжные работы. Писателя судили за участие в 1847–1849 гг. в кружке М.В. Петрашевского, являвшегося сторонником взглядов революционного характера. Роковую роль в доказательстве вины Ф.М. Достоевского в политическом преступлении сыграло хранение запрещенной литературы, которую нашли полицейские у писателя во время обыска. 23 января 1850 г. Федор Михайлович Достоевский прибыл в тюремной повозке в Омский каторжный острог.

Эти события и опыт пребывания в Омском остроге зародили идею романа «Преступление и наказание». В том же остроге отбывал наказание и Родион Раскольников, так что через роман мы можем увидеть каторгу глазами Достоевского.

Размышляя над романом, писатель собирался построить повествование в исповедальной форме от лица главного героя. Все тревоги, терзания, душевные метания, каторжный опыт должны были стать основой произведения. Но акцент ставился не только на глубоких личных переживаниях Родиона Раскольникова, но и на поведении и личностях других персонажей — сильных, поправших многолетние убеждения героя.

Остро нуждаясь в деньгах, Достоевский заключил договор с издателем на сложных для него условиях: он отдавал права на свои собрания сочинений в трёх томах и обязался написать новый роман к первому ноября следующего года. Совершив сделку, Достоевский расплатился с кредиторами и отправился за границу. Но, будучи азартным игроком, всего за пять дней писатель проиграл все свои деньги и вновь оказался в сложном положении. В месте, где он тогда остановился (Висбаден, Германия), ввиду того, что постоялец оказался неплатежеспособен, хозяева отеля отказали ему сначала в обедах, а затем и в свете. Вот тут и пришло время для создания романа: в отсутствие света и еды Достоевский начал работать над книгой, которая станет одной из величайших в мировой литературе.

Считается, что сюжет про убийство старушки-процентщицы топором был подсказан писателю реальным преступлением. В январе 1865 года двадцатисемилетний житель Москвы Герасим Чистов, раскольник по своим религиозным убеждениям, убил двух пожилых женщин топором и украл ценные вещи и деньги. Известно, что Достоевский был знаком с отчётом по этому делу и, видимо, взял за основу историю этого преступления. Причину же убийства, совершенного Раскольниковым, автор объяснял просто: старуха была глупая и злая, никому не нужная, а её деньги могли бы спасти родных и близких юноши.

🌸Как появились «Цветы для Элджернона»

Впервые идея произведения, посвященного интеллекту, пришла к Кизу во время учебы в медицинском колледже. Парню не было и 18 лет, когда он понял, что образование построило стену между ним и его родителями, не окончившими среднюю школу. В течение многих лет Киз собирал свои воспоминания, и именно они помогли написать ту историю, которую мы знаем сейчас. Одной из ключевых метафор для писателя стал образ книжной горы, увиденной в детстве в отцовской лавке подержанных вещей. Часть томов из этой кучи мальчик спас и прочел, а остальные — отправились в переработку.

Первые редакторы, которым Киз показывал «Цветы для Элджернона», советовали сделать конец более оптимистичным: Гордон сохраняет свой интеллект и женится на Алисе Кинниан. Однако именно книжная гора не дала автору послушать советов старших и опытных коллег.

Элджернон мог быть морской свинкой, а не белой мышью, но во время учебы в медицинском колледже писатель препарировал именно мышь. Внутри нее оказалось шесть нерожденных мышат, и Киза шокировала смерть семи созданий ради его опытов. Через много лет один из этих малышей возродился в его тексте в виде высокоинтеллектуального грызуна, которого так любил Чарли.

Первые наброски романа относятся к 1945 году. Далее следовал долгий период поисков и подбора «ключей» к сюжету. Киз мог опубликовать «Цветы» — возможно, под другим названием, — в одном из дешевых литературных журналов, заменявших в те годы телевидение и покетбуки. Стэн Ли даже предложил сделать комикс, но писатель посчитал, что идея слишком хороша, чтобы транжирить ее на «пустяки».

Наброски идей и целые абзацы хранились в папке Киза годами. Он хотел отказаться и от сюжета, и от намерения стать писателем, пока один из агентов не попросил у него рассказ для известного журнала.

Заказ Киз так и не выполнил. Издатели журнала потребовали изменить конец, на что писатель пойти не мог. Свои «Цветы для Элджернона» он отнес в другое издание, не столь массовое, но пользующееся славой более интеллектуального. Там работу приняли, но потребовали сократить количество знаков. Этот процесс Кизу, как бывшему редактору, дался легко. Подобно Хемингуэю, он убирал всю «цветистость» и сложносочиненные предложения и урезал текст почти на треть. Рассказ был опубликован в 1958 году, а в роман он превратился только в 1966-м, когда писатель понял, что с развитием интеллекта в Чарли должны пробуждаться и детские воспоминания. Так появилась линия взаимоотношений с родителями и сестрой.

📃Образ Достоевского глазами современников.

По многим воспоминаниям можно увидеть, что первое впечатление при встрече с Достоевским порой почти разочаровывало: внешность неброская, не аристократичная, в лице было что-то болезненное - эта особенность отмечена почти всеми мемуаристами.

В то же время, о Достоевском имеются довольно противоречивые воспоминания. А.Е.Ризенкампф вспоминал, что Федор Михайлович "… был в молодости довольно кругленький, полненький, светлый блондин, с лицом округленным и слегка вздернутым носом". Но А.Я.Панаева, встречавшая Достоевского в те же годы, писала, что он "был худенький, маленький, белокурый". А доктор С.Д.Яновский запомнил его таким: "роста он был ниже среднего, кости имел широкие и в особенности широк был в плечах и в груди…". Трудно объяснить такое расхождение в восприятии одного и того же человека разными людьми. Возможно, на общее впечатление от физического облика Достоевского оказывала влияние его "несветскость", некоторая нервозность, застенчивость, особенно в молодые годы.

Негативное впечатление произвел писатель и на свою будущую жену, при их первой встрече. Двадцатилетней девушке Достоевский показался старым, больным человеком. Он тут же подтвердил последнее впечатление, сообщив о том, что страдает эпилепсией и что недавно перенес припадок. К тому же он был рассеян, несколько раз переспрашивал свою будущую помощницу, как ее зовут. "Я вышла от Достоевского в очень печальном настроении. Он мне не понравился и оставил тяжелое впечатление," - вспоминала Анна Григорьевна много лет спустя о первом знакомстве со своим мужем.

Однако как в молодости, так и в зрелые годы Достоевского эти первые впечатления от внешнего облика писателя вытеснялись у его собеседников, когда они от чисто внешнего знакомства переходили к более глубокому общению. Тогда открывалась внутренняя значительность, уникальность личности Достоевского и в новом свете воспринимался и внешний облик писателя.

Интересно то, что портреты Достоевского, в некотором смысле не являются портретами в привычном понимании этого слова. Дело в том, что в творчестве многих художников образ Достоевского приобретает обобщающее символическое значение. Так, в портрете работы В.Фалилеева (1921) подчеркнуто внутреннее напряжение мысли художника, создателя "Братьев Карамазовых", пророка и мыслителя: при внешней узнаваемости, в портрете доминируют те черты, которые не может передать фотография. Такую символизацию образа писателя можно найти и в работах Э.Неизвестного, Г.Гликмана, Ю.Селиверстова, Г.Неменовой и др. Многие портреты Достоевского, выполненные художниками и скульпторами ХХ века, существуют в неразрывной связи с творческим миром писателя, иногда он предстает в окружении своих героев, иногда его образ представлен несколькими персонажами (автолитография В.Мишина).

Нередко можно слышать, что тот или иной портрет Достоевского больше говорит нам о художнике, нежели о предмете его изображения. Сам по себе этот факт достаточно значим: ведь только то, что оставляет сильный и глубокий след в творческом сознании, может побудить художника к самовыражению.

🤩Экзистенциализм в литературе.

Экзистенциализм — одно из ключевых направлений в философии XX века. Дать четкое и однозначное определение понятию «экзистенциализм» чрезвычайно трудно, поскольку как философское направление он крайне неоднороден. Идеи экзистенциализма находят свое отражение не только в философских работах, но и в произведениях художественной литературы. Многие из мыслителей, которых относят к экзистенциализму, вряд ли могли бы прийти к согласию хотя бы по одному важному вопросу. Некоторые авторы и вовсе отрицали свою причастность к экзистенциализму, хотя оказали значительное влияние на это направление и идейно были ему близки.

Центральная категория экзистенциальной философии — это человеческое бытие, экзистенция. Предметом рефлексии экзистенциальных мыслителей являются свобода и ответственность, проблема выбора, бытие и ничто, смысл человеческого существования, предназначение человека и многое другое.

Одним из выдающихся представителей экзистенциализма был Альбер Камю. Он неоднократно повторял, что он не является философом. Профессиональным философом он действительно не был, хотя получил философское образование. Между тем в произведениях Камю отчетливо проявляются интуитивная точность рассуждений, стремление к глубинному проникновению в человеческое сознание. Писатель сравнивал абсурдность человеческого бытия с трудом мифического Сизифа, обреченным вести постоянную борьбу против сил, с которыми не может справиться. Отвергая христианскую идею спасения и загробной жизни, Камю находит смысл в самой борьбе. Спасение, по его мнению, заключается в повседневной работе.

Ещё одним писателем-экзистенциалистом был Жан-Поль Сартр. В своем философском романе «Тошнота», написанном в форме дневника, состояние тошноты знаменует начало превращения «просто человека» в экзистенциального героя. Антуан Рокантен внезапно обнаруживает, что мир «есть», но он «вне». Рокантен испытывает страх. Герой улавливает абсурдность существования, чуждость всего, что его окружает. Он рвет все связи, расстается с любимой, оставляет занятия историей, покидает мир обывателей, которые не живут, а «ломают комедию».

🤩Что такое ружье Чехова?

Чеховское ружьё — принцип драматургии, согласно которому каждый элемент повествования должен быть необходим, а несущественные элементы должны быть удалены; в истории не должно появляться элементов, обманывающих ожидания аудитории тем, что никогда не играют роль в дальнейших событиях. Этот принцип Антон Павлович Чехов часто повторял, начиная с 1889 года, с некоторыми вариациями.

Первое упоминание принципа Чеховым встречается в его письме писателю Александру Лазареву (Грузинскому) 1 ноября 1889 года: «Нельзя ставить на сцене заряженное ружьё, если никто не имеет в виду выстрелить из него. Нельзя обещать». Чехов подразумевал здесь монолог в первом водевиле Лазарева «Старый друг», посчитав его излишним и не имеющим отношения к остальной части пьесы.

Влияние принципа на литературу и драматургию приобрело такие масштабы, что само ружьё обзавелось рядом вариаций: оружейная Чехова (несколько выстрелов в произведении), пропавший человек Чехова (исчезнувший персонаж является антагонистом или появляется в кульминации) и даже вулкан Чехова (если в сюжете есть вулкан, он непременно проснётся).

Интересно, что у Чехова действительно было ружье, которое висело на стене. Оно пробыло на своем месте 44 года, но за все это время так ни разу и не выстрелило.

🪶Где Лермонтов черпал вдохновение?

Как и многие российские авторы конца XVIII — начала XIX века, Михаил Лермонтов в работе опирался на тексты зарубежных литераторов. Но, по завету Шеллинга, создавал «собственную мифологию» и преобразовывал известные сюжеты в уникальные произведения. И все же следы текстов-доноров прослеживаются даже в его поэзии и прозе.

Интересна история создания «Песни про купца Калашникова». Лермонтов закончил текст поэмы во время первого пребывания на Кавказе и, по свидетельству современников, «набросал се от скуки, чтобы развлечься во время болезни, не позволявшей ему выходить из комнаты». Поэма была с восторгом встречена в литературных кругах, но цензор не сразу допустил ее к печати: публиковать произведение человека, сосланного за вольнодумство, было опасно. Что же до сюжета, то современники поэта утверждают, что похожий случай произошел в современной Лермонтову Москве, когда гусар украл жену молодого купца. Дело якобы попытались замять, но без жертв все-таки не обошлось. Насколько правдива эта легенда, сегодня сказать сложно.

Находят в поэме и литературные реминисценции. Так, сюжет «Песни» мог быть навеян IX томом «Истории государства Российского» Карамзина, в который включена история о купце Мясоеде Вислом, чью «прелестную жену» опричники обесчестили и повесили у него на глазах, а самого его обезглавили. Есть тут и фольклорные мотивы. Например, в сюжете песни находят параллели с текстами из сборника Кирши Данилова — «Мастерюк Темрюкович» и «Иван Данилович».

А одно из главных произведений Лермонтова, «Демон»,связывают с библейским сюжетом о падшем ангеле и средневековой легендой о докторе Фаусте, а литературными «братьями» лермонтовского героя называют Люцифера («Каин» Байрона), Мефистофеля («Фауст» Гёте) и Сатану («Потерянный рай» Мильтона). Однако русский поэт действительно создал самобытный текст. И главное, чем отличается его герой, это способностью любить. Ни у одного из вышеперечисленных персонажей этого чувства нет. Даже «хромой Бес» Лесажа, который «заведует» любовью на земле, сам не влюбляется.

Именно поэтому предлагают искать «родственных» Демону персонажей не среди героев английских и немецких писателей, а среди героев французской романтической литературы.

🫠Почему «Москва — Петушки» — это поэма?

Пребывающий в запое Веничка Ерофеев отправляется с Курского вокзала в Петушки — рай на земле, где его ждут любимая женщина и ребёнок. По пути он рассказывает о своей жизни, невообразимых самодельных алкогольных коктейлях, фантасмагорических странствиях и философии икоты, встречает самых разных попутчиков и фатально меняет курс путешествия, которое закончится трагически и нелепо. Алкогольный сон и исповедь, совмещённые в одном тексте, саркастическая энциклопедия советской жизни 1960-х и постмодернистское цитатное полотно — «Москва — Петушки» называется поэмой и действительно имеет много общего с поэзией.

Несомненно, Ерофеев, называя «Москву — Петушки» поэмой, отсылал к «Мёртвым душам» Гоголя — тексту, где лирика сочетается с эпосом, смеховой тон с элегическим, и на этом фоне происходит движение героя от места к месту, от помещика к помещику. Ерофеев действительно много раз, перемежая алкогольные анекдоты, берёт высокую трагическую ноту. Таким образом, сам текст можно сравнить с одним из ерофеевских коктейлей: высокое здесь смешано с низким, Кремль — с Курским вокзалом.

Жанр поэмы позволяет Ерофееву вступить в диалог со множеством русских поэтов, причем не только тех, кто в конце 1960-х был на слуху: помимо Маяковского и Блока, здесь и Кузмин, и Ходасевич.

Вообще же к 1970 году жанр поэмы в русской литературе маргинален, если не считать официозных текстов. Эта маргинальность отвечает положению ерофеевского героя. Этот герой ведет повествование о самом себе: это дополнительно сближает жанр «Москвы — Петушков» с лирической поэзией, где такой разговор подразумевается.

Ерофеев дополнительно выделяет произведение на фоне других прозаических текстов. По большей части при словах «поэма в прозе» без труда вспоминаются «Мёртвые души» и «Москва — Петушки».

🧵Кто такие передвижники?

Если отвечать на этот вопрос кратко, то передвижниками называют отечественных живописцев — участников Товарищества передвижных художественных выставок. Более интересна история создания этого Товарищества.

История этого сообщества началась в 1863 году, когда группа из 14 студентов Императорской Академии художеств отказалась участвовать в ежегодном конкурсе на золотую медаль. Конкурсанты хотели рисовать на свободную тему, а не на заданный академией сюжет — сцену из скандинавской мифологии, но им отказали. Тогда ученики покинули Академию и сформировали собственное независимое художественное объединение.

Семь лет спустя часть художников вошла в Товарищество передвижных художественных выставок. Его участники хотели не только создавать работы, которые отражали бы российскую действительность, но и показать русское искусство жителям отдаленных уголков страны. Среди основателей Товарищества были Григорий Мясоедов, Иван Крамской, Владимир Маковский, Иван Шишкин, Алексей Саврасов.

Некоторые полотна передвижников носили откровенно политический характер, например картина Ильи Репина о тяжелом труде рабочих, которые тянули суда против течения — «Бурлаки на Волге». Работы Саврасова были посвящены красоте русской деревни, а Шишкин прославился изображением русского леса.

Участники Товарищества старались самостоятельно привлекать покупателей и спонсоров. Материально поддерживал их знаменитый меценат Павел Третьяков.

За годы своего существования товарищество провело 48 выставок в разных городах. Передвигаясь от одного города к другому, эти выставки несли культуру в массы, что сказалось на воспитании общества, явилось мощным толчком для развития меценатства, а также нередко становилось платформой для воспитания новых творцов-живописцев.

🦉Преемник Босха.

Питер Брейгель Старший своим главным учителем он считал Иеронима Босха, даже карьеру художника начал с подделки его работ. Но Босха в раннем самостоятельном творчестве мастера было немного – Брейгеля больше интересовал реализм.

Но все же у Брейгеля в творчестве было много схожих мотивов. Например, Для художника карнавал имел особенное значение. Ему нравилось, когда весь окружающий мир как будто вставал с ног на голову. Именно тогда можно было увидеть самую суть вещей. Подобное отражено на картине «Битва масленицы и поста». Пост проиграл. Это сплошная похвала глупости. Пьяные люди, калеки, нищие. Их мы видим в первую очередь. Только дети играют в игры, не обращая внимания на причуды взрослых. Люди уже выходят из церкви, выходят, чтобы присоединиться к оргии. Прямо по центру на бочке восседает толстяк. На его ногах – котелки, на голове – пирог. Забавный перифраз Иеронима Босха, его демона обжорства из триптиха «Сад земных наслаждений». У Босха демон пугает. У Брейгеля он смешон.

Был у Брейгеля и особый взгляд на смерть. Например, в его картине «Икар». На ней изображен прекрасный пейзаж, но у корабля торчат из воды ноги Икара. Никто не пытается его спасти. Идти далеко, а корабль под парусами. Люди на этой картине равнодушны к смерти. Питер Брейгель видел много смертей в мире, и видел, как испанцы подавляли мятежи в своей колонии, как гибли люди в руках инквизиции. Так родилась картина «Безумная Грета».

Есть легенда, лежащая в основе картины. Она про женщину, которая сошла с ума. В её жизни было слишком много горя. Умерли родные, сгорел дом. Она все сносила, но до той поры, пока не пропала её сковородка. Тогда Грета надела доспехи, взяла меч и пошла в Ад воевать с Дьяволом. Она слышала, что у него лучшие сковородки. Вот тут и пришло время Босха в жизни Брейгеля. Мы видим Грету, которая, не обращая внимания на все, что творится вокруг, идет к своей цели. Но её фигура комична. В правой руке она сжимает меч, на ней латы и шлем, а левой пытается удержать все добро, оставшееся от прошлой жизни.

📃Почему дуэль Онегина и Ленского прошла не по правилам?

Мода на дуэли пришла в Российскую империю из Европы — Италии и Франции, где еще с XIV века начали проходить поединки между дворянами. До России «дуэльная лихорадка» добралась с опозданием — только к правлению Петра Великого. Причем первыми дуэлянтами были иностранцы: в 1666 году в Немецкой слободе стрелялись английский майор Монтгомери и шотландский полковник Патрик Гордон.

Причиной для вызова могло стать не только прямое унижение чести оппонента или дамы, но даже неудачная шутка или неуместное высказывание. Впрочем, поединки иногда происходили и по совсем уж ничтожным поводам.

Сами участники дуэлей не считали поединок за честь убийством, если он проходил согласно определенным правилам. Однако никакого официального и закрепленного кодекса не существовало, поэтому соперники обращались к «знатокам» в вопросах проведения дуэлей.

В «Евгении Онегине» такую роль выполняет Зарецкий. По одной из версий, прототипом этого героя был граф Федор Толстой, знаменитый авантюрист по прозвищу Американец, который был заядлым дуэлянтом: в поединках с ним погибло 11 человек. В романе этот персонаж описан как «в дуэлях классик и педант», но Зарецкий, наблюдая за поединком Онегина и Ленского, скорее всего, сознательно допустил несколько принципиальных ошибок, противоречащих общепринятым дуэльным правилам XIX века.

По традиции секундант направлял противнику письменный вызов, который назывался картелем. Задачей секунданта было прежде всего приложить все усилия, чтобы уладить конфликт до дуэли. Зарецкий мог привести друзей к примирению как минимум трижды. Первый раз — при передаче картели Онегину, однако, передав вызов, он встал без объяснений и ушел, сославшись на множество дел дома.

Вторая возможность остановить дуэль была, когда Онегин назвал своим секундантом лакея Гильо. Секунданты должны были быть равны по социальному статусу, так что такой выбор оскорблял самого Зарецкого и противоречил правилам. Секунданты также не встретились накануне поединка, как было принято, чтобы без участников обсудить правила дуэли. В результате такой встречи секунданты могли принять решение, что нанесенного оскорбления недостаточно для поединка. Из-за нарушения негласного регламента по всем этим пунктам дуэль Онегина и Ленского можно было отменить.

Третья возможность не допустить дуэли была когда Онегин опоздал на час, что было достаточно для того, чтобы посчитать его не явившимся на дуэль. Зарецкий, как полагают некоторые литературоведы, был заинтересован в максимальном резонансе поединка. Все его нарочитые ошибки при подготовке поединка и во время него увеличивали шансы летального исхода для одного из противников, а значит, дуэль стала бы громкой историей, об участниках которой, включая самого Зарецкого, много говорили бы в свете.

💌Романтизм в живописи.

Романтизм пришел на смену строгому классицизму в живописи и принес новый багаж: переживания, волнения, краски, и особую выразительность. Нередко стиль романтизма путают с «романтическими» образами в живописи и пасторальными сценами. Но в фокусе внимания творцов всех жанров конца XVIII — начала XIX в.в. от музыки до живописи — личность со всеми переживаниями и богатым внутренним миром.

Главное для представителей романтизма в живописи — передать и показать эмоции героя. Они лучше всего проявятся в неординарных обстоятельствах, в необычные моменты жизни, отсюда и сюжеты. В ход идут реалистично нарисованные, волнующие эпичные сцены: Библейские, исторические темы, мифы, мистика, события недавнего прошлого, с живыми, порывистыми движениями персонажей и их эмоциями. На пейзажах — дыхание природы (перед грозой!), а на портретах — вся гамма чувств. Романтизм в живописи - это полотна Жерико, Делакруа, Тернера, Гойи, Брюллова, Айвазовского, Тропинина.

В романтизме акцентируется все яркое, неожиданное и драматичное, вызывающее эмоции — от тихого религиозного восторга до ужаса. На картинах романтиков в массовых сценах чаще всего нет главного героя, вместо него — сама стихия толпы. Страдающие люди пассивны, они бегут от несчастий и бед, их преследуют, судят, наказывают, а им не остается ничего, кроме как взывать к небу. Крушение кораблей — один из самых популярных романтических сюжетов; художники-романтики переняли его у голландцев XVII века, правда не всегда сохраняя изначальный поучительно-религиозный смысл — аллегорию тщеты человеческих усилий и непредсказуемости божественной воли. До романтиков культуру Средневековья не очень-то ценили: она ассоции­ровалась с чем-то варварским, неправильным, диким, — а «хорошей» считалась Античность. Романтики уравнивают в правах античное и средневековое, часто отдавая первенство второму: самоопределявшиеся нации интересовались собственным прошлым и нередко находили его в Средних веках.

Телеграм-канал начинающего книголюба – «Книжная жажда»!

Канал образовался совсем недавно, но уже довольно активен. Здесь честные отзывы о прочитанных книгах, интересные факты о писателях, цитаты, большое количество книжных мемов, розыгрыши книг – в общем все то, что мы так любим!

А ещё в комментариях обсуждают прочитанное и болтают на околокнижные темы)

Поддержать начинающего книголюба можно подпиской на канал!

🤡«Станчик» Яна Матейко.

Это картина в стиле академизма польского художника Яна Матейко, написанная в 1862 году. Одна из первых художественных исторических работ художника. Станчик — реальная историческая личность, он был придворным шутом великих князей литовских и королей польских Александра Ягеллона, Сигизмунда I Старого и Сигизмунда II Августа. Согласно скудным данным, его настоящее имя - Станислав Гуса, или Станислав Вассота. Он родился около 1480 года в деревеньке Прошовицы неподалеку от Кракова, а Станчиком его называли, сократив имя «Станислав». Свою популярность шут снискал за свои едкие замечания выходки, которые он проворачивал с королевской семьей и придворными.

Полное название картины звучит: «Станчик во время бала при дворе королевы Боны после потери Смоленска». Поэтому шут здесь изображен погруженным в тяжкие думы. Ян Матейко запечатлел своего Станчика в момент, когда он скорбит о поражении литовской армии под Смоленском. Об этом свидетельствует слово «Смоленск» и римские цифры «1514», изображенные на только что прочтенном письме. Утрачена важнейшая крепость на востоке, ее захватили войска московского князя Василия III, но, кажется, никого это не волнует, кроме шута.

Этот образ дополняется окном, в левой стороне комнаты, через которое можно разглядеть башню Вавельского собора и летящую по небу комету — символ приближающейся катастрофы. Подчеркивается этот образ и тем, что свет, падающий на фигуру Станчика не имеет видимого источника. возможно, это «свет истины» — «luх veritatis». Сама комната ярко контрастирует с бальной залой, в которой люди до сих пор веселятся, игнорируя дурные вести.

На этом полотне Матейко изобразил самого себя как тонко чувствующего патриота, национальный голос совести, который «видит больше» и напоминает о том, что следует учиться на ошибках и делать выводы из неудач, одновременно не прекращая борьбу за независимость. Он отчетливо подчеркнул свое одиночество: Станчик остается со своими размышлениями один на один, в то время как власть и элита — те, кто на самом деле должен действовать, — полностью погружены в беззаботное веселье.

💀Скрипач, который всегда рядом.

В искусстве человеческий череп используется авторами по-разному, все зависит от индивидуального стиля и творческого видения. Одним из известных примеров в литературе является пьеса Уильяма Шекспира, в которой Гамлет, держа в руке череп, размышляет о судьбе.

«Автопортрет со Смертью, играющей на скрипке» — картина написана выдающимся швейцарским живописцем Арнольдом Бёклином в 1872 году.

В этом раннем и весьма своеобразном автопортрете Арнольд Бёклин почти неуклюже привлекает к себе взгляд зрителя, отрываясь от работы, словно полуощущая за своим левым плечом скелет, играющий на скрипке. Картина демонстрирует готический юмор, который стал истинным синонимом творчества Бёклина, а также предполагает собой некоторые неожиданные творческие источники, вполне возможно, особенно реалистическую живопись Франции середины XIX столетия.

Сочетая в себе романтическую и готическую тему с нарочитой неформальностью изложения, которая особенно очевидна в позе творца и его одежде (возможно, под влиянием художников Барбизонской школы живописи, которыми Бёклин очень сильно восхищался в юности), Арнольд предлагает переработку жанра memento mori, весьма популярного ещё со времён Северного Возрождения.

Работы Бёклина также вдохновили собой позднего романтического композитора Густава Малера, который, по словам его вдовы Альмы Малер-Верфель, вставил скрипичное соло на неправильно настроенной скрипке в свою «Симфонию № 4 в Соль Мажор» сразу после того, как увидел эту картину.

🙂Что возрождали в эпоху Ренессанса?

Само слово «Ренессанс» произошло от итальянского «Rinascimento», что переводится как «Возрождать». Собственно, эпоха Возрождения и началась в Италии XIV века, а затем распространилось на всю Европу. В то время возрождались античные понимания эстетики.

В широком представлении, в эпоху грязного средневековья итальянцы поняли, что живут на руинах древней прекрасной цивилизации, вдохновились этим и смыли с себя грязь, начав возрождение античного понятия красоты. Конечно же, происходило это не одним днем, и средневековье было не таким уж грязным, как мы привыкли его представлять. Да и истоки Ренессанса идут ещё к концу VIII века, когда подавляющее большинство людей было неграмотными. Начал возрождение Карл Великий, и этот период называется «Каролингское Возрождение». Тогда начали оптимизировать написание букв, латынь, и обучение. Построили множество учебных заведений, где переводили и изучали античную культуру. Там же были изготовлены самые ранние сохранившиеся копии произведений Цицерона, Горация, Марциала, Статия, Лукреция, Теренция, Юлия Цезаря, и многих других.

Такие небольшие возрождения продолжались: в начале IX века началось «Оттоновское возрождение», потом была «Шартрская школа» XI—XII веков. Таким образом, все это привело к уже известному нам возрождению в Италии XIV века.

На самом же деле упадка культуры и эпохи мракобесия никогда не происходило, был лишь спад мирового интереса к античности, ввиду других мировых событий.

🌕Как Сальвадор Дали связан с литературой?

Сам испанский живописец книг не писал, но некоторые книги вдохновили его на создание необыкновенных иллюстраций.

Сатирический роман-пенталогия французского писателя XVI века Франсуа Рабле «Самая ужасающая жизнь великого Гаргантюа, отца Пантагрюэля», а также последовавшая за ним мистификация «Потешные сны Пантагрюэля», авторство которой изначально приписывалось Рабле, вдохновили Сальвадора Дали на создание собственной версии снов Пантагрюэля. Как итог, на свет появились изображения человеческих пороков под видением Дали, чем-то напоминающих героев Босха. В своих работах Дали следует концепции избыточного удовольствия, поэтому и пороки Дали не изображены в виде людей.

А одной из любимых книг Сальвадора Дали был «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский» Мигеля де Сервантеса. Художник иллюстрировал Дон Кихота несколько раз, и впервые сделал это в 1945 году. После этого живописец создаст ещё 3 цикла иллюстраций к роману. Один из этих циклов был выполнен довольно интересной техникой: Дали стрелял из аркебузы по гравировальным камням пулями, начиненными литографической краской.

Также Дали проиллюстрировал «Божественную комедию» Данте серией акварелей и гравюр. И разумеется, испанский живописец представил новый взгляд на ад, чистилище и рай. Примечательно, что Дали отошел от концепта темного ада, в котором ничего не видно, и сделал иллюстрации в светлых нежных тонах. Интересно также и то, что работы Дали перекликаются с работами Гюстава Доре — самого известного иллюстратора «Божественной комедии», хотя и их работы значительно отличаются.

🗽Создатель барокко.

Барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность. Барокко — это один из самых многозначных терминов в истории художественной культуры.

По праву одним из создателей стиля считается Питер Пауль Рубенс. Уникальные свойства этой манеры письма наглядно продемонстрированы в его ранней переходной работе «Святой Георгий, поражающий дракона». Стоящая слева женщина в застывшей позе выписана чрезвычайно детально, что характерно для всех предшественников Рубенса. Но героическая фигура рыцаря, его вставшая на дыбы лошадь, энергичные жесты и яркие краски демонстрируют новый интерес, проявляемый Рубенсом к напористому действию, движению, эмоциям. Такие картины, как эта, приблизительно на полвека предвосхитили широкое использование стиля барокко художниками в других европейских странах.

Яркий, пышный рубенсовский стиль характеризуется изображением крупных тяжелых фигур в стремительном движении, возбужденных до предела эмоционально заряженной атмосферой. Резкие контрасты света и тени, теплые богатые краски, кажется, наделяют его картины кипучей энергией. Он писал грубоватые библейские сцены, стремительную, захватывающую охоту на животных, звонкие ратные побоища, примеры высочайшего проявления религиозного духа, и все это делал с равным пристрастием к перенесению на холст высочайшей жизненной драмы.

Никто не изображал людей и животных в жестокой схватке так, как это делал Рубенс. Все его предшественники тщательно изучали прирученных зверей и рисовали их в сценах вместе с людьми. Такие работы обычно преследовали одну цель — продемонстрировать знания анатомического строения животного и основывались главным образом на библейских или мифологических рассказах. Воображение Рубенса увлекло его далеко за пределы реальности истории, заставляя создавать живой мир, в котором люди и звери сражаются друг с другом в стихийно возникшей схватке. Его охотничьи сцены характеризуются огромным напряжением: страсти накалены до предела, возбужденные люди и животные бесстрашно, с яростью набрасываются друг на друга. Этот жанр Рубенс популяризировал в середине своей карьеры художника.

💌Картина, которая самоуничтожилась.

У этой картины есть два названия: «Девочка с воздушным шаром» и «Любовь в мусорном баке». Связано это с перформансом во время аукциона.

Изначально, картина была авторской копией одноименного граффити, созданного анонимным художником под псевдонимом Бэнкси. Картина изображает девочку, силуэт которой нанесён на холст чёрными красками по белому фону. Она с грустью наблюдает, как улетает вдаль её ярко-красный воздушный шарик в форме сердца. Искусствоведы Sotheby's отмечали, что, как и большая часть работ Бэнкси, изображение неоднозначно, оставляя зрителя в размышлении, пытается ли девочка поймать летящий воздушный шар — символ детского счастья, или же она позволила ему выскользнуть из руки и смотрит с сожалением, как он улетает.

Во время аукциона в 2018 году, после объявления о продаже полотна, с последним ударом молотка аукциониста встроенный в раму шредер разрезал картину на мелкие полосы. Считается, что после этого события стоимость картины только выросла.

🌙Самый жестокий морской пейзаж.

Картина Уильяма Тёрнера «Невольничье судно» написана в 1840 году, по мотивам бойни на Зонге. Бойня произошла в начале декабря 1781 года, когда на судне, сбившемся с курса из-за навигационной ошибки, как утверждал первый помощник капитана, иссяк запас пресной воды, члены судовой команды в течение нескольких дней утопили часть рабов, выбросив их связанными за борт. По окончании рейса владелец «Зонга» — ливерпульский работорговый синдикат, заранее застраховавший жизни перевозимых на судне рабов, потребовал у страховой компании покрытия убытков, понесённых фирмой из-за «гибели товара в море». Отказ страховщика возместить ущерб привёл к серии судебных слушаний, по результатам которых было решено, что в определённых обстоятельствах умерщвление рабов может считаться законным, и страховая компания обязана выплатить клиенту-работорговцу страховое возмещение за их смерть.

Картина Уильяма Тёрнера пугает и одновременно завораживает сумасшедшими цветами, причудливыми образами и ощущением неумолимой стихии. Очертания объектов растворяются в сполохах алого, золотого, тонут в прозрачно-серебристом мареве компульсивных мазков. Если приглядеться, то можно увидеть, что Тёрнер изобразил адские муки, передав их цветами. А рыбы, поедающие рабов представлены ни чем иным, как адскими тварями, терзающими души людей.

👀С чего начался жанр антиутопии?

Как ни странно, прародителем жанра стала книга Джонатана Свифта "Приключения Гулливера". Разумеется, не в том варианте, в котором она наиболее широко известна. В какой-то момент из книги убрали все то, что не могло быть в детской литературе, превратив достаточно жесткое сатирическое произведение, наполненное нечистотами в буквальном смысле, в простую сказку.

Изначально в книге было 4 части, но последние две были убраны и остались только путешествия в Лилипутию и Бробдингнег (страна великанов). В последующих же частях наиболее ярко проявился злой юмор, который и стал прародителем антиутопии. Кстати, подобное происходит и с книгой "История одного города" Салтыкова-Щедрина. По сути, если из этой книги убрать комедийную часть, то мы получим "1984" Оруэлла.

Но вернемся к "Приключениям Гулливера". Книга была написана в эпоху просвещения, когда все грезили об идеальном обществе и утопии. Свифт отвечает на это сатирой. Когда Гулливер попадает в страну гуигнгнмов (четвертая часть книги), он встречает отвратительное обезьяноподобное существо, которое тут же начинает забрасывать его фекалиями. Потом эту обезьяну прогоняют, и Гулливеру рассказывают, что это существо было ни кем иным, как моряком, которое потерпело кораблекрушение и осталось на острове. Таким образом Свифт говорит, что человеческая природа изначально порочна, и ни о какой утопии не может быть и речи.

📚Кто сформировал Достоевского?

Существует такая прописная истина — писателя формируют те книги, которые он читает. Достоевский был весьма начитанным человеком, так что в его случае эти слова как нельзя кстати.

Свой литературный путь Федор Михайлович начал с перевода книги Оноре де Бальзака "Евгения Гранде". Сам Достоевский называл этот перевод удачным, но исследователи сходятся на том, что русскому классику не удалось местами сохранить стиль Бальзака, а местами он и вовсе добавил что-то от себя. Это вполне простительно, ведь в те времена школы перевода, как таковой, не существовало.

В принципе, именно Бальзак дал Достоевскому все то, что стало его отличительным стилем. Бальзак был одним из создателей реализма, что и зацепило Федор Михайловича в творчестве французского писателя. Также Бальзак подсказал русскому классику около криминальную среду, которая не редко фигурирует у обоих авторов. В том числе, Достоевский перенял и тему, которая часто встречалась у Бальзака — утраченные иллюзии.

Также на Достоевского повлиял Вальтер Скотт и его роман "Айвенго". В этом романе обращается внимание на то, как различен язык слоев населения. Эту тему перенял Бальзак, которым и зачитывался Достоевский. Стоит сказать, что Федор Михайлович также читал и Скотта, поэтому утверждать наверняка, у кого именно он перенял эту тему, сложно. Однако известно, что Достоевскому не была интересна основная тема Скотта — исторический роман. Больше он отдавал предпочтение повседневности.

К слову, Достоевский не под чистую перенял стиль и темы Бальзака. Он трансформировал его, перенеся скрупулезное внимание к деталям с социологии на человеческие души и чувства.

💀Смерть Эдгара Алана По.

Жизнь Эдгара По была сродни его произведениям — такая же загадочная, мрачная и противоречивая. Такой же оказалась и его смерть, причина которой внятно не установлена и до сих пор.

Писатель скончался 7 октября 1849 года в одной из больниц Балтимора. За несколько дней до этого Эдгара По обнаружили в полуобморочном состоянии на скамейке в парке, в грязной одежде не по размеру. По другой версии писателя нашли в овраге. За все время пребывания в больнице писатель так и не смог внятно объяснить, что с ним произошло. Он только повторял фамилию некоего Рейнольдса, но кому она принадлежала установить так и не получилось. Газеты объявили причиной смерти «болезнь мозга» и «воспаление центральной нервной системы» — диагнозами, которые в 19 веке часто ставили людям, скончавшимся от алкоголизма. Также распространялись слухи, что причиной смерти стала алкогольная и наркотическая зависимости, но по показаниям очевидцев, запаха алкоголя они не почувствовали.

Более распространенная версия говорит, что По стал жертвой нападения. В пользу этого говорит распространенный в те время купинг. Это форма мошенничества при выборах, когда бандиты хватают на улице прохожих, напаивают их до беспамятства и возят по избирательным участкам, где заставляют отдавать голос за нужных кандидатов.

Однако к единой причине смерти писателя так и не пришли. Существуют даже теория, что он был убит родственниками своей невесты, но в пользу этой теории достаточно мало доказательств. Причину самоубийства также отрицают — было проведено исследование, в ходе которого в ИИ загрузили работы писателя в хронологическом порядке, и алгоритм не нашел признаков склонности к суициду.

Всех прекрасных дам с 8 марта!
И в честь праздника, вспомним самые известные образы женщин в искусстве.

🌼Афина.

Среди кровожадных, жестоких и развратных героев древнегреческой мифологии один из самых по-человечески симпатичных персонажей – это Афина, богиня мудрости и справедливой войны. Изображать Афину принято в шлеме и с копьем в руке. А на ее нагрудном доспехе часто помещали отрубленную голову Горгоны Медузы, либо ее схематическое изображение. На картине Густав Климта «Паллада Афина» можно увидеть как раз такое схематичное изображение. Если вглядеться, то на полотне можно узнать и другие традиционные атрибуты Афины, которые под кистью художника стали почти неузнаваемыми. На заднем плане, рядом с копьем едва намечен силуэт мудрой совы, традиционного спутника Афины. В руке богиня Климта держит небольшую статуэтку обнаженной женщины – по всем правилам это должна быть богиня победы Ника, которую рисовали все-таки одетой. Но Климт заменил ее на символ «обнаженной истины» – Nuda Veritas. Искорка в руке голой Правды – это зеркало, в котором каждый должен увидеть себя.

🌼Жанна д’Арк.

Жанна д’Арк, простая крестьянка, которая взяла в руки оружие, и ведомая голосами святых, отправилась спасать родину от английского вторжения. Её натурщицей на полотне Данте Габриэля Россетти «Жанна д’Арк» стала Джейн Моррис, простая дочь конюха. Россетти вместе с другом, художником Берн-Джонсом случайно встретил ее в театре и, восхитившись красотой девушки, пригласил в натурщицы. Джейн позже вышла замуж за художника Уильяма Морриса, выучила итальянский и французский, овладела фортепьяно, стала писать неплохие стихи и переводить. На картине Жанна д'Арк изображена будто целующей меч – символ освобождения страны. Ее роскошные рыжие волосы распущены – Россетти с удовольствием писал кудри Джейн Моррис, которая, не смотря на то, что была женой его друга, стала и его любовницей. На заднем плане нарисованы цветы, похожие на ирисы – так реалистично художник написал геральдическую лилию французских королей «fleur-de-lis».

🌼Марианна.

У символа Франции – молодой женщине во фригийском колпаке, есть личное имя – Марианна. Ее статуи и бюсты стоят во французских госучреждениях, а голова печаталась на марках и на монетах. Нетрудно догадаться, что на картине Делакруа ей 38 лет: Марианна родилась во время Великой Французской революции. Тогда в 1792 году Национальное собрание постановило, что на печати нового государства будет изображена женщина с копьем и фригийском колпаке. С тех пор новый символ государства не исчезает из французского искусства. Картина Эжена Делакруа «Свобода на баррикадах», написанная в 1830 году – одно из самых знаменитых изображений Марианны. Полотно было создано по следам только что прогремевшей Июльской революции, окончательно свергшей Бурбонов. Марианна, то есть Свобода, здесь с обнаженной грудью – это символизирует самоотверженность парижан тех дней, которые шли на врага буквально «с голой грудью». В одной руке у нее трехцветный флаг, в другой ружье.

💀Портрет с закрашенными демонами.

Франс Хальс написал портрет голландского бизнесмена, Исаака Мааса, в 1622 году. Это один из многих портретов Исаака, которые написал художник. Исаак Маас был покровителем и близким другом Хальса, так что очень часто заказывал у него портреты. Но портрет 1622 года сильно выделяется на фоне остальных.

Исследователей заинтересовала поза, в которой изображен бизнесмен. Она кажется слишком расслабленной и вольной, хотя обычно портреты писали в довольно сдержанных и строгих позах. Поэтому картину решили просветить рентгеном, и обнаружили закрашенный когда-то фон. На нём за спиной Исаака были изображены две демонические головы. Левая голова похожа на голову медузы Горгоны, держащую во рту сердце. Это являлось символом зависти, ведь обычно её изображали со змеями вместо волос. А сердце во рту это аллегория на пословицу "Зависть выедает сердце". Правой головой был череп, что очевидно, является символом смерти.

Ответ на вопрос, почему эти символы расположились на портрете нашли в книге эмблем («Emblematum Liber», написана Андреа Альчато в 1522 году), которая была крайне популярна в те времена. В этой книге была гравюра "Смерть растаптывает зависть", в которой и узнали демонические головы, изображенные на портрете Исаака. Гравюра символизировала то, что смерть — единственное избавление человека от зависти.

Изображение этой гравюры на портрете было ответом всем завистникам, что были у Исаака Мааса. Таким образом он показал свое отношение ко всем своим недоброжелателям и сказал, что смерть избавит их от зависти. Так что по сути этот портрет посылает в известном направлении всех недоброжелателей Исаака.

Скорее всего, фон картины закрасили после смерти бизнесмена, так как это было слишком уж дерзкое изображение.

📖Чехов и устрицы.

С устрицами у Чехова были крайне сложные отношения. Несколько раз они появлялись в его рассказах, и каждый раз отношение к деликатесу у писателя было разным. Но самым интересным является то, что сопровождали они Чехова даже после смерти.

Когда 15 июля 1904 г. писатель скончался на немецком курорте Баденвайлер, то с отправкой тела в Россию возникли проблемы. В Европе стояла жара, и везти тело в обычном поезде не было никакой возможности. Тогда жена Чехова, актриса Ольга Книппер договорилась, чтобы тело мужа отправили в Россию в вагоне-холодильнике. Когда он прибыл в Москву, то многочисленная публика, собравшаяся на Николаевском вокзале, увидела на вагоне надпись: «Для перевозки живых устриц». Это вызвало бурю возмущения. В частности, Максим Горький написал пафосную статью, где утверждал, что, таким образом, воинствующая пошлость решила отомстить Антону Павловичу за его непримиримость к ней и устроила эту мистическую насмешку над великим писателем.

На самом деле, это было вызвано причинами сугубо практическими — в то время только вагоны-рефрижераторы для перевозки устриц могли обеспечить необходимые условия для перевозки тела в летний период.

💀Что такое символизм?

Символизм (фр. symbolisme, от греч. simbolon – знак, символ) – литературное и художественное направление в искусстве, возникшее в конце ХІХ — начале XX вв. Основой творческой деятельности для мастеров, работающих в этом стиле, стал символ – некая тайная идея или мысль, реализованная в контексте мистических или романтических концепций, потусторонних явлений, снов, намеков и тайны. В символизме явления реального мира, природа и люди выступают лишь способом передачи внутреннего, глубоко личного, переживания художника.

В изобразительном искусстве работы этого направления стали началом конца классических живописных традиций. Художники символизма в своих картинах провозглашали идеи о том, что за миром предметным скрыта иная, невыразимая реальность, сотканная из снов и видений. Основные акценты делались на эмоциях, чувствах и субъективном взгляде мастера. В этом направлении без труда угадывается "теория бессознательного" Также представители этого направления часто обращались к оккультизму, к исследованию различных патологий и парадоксов, к миру снов, меланхолии, эротизму, к извечным темам зла и смерти, демонстрируя явный социальный антибуржуазный протест. Это направление настолько эклектично, что никогда не считалось формальным стилем.

Символизм стал мостиком от романтического стиля XIX века к модернизму начала XX века. Также, он является еще одним связующим звеном живописи и литературы. В живописи символизм часто демонстрировал визуализацию образов, созданных поэтами, писателями и философами.

Основными примерами символизма в живописи можно назвать:

💜«Глаз-Воздушный шар», Одилон Редон, (1878)
💜«Надежда», Джордж Фредерик Уоттс, (1886)
💜«Юпитер и Семела», Гюстав Моро, (1895)
💜«Раненый ангел», Уго Симберг, (1903)
💜«Танец жизни», Эдвард Мунк, (1899-1900)

🦉Сова в картинах Босха.

Творчество Иеронима Босха имеет нестандартный, и даже в какой-то степени, пугающий характер. Большинство его работ относят к направлению сюрреализма, видя схожесть с картинами Сальвадора Дали. Ещё одна отличительная особенность в произведениях Босха это символизм и глубокий смысл, который зачастую кроется в деталях. Так или иначе, каждый сантиметр его картин наполнен историей, смыслом, глубоким значением, сценарием, отсылками и интерпретациями. Художник любил нестандартно вуалировать ничем особо не примечательные вещи, например — яичная скорлупа, горшки, музыкальные инструменты.

Один из часто используемых Босхом символов является сова. Практически всегда эта птица является символом молчания, благоразумия, мудрости и бдительности. Такой же смысл она имеет и в геральдике, но Босх закладывал совсем иное значение. В его работах сова — олицетворение дьявола, символ угрозы и осторожности.

В средневековье сова в целом имела символ глупости, т.к. она живет ночью, не видя света. Это трактовалось как отсутствие света божественного знания. По той же причине сова считалась животным дьявола. К этому добавлялось и то, что сова — хищная птица. К тому же, особенности строения шеи совы, и связанное с этим поведение птицы пугало людей.

Босх в своих картинах показывает греховный мир, где властвует не бог, а дьявол, обнажает людские пороки и высмеивает патриархов и монахинь, изображая их в различных несуразных образах. Поэтому неудивительно, что наиболее частым символом в картинах Босха является сова.

📖Гитарист и женщина Пикассо.

Пикассо создал картину "Старый гитарист" в Барселоне, в 1903-1904 годах. Это было время, когда художник отказался от академической живописи и стал искать свой собственный стиль. Он был беден и тяжело переживал самоубийство близкого друга Карлоса Касагемаса, со смертью которого и начался голубой период в его творчестве. Тогда работы Пикассо отображали страдания нищих, больных, обездоленных людей и передавали внутреннее состояние самого художника. Преимущественно художник работал в голубом цвете — цвете меланхолии.

Эта картина скрывает одну довольно интересную деталь. На холсте изображен старый слепой музыкант, играющий на гитаре. Преувеличенно удлинённая угловатая фигура музыканта напоминает картины испанского художника XVI века Эль Греко, которым Пикассо всегда восхищался. Не так давно были сделаны рентгеновские и инфракрасные снимки полотна. Благодаря им под слоем краски обнаружили ещё одно изображение.

На закрашенном наброске обнажённая молодая женщина, кормящая грудью ребёнка, а также корова и телёнок. Контуры лица женщины можно увидеть невооружённым глазом. Они проступают через голову и шею гитариста. По сути, никакой мистической тайны в этом рисунке нет. Пикассо часто записывал свои старые работы из экономии средств, поскольку в то время его картины редко продавались, и он жил в нищете.

🗡Картина, показывающая месть.

Особую популярность работы итальянской художницы эпохи барокко Артемизии Джентилески получили во второй половине 20 века. Именно тогда её уникальное видение было в полной мере оценено искусствоведами и просто ценителями искусства. Это случилось не только потому, что Артемизия была талантливой художницей 17 века, но также и теми бурными событиями её жизни, которые сподвигли её на творчество.

Артемизия Джентилески родилась в Риме в 1593 году. Она была дочерью известного художника Орацио Джентилески и последовательницей его ближайшего друга и коллеги Караваджо. Артемизия стала одной из первых признанных женщин-художников в мире искусства своей эпохи, где доминировали мужчины. Художница прославилась изображениями сильных и смелых женщин, взятых в основном из Библии. Джентилески таким образом бросала вызов традиционным представлениям общества её времени, которые часто отводили дамам пассивную роль.

Помимо всех своих художественных достижений, Артемизия широко известна благодаря позорному публичному суду над ней, который потряс Рим 17-го века. Дело в том, что когда она была совсем юной, её изнасиловал художник Агостино Тасси. Отец потребовал от обидчика жениться на его дочери, чтобы скрыть позор и защитить её доброе имя. Тот отказался, тогда Орацио Джентилески подал на него в суд.

Суд длился с апреля по ноябрь 1612 года. На нём Артемизию подвергли ужасным испытаниям, среди которых был и детектор лжи эпохи Возрождения: вокруг пальцев жертвы обматывали верёвку и затягивали всё туже и туже, чтобы добиться признания. И хоть суд и признал Тасси виновным, наказания он практически не понес. По решению суда его на год изгнали из Рима, куда он потом и вернулся.

Артемизия искала способ отомстить за своё унижение. Искусство в её руках стало средством возмездия. В одной из своих самых запоминающихся картин, написанных примерно во время нападения, Артемизия изображает фиктивную месть нападавшему через библейское повествование о Юдифи и Олоферне. Артемизия изобразила себя в образе Юдифии, которая медленно отрубает голову Олоферну.

Интересна деталь, которая позволяет понять, что месть вершилась медленно и с наслаждением: изображенная на полотне кровь уже успела пропитать ткань, на которую стекает, насквозь и запечься.

🗽Как Микеланджело исправил нос Давида?

Создавая мраморную статую Давида, Микеланджело Буонарроти работал один. Скульптор терпеть не мог, когда ему предлагали что-то изменить в своей работе или советовали сделать не так, как он задумал. Два года и четыре месяца длилась работа над скульптурой, и когда Микеланджело её закончил, посмотреть на работу пришла вся местная знать. Самым важным вельможей в толпе посетителей был глава городского правительства Пьеро Содерини. Он не только считался покровителем искусств и талантов, но был ещё и главным заказчиком статуи Давида.

Пьеро решил указать скульптору на недостаток, который, как он считал, портил вид статуи. Синьор Содерини заявил, что нос Давида слишком уж большой. Обычно в подобных случаях скульптор впадал в ярость и даже был готов начать драку. Но в тот день Микеланджело поступил совершенно по-другому. Он молча приставил лестницу к статуе, в одну руку взял инструмент, а второй незаметно прихватил с подножия своего колосса горсть мелких осколков и мраморной пыли. Поднявшись по лестнице, скульптор стал изображать бурную деятельность. От так рьяно бил молотком по долоту, что пыль и крошки летели во все стороны. И даже сыпались на головы приёмной комиссии. Но на самом деле, Микеланджело лишь умело имитировал удары и ловко разбрасывал осколки. Нос Давида при этом не пострадал.

Спустя несколько минут, представление было окончено и скульптор, спустившись вниз, почтительно спросил, нравятся ли заказчику изменения? Довольный Пьеро заявил, что теперь-то совсем другое дело, и статуя выглядит просто прекрасно. Синьор Содерини был необычайно рад, что великий мастер послушал его совета, и тем, что настолько хорошо разбирается в искусстве.

💌Что такое мадригал?

Мадригал — это небольшое стихотворение-комплимент. Обычно такие произведения посвящали дамам.

В русский язык слово «мадригал» пришло из итальянского. А итальянское madrigale восходит к латинскому mandrialis, что переводится как «сочинение на родном языке».

Первые мадригалы появились в Италии в начале XIV века — в эпоху Возрождения. Это были небольшие любовные стихотворения. Строгих правил формы и композиции у мадригалов не было. Но, как правило, они состояли из нескольких трехстрочных строф и одной — заключительной — двухстрочной.

Уже в середине XIV века мадригалами стали называть маленькие музыкальные пьесы для двух-шести голосов. Для них было характерно свободное построение и обилие сюжетов. Композиторы часто использовали этот жанр для экспериментов. Существовали любовные, религиозные, юмористические мадригалы. Музыкальные мадригалы были популярны вплоть до конца XVI века в Италии, Германии, Испании, Англии и других странах Европы.

Как литературный жанр мадригал возродился в XVII веке. Тогда стало модно писать небольшие стихотворения-комплименты для гостей салонов, творческих вечеров.

Из французской литературы в XVIII веке мадригалы позаимствовали русские поэты. Свои стихотворения такого жанра они обычно посвящали женщинам. Мадригалы писали Николай Карамзин, Александр Сумароков, Василий Пушкин. Иногда поэты использовали один и тот же текст несколько раз. Поэтому в своих стихотворных комплиментах они либо не упоминали имен, либо заменяли их на условно-поэтические — Алина, Селина, Лила.

Мадригалы были популярны и в XIX веке. Их писали Александр Пушкин, Константин Батюшков и Михаил Лермонтов. Однако со временем жанр изменился. Поэты стали пародировать такие стихотворения из-за часто повторяющихся эпитетов и конструкций. Поэтому уже в 1860-х мадригалы сочинять перестали.

🧙‍♀️Артур Конан Дойл и спиритизм.

Автор всем известных приключений Шерлока Холмса был членом оккультного общества «Золотая заря», президентом Британской коллегии оккультных наук и Лондонского спиритического общества, автором труда «История спиритуализма» и книги «Явление фей». Писатель верил в существование призраков и серьезно относился к спиритическим сеансам. Но некоторые исследователи называют это очередной мистификацией, связанной с именем Конан Дойля.

Изучением потустороннего мира Артур Конан Дойл решил заняться после смерти отца – он умер в психиатрической лечебнице, а перед этим утверждал, что слышит голоса с того света. Писатель якобы нашел дневник отца, в котором тот заявлял о найденном им способе общения с душами умерших и заклинал сына исследовать эту заповедную область человеческого сознания.

Артур Конан Дойл увлекся спиритизмом и оккультными науками в то время, когда его писательский талант уже принес ему международную популярность. В 1916 г. он опубликовал статью, в которой заявил о своей вере в общение с умершими. А спустя десять лет свет увидела выше упомянутая «История спиритуализма».

👁Тёмная сторона искусства.

Dark art — это жанр, который делится на множество направлений. Например, dark fantasy, dark surrealism, horror&macabre. Подобно хоррорам в кино и литературе, Dark Art в живописи и цифровой графике использует пугающие образы для создания изображений. Художники работают с оккультными мотивами, фольклором, включают в свои произведения эстетику декаданса и не в последнюю очередь эксплуатируют наши повседневные страхи.

В движении Dark Art художник передает свои мысли в очень таинственной манере, иногда сочетая сюрреалистические элементы. Ужасные действия и макабрические сцены заставляют нас остановиться и задуматься о себе. Для работ в таком стиле характерны визуально потрясающие сцены, где черный цвет преобладает над всеми цветами.

На протяжении всей истории мы находим знаменитых художников, которые также были современниками своего времени и хотели показать самую темную и ужасающую сторону своего опыта, что позволяет отнести эти работы к темному искусству, а точнее, к предшественникам движения темного искусства.

Среди работ, которые связаны с зарождением этого направления можно выделить:
🕶Ханс Мемлинг — Черт, 1485 год.
🕶Иероним Босх — Страшный суд, 1482 год.
🕶Франсиско Гойя — Сатурн, пожирающий своего сын, 1823 год.

🐈«Любовники моей жены» Карла Калера.

Картина получила неофициальный титул «величайшего в мире полотна, изображающего кошек», причем сразу по трем параметрам: величине, количеству изображенных кошек и цене. Создана по заказу по заказу американской миллионерши Кейт Бёрдселл Джонсон. Предположительно, название картине было дано её супругом, Робертом Джонсоном — хотя он и умер в Париже в 1889 году, ещё до начала работы над картиной. Возможно, муж использовал это выражение по отношению к жившим в доме кошкам, и оно стало в семье излюбленной шуткой. После смерти мужа Кейт решила дать это название картине в память о нем.

В своём летнем имении «Буэна-Виста» возле Сономы Джонсон держала различных птиц, а также 350 котов и кошек, пятьдесят из которых были породистыми персидскими и ангорскими (согласно другим источникам, общее количество кошек не превышало пятидесяти, а на момент смерти хозяйки составило 32). Специальный штат слуг, следивших за домом, ухаживал и за животными.

Кейт Джонсон пригласила художника посетить свой загородный дом «Буэна Виста». В поместье Карл Калер познакомился с 42 кошками и получил заказ на создание их группового портрета. Художник планировал поехать из Сан-Франциско в Йосемитский национальный парк и рисовать там водопады, но не смог устоять перед обаянием кошек и обещанным гонораром. Он начал с эскизов, изображая каждую из кошек в разнообразных позах, затем перешел к работе над главным холстом. Весь процесс занял у художника около двух лет.

🎲Нечисть в романах Достоевского.

О двойничестве, свойственном героям Достоевского, говорили философ Николай Бердяев, литературовед Борис Энгельгардт и многие другие исследователи творчества знаменитого писателя. Как правило, «черт» Раскольникова, который «тащит» его на преступление, «бес» Ставрогина, «двойник» Версилова и Черт Ивана Карамазова трактуются как отражение «подсознательного» — это темная сторона личности одних и тех же героев, живущих в «переходном времени цивилизации». «Двойник», по мнению многих исследователей, оказывается маркером духовных метаний. Так, «Бесы» Достоевского — образ вполне политизированный, и эпиграф, взятый из XVIII главы Евангелия от Луки, ясно дает понять, какой судьбы для них желает автор.

Но в его текстах за политическими аллегориями некоторые достоевсковеды видят мотив сделки с самим дьяволом. Филолог Валентина Габдуллина вспоминает о том, что в Средневековье договор человека с Сатаной скреплялся «богоотметным писанием» — особым документом, который создавал богоотступник. Такие тексты были и у героев Достоевского.

Родион Раскольников перед убийством написал статью «О преступлении», прочитанную Порфирием Петровичем. Со временем этот текст начинает жить своей жизнью. Отданный в одно издательство, он публикуется в другом, становится уликой для следователя, а затем попадает к матери героя. Она-то и показывает статью ничего не подозревающему о ее выходе сыну. Для Пульхерии Александровны опус Родиона служит доказательством его гениальности, для самого Раскольникова — отправной точкой, после которой ему начал помогать черт.

Впоследствии нечистая сила не так ярко проявлялась в романах Достоевского. В «Бесах» с нечистью ассоциируются сами герои, в первую очередь Ставрогин, отличающийся «чрезвычайною физическою силою» и инфернальной красотой.

📖Соревнование с героем Жюля Верна.

Знаменитый приключенческий роман французского писателя Жюля Верна «Вокруг света за 80 дней» вышел в свет в 1872 году. Он был с восторгом принят читателями, но никто не решался повторить маршрут Филеаса Фогга. Смельчаков не находилось 17 лет, пока в 1889 году побить книжный рекорд не вызвалась 22-летняя Нелли Блай, репортер нью-йоркской газеты «World».

Даже повторить такое фантастическое по тем временам достижение казалось неслыханной дерзостью, но Нелли Блай превысила его, объехав Землю вокруг за 72 дня 6 часов 10 минут 11 секунд. Используя самые обычные средства связи и виды транспорта, она 14 ноября 1889 года устремилась по маршруту: Нью-Йорк – Лондон – Париж – Бриндизи – Суэц – Цейлон – Сингапур – Гонконг – Иокогама – Сан-Франциско – Нью-Йорк.

Финансовую сторону вопроса взяла на себя редакция газеты, издатель которой, Джозеф Пулитцер, оценил ее настрой и настойчивость. Именно он привнес в американскую прессу идеи так называемого «нового, эффектного журнализма» и задумка Нелли Блай вполне соответствовала заданному направлению. Организаторы не скупились на рекламу и с самого начала путешествия за ним следил весь англоязычный мир.

Франция появилась в ее плане спонтанно — журналистка решилась выделить один день на то, чтобы побывать в Амьене, в гостях у Жюля Верна. Она пробыла в гостях у писателя и его супруги совсем немного, они успели немного пообщаться и выпить вина за успех путешествия. Писатель сказал девушке на прощанье: «Если вы сделаете это за семьдесят девять дней, я буду аплодировать вам изо всех сил».

Финишировала Блай 25 января 1890 года. Экипаж, посланный за девушкой на вокзал, доставил журналистку в редакцию газеты «Нью-Йорк уорлд», где и была зафиксирована продолжительность кругосветки с точностью до секунд и объявлен ее результат: рекорд Филеаса Фогга побит.

🤍Гёте в живописи.

Альбрехт Дюрер — крупнейший немецкий живописец и гравёр с прижизненной мировой славой, выдающийся геометр и инженер-фортификатор, родоначальник европейской акварели, механик, архитектор и теоретик искусства. Художник соединил открытия итальянского Ренессанса с художественными традициями северной Европы.

Его гравюры сохраняют присущую германской культуре точность и тонкость деталировки, но поражают невиданной доселе изобретательностью композиционных решений. Мастера особо интересовали проблемы гармонии и красоты человеческого тела, закономерности пропорций, доскональное написание кистей человеческих рук. Живопись Дюрера отличают яркие, звучные, эмалевые краски. Акварелям мастера присуща поразительная правдивость воспроизведения явлений природы.

Дюрер для Германии – как и Гёте – «наше всё». Эпоху Возрождения в Германии предпочитают звать «эпохой Дюрера», а с 1815-го там постановили ежегодно праздновать «День Дюрера». Характер и биография Альбрехта Дюрера – парадоксальное, на первый взгляд, соединение бюргерской практичности с философской отрешённостью, творческой гениальности с житейской щепетильностью. По-видимому, это сочетание и делает выдающегося художника национальным символом и культурным героем.

🕶Меланхолия, 1514 год.
🕶Трава, 1503 год.
🕶Адам и Ева, 1507 год.
🕶Заяц, 1502 год.
🕶Четыре всадника Апокалипсиса, 1496 год.
🕶Праздник четок, 1506 год.

💀"Мёртвые души" — отечественная "Божественная комедия".

Сюжет неоконченной поэмы Гоголя на первый взгляд довольно прост: чиновник «средней руки» колесит по губернскому городу и окружным деревням, чтобы скупить мертвых крестьян, запросить на них ссуду и тем самым составить капитал. Однако, существует и иная трактовка, которая раскрывает поэму совершенно с другой стороны.

Некоторые литературоведы сравнивают поэму со знаменитой «Божественной комедией» Данте. В такой трактовке помещики представляются смертными грехами, а Чичиков — путешественником по преисподней. Такая трактовка объясняется тем, что произведение Гоголь заканчивал в Италии, где и черпал вдохновение. Также при таком взгляде на "Мёртвые души" гармонично смотрятся и запланированные три тома — также по аналогии с "Божественной комедией".

Сам Гоголь никак не комментировал параллели между двумя текстами, но, скорее всего, провел их вполне умышленно. Так, Манилов — первый помещик, к которому приезжает Чичиков, — живет на уровне лимба. У итальянского поэта первый круг ада — это место, где есть хоть какой-то свет. В тексте Гоголя день приезда Чичикова к Манилову «был не то ясный, не то мрачный, а какого-то светло-серого цвета...». Вообще все, что главный герой видит в первой усадьбе, несколько поблекшее и печальное.

Однако Гоголь не стремился точно перенести структуру дантовской воронки в свою поэму. Некоторые круги у него пропущены, некоторые «заняты» одними и теми же помещиками. Расставшись с Маниловым, Чичиков попал к Коробочке. В дороге погода резко изменилась, вместо «светло-серого» дня героев застал самый настоящий ливень, во время которого «темнота была такая, хоть глаз выколи». Дождь тут — весьма важный маркер, ибо Чичиков в своей бричке, управляемой Селифаном, въехал на следующий уровень воронки. В третьем круге грешники-обжоры и гурманы гниют под страшным ливнем. Стережет его Цербер, поэтому Чичикова в деревне встречает собачий хор.

В доме Коробочки главный герой ночует и также решает попытать счастье с мертвыми душами, предложив хозяйке выкупить у нее погибших крестьян. И тут обнаруживается необычайная скупость помещицы, которая боится, что покойники «больше как-нибудь стоят». А потом, стараясь задобрить Чичикова и продать ему еще и муку и скотину, закатывает в его честь пир. Таким образом, Гоголь помещает Настасью Петровну Коробочку на третий (чревоугодники) и четвертый (скупые и расточители) круги ада.

Таким образом, Чичиков проходит всю воронку ада насквозь, а значит, соотносится с лирическим героем Данте.

📚Иллюстратор сказок.

Иван Яковлевич Билибин по сей день остается самым известным книжным иллюстратором, мастером русской сказочной темы. Его контурно исполненные рисунки, раскрашенные акварелью, зачастую обрамленные нарядным орнаментом, стали эталоном иллюстрации детской книги. Стиль художника стали называть «билибинский», ему немало подражали.

Нередко применительно к творчеству художинка можно встретить выражение «русский модерн». Иван Билибин перенес свои художественные решения работ в промышленную графику, а затем и в оформление театральных постановок. Он оформил самые знаковые и известные русские спектакли, оперы и балеты, в том числе: «Золотой петушок», «Садко», «Сказка о царе Салтане», «Князь Игорь», «Борис Годунов». Художник сотрудничал с такими известными театральными антрепренерами, как Сергей Дягилев и Анна Павлова. Русская былинная и сказочная тема, русская старина были излюбленными темами работ Ивана Билибина.

Художник изучил множество различных техник, и в один момент Билибин переходит от лубка к древнерусской иконописи. Это отражается в его манере исполнения рисунка: художник уходит от четкого черного контура, взамен появляются тонкие цветные линии, которые подчеркиваются тональными усилениями насыщенности цвета. Используя эту технику, Билибин создает знаменитые росписи интерьеров здания Нижегородского Государственного банка, построенного архитектором Владимиром Покровским к 300-летию Дома Романовых. Росписи сохранились до наших дней.

🤎Домовой. Иллюстрация к французскому изданию Ларусса «Русская мифология», 1934 год.
🤎Иллюстрация для сказки "Царевна-лягушка", 1931 год.
🤎Змей Горыныч. Открытка, 1912 год.
🤎Царевич на распутье. Иллюстрация к «Сказке об Иван-царевиче, Жар-птице и о Сером Волке», 1899 год.

🙏Фауст и Дориан Грей.

Трагедия, написанная Иоганном Вольфгангом фон Гёте отражается во многих произведениях. И во времена модерна, эта тема нашла своё продолжение в знаменитом романе «Портрет Дориана Грея», в котором Оскар Уайльд предвосхитил размышления критической мысли ХХ века об обществе спектакля и образов.

Уайльд показал, что автономная власть образов и отчуждение души являются частью одного и того же процесса — еще один поворот фаустовской темы. Лорд Генри представляется своеобразным Мефистофелем для Дориана Грея. Но, в отличие от Фауста, Дориан Грей, хотя и продает душу за бессмертие, принимает его только в чувственных категориях. Уайльд представляет его постепенную деградацию как погоню за знаком и видимостью в ущерб сущности. Как и Фауст, Дориан Грей проживает долгую счастливую жизнь без сущности и души.

Уайльдовский и фаустовский сюжет переосмыслил в постмодернистском ключе британский писатель Уилл Селф в романе «Дориан»: «Возможно, полагал Дориан, что сам распад репрезентации как медиума помог ему полнее воплотиться, почувствовать себя в мире, как дома».

В эстетике такой «распад репрезентации как медиума» проявился сначала в модернизме и еще активнее в постмодернизме, провозгласившем полное схлопывание репрезентации и реальности.

☀️С чем связано название "Божественной комедии"?

Данте Алигьери написал "Божественную комедию" в трудный жизненный период. Поэта обвинили в интригах против церкви и изгнали из родной Флоренции, пообещав сжечь на костре, если он вернется. Двадцать лет Данте провел в изгнании, четырнадцать из которых он работал над своей поэмой. Интересно, что для самого Данте это произведение было просто "комедией", т.к. слово "божественная" прибавили уже после смерти автора. Он понимал это как соединение возвышенного с обыденным, а кроме того, он называл ее «poema sacra» — священная поэма, трактующая об откровениях неземного бытия. Данте преследовал поучительные цели, создавая произведение этическое, религиозное и ученое.

В этом произведении нашлось места не только для любимого поэта самого Данте, но и для его возлюбленной Беатриче, которую он впервые повстречал в девять лет. Вторая их встреча произошла ещё девять лет спустя, и Данте все это время продолжал хранить свою любовь. Однако признания так и не произошло, и поэт смог объясниться с любимой только в своём же произведении. Интересно, что также "Божественная комедия" наполнена знакомыми Данте, к которым он испытывал неприязнь. За это его хотели отдать под суд, и поэт эмигрировал.

Свое произведение Данте назвал «комедией» согласно нормам античной поэтики — т.е. как произведение с благополучной и радостной развязкой, где смешано возвышенное и бытовое. Действительно, труд Данте начинается с ада, а заканчивается раем. Пушкин сказал, что единый план произведения Данте есть уже плод высокого гения. Ад — огромная, уходящая вглубь воронка, разделенная на девять кругов. Там мучаются грешники, на самом дне Люцифер. Чистилище — мощная, уходящая конусом вверх гора, ее окружает океан. В горе семь ступеней, поднимаясь по которым грешник освобождается от грехов. В раю — девять небес. Последний — Эмпирей.

💀«Череп с горящей сигаретой», Винсент Ван Гог, 1886 год.

В 1886 году мир увидел одну из самых мрачных картин Ван Гога «Череп с горящей сигаретой». Считается, что данная работа была написана в жанре «memento mori». Вероятно, на полотне художник изобразил себя в период обострившихся у него хронических заболеваний. Его друзья вспоминали, что у Ван Гога болело буквально всё.

Сигарету в зубах скелета художник изобразил неслучайно - известно, что Ван Гог был заядлым курильщиком. В последние дни жизни, будучи смертельно раненым, Ван Гог ни на секунду не расстался со своей трубкой и курил до самого конца.

Ван Гог выбрал изображение черепа и горящей сигареты для передачи своего взгляда на временность и непостоянство жизни. Череп - это символ смерти и аналогичных идей о бренности человеческой жизни. Горящая сигарета, у черепа, может быть трактована как символ кратковременного удовлетворения или наслаждения, которое тлеет и исчезает, подобно времени.

📚Переход от классицизма к сентиментализму в русской литературе.

Считается, что виновником этого события является Николай Карамзин. В ту эпоху он развернул всю российскую литературу на путь чувств. А сподвигла его на это книга Лореса Стерна. Но всё-таки что стало главной причиной такого резкого перехода? Здесь всё очень просто, если взглянуть на литературу глазами писателя тех лет.

Писатели были ограниченны в своей фантазии, т.к. руководствовались правилом триединства. И очень многие сюжетные перипетии оставались не использованными, ведь пьеса ограниченна всего лишь одной локацией и одними сутками. Теперь становится понятно, почему в произведениях той эпохи у героев произведения происходит столько всего за один вечер, сколько у обычных людей не происходит и за месяц.

К этому добавлялось и то, что в пьесах не могло быть "серой" морали и неоднозначных героев. Таких сложных характеров просто не подразумевалось, а даже если и попробовать описать что-то подобное в тех ограничениях, которые накладывает пьеса, то ничего хорошего из этого не выйдет. Образ раскаявшегося убийцы здесь просто не будет работать, т.к. персонажи должны быть образцом классики, а там убийца всегда персонаж негативный.

Поэтому получается, что классицизм рано или поздно, но должен был кануть в лету, в угоду более комплексным произведениям.

🍷«Люцифер», 1890 год, Франц фон Штук

Особенности творчества Франца фон Штука. В своих мифологических работах художник вдохновлялся произведениями швейцарского коллеги Арнольда Бёклина. Массивные формы, присущие большинству картин фон Штука, указывают на его интерес к скульптуре. Соблазнительные обнажённые женские образы сделали его ярким представителем популярного в своё время движения символистов. Штук уделял много внимания рамам для своих картин и обычно создавал их сам. Он тщательно отбирал панели, делал золочёную резьбу и надписи – и потому рамы стоит рассматривать как неотъемлемую часть всего произведения.

Картина "Люцифер" относится к «мрачному монументальному» периоду Штука, представляя образ «человека-демона». Искусствоведы полагают, что «Люцифер» был создан под влиянием ницшеанской идеи о сверхчеловеке.

Смещенный с центра падший ангел широко раскрытыми, бледными, разъяренными глазами проникает сквозь зрителя, гипнотизируя его. В своей мускулистой наготе он представляется сильным и мужественным, но его голова, прислоненная к левой руке, раскрывает сосредоточенный ум в мыслях, и этот жест позволяет увидеть состояние жгучей грусти. Сложивший сломанные крылья, напоминающие о его падении, но задумывающий месть он - величайший символ обратного порядка. Некогда божественный, теперь демонический, однажды любимый, а ныне враг, он видит саму суть человечества через материальные аспекты и понимает, как это может быть использовано, чтобы подорвать божественный порядок.