Неподкупный навлёк на себя гнев нашей Зины , Зина вопрошала что за мудак, он тронул в отзыве святое театр Моссовета

"Светит, да не греет» А. Н. Островский, Н. Я. Соловьев. Сценическая композиция и постановка Сергей Тонышев. Художник постановщик Филипп Шейн. Художник по свету Руслан Майоров. Театр Вахтангова.  
Крепкий спектакль по классический пьесе, традиционный для Театра Вахтангова. Сергей Тонышев достойный ученик С. В. Женовача с общей для обоих  неторопливостью действия, перегруженностью деталями, мало играющими роль в раскрытии характера персонажей и режиссерской идеи, не особо понятной в данном случае. Все это решаемо, постановка еще находится в работе. На данный момент основное слабое звено, главная героиня. Суть в том, что в пьесе Островского и Соловьева очень много моментов, в последующем совпавшими с пьесами Чехова. В главном женском персонаже, современный зритель легко считает присутствие,  практически всех женских образов Чеховских пьес. И вот тут у любого режиссера возникает сложная проблема, что же с ними делать. Приезжает в родовое гнездо, чтоб его быстро продать, из за границы, оставшаяся без средств к существованию (почему именно, вопрос открытый, все сведения об этом в инсценировке режиссер убрал, равно как и ее служанку) красивая, но уже не молодая одинокая женщина, сводит с ума всех окружающих мужчин, по разному справляющихся с возникшей или вновь вспыхнувшей к ней страстью. Каковы ее мотивы, что именно в ней привлекает всех этих очень разных мужиков. Режиссер и на эти вопросы ответы не дает. Анну Владимировну Реневу и актрису Ирина Смирнову болтает из образа в образ, изначально черная ведьма, практически демон суккуб, далее пошло, Аркадина сменяет Раневскую, обоих Елена Андреевна с финальным безумием Нины Заречной , которых в свою очередь потерянная Бланш Дюбуа с «Трамвая Желание», актриса не успевает за сменой образов и в итоге скатывается в усредненный вариант, вульгарная стареющая женщина легкого поведения, пытающаяся доказать повышая самооценку, прежде всего себе, что ее поезд не совсем ушел и она еще способна, хотя бы пусть и в деревне, запрыгнуть в его последний плацкартный вагон третьего класса. Чем может привлечь мужчин, эта шумная, изначально доступная женщина, совсем непонятно, сексом конечно, но на роковую красавицу ломающую жизни она у Ирины Смирновой совсем не тянет. Если суккуб, то складывается, страсть может охватить любого и свести с ума, но тогда за бортом остается толпа Чеховских героинь, через которых все таки стоит попытаться вывести образ на менее примитивный уровень. Хотя бы тем ,что у каждой из них был совершенно разный ключ в сердцу и штанам мужчин, Анна Владимировна Островского для каждого, так же вполне способна подобрать индивидуальный, а не пользоваться универсальной секс отмычкой. Очень интересная сценография Филиппа Шейна особенно второго действия, все оттенки  и лабиринты черной адовой бездны, что опять же определяет образ ведьмы, из темноты она возникает, в темноту в итоге и уходит, забирая с собой очередные светлые души.

"ЖЕНИТЬБА", Театр Моссовета, Генеральная репетиция .Премьера 19 апреля 2025
Режиссер-постановщик - Евгений Марчелли
Сценография и костюмы - Анастасия Бугаева
Художник по свету - Нарек Туманян
Музыкальное оформление - Мария Галлиардт

Классическая постановка, авторский текст в чистом виде без отсебятины, слава театральному богу сокращенный, никаких переносов действия в современность, ну если что пара деталей в стильной, строгой сценографии, аутентичные костюмы, прекрасные актеры. Ревнители русского психологического театра будут довольны и удовлетворены, их чувство прекрасного и твердая уверенность, того, как именно надо ставить Гоголя, останутся в целости и сохранности.

«Стравинский. Куклы. Танцы». Премьера балетов «Петрушка» и «Жар Птица». Режиссер Алексей Франдетти. Дирижер Тимур Зангиев. Хореографы Константин Семенов и Кирилл Радев. Сотрудничество МАМТ и Театра кукол имени С.В. Образцова. Сценография Виктор Никоненко. На сцене вместе с артистами балета куклы, созданные так же Виктором Никоненко. МАМТ. Генеральная репетиция.
Великолепная работа художника Виктора Николенко. Безупречные, практически живые куклы. Два современной хореографии балета на музыку И. Ф. Стравинского, один из них очень красивый. Великолепная работа художника Виктора Николенко. Безупречные, практически живые куклы.

«Русалка» по мотивам драмы Александра Пушкина .Автор сценической версии, режиссер и художник Максим Меламедов. Художник по свету Олег Курченков, Художник модельер Елена Афанасьева. МХТ им Чехова. Пресс показ.                                                                                                                         Отзыв такой же короткий, как и сам спектакль. Первое правило Артхаба похоже  «Всё, что происходит в Артхабе — остаётся в формате Артхаба ». Рыбак поймавший русалку, крутил ее, вертел, но так и не определился в каком контексте ее надо «жарить». Максим и Русалка, они, если честно, не пара ,не пара, не пара. Эх, хвост, чешуя. Не поймал я ничего. Итог- милый, красивый актерский этюд на час времени действия, прекрасен для студенческих театров. Сам материал не предполагает, каких либо режиссерских откровений, при наличии оперы А. Даргомыжского, идеальном сочетание Пушкинской драмы и музыки тем более, в данном случае краткий пересказ сюжета с народными песнями. «Русалка слушала, смеясь, Его наивные признанья, В ней огонёк любви погас, Осталось разочарованье».

"Солнце Ландау"  Сценическая композиция и постановка Анатолий Шульев. Сценография Максим Обрезков. Костюмы Мария Данилова. Свет Александр Матвеев. Генеральная репетиция. Театр Вахтангова.                                                                                                                                                                            После, спорного, эстетского, но безусловной удачи большой основной сцены театра Вахтангова "Идиот" Владислава Наставшева, главный режиссёр театра Анатолий Шульев создает постановку, с внятным, почти сериальным сюжетом, понятным и близким самой широкой зрительской массе, что конечно обеспечит ей куда больший зрительский и кассовый успех. Одно то, что в основе лежит оригинальный сценарий, история жизни реального персонажа, а не очередной перевернутый в смыслах Шекспир и Чехов, уже само по себе является большим плюсом для значительного количества театралов. Выдающийся советский физик Лев Ландау персонаж довольно эпатажный, обычно когда кто либо берется за его биографию на первое место выходят, прежде всего. грязноватые подробности его личной жизни. Анатолий Шульев не стал копаться в грязном белье гения и поставил спектакль про пусть и гения, но прежде всего обычного человека, жизнь и поступки которого невозможно разграничить по признаку  «черное и белое»,  попытался дать обоснование, начав с психологических травм и комплексов детства, даже самым, на первый взгляд, выходящим за рамки морали и логики действий своего героя. Каким бы колючим, иногда до грубости, хамоватым не выглядел Ландау, на главное место выходят непонятная для многих его патологическая честность, отсутствие способность врать и скрывать своего негативного отношения к чему, или кому либо, любовь к Родине, матери, любимой женщине и прежде всего науке. Образ в итоге вышел несколько лубочный, но опять же возвращаясь к тому, что это спектакль прежде всего для массового зрителя, который чаще всего не хочет придя вечером в театр, повторно утонуть в волне дневного негатива собственной жизни, а хочет увидеть понятную для себя историю, где какие то созвучные душевные моменты и сочувствие герою пьесы, пресекается с грустью о чем то своем, когда то случившимся или несбывшимся. Можно относиться к такому подходу, как угодно, однозначно будет критика, что представлено все слишком благостно и правильно, у каждого смотрящего свои потребности, кому то хочется исключительно скандальных моментов ток шоу, но то что к финалу половина зала смотрела спектакль сквозь слезы , уже критерий, что огромная, серьезная работа режиссера и команды проделана не зря, и на три часа зритель в зале сам становится великим физиком Львом Ландау живет, страдает, мучается сомнениями и умирает вместе с ним. Какие бы вопросы не возникали к содержанию, но Павел Попов в роли Ландау вышел на совершенно недостигаемый для многих актерский уровень, роль мало того, что энергозатратна психологически, первый акт час сорок, актер постоянно находится на сцене, пауз для отдыха нет, не выпадая из сложносочиненного образа ни на секунду, так еще и физически, персонаж находится в постоянном четко выстроенным движении по прямой, когда любой мельчайший промах, неловкий шаг разрушит всю композицию, второй акт ему уже попроще, там хотя бы есть моменты без его участия, можно успеть собрать силы, чтоб окончательно выложиться в мощном финале. Работа такого уровня ,безусловно будет отмечена всеми оставшимися на данное время театральными премиями. Попов полностью заполняет собой сценическое пространство, масштаб актерской игры, раскрывает масштаб величия личности героя настолько ,что опять же забываешь о каких то сценарных погрешностях .Актер настолько хорош, что даже одна из сильнейших театральных трупп столицы, играя другие роли, на его фоне невольно меркнет, что опять же укладывается в режиссерский посыл, прежде всего рассказать о Ландау, есть Лев Ландау- Солнце, вокруг которого вращаются планеты солнечной системы.

Итог — вторая подряд, совершенно противоположная в театральном направлении и стиле удача театра на ответственной основной сцене, можно, как уже говорил, относиться к ней по разному, но даже если учитывать только актерские работы, спектакль становится одним из театральных событий сезона.

«Две Анны» Балетная антреприза. Первая часть – ‘Ахматова’ в постановке знаменитого хореографа-неоклассика Юрия Посохова на музыку Сезара Франка. Вторая часть – ‘Павлова’ хореографа Павла Глухова, на музыку Ильи Демуцкого. Автор либретто и режиссер спектакля – Феликс Михайлов. Художник сценограф Мария Трегубова. Художник по свету Иван Виноградов.
Уж не знаю, что автор либретто нашел общего в жизни двух героинь, похоже ничего так и не смог, поэтому по сюжету обе части, даже по меркам балетной условности, как бы я не ненавидел этот штамп, не более, чем натягивание совы на глобус, где сова эти самые Анны. С учетом, что цены на билеты выставили запредельные, основная часть зрителей, которые могли себе их позволить, навряд ли имеет понятие, даже о героинях и уж тем более, что с ними там происходит и кто все эти их окружающие люди. Есть анекдот «Новая учительница географии приходит в класс на первый урок. Там ее ожидает полное игнорирование со стороны учеников. И вообще, бардак и кошмар. Пришлось слезно жаловаться директору школы. Тот посоветовал подойти к вопросу творчески, по-молодежному. Учительница кивнула, и вновь отправилась на урок, прихватив наглядное пособие. Войдя в класс, спросила-Дети, кто может натянуть презерватив на глобус?! Воцарилась удивленная тишина. В ней прозвучал голос с задней парты-А что такое глобус ??? Учительница -Хороший вопрос! Вот с этого мы и начнем наш урок!!!»
Первая часть. Анна Ахматова и Амедео Модильяни. Мутная темная история, в которой разобрать, что там правда , что вымысел нереально, все на уровне предположений. Сама Ахматова еще больше намутила воду, в уже почтенном возрасте под самый конец жизни, написав короткий очерк о художнике, где всё в их отношениях стало еще более непонятным, момент об их переписке в то время, писем не видел никто, да и Модильяни ненавидел их писать, не писал даже матери, с чего бы он стал писать иностранке 20 лет, образ поэта идеализирован, типа он в о время еще не пил и она даже запаха алкоголя от него никогда не чувствовала, этот факт без сомнения, в Париже 1910 года на Монпарнасе по кафе собирались исключительно трезвенники и пили воду, да и рисовал он ее обнаженную исключительно по памяти подключив фантазию. В либретто эта история представлена любовным треугольником, любовники Ахматова, Модильяни, ревнивый муж Гумилев, по факту в Париже во время развития романа жены не присутствовавший, их брак уже был на грани разрыва и не Модильяни тому причиной. Возникает еще один персонаж, роковая  Беатрис Гастингс , хотя та в жизни художника появилась, после и значительно позже Ахматовой.  Сюжет вышел настолько схематичным , что может быть использован для балета про еще одну Анну- Каренину , кучерявый босяк Модильяни вполне мог бы стать  Есениным с Анной Снегиной, или Есениным Айседоры Дункан и даже стихи Ахматовой, в исполнении во время действия драматической актрисой БДТ Полины Толстун, этому бы совершенно не помешали , все любовных истории похожи друг на друга. К универсальному сюжету, приложена универсальная, предсказуемая хореография Юрия Посохова, в виде непродуктивного, однообразного, скучного, шастанья- перемещения персонажей. Вышло уж совсем без затей, простенько, не балет, а колобок из собранный по сусекам остатков хореографической муки. Из положительных моментов. Ахматова Элеонора Севенард самая красивая балерина Большого театра, способная хоть как то заполнить этот пустой глобус драматургией. Алексей Путинцев- Модильяни прекрасен, но реально больше выглядит Сергеем Есениным, Гумилев совершено деревянный Марк Орлов, который по виду вообще не понимает, что он тут делает и зачем нужен.                                                                                                                        Вторая часть про Анну Павлову вышла и поживей и поинтересней в хореографии, правда поживей из за того, что один из самых трагических персонажей в истории балета, представлен шансонеткой, то ли кабаре то ли цирка, запутавшейся в куче своих мужиков, каждый из которых, непонятно с чего, выдирает из нее, белого лебедя, при расставании перья.

В финале все таки не окончательно ощипанная Павлова, засыпается кучей стоптанных пуантов, что в контексте ее шорканья с кучей мужиков выглядит, почти неприличным и совсем не балетным символом. Хотя почему Павлова ,тут их на выбор целых шесть для каждого мужика своя, видимо при выборе солистки произошла война, кто круче, решили не париться и пригласить весь кооператив, в итоге соединившись в косяк полуобщипанные лебеди Павловы, улетают в темноту открытого задника сцены. Что интересно Анна Павлова в итоге стала большей Ахматовой, чем сама Ахматова, а уж если бы под прощальный полет вышла Полина Толстун и провыла «Прости, что я жила скорбя. И солнцу радовалась мало. Прости, прости, что за тебя. Я слишком многих принимала» так и, как есть Ахматова. Из положительно с тем что им предложили танцевать, вся балетная шарага справилась прекрасно, ну и музыка Ильи Демуцкого. Итог — проходная балетная антреприза.

«Гамлет» режиссёр Мурат Абулкатинов, по пьесе Ники Ратмановой, по мотивам произведения Уильяма Шекспира. Художник Софья Шнырева. Художник по свету Евгений Ганзбург. Режиссер по пластике Никита Беляков. Композитор Симона Маркевич. Театр на Таганке. Генеральная репетиция.
Премьеры в Театре на Таганке настолько частое явление и приходится повторяться, о том что это самый недооцененный зрителем театр столицы. Уже то ,что практически подряд, вышло четыре!!! («Пиковая дама» Денис Азаров, «Превращение» Андрей Гончаров, «Каренина» Александр Карпушин и теперь «Гамлет» Мурата Абулкатинова) очень солидных, неординарных, с оригинальной трактовкой весьма замусоленных постановками произведений, в меру сложных, в большой мере зрительских, способных украсить репертуар и пополнить кассу любого театра, само по себе выводит эту театральную площадку в лидеры текущего сезона.
Перед молодым режиссером Муратом Абулкатиновым стояла пожалуй самая сложная задача, в этом сезоне постановка Шекспировского «Гамлета» главный тренд, не затеряться будучи погребенным под множеством уже представленных вариантов пьесы, не то что сложно, а практически нереально. Но как оказалось невозможное возможно. Абулкатинов не пытался ставить пьесу Шекспира, а представил своей вариант альтернативной истории сюжета о принце Гамлете, с учетом того, что и для Шекспира сюжет не является оригинальным, то такой подход вполне правомочен .Премьера еще только через пару дней ,поэтому подробный разбор. который бы хотелось сделать будет выглядеть спойлером, а в постановке Абулкатинова, неожиданность трактовки играет очень важную роль. Поэтому только о том, на какие с моей точки зрения детали стоит обратить внимание. С самого начала режиссер задает тон, не цитируя в лоб, а обыгрывая замыленную частыми повторами фразу  про мир- театр, люди- актеры. Гамлет присутствует на похоронах отца , которое представляется ему и через его комментарии зрителю, как театральное действо, это не театр в театре, это театр жизни, когда каждый играет свою роль, стараясь казаться не тем, кто есть на самом деле, эта тема развивается дальше по ходу действия. Шедевральная сцена разговора Гамлета с матерью, точней ее монолога, где великолепная Мария Матвеева- Гертруда за пару минут, выдает полный набор вариантов игры этой сцены актрисами, чуть ли со времен первой постановки пьесы. Появление актеров( практически Счастливцев и Несчастливцев ) подхватывающих роли могильщиков ставит в этой теме яркую точку. Гамлет Сергей Кирпичёнок, еще совсем мальчишка, из голливудской типажной категории  «Boyz N The Hood» «Парень с соседнего двора» никакого безумия, даже притворного, милый, правильный мальчик с чудесными детскими воспоминаниями и сожалением, о том, что с отцом не были так близки, как ему бы хотелось, при этом еще и убежденный пацифист. Отсутствие у парня желания мстить и жажды власти, пугает окружающих куда больше, чем сумасшествие, оно привычная реакция, а что ждать от человека, который большей частью молчит, а если и говорит, то что не видит смысла в насилии, которое породит еще большее насилие, не высказывает никакой агрессии, не совершает никаких действий. А то что мы не понимаем, проще уничтожить, чем пытаться разобраться есть для этого повод. Да и тому кто привык решать свои проблемы через убийство, трудно поверить, что кто то другой может быть против такого пути. В постановке Мурата Абулкатинова, все персонажи разрушают стереотип своих образов, закрепившихся за каждым всей историей постановок пьесы. Да и гробов в финале будет только три. Во всех постановках Гамлета в этом сезоне множество агрессивной музыки, танцев и шума. Гамлет Сергея Кирпичёнка за все время действия не повышает голоса, не выдает практически никаких эмоций. Даже встреча с призраком отца, так же выбивающимся за стереотипы ( практически безумный юродивый) и та не выводит его из видимого состояния равновесия и спокойствия, нет танцев, только фоновая оригинальная музыка Симоны Маркевич, в финале единственный песенный трек окончательно определяющий главную тему спектакля.

Сценография Софьи Шныревой в какой то степени возвращает в легендарный спектакль Таганки Юрия Любимова, занавес конечно не утяжеленный металлом, но его использование, с открытием действия на той или иной частей сцены, аналогично. История Гамлет -Офелия так же далеко не каноническая. Итог- оригинальная версия по мотивам пьесы Шекспира, разрушающая самые прочные стереотипы, очередная репертуарная удача Театра на Таганке. PS. Имеет место момент самоцитирования режиссера, перенесенный с его постановки «Евгений Онегин», ничего криминального в этом нет, «Онегина» мало кто видел, да и это именно самоцитирование. Почему бы не повторить собственный удачный момент в другом контексте, уже на столичной сцене, если его без реверансов уже перецитировал, вставив в свой спектакль, куда более опытный и известный режиссер с именем.

«Рахманинов. Симфония длиною в жизнь». Балет-фантазия в трех актах и 9 снах с прологом и эпилогом. Режиссер хореограф Олег Габышев. Дирижер -постановщик Феликс Коробов. Художник постановщик, художник по костюмам Иван Складчиков. Художник по свету Ирина Вторникова. Башкирский государственный академический театр оперы и балета. Номинант на премию «Золотая маска»
Если такая замечательная полижанровая балетно-оперная постановка номинирована на «Золотую маску», то та во всяком случае в номинациях «Музыкальный театр» не так уж и безнадежна.
Писать особо нечего, придраться к чему то тем более. Очень интересная хореография микст от магической пуантной классики до модерна и драмбалета. Особенно хороши групповые сцены, надеюсь танцовщикам Большого удалось вчера увидеть и поучиться у башкирцев, как надо работать кордебалету, такого европейско-американского уровня синхрона, отточенности движений, да еще и перестраиваясь в почти мгновенной смене танцевальных направлений, Большой не видел очень давно. В финале все таки одна из балерин кордебалета не выдержав накала и темпоритма очень травматично упала, но мигом собравшись вскочила продолжила движение, как ни в чем не бывало вписавшись в общий рисунок, с учетом того, что упала она с пуантов, что предполагает серьезную болевую реакцию, то это выглядело малым балетным подвигом. Рахманинова вчера танцевал сам хореограф проекта Олег Габышев, как ни странно сильно проигрывая на общем фоне солистов, дивных Валерии Исаевой (Наталья), Софьи Саитовой (Лана Даль) и даже кордебалета, вроде как провинциального театра. Похоже хореографу себя не было видно со стороны, его танец с первой же сцены не попадал в музыкальный темп и создавал ощущение рассинхрона музыки и движений, да и драматические сцены выглядели, уж очень высокопарными. Имея в наличии художественного руководителя оперной сцены Аскара Абдразакова, греховно было бы не использовать его вокальный талант. Абдразаков в роли Шаляпина стал одним из главных украшений постановки, исполняя по ходу действия романсы, закончил полной драматизма одной из самых сложных в оперном репертуаре сценой смерти Бориса Годунова проведя ей параллель со смертью своего героя Шаляпина. Не прошли мимо и возможности прекрасной хоровой группы театра (хормейстер Александр Алексеев). Красивейшая сценография, множество практически не повторяющихся костюмов,  внятная мелодраматическая история в либретто, все работает в тему создавая новую балетную историю, хрупкую и атмосферную, как ветка сирени символ жизни и творчества композитора Рахманинова. Предполагается еще один показ уже в рамках «Золотой маски» и не на Исторической, а Новой сцене Большого театра, где в более компактном зале, балет будет выглядеть еще лучше. За местами в ближнем партере гнаться не стоит, будет очень сложно оценить всю красоту массовых сцен и работу художника по свету.

«Принц Гамлет» по мотивам пьесы Уильяма Шекспира. Режиссер Андрей Маник. ГИТИС. Режиссерский факультет. Мастерская Е. Каменьковича.
Более точно этот студенческий этюд на час, можно было бы назвать «Prince Hamlet is a dumbass. First blood».У Андрея Маника, всегда есть интересная идея трактовки, того или иного произведения за постановку которого он берется. Даже смог выделится, в похоже нескончаемой, череде Гамлетов этого сезона, которых уже вертели по всякому, заставляя вертеться останки Шекспира с такой скоростью, что церковь Святой Троицы в Стратфорде-на-Эйвоне даже в летнее время похоже не нуждается в вентиляции, игнорируя надпись на могиле драматурга                                                                          «Друг, ради Господа, не рой
Останков, взятых сей землёй;
Нетронувший блажен в веках,
И проклят — тронувший мой прах» ,                                                                                                                                                                  
Принц Гамлет у Маника, балованный мажор с которого со времен детства даже пылинки сдували, приехавший с Англии, где совершенствовал английский  язык, на похороны отца. Туповатый инфантил приходит на кладбище, слышит разговор двух могильщиков, которые с упоением подъездных старух сплетниц (женские роли ), обсуждают версии смерти его отца, коих великое множество, но в итоге приходят к самой увлекательно- сериальной, что папу отравила королева с его братом. В разговоре так же упоминается, о странной перемене характера отца Гамлета на худший, в течении последнего времени перед смертью, опять же причины пошатнувшейся папиной психики, в виде версий от размягчения мозга на почве алкоголизма до начавшегося психзаболевания. Гамлет наслушавшись этой хрени, так же берет на веру. похоже все таки у папы было психзаболевание передавшееся по мужской линии, без какой либо доказательной базы именно эту версию и готовится мстить. Переговорив с другом Горацием (женская роль, тут Горация, склонность Маника к травестийности персонажей похоже неистребима), матерью, Лаэртом, Офелией, каждый из которых пытается его вразумить, с чего он вообще бездоказательно дуркует, берет в заложники бровастого Полония (женская роль, пасхальный привет от Крымова и Маши Смольниковой) и доводит его, выбивая признание, что папу убили именно королева с дядей, до смерти от сердечного приступа. Устрашившись деяния своего Гамлет похоже окончательно погрузился в безумие. Больше ни один из персонажей не пострадал. Полоний единственная жертва, триггер первой пролитой крови. Идея интересная, хотя и провоцирующая пару дополнительных вращений Шекспира в могиле, с воплощением куда сложней. Работу курса Каменьковича смотрел впервые, конечно они еще в середине пути, но середина это как ни крути уже экватор, не знаю, какие из них выйдут режиссеры, курс то режиссерский (вопрос- преобладание на курсе девушек, это что тренд дальнейшего развития режиссуры с женским лицом, лица что годится только для характерных ролей ), но с актерским мастерством пока большие проблемы. Выделяется Гамлет- Карл Волмерсон, да и то больше из за того ,что выглядит со своей милой мордахой и кудрями, реинкарнацией Патрика Девера, надеюсь в дальнейшем с тем же развитием таланта, при отсутствии личностных проблем актера.

Сам роман представлен даже не коротко, а тезисно, никаких Толстовских глубин психологии отношений тут не увидишь, все действие уложилось в два часа плюс антракт, ресторанная Каренина, в жанре ресторанный же шансон, жестокий романс, городской романс. Мужчины, женщины,  страсть, любовь, а была ли любовь и есть ли она вообще, или страсть и есть настоящая любовь, а ее завершение это смерть любви, супружеские измены, опять же причина возникновения, своя правда для мужчин и женщин. Кто больше из любовной пары способен на жертвы, спорные моменты- замужняя женщина бросающая благополучного мужа и вроде как любимого ребенка, это жертва высокой любви или просто половая распущенность, сохранять уже изживший себя брак из за якоря в виде детей, не большая ли это жертва. Конечно за каждым мужчиной и женщиной стоят их матери, которые на основе своего чаще неудачного опыта знают, как НАДО и категорично навязывают свое мнение привязанным пожизненно к ним уже давно взрослым детям, да и так ли велика привязанность взрослеющих детей к родителям, если ее не создавать искусственно ломая ребенка с детства. За два часа действия, все это пролетает в виде вопросов не имеющих четких ответов, когда в ироничной форме, когда в максимально серьезной. Режиссер озвучивает вопросы, но очень правильно, что не высказывая свое к ним отношение, все равно любой зрительский ответ будет строиться на личном опыте. Очень интересная сценография, костюмы, какие то милые режиссерские находки. Например сцена когда Анна признается Вронскому, что беременна, выстроена позой с картины Климта «Поцелуй» или как чувствующая себя брошенной Анна начинает подъедать большую порцию мороженного, расхожий штамп навязанный кинематографом всех покинутых женщин. Точные режиссерские ходы, Анна выходя уже ближе к финалу практически призраком в красном платье символе, любви, похоти, сексуальности и страсти, говорит, что в ней две женщины и они совершенно разные, и кто именно она сейчас понять уже невозможно, в это время Вронский разговаривает с Сорокиной правильной девушкой в черном, которую мать прочит ему в невесты, та встает и в том же движении, копией Анны покидает сцену. Как сделан переход Китти и Левина от детской привязанности без сексуального компонента, к любви и еще много чего.                                          Неожиданности в виде отчаянной общей пляски, ранее уносит вихрем под безумный трек врывающегося еврейского оркестра Чехова, далее  под мрачную тему главной песни постановки Лилу 45 «SOS»                                                                                                                                                    «Мы жертвы зыбучих песков современности
Дети с растлённым понятием ценности
Просто глупцы и совсем не герои
Как будто бы мы перепутали роли»
Или как вроде бы самый легкомысленно относящийся к жизни Стива полным текстом начинает читать, полный разрушительной философией распада «Человек» Алексея Вдовина.
«Человек-плечи, человек-спина
Человек-оголенный провод
Человек, готовый себя пинать
Не имея ни земли, ни крова
Человек, отдающий себя волне
Впитывающий как губка
Это видимо я, человек во мне
Человек…
Это видимо я, человек во мне
Человек…
Скорлупа моя — это шлюпка.»

"Каренина» Толстой- Чехов. Режиссер Александр Карпушин. Художник сценограф, по костюмам Ксения Кочубей, хореограф Анна Закусова. Художник по свету Антон Поморев. Театр на Таганке.
Очередная в этом сезоне интерпретация русской классики, как уже стало традицией очень неоднозначная, провоцирующая споры и раздоры «А разве, так можно было?». Почему бы и нет, пересказов разной степени подробности и даже хореографического воплощения сюжета не счесть, что то новое придумать сложно и если Карпушину удалось (а ему удалось) разрушить, какие либо ставшими стандартно- стереотипными рамки произведения, то даже уже одно это достойно уважения и интереса. История Анна Карениной Толстого еще никогда не замыкалась в стенах вокзального ресторана и тесно не пересекалась с Чеховым. При всем, начинающаяся, как дичайший треш в итоге заканчивается вполне серьезно с сохранением авторских смыслов, но при этом адаптированных так, чтоб спустя почти полтора века со времен написания романа, были понятны и близки для современного зрителя. По подаче материала очень близко к самым зрительским спектаклям Петра Шерешевского «Три» и «Кукольный дом», но молодой режиссер Александр Карпушин, тем не менее, идет своим путем совершенствуя от спектакля к спектаклю собственный авторский стиль. Как уже несколько раз отмечал, Театр на Таганке один из самых недооцененных театров Москвы, жертва совершенно необоснованных часто сугубо личных зрительских предубеждений, театр выпускающий в сезон пожалуй самое большое количество премьер, такое что собрав их можно открывать в столице еще один театр с полным репертуаром. Естественно не все идеальны, но тем не менее, если бы часть их спектаклей (Превращение, Пиковая дама и теперь Каренина) выходили бы на каких то других более популярных площадках, то все мгновенно становились бы хитами.
Итак ресторанно- вокзальная Анна Каренина. Все действие замкнуто в пространстве двух вокзальных ресторанов Москвы и Петербурга. Как там у Пелевина „Читая роман, человек как бы поедает чужую жизнь, пусть даже иллюзорную. Это подсознательно примиряет его с тем, что какая-то сила проделывает то же самое с ним самим. Другая литературная форма вряд ли способна дать подобный опыт. Это последовательность состояний ума, похожая на обед в ресторане: starter, main course, dessert, coffee. Поэтому роман наиболее востребован рынком. Даже непредсказуемость современного романа предсказуема, и читатель спокойно ожидает её с самого начала: он не знает, что именно будет на десерт, но он знает, что десерт будет.“ У Моруа „Наблюдая за парой, сидящей за столиком ресторана, по длине пауз в их разговоре можно судить о том, как давно они живут вместе.“ Вокзальный ресторан это особая категория, место где можно встретить кого угодно и что угодно может произойти, если сам вокзал общее место встреч и расставаний, то вокзальный ресторан чаще место личных интимных катастроф, кладбище погибших надежд. Если Петр Шерешевский в своей постановке по чеховским мотивам шел от обратного, три сестры не сестры, брат Андрей им не брат, не пожар, а потоп, то Карпушин идет еще дальше, три официанта в замкнутом пространстве вокзального ресторана с вполне  последовательным по пьесе тестом Чеховских сестер и тапер эквивалентный брату Андрею. Мечты о Москве в Питере заканчиваются тем же рестораном, но в вожделенной Москве и с теми же перспективами, точнее их полным отсутствием, как у и Трех сестер, все чаще звучит версия, что они будут несчастны везде, хоть в Москве, хоть в Париже, проблема не в месте с перспективами роста, а в безнадежности и бесполезности их жизни как таковой, что уже изменить невозможно. К финалу постановки эта мысль становится для официантов вполне явной и их финальные речи, уже почти бредовый поток фраз из других пьес Чехова. Основная история Анны замыкается не паровозом, а тем же замкнутым пространством вокзального ресторана и финалом Вишневого сада.

К тому, что это совсем не простой, как кажется на первый взгляд спектакль, прилагаются еще и великолепные актерские работы. Прекрасная вполне современная Каренина Дарьи Авратинской, уже изначально выглядит с тенью грядущей трагедии за плечами, призрак самой себя. Вронский фактурно и актерски идеальный Павел Левкин, трагический любящий Каренин Антон Ануров, легкомысленный Стива Роман Колотухин, который рвет в итоге зрительскую душу, почти с накалом Высоцкого. тестом Вдовина. Легкая, воздушная практически еще ребенок с актерской динамикой взросления Китти Настя Лазукина, похудевший, похоже скоро будет переход на роли героев любовников, Павел Комаров, инфернальная четверка, которых невозможно назвать эпизодическими «трио сестер» официантов Кирилл Янчевский, Виктор Степанян и Алексей Финатов -Николотов, ну и конечно великолепный музыкант и актер «брат Андрей» Максим Трофимчук.                                Итог удача театра и режиссера, спектакль который в себе содержит в максимально концентрированной форме, не мешающие друг другу ставшими вполне современными, идеи двух великих писателей, При том совершенно зрительский спектакль, действие не задерживается ни на секунду и летит настолько быстро, что по ходу не успеваешь следить за смыслом, все смысловая наполненность идет послевкусием при выходе из зала. Один из постановочных глобалок роман Толстого «Анна Каренина» театр достойно прошел, а уже через неделю еще более сложный, не менее амбициозный режиссерский вызов «Гамлет» Шекспира Мурата Абулкатинова.

«Пик Ник или Сказки старого ворона». Триптих. Проект Бориса Юхананова. Сценография Юрий Хариков. Художник по костюмам Анастасия Нефедова. Художник по свету Алексей Наумов. Хореограф Лина Лангнер. Электротеатр Станиславский.                                                                                                 Театр Юхананова теоретически присутствует на карте, имеет географические координаты широту и долготу, но которого фактически не существует. Заходящий в это здание зритель, как Алиса исчезает в кроличьей норе, не удивляется тому, что кролики могут разговаривать и не успевают перед падением подумать, какие силы в мире помогут им выбраться обратно.
«Или колодец был очень глубок, или она падала очень медленно - во всяком случае, у нее было достаточно времени, пока она падала, осматриваться вокруг и гадать, что произойдет дальше». что произойдет дальше предугадать практически нереально, каждый видит свое и не одно событие не повторяется. Выход конечно всегда имеется и открыт, если то что ты увидишь во время своего полета совпадет с твоим внутренним состоянием , заполнит, какие то пустоты внутреннего пространства, то ты надолго останешься в этом фантастическом мире, где не имеет силы ни один из придуманных людьми законов и будешь периодически возвращаться, если же нет то никто тебя держать не станет, полет закончится и ты вернешься к месту его начала, но тем не менее этот для многих неожиданный опыт, приобщение к чему то пусть и непонятному, но при всем этом осознаешь, что то что видел выходит за рамки обыденности, все равно оставит след в твоей душе.                                                                                    Сюжет постановки вроде, как прост «повествует о том, как Творец, принявший облик Старого Ворона, отправляет небесных Ангелов в путешествие по Городу миражей, во время которого они должны воплотиться в земных женщин – театральных актрис, получить знание о театре и жизни и разыграть пьесу о любви». Пьеса о любви формально Тенесси Уильямс « Прекрасное воскресенье для пикника (для разбитых сердец)», не самая сильная, не самая популярная и уж точно не самая сложная, поздняя пьеса Уильямса. История четырех женских одиночеств, четыре очень разные женщины, которых между собой не связывает совершенно ничего, кроме яростного желания наконец стать счастливыми, случайно оказавшихся в одном доме, в итоге эти поиски счастья превращаются в арену человеческого цирка, представление длинной в одно воскресное утро. Как уже сказано это то, что лежит на поверхности. Разговор с теми, кто куда больше меня понимает режиссера и его методы и знает внутреннюю кухню, лишний раз убедил, что все в очередной раз не так, как кажется и что там нет ни конкретно Уильямса, ни тем более пьесы и в этом ничего необычного и удивительного, так как основу театра Юхананова составляет мистическое учение Георгия Гурджиева, театр жестокости Антонена Арто, бедный театр Ежи Гротовского. Для того чтобы проникнуться действом необходимо оказаться в другой, не обыденной реальности, подлинное это коллективное бессознательное считывание каких либо знаков творца, спектакль это иероглифический язык, где иероглиф не отдельно слово, движение, звук, а все вместе. Любой из спектаклей Юхананова понять невозможно, разобрать на составляющие части, тем более, их можно только прочувствовать, открывшись пропустив через себя. Это как пребывание в коматозном состоянии, к тебе подключают аппараты поддерживающие жизнедеятельность, вся жизнь и не только твоя, но и чеховской мировой души проносятся перед глазами. Величайшие путешествия в нашей жизни начинаются так просто, что мы даже не подозреваем, что уже отправились, пока мы не пройдем по дороге оглядываясь назад.

В своем Триптихе Юхананов максимально берет на себя функции демиурга, создавая свою вселенную, порой буквально, на глазах зрителя даже декорации монтируются с остановкой действия, временами почти по часу в режиме реального времени, под руководством возвышающегося над возникающим новым миром безумного дирижера.    В театре жизни мы все марионетки судьбы. О всесильная Судьба, дергай бережно наши веревочки! Будь милосердна к нам, пока мы пляшем на нашей маленькой сцене! Художник, который торгует пешками и марионетками экспериментируя с ними, в одном из этих экспериментов создал свое самое главное творение, идеальное марионеточное подражание себе самому, подумав, что создав такой мир, может быть теперь в нем самом больше не будет нужды.

«Сирано де Бержерак» Эдмон Ростан. Перевод Владимира Соловьева с реверансом классическому переводу Т. Л. Щепкиной- Куперник. Режиссер постановщик Константин Райкин. Сценография Дмитрий Разумов. Костюмы Мария Данилова. Художник по свету Денис Солнцев. Театр «Сатирикон» Генеральная репетиция.
Постановка буквально кладбище неоправдавшихся надежд. Была надежда на спектакль в Сатириконовском духе «The Show Must Go On» шумный , громкий, пестрый с большим количеством музыкальных номеров, получили стильную, строгую, без присутствия каких либо ярких цветов в серо-черно-белых картонно-бумажных декорациях Дмитрия Разумова, с минимальных музыкальным рядом, возникающим только в случае, когда музыка дополнительное средство позволяющая точней раскрыть раскрыть характеры героев и нет случайных музыкальных тем, будь то даже рэпер Эминем или шансонье Серж Генсбур, поющий на русском языке. Не оправдались и ожидания, что сюжет будет осовременен, постановщики очень аккуратно прошли по тонкой грани между классикой и современностью лишив примет, не только какого либо точного времени действия, но и смогли выйти  за его пределы, избавив даже от намека на бытовые моменты, постановка в условном театре будущего, когда прошлое зрителями уже давно забыто и требует ремарк- пояснений, присутствующего тут же на сцене летописца. Когда ставят «Сирано», то всегда под какого то известного опытного актера, который дорос, не побоюсь этого слова, иногда и дожил наконец до этой роли, надежды что молодые актеры театра в одной из самых сложных ролей мирового репертуара потеряются к ужасу всех, так же не оправдались. Сирано- Ярослав Медведев мало того, что с ролью справился посрамив многих заслуженных, но и почти впервые максимально приблизил, не разрушая авторского текста, своего героя к современности, когда комплексы зачастую имеющие пустячную причину для появления и укрепления, становятся практически дьявольской одержимостью и окончательно разрушают даже очень талантливого во всем, сильного изначально человека. Давно не было такого отчаявшегося, уже уставшего постоянно доказывать всему миру свое превосходство Сирано как у Медведева, который всему то миру доказал, но по прежнему совершенно беспомощен перед любовью, она главная в его жизни и потерпеть поражение на любовном фронте это самое страшное поражение, которое он только может представить, жить после такого дальше будет точно невозможно, тем более когда женщина изначально и сильней и уверенней в себе, чем он сам, Роксана (дивная Екатерина Воронина), тоже одержима комплексом, что все таки мужчина должен стать лидером в их отношениях. Да конечно женщина любит ушами и слова любви прекрасны, но как там у Чехова, не могу же я сама делать ему предложение, общая неспособность героев проговорить свои проблемы в итоге ведет к катастрофе. Надежда, что густонаселенная пьеса предполагает наличие на сцене большого количества актеров, так же погибла, условность сценографии и концепт, позволили актерам, как в общем то давно в «Сатириконе» водится, играть по нескольку ролей и даже во всех своих сыгранных по ходу действия ролях выходить в итоге на поклоны. Тревожащее предчувствие, что пьесу, как обычно растянут на часа на четыре, так же не оправдалось. Сценическая версия театра с очень плотным, концентрированным текстом, при сохранении всех пяти положенных действий пьесы, динамично уложилась пока в 2.30 без антракта, но явно будет сокращена, как говорил Константин Аркадьевич до двух с небольшим часов. Бонусом идет великолепно поставленная сцена фехтования. Итог -как же чудесно, что иногда, как в данном случае, надежды и предчувствия не оправдываются.

«Лето Господне» по роману Ивана Шмелева. Режиссер Марина Брусникина. Художник Нана Абдрашитова. Художник по свету Нарек Туманян. Композитор Александр Девятьяров. Музыкальный руководитель Алена Хованская. РАМТ.
Новая постановка в РАМТ по своей сути и смысловому содержанию составляет, в той или иной степени, трилогию с двумя предыдущими «Леопольдштадт» Тома Стоппарда и «Усадьба Ланиных» Бориса Зайцева в постановке художественного руководителя театра Алексея Бородина. Объединенные мыслью о потере родины, родного дома, своих корней. Утраченная память о своих корнях не просто потеря интереса к истории своей семьи и страны, когда мы отрываемся от прошлого, то лишаем себя возможности понимать настоящее и предвидеть будущее. Как писал А.С. Пушкин  „Я далёк от того, чтобы восхищаться всем, что вижу вокруг себя; как писатель я огорчён…, многое мне претит, но клянусь вам моей честью – ни за что в мире я не хотел бы переменить Родину, или иметь иную историю, чем история наших предков, как её нам дал Бог.“
Иван Шмелев находясь в эмиграции написал пожалуй один из главных романов о дореволюционной России, именно с этой точки зрения, при том что его детство и тем более последующая жизнь, после смерти отца было совсем не безоблачны, но  «Счастлив тот дом, где пребывает мир… где брат любит брата, родители пекутся о детях, дети почитают родителей! Там благодать Господня…» 
Роман очень сложен для переноса на театральную сцену, много бытового описательного текста, подробностей  религиозных праздников, но Марине Брусникиной удалось почти невозможное, создать из всего этого связную историю, когда в финале смерть отца становится эквивалентом потери не только близкого человека, а в самом широком смысле и Родины. Трагедия, которую можно принять, смириться, но невозможно забыть, в этом случае жизнь уже точно будет завершена и не только для тебя, но и для всех последующих поколений. „Смерти нет, а есть любовь и память сердца…“
Итог-зрителю пришедшему на спектакль, нужно четко понимать, что то о чем там говориться никак не сможет стать развлекательным зрелищем, формат романа и спектакля предполагает медитативное воздействие, поэтому свои личные ощущения, о том что было скучно лучше придержать от публичных высказываний.

Их книги прочитать.. А пока даже наша мимишная блогерша, дитя цветов, фея доброты и суспензорий поддержки любого самого отстойного театрального действа и та гневно обрушилась на спектакль ,как можно такой ужас показывать, там где под сению кулис мною родители снеслись, младые дни мои неслись.

"ГоГоЛьИЛиАДА" по произведениям Н.В. Гоголя. Режиссер и автор инсценировки Игорь Миркурбанов. Генеральная репетиция, пока еще полная режиссёрская версия. Театр Ленком.                                                                     Продолжаем… «Слева бесы, справа бесы,
Нет, по новой мне налей!
Эти — с нар, а те — из кресел, -
Не поймешь, какие злей».  Владимир Высоцкий.                                                                                                                              Гоголь свои «Мертвые души» определял, как поэму подчеркивая в ней равноправие эпического и лирического. Спектакль Миркурбанова навряд ли можно расценивать, как чисто драматический. В связи с тем что обширная музыкальная составляющая в нем играет важную , если не главную роль и все что происходит сопровождается соответствующими действию музыкальными темами, это скорей оратория, мистерия, кантата в духе «Кармина Бурана» Орфа. Музыка ведет за собой, разнообразие несочетаемых музыкальных тем и направлений подчеркивает атмосферу предапокалиптического хаоса, одной из главных в постановке. Увертюру к «Сороке- воровке» Россини, сменяет Лепс, чиновники хором поют маршевых правильных «Атлантов» Городницкого, гимн шестидесятников о стойкости к трудностям, красоте и пользе труда. Спектакль Миркурбанова, как и у Гоголя это и «Одиссея» Гомера, и «Божественная комедия» Данте, те же круги ада, но ада России и конечно же «Человеческая комедия» Бальзака, детальный анализ российского уже общества.
Главная идея «Ревизора» мысль о неизбежном духовном возмездии, которого должен ожидать каждый человек. В «Развязке Ревизора» Гоголь вкладывает в уста Первому комическому актеру мысль, что в день Страшного суда все мы окажемся с «кривыми рожами»: «...взглянем хоть сколько-нибудь на себя глазами Того, Кто позовет на очную ставку всех людей, перед которыми и наилучшие из нас, не позабудьте этого, потупят от стыда в землю глаза свои, да и посмотрим, достанет ли у кого-нибудь из нас тогда духу спросить: "Да разве у меня рожа крива?"»

У ИМ появляется ТОТ, персонаж вроде как египетской мифологии, но являясь покровителем ученых и чиновников, ведущий запись грехов, в итоге ставший фактически руководить судом мертвых сменив Осириса. Где есть бог, есть ТОТ, неизбежно появляется и дьявол. Не так давно в мистерии Андрея Могучего «Материнское сердце» по Шукшину, черт ведет Россию по своему пути и даже победа над ним, скорей его временное отступление. Чертовщина Гоголя, уже давно вполне очевидна и осязаема. Хлестаков не просто фантазер. Он сам не знает, что говорит и что скажет в следующий миг. Словно за него говорит некто, сидящий в нем, искушающий через него всех героев пьесы. Герои пьесы в ответ на эти искушения, сами того не замечая, раскрываются во всей своей греховности. Черт, равно как и дремлющее , периодически просыпающееся зло в виде Панночки с козлиными копытами, постоянно присутствуют на сцене и в спектакле ИМ. Дикие пляски черта, Дмитрия Гостева, так же определяют действие, вроде все приходит в спокойствие, но появляется черт и в нечеловеческой пластики танце возвращает хаос. Царство Хаоса, есть хаос созидательный и есть разрушительный, второй основной повод для уничтожения вселенной. Хаос понимается не как прямой результат божественного вмешательств, он внутренне присущ любому обществу, любой культуре или структуре, которые отделены от Того, кем «все стоит». ТОТ, кем «все стоит» это и есть главный ревизор, Тот и Великий инквизитор. Поэтому  у Миркурбанова их играет один актер. К финалу второго действия разрушительный хаос доходит, до крайней точки, вселенная гибнет, апокалипсис и страшный суд с уже запоздавшим покаянием. Можно еще много разбирать, не то что каждую сцену, а даже по мелким деталям, например, что Аида Поприщина (Мария Антипп), не читает графоманских стихов, как многие решили, а Наталью Медведеву повторяя ее образ, момент с упоминанием «Шинели», когда со всех чертей слетают маски, святой великомученник Акакий Акакевич, разговор хироманта Аделаиды с пальцем, это не для того чтоб было весело зрителю, а прямая ссылка к «Сиянию» Кубрика, где мальчик экстрасенс ,так же использовал движение указательного пальца, для связи с невидимым другом, случайностей там нет, равно как и желания эпатировать, ошарашить зрителя, и не вина режиссера, что он переоценил интеллектуальный багаж смотрящих. Где то уже попалось мнение, что хорошо бы режиссеру упростить смысл и уменьшить количество ребусов (такой же вариант предлагали и Антону Федорову, после «Дон Кихота»), по мне так хорошо бы зрителю, попытаться хотя бы приблизиться к пониманию того, что хотел сказать режиссер, тот кто поймет хотя бы треть, тот без проблем сдаст ЕГЭ по литературе, экзамены по культурологии и даже киноведению. Итог — Одно то, что в спектакле задействовано огромное количество прекрасных актеров десятилетиями сидевших в Ленкоме без ролей, все самые красивые актрисы театра, наконец получившие яркие запоминающиеся выходы, уже повод для того чтоб спектакль появился. «Сияние» Кубрика, критики разнесли в пух и прах, выдали антиОскар «Золотую малину», провалились первые постановки «Евгения Онегина» и «Лебединого озера» Чайковского, «Кармен» Бизе, Гоголь был и сам недоволен премьерой «Ревизора» и в истерике уехал в Италию, но время все расставило по своим местам. Как там у Некрасова. 
Эх! эх! Придет ли времечко,
Когда (приди, желанное!..)
Дадут понять крестьянину,
Что розь портрет портретику,
Что книга книге розь?
Когда мужик не Блюхера
И не милорда глупого -
Белинского и Гоголя
С базара понесет?
Ой люди, люди русские!
Крестьяне православные!
Слыхали ли когда-нибудь
Вы эти имена?
То имена великие,
Носили их, прославили
Заступники народные!
Вот вам бы их портретики
Повесить в ваших горенках,

Еще немного о «Зеркало» Пространство Внутри.
Второй день поражает точность сценографии спектакля, художник сам режиссер Савва Савельев. В который раз за последнее время театр, вольно или невольно, совмещается с кинематографом. Комната в которой происходит действие, словно переместилась из ранних фильмов Райнер Вернера Фассбиндера.                                    На стенах висят четыре кинопостера. Очень интересно это элемент случайности или вполне продуманных ход режиссера художника, но все четыре фильма временем выпуска не выходят из фактического времени действия спектакля и каждый из них несет в себе одну из тем поднятых в постановке.                                                На боковой стене , около которой находится в основном молодой герой «Ночь» Антониони, главная тема которого ложь и лицемерие, настолько органично вошедшие в жизнь писателя, главного персонажа, что уже и он сам забыл, какой был когда то. И два фильма Хичкока «Психо» зависимость от родителей, как триггер запускающий дальнейшее поведение героя. «Головокружение» двойники, «зеркало», желание выдавать себя за другого. На передней стене постер «Отвращение» Полянски. Скрываемая иррациональная ненависть ко всему окружающему, приводящая к паранойе, когда возникает желание, то что мешает просто уничтожить.

"Зеркало" Генрих Белль, Курт Воннегут. Драматическое кабаре. Режиссёр, драматург и художник Савва Савельев, художник по свету Елена Перельман, художник по костюмам Алексей Бородачев -Архипов. "Пространство внутри".
Спектакли на двух актеров, крайне редко у меня могут вызвать, хоть какой то интерес. В обозримом времени, кроме "Швейцарии" Татьяны Тарасовой и припомнить не могу, каких либо явных удач. Поэтому шел без особых ожиданий и с негативным настроем. Каково же было мое удивление, что из достаточно простого рассказа оказывается можно создать подобный, не побоюсь этого слова, режиссерский и актерский шедевр. Продумано все до мелочей, даже самая мелкая деталь сценографии точнейшее отражение времени действия, в кои то веки костюмы на актёрах сидят как влитые, подбор музыкальных тем, уместность экранов, хореография и конечно же великолепная игра актеров все идеально. Режиссёр Савва Савельев выступает еще и одним из актеров своего же спектакля, в первоначальном варианте вторым актером должен был стать Александр Горчилин, но похоже что то не срослось и в данном случае появление Павла Табакова, выросшего в очень хорошего актера, стало очередной удачей постановки, все таки Савельев и Горчилин слишком похожи, а в случае с Табаковым обшая игра на диаметральном контрасте персонажей настолько увлекательна, что даже на часы мысли смотреть не возникает. Итог - очередная удача "Пространства внутри" и в этот раз даже обошлись без каких то громких актерских имен, не стараясь чем то поразить зрителя, театр в чистом виде, идеальный театр. Если бы еще Савва Савельев, смог бы нам показать свою постановку о Марлен Дитрих с Лизой Янковской и Семеном Штейнбергом.

"Осень" Август Стриндберг. Режиссер Андрей Гончаров. Художник Константин Соловьев. Художник по свету Тимур Саитов. Хореограф Михаил Колегов. Музыкальный руководитель Алена Хованская. Генеральная репетиция. МХТ им Чехова.
Андрей Гончаров режиссёр интересный, неровный и непредсказуемый, в МХТ после его очень удачного "Чрева" поставленной так же с актерами "Осени", очень спорная "Далекая радуга" и теперь, еще более спорная "Осень".  
Пьесу Стриндберга не знаю, но Гончаров в своем видении, превращает начало, чуть ли не буквально в "Старосветских помещиков" Гоголя, а в финале по Пугачевой                      "Ты на грусть мою похожа, осень!
Не люблю тебя, но всё же,
Осень, осень,
Вместе будем до зимы!" В общем, как ни крути впереди вся осень, ты мне нужен очень, а я тебе нужна и нам друг от друга никуда не деться. Ольга Литвинова, как всегда прекрасна, хорошо поёт и необыкновенно пластична, Артем Быстров актер очень хороший, вместе с ними буквально проживаешь за полтора часа, всю тоску бесконечных десяти лет их супружеской жизни. Итог - кроме, как напомнить , что Ольга Литвинова и Артём Быстров очень хорошие, поющие актеры, появление этой постановки оправдать невозможно.

Присутствие в постановке, как говорят Достоевшины и Булгаковшины. Оба писателя вышли из Гоголя, Булгаков так об этом совершенно четко говорил. АдГоголя- Божественная комедия Данте , тоже путешествие сродни Гомеровскому, находящиеся в этом Аду наказаны после встречи с ревизором Богом. "Ревизор" Мейерхольда, поставлен, как трагедия, если бы был показан сейчас, то вполне бы вписался в тотальный постмодернизм нынешнего времени в текст были добавлены фрагменты "Игроков" и "Мертвых душ", Аделаида Ивановна с "Игроков" (крапленая колода карт) присутствует среди героев реально. "Чумной доктор" в маске с клювом на афише и спектакле, " Пир во время чумы" Пушкина в тему конца мира.  Как все это совместилось в спектакле Игоря Миркурбанова во второй части.

"ГоГоЛьИЛиАДА" по произведениям Н.В. Гоголя. Режиссер и автор инсценировки Игорь Миркурбанов. Генеральная репетиция, пока еще полная режиссёрская версия. Театр Ленком. В тенденцию последних месяцев выпуска значимых спектаклей не вписывающихся в репертуарную политику театров выхода, "Идиот" Театр Вахтангова, "Дон Кихот" Театр Наций и даже антреприза "Торговцы резиной"
врывается Игорь Миркурбанов со своей версией Гоголя. Ленком даже с учётом, что уже видывал виды спорных постановок КБ, но даже те, на фоне того , что поставил Миркурбанов выглядят детскими шалостями и образчиками русского психологического театра. Одной из основных претензий к режиссеру будет, что в спектакле много от Богомолова, это действительно так, но когда в течении 20 лет бок о бок плотно с кем то работаешь, то естественно буквально прорастаешь друг в друга и становишься одним целым, и ИМ единственный, кто имеет полное право, в своей первой полноценной постановке,  не цитировать, не подражать, а отдать долг уважения, можно сказать своему учителю, поставив его в один ряд с Гоголем, Кубриком, Триером, Линчем и Мейерхольдом. Главная проблема, что зритель на спектакле, или даже читая книгу, видит не то что хочет сказать автор, а способен составить, исключительно свое, основанный на начитанности , насмотренности, жизненном опыте, близости темы, собственное представление, чаще очень примитивное. Что для русской классики убитой максимальным упрошением для многих поколений системой школьного образования , стало катастрофой. Стереотип, как и о чем она должна ставится, смогут сломать только последующие поколения, да и то с учетом нынешних реалий, не факт, что это произойдет. Гоголь один из самых в этом плане пострадавший автор. Миркурбанов которого знают в основном, как актера, так же без сомнения станет жертвой стереотипов, ну что толкового он может поставить,  мало кто будет пытаться разобраться в сложнейшем, многоцитатном мире режиссера , где нет случайностей и при видимом хаосе, одна мысль цепляется за другую создавая в итоге, дополняя друг друга, одно целое. Попробуем пройтись хотя бы по верхам. Гоголь и Пушкин разговором которых начинается спектакль дружили, Пушкин подарил Гоголю сюжеты "Ревизора" и "Мёртвых душ". Гоголь и Гомер, почему Гоголиада. Гоголь прочитав в совсем юном возрасте, считал сочинения Гомера величайшими произведениями мировой литературы, " Мертвые души" по сути русская "Одиссея" по Гомеру, в "Портрете" цитата из которого так же присутствует в постановке, художник о значении Гомера для творческого человека, так же упоминает. Первая часть спектакля идет под знаком "Сияния" Кубрика и "Твин Пикс" Линча, что слишком очевидно, хотя там больше от "Малхолланд драйв" и " Внутренней империи ". Если у Гомера вполне реальное путешествие, то Гоголь мистик, его стиль не имел аналогов в русской литературе и даже зарубежной, фактически основоположник постмодерна, когда реальность исчезает, на первый план выходит внутренные переживания не всегда здоровых психически героев, который совершают путешествия в своей внутренней империи. За ним последовали Джойс, куда уж ближе к Гомеру , у которого Блум становится Улиссом и один день жизни самым длительным путешествием в современной литературе и еще целая череда авторов, до нашего Пелевина с его Внутренней Монголией. Поэтому искаженная реальность Кубрика и Линча, более чем близка к Гоголю. Вторая часть постановки страшный суд, конец света, под знаком "Меланхолии" Триера, блондинка и брюнетка, черное и белое, в коротком времени до конца вселенной, имеет ли этот мир право на существование, или настолько прогнил , что у него нет никаких шансов. Возвращаясь к Кубрику "Сияние" заброшенный отель место битвы добра со злом. При этом еще и место реинкарнации, где зло всегда возрождалось. Судя по финальной сцене с фотографией, отец семейства уже тут был и поэтому в отличии от своей семьи чувствует себя как дома и привез новые жертвы. Мальчику носителю сияния вроде удается разорвать круг бесконечности зла, но это не факт, зло источник равновесия, неистребимо, как и дремлющая в течении почти всего действия Панночка у ИМ.

«Торговцы резиной» Спектакль- кабаре по пьесе Ханоха Левина. Режиссер Петр Шершевский. Художник Анвар Гумаров. Художник по костюмам Мария Лукка. Художник по свету Алексей Попов. Композитор Ванечка (Оркестр приватного танца).Театральное агентство «Арт-Партнер XXI»
Петр Шерешевский один из ведущих и любимых мной режиссеров страны постоянно находится в процессе трансформации своего театрального стиля, его новая премьера в большей степени экспериментальная, попытка уйти от каких то уже сложившихся годами режиссерских узнаваемостей своих и чужих. Постановка вышла спорной, но точно ушла за пределы того, что Петр Юрьевич ставил раньше. Как и пьеса отзыв будет состоять из сцен.                                                                                                                                                                                                                              Созданная в частном агентстве занимающимся антрепризным театром, конечно антрепризой, как и многое в Арт Партнере не является, солидный качественный спектакль не стыдный для репертуарного театра любого статусного уровня, это конечно прекрасно, но тем не менее учитывая место выпуска коммерческая составляющая должна учитываться, невозможно продать комедию абсурда с такой немилосердной для целевой аудитории продолжительностью, в репертуарном театре и то было бы сложно. Комедия абсурда затянутая на три часа уже перестает быть комедией и для уставшего уже в первом акте неподготовленного зрителя воспринимается исключительно, как абсурд и вызывает желание покинуть зал.                                                                                                                                                                                                                                                                                              Художник Анвар Гумаров, один из самых интересных и мной любимых театральных художников страны, при том , что обычно, его сценография очень сложна и технологична, в данном случае в поставленной задаче и понимая, что спектакль должен гастролировать,  показы могут проходить в разных залах, так же как и режиссер экспериментирует, выстроенное обманчивой простоты универсальное, функциональное сценическое пространство, решено гениально. Балаган кабаре -цирка первого действия с пестрым дешевым шиком и затертым бархатным занавесом, за которым расположено лишенное каких либо ярких красок депрессивное пространство-чистилище, где герои встречают свою старость и умирают, и неожиданно открывающийся третий слой декораций, загробный мир, опять же парадоксально решенный, вопреки стандартам один из героев после смерти, обретает то что не случилось в жизни, его то ли рай то ли ад, уютная квартирка с коврами на стенке, вышивками, лампами, полная света и тепла.

Полина Кутепова. Коломбина уже лет 30 еще со студенческих времен, но прекрасная Коломбина. Режиссеру тут реально делать нечего, органика, образ уже давно в крови. Придраться не к чему, если что малость приглушить клоунаду, периодически ну совсем наотмашь. То что у Кутеповой уникальное лицо- холст, на котором гримеру можно нарисовать все что угодно давно известный факт, но что в первом акте ее лицо стало буквальным зеркальным отображением Греты Гарбо, полная неожиданность. 
  
Попадалась, как то статья о том, чем запомнились в частях Бондианы девушки Бонда, там была замечательная фраза, чем запомнилась девушка в «Виде на убийство» «Да ничем. Главную злодейку играла Грейс Джонс и за ней у нее не было никаких шансов выделится ». Когда на сцене Виталий Коваленко, очень мало шансов у кого либо, и уж точно не у Верника, даже в случае если бы тот смог играть осознанно, а не автопилоте, хоть как то выделится. Коваленко уникален, кто еще сможет в комедии абсурда, клоунаде, за два действия сыграть, даже не телефонную книгу, это вообще без проблем, а выведя своего персонажа из жестких рамок пьесы, весь многотомник Шекспира от комедий до трагедий, мгновенно меняя жанры. Спектакль стоило поставить, хотя бы для того, чтоб после длительного театрального простоя, актер такого уровня смог наконец в главной роли показать все грани своего безграничного таланта.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                        Итог — В спектакле про одиночества, где каждый сам строит свою стену отгораживаясь ей от отношений в страхе перемен, где женщина уставшая от того, что мужчины обещают всееее, ей не нужно это все, все это условно луна, звезды и красивые слова, а хоть какой то решительный поступок, не имея особой необходимости не стесняется выглядеть финансовой вымогательницей, его так и не сможет от них дождаться. Петр Шерешевский в очередной раз подтвердил свой статус одного из первых режиссеров страны. Постановка не про коммерцию, а уж совсем про творчество. Фраза знакомого театроведа « Шерешевский даже кенгуру, сможет обучить убедительно сыграть Леди Макбет!», выглядит теперь спорной, похоже с кенгуру явно проблем было бы меньше.

Композитор Ванечка (Оркестр приватного танца) смешно, но тоже очень мной любимый, обычно его музыка добавляет значительную часть успеха любой постановке, любого режиссера с кем он работает, в данном случае мало того, что его музыка становится главной определяя темп, ритм и всё, даже мельчайшие движения героев, ей подчинены . Но и сам со своими товарищами становится одним из главных участников спектакля, не менее прекрасным ,чем участвующие актеры, а иногда и куда более.                                                                                                                                                                                                                                                                                                         Жанр сам режиссер определяет, как кабаре, если точней, то это скорей кабаре «дель арте» с традиционными персонажами  Арлекин, Пьеро, Коломбина.

Из тех действующих лиц, не раз работающий с Шерешевским и которого можно считать актером режиссера, только один Виталий Коваленко, Игорь Верник так же уже участвовал в его постановках, но именно участвовал.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                            В двух случаях Игорь Верник и Полина Кутепова режиссер использует исключительно их наработанную годами актерскую органику, не пытаясь, ее не что то сломать, а даже хоть как то, в чем то изменить, они сами в профессиональной карьере, стали в чем то похожими на своих персонажей.                                                                                                                                                                                                                                                                           Игорь Верник, как и его герой Спроль, вопреки Есенину, похоже не считает что все прошло, как с белых яблонь дым, увяданья золотом охваченный, он не будет больше молодым, продолжая эксплуатировать образ красавца и имидж хипстера (всё девушкой, Минервой.. Всё фрейлиной Екатерины Первой.) . По идее играть ему ничего не надо, органика, но режиссер и сам актер пытались иронизировать над его штампом, прекрасно было бы если бы это получилось, но Верник даже в самоиронии настолько продолжает собой любоваться, что создает ощущение плохой актерской игры и еще похоже до премьеры посетил стоматолога, чтоб его брендовая улыбка была еще более ослепительной, результат- она ослепительна, но речь безбожно шамкающая и шепелявая. Что может быть хуже иммерсива в театре, только иммерсив с Верником.

«Сто бед» Оригинальная пьеса, написанная по заказу театра, по мотивам произведений Эмира Кустурицы. Сценическая версия и постановка Галина Зальцман. Художник сценограф Семен Пастух, Художник по костюмам Яна Глушанок, Композитор Валерия Коган, Художник по свету Александр Матвеев. Симоновская сцена. Театр им Вахтангова.
Писать особо нечего. Галина Зальцман, крепкий профессионал, на данный момент одна из самых востребованных режиссеров страны, большое количество проектов в Москве, Питере и провинции. Художник Семен Пастух, уже легенда, труппа театра Вахтангова всегда безукоризненна от ветеранов до молодежи, чуждых и бездарных тут не держат. В итоге общими усилиями театр в репертуар получает отличную постановку, придраться в которой практически не к чему. Кустурица в данном случае без цыганщины. Созданная по нескольким его рассказам пьеса во многом автобиографична, основана на воспоминаниях режиссёра о собственном детстве и несёт значительный заряд ностальгии, и как и у Феллини в «Амаркорд» «нити горькой любви, связывающие автора с прошлым». Сам спектакль Зальцман нежен и тонок, как путеводная нить ведущая и соединяющая зрителя уже со своим прошлым, подростковые проблемы везде и всегда одинаковы, равно как и семейные отношения и связи. В постановке задействованы в основном очень молодые актеры, играющие на равных с ветеранами сцены, перенимая опыт мастерства. Симоновская сцена именно то место, где молодым дают шанс показать свои профессиональные возможности. Итог- над зрителем летит в своем бесконечном полете под музыку Бреговича мудрая рыба из «Аризонской мечты» Кустурицы. «Рыба между жизнью и смертью стоит, оттого она и немая и глядит без выражения; телок ведь и тот думает, а рыба нет — она всё уже знает». И выросший вместе героями спектакля зритель, так же понимает «Жизнь это чудо, война это дерьмо, а любовь все победит, если ее, в свою очередь, что нибудь не победит.

«Андре Шенье» Умберто Джордано в постановке Александра Тителя, оформление Александра Боровского, художник по костюмам Мария Боровская, хореограф-постановщик Максим Севагин, художник по свету Дамир Исмагилов, оркестр  под управлением дирижера Пьетро Маццетти. Шенье- Чингис Аюшеев, Маддалена- Элеонора Макарова, Шарль Жерар — Андрей Батуркин, Берси — Наталья Зимина, Руше — Станислав Ли. Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко (Генеральная репетиция 05.03.2025).

Умберто Джордано представитель веризма (его опера «Андре Шенье» считается одной из основных в этом жанре), музыкального, и не только, направления в итальянском искусстве конца 19 века. Для понимания, оперы Масканьи «Сельская честь», Леонкавалло «Паяцы»,  Пучинни «Манон Леско», «Тоска», «Богема» , Франческо Чилеа «Адриана Лекуврер» все они образцы веризма. Принцип жанра, отход от героико- романтических традиций, изображение быта простых людей, но при этом  сюжеты продолжают включать в себя, любовные страсти на разрыв, толкающие героев на преступление во имя этой страсти. Композиторы в музыке, максимально мелодичной, стараются воплотить главным образом психологические переживания героев, все их действия обусловлены, как правило исключительно психологическим, если не сказать психическим состоянием.                        Либретто оперы Джордано принадлежит Луиджи Иллика, который в то же время одновременно писал либретто «Тоски», заручившись согласием драматурга Джордано буквально взял его измором , поселившись рядом и всячески пытаясь ускорить процесс написания, видимо поэтому у  загнанного нетерпеливым композитором в угол либреттиста произошло явное пересечение сюжетных линий двух этих опер. Джордано словно предчувствовал, что эта опера откроет ему путь композитора к дальнейшему многолетнему успеху, но навряд ли, что она почти первая, станет вершиной его творчества, ничего более популярного и совершенного он в дальнейшем не сочинил.                                                                                                                                                    Опера Джордано у нас не ставилась, во всяком случае я помню только концертное ее исполнение в Новой опере лет пять назад. Так что можно сказать, что художественный руководитель театра Александр Титель, как всегда, а в последнее время особенно стал первопроходцем. Если раньше, Александр Борисович включал в свои постановки элементы режиссерского эпатирования зрителя, то сейчас что очень заметно по последним двум работам «Русалке» и «Андре Шенье» мудро пришел к выводу, что эти оперы самодостаточны и настолько полны собственной музыкальной драматургией, ее достаточно выделить, расставить акценты и поместить в соответствующую рамку. У Джордано и Иллика сюжет развивается каледоскопически-кинематографически, одна сцена быстро меняет другую, не говоря уже о временных периодах действия и сам по себе достаточно увлекателен.                                  Сценография Александра Боровского идеальная рамка для постановки любого режиссера не прячущегося за сценографией, создает полное воздуха павильонное пространство, состоящее из арочных конструкций, закрывающихся опускающиеся щитками, напоминающими лезвие гильотины. Сценическое пространство условно делится художником на три части, одна на балконном возвышении, вторая основного действия, где народ и аристократия в ходе революции меняются местами и где еще недавно был бал, уже кровавое судилище, третья камерное пространство трагического финала, авансцена. Художник по свету дает световое решение в кроваво- красных цветах любой революции.

Художник по костюмам великолепная Мария Боровская, удивляет способностью не повторяться, если рассматривать даже ее последние работы, то «Деревянные кони» на Таганке, «Наследники» в Театре Табакова и сейчас «Андре Шенье», словно создавали три разных художника. Работа Боровской в опере настолько сложна и объемна по огромному количеству костюмов на несколько составов, что просто поражаешься, откуда столько сил в этой хрупкой девушке. Если верить интервью, то в цветовая гамма была ориентирована на картины старых мастеров Рубенса и Рембранта, но похоже художник по свету своей красной подсветкой невольно изменил изначальную идею, как бы сказал Остап Бендер  «Вас обманули. Вам дали гораздо лучший мех» и Рубенс с Рембрантом с их в общем то приглушенными тонами, приобрели дерзкую яркость Караваджо и Артемизии Джентилески.                                                                            Вокалисты. Опять же в который раз меня восхищает, что театр в каждой своей премьере открывает новое имя, выдвигая на главные партии молодые таланты с перспективой будущей звездности. В данном случае Маддалена -дивная Элеонора Макарова, мало того что красавица, но еще и несмотря на молодость вполне состоявшаяся драматическая актриса и вокалистка. Великолепный дебют в сложнейшей партии. Для тенора, главного героя Андре Шенье в этой опере таится мощный подвох, баритональная партия его друга-врага Шарля Жерара гораздо более выигрышная, и тенор с баритоном вынужденно вступают в жесткую конкуренцию. В том составе ,что слушал я, Шенье- Чингис Аюшеев на прогоне выглядел еще не очень уверенно, в отличии от Жерара- Андрея Батуркина, который провел все свои арии безукоризненно и был настолько хорош, что Маддалена выглядела девушкой со странным вкусом на мужчин, ну или любовь точно слепа. Прекрасны Наталья Зимина в партии Берси и Станислав Ли в партии Руше. Оркестр с молодым итальянским дирижером Пьетро Маццетти критиковать не буду, пусть оперные этим занимаются, но я бы все таки хотел услышать, как справится с Джордано наш Федор Безносиков, уверен, что точно не хуже.                                Итог- МАМТ в то время, как по всем фронтам лихорадит Большой театр, остается островком покоя, стабильности и хорошего вкуса. Все последние оперные премьеры более чем успешны. Андре Шенье редкая у нас опера в крепкой режиссуре, без элементов эпатажа выглядит свежей и современной, прекрасно исполненная всеми участниками даже эпизодических партий, с интересной функциональной сценографией и прекрасными костюмами.

"8 РАЗГНЕВАННЫХ ЖЕНЩИН", - премьера 8 марта! ,по мотивам пьесы Робера Тома.
  Режиссёр-постановщик и хореограф Алла Сигалова 
  Художник Мария Трегубова
  Художник по костюмам Тамара Эшба
  Художник по свету Иван Виноградов
  Музыкально-звуковое оформление Алла Сигалова
  Креативный продюсер Софья Эрнст
  МХТ им Чехова. Генеральный прогон.

  Габи жена Марселя - Дарья Мороз
  Сюзон старшая дочь Марселя - Мария Фомина
  Катрин младшая дочь Марселя - Софья Шидловская
  Огюстина сестра Габи - Софья Эрнст
  Бланш мать Габи и Огюстины Алла Сигалова
  Служащие в доме Марселя:
  Барбара управляющая домом - Юлия Чебакова
  Адель помощница управляющей - Аня Чиповская
  Та, которую не ждали,  Пьеретта - Александра Ребенок
.                                                                    Охладев,
Увядших дев
Поменяют на новых подруг…
Но камни сияют
И форм не теряют!
И бриллиант – твой лучший друг!

Тиффани… Картье!
"Кохинор", "Романов"!
Ах, говорите мне о них, я хочу узнать их поближе!

Бывает, что день наступает ненастный,
(А бриллиант – твой лучший друг!)
Коль шеф, подобрев, говорит: «Вы - алмаз мой!»
Не теряй момент!
Но не меняй карат на комплимент!

Он с тобой – и хвост трубой,
Но когда рынок падает вдруг
Все эти пижоны
Бегут к своим женам…
А бриллиант – твой лучший друг!

Слыхала про чистые я отношенья…
(А бриллиант – твой лучший друг!)
Но ты предпочти чистоту украшенья –
Кому в том вред,
Коль перстеньком скреплён обет!

Юность пройдет и прелесть уйдет,
И печаль твою спину согнет…
Коль станут трудны дни –
Надейся на Тиффани!
Diamonds Are a Girls Best Friend

Облетела листва, у природы свое обновленье,
И туманы ночами стоят и стоят над рекой.
Твои волосы, руки и плечи - твои преступленья,
Потому что нельзя быть на свете красивой такой.
Восемь первых красавиц Москвы в блеске бриллиантов и нескольких смен роскошных платьев и костюмов от Тамары Эшбы, а еще Жозефина Бейкер, легендарный выход Мадам, Повар, вор, его жена и ее любовник Гринуэйя и еще много всякого гламура. Идеальный спектакль для обитателей Патриков, Рублевки и их подруг, КБ и Бронная рыдает, удар которого не ожидали, не предвидели, с перспективным перехватом целевой аудитории. У давнего подарочного спектакля МХТ "Номер 13" появился свежий конкурент.

"Дон Жуан. Новый миф". Неприлично упрощённый, сокращенный сюжетом с частичной  подменой авторских смыслов Жан-Батист Мольер. Режиссер Максим Меламедов, Сценография Филипп Шейн. Художник по костюмам Денис Шевченко, Художник по свету Елена Перельман. Пресс-показ. Губернский театр.
Максим Меламедов режиссер относительный,  особо ничем не примечательный, шанс стать режиссерской звездой столицы театральный бог чудесным образом ему дал еще практически во время учебы, когда был назначен фактически главным режиссёром Театра Маяковского, но как говорится бог дал бог и взял, за два сезона один проект "Школа жен" и тот в итоге пришлось переделывать, настолько что выпустил под своим именем, художественному руководителю театра Карбаускису. Чтоб по новой привлечь внимание театрального бога , по принципу бог увидит лучше даст, стал главным режиссёром Русского драматического театра в г. Стерлитамак, очень хорошего кстати театра. И увидел и дал ведь, снова Москва большая сцена Губернского театра, постановка с очень солидным бюджетом и второй по значимости из главных звезд театра, секс символом Антоном Хабаровым. Пьесу Мольера режиссер значительно сократил, до такой степени , что оставшийся чистый сюжет из двух часов хрона, можно уложить в минут тридцать. Как известно Дюма отцу платили за каждую написанную строку, а позже даже за каждое написанное слово, чем он частенько и пользовался растягивая в своих произведениях сюжет и диалоги, судя по тому как растянуты эти полчаса, режиссеру похоже платили за каждую минуту действия. Мхатовские паузы в сравнении с тем сколько по времени длится в спектакле каждая сцена, выглядят междометиями. Длительность сцен даже с проходными персонажами к действию имеющими мало отношения или совсем не имеющие, уходят в бесконечность. Равно и то какое значительное время действия без особых на то поводов Антон Хабаров бегает по сцене в семейных трусах или демонстрирует голый торс. При этом Сганарель Михаил Шилов, в полностью одетом виде, влегкую переигрывает премьера и становится практически главным героем. Итог - режиссер навряд ли имеет понятие о том, что для любой пьесы, а тем более комедии как позиционируется пьеса Мольера, важен темп, ритм и динамика, двигается со скоростью улитки, когда дело к финалу доходит до главных диалогов и монологов, уже настолько устаешь от такого вялотекущего ритма, что заторможенный мозг не в состоянии воспринимать, ни текст ни смысл. В чем режиссер видит новый миф , когда ничего нового в пьесу внести нереально, она достаточно прямолинейна, тоже вопрос. Измененный финал когда герой умирает не от руки командора, а от поцелуя смерти на пуантах, ответа на этот вопрос не дает, тем более за этим следует немая сцена такой длительности, что в борьбе со сном, наконец побеждает сон. Но поклонницы Антона Хабарова будут довольны, полуобнаженки Казановы -Дон Жуана в ассортименте.

"Мертвые души" фантазии на темы Гоголя режиссёра Владимира Комарова. Творческое объединение "Озеро" и "Пространство внутри".
Андрей Маник парень уникальный, кроме режиссёрского, обладает талантом собрать кучно в постановки малых форм своих и соратников, известных, раскрученных кино и участием в спектаклях знаковых режиссеров актеров, на моей памяти подобное удавалось только Андрею Жолдаку. Собрать то собрал, но если у самого в "Трех сестрах" есть задел на новые формы и оригинальность режиссерского стиля, то в данном случае у Комарова попытка найти новые формы, явно провалилась, уж очень упорно молодой режиссер цепляется за старые. Я понимаю, что все они ученики Крымова, но сколько можно бить поклоны и отдавать дань учителю. Пора обретать самостоятельность, создавать, что то свое, если это позволяет талант, если нет то конечно можно продолжать копировать других до бесконечности и даже с успехом, каст и зрительский  восторг узнаваемости  вывезут, но вопрос зачем. "Мертвые души" компиляция "Ричарда" и "Красной шапочки" все сшиты по одному лекалу, с явлением призрака отца Крымова, в сочетании хорошими, но предсказуемыми или спорными актерскими работами. Чичиков в маске старика от Цыганова из самого известного спектакля Крымова и практически в том же рисунке роли, Виктория Исакова перебежала Аркадиной Крымовского "Костика", Таисия Вилкова в повторе узнаваемого стиля, главной крымовской актрисы Марии Смольниковой, с учетом того, что я смотрел в составе с участием в другой роли самой Смольниковой , то две Смольниковы на сцене, основная и копия одновременно, выглядели явным перебором. Итог- если это была Треплевская претензия на новые формы, то их на лету пожирали старые, если очередной многоцитатный поклон учителю, то пора понять, что это уже выглядит вечным студенчеством и перестать кланяться. Пока увиденное  можно назвать студенческой антрепризой, когда драйв есть, а опытным актерам ничего нового предложить не могут пускают на самотек и скатываются в молодёжный трип после употребления настойки мухоморов на старых дрожжах. На коммерческий успех, это никак не повлияет постановка без сомнений  войдет в золотовалютный фонд "Пространство внутри".

«Идиот» Сценическая версия и постановка по роману Ф. М. Достоевского, а так же сценография Владислав Наставшев. Художник по костюмам Майя Майер. Художник по свету Руслан Майоров. Прогон. Театр им Вахтангова.
Очередная премьера Театра Вахтангова без сомнения произведет в театральных и околотеатральных кругах эффект разорвавшейся бомбы и этот факт прекрасен. Перефразируя известную цитату «У театра такая безупречная репутация, что его уже давно пора скомпрометировать». Нет ничего хуже безупречной красоты, она быстро приедается и становится обыденностью, ну и чего именно лишены «безупречные» в «Игре Престолов» мы тоже все знаем. Любой уважающий себя театр должен иметь в репертуаре постановку, не про «коммерцию», а про «творчество» и неважно даст ли она кассовую прибыль, это вопрос престижа и статусности театра. Естественно в театре Вахтангова, когда смело выпускали спектакль реально оценивали риски, да и проходили это уже с предыдущей постановкой Наставшева «Повесть о Сонечке» которая кто бы как к ней не относился, получила заслуженное признание умного зрителя и критиков. Уже второй раз поражает неуместный зрительский истеризм недовольства, о смене и даже сокращении актерского состава, это творческий процесс в театре и режиссеру видней, кто ему именно подходит, а не личный корпоратив на которым проплатил Дженнифер Лопес, а приехала Бузова в стрингах. Время показало, что с выбором актеров в «Повести о Сонечке» режиссер не ошибся, в «Идиоте» после первой волны кликушества, время так же все расставит по своим местам. Опять же система двойных стандартов, если Бутусов мог начинать ставить «Дон Кихота», который по ходу репетиций менялся на «Пер Гюнта», или «Три сестры» закончившиеся «Отелло» это расценивалось, как режиссерский поиск, а вполне себе стандартный кастинг близких к твоему видению актеров становится теперь, чуть ли не преступлением. Равно как и выбор возрастной актрисы Анны Дубровской на роль Настасьи Филипповны, справедливости ради, Настасьи Филипповны в возрасте обозначенном автором, за редким исключением. в театрально и кино природе не водятся, а уж в современном театре возрастные рамки тем более размыты, считается, что с нелегкой руки Константина Богомолова, опять же когда в его версии «Идиота» Аглаю играла Елена Шанина, расценивалось, как театральная революция, хотя та самая революция начиналась, как раз в Театре Вахтангова, когда в «Сирано» Владимира Мирзоева, Роксаной стала Ирина Купченко, о Настасье Анны Дубровской поговорим позже. Зрительские реакции удивлять не могут, у всех разный интеллектуальный багаж и тем более театральная насмотренность. Удивляет реакция вроде как профессиональных театральных критиков, когда например вполне себе солидная дама с претензией на значимость и правильность собственного мнения, то устраивает истерику, словно монашка, который садовник показал член в пост, на спектакль Шерешевского, какая это гадость, то посмотрев только одну часть спектакля Наставшева и покинув зал, определяет его пустым тупым трешем, давать какую либо оценку далеко не линейному спектаклю не досмотрев, это по меньшей мере непрофессионально. После длительного и наверное занудного эпилога переходим все таки непосредственно к постановке. В «Пространстве Внутри» Олега Карлсона не так давно был однократный показ спектакля со сложным названием в режиссуре по собственному сценарию Алексея Френкеля, как раз по роману Достоевского, где Рогожин и Мышкин в замкнутом пространстве вагона чистилища , после убийства Настасьи едут в никуда, все время пытаясь избавиться от орудия преступления ножа ,выкидывая его в окно, но он бумерангом мигом возвращается, и по ходу действия пытаются решить вопрос, кто из них главный герой романа, даже спрашивая у самого неожиданно появившегося Достоевского. Шансов, что Наставшев видел этот спектакль никаких, был показан один раз и похоже до сих пор переделывается автором, но что интересно так это общность идеи двух творческих людей пришедшей к ним независимо друг от друга.

Но если у Френкеля герои в замкнутом пространстве вагона, то Наставшев помешает своих в фантастический, постапокалиптический ад разрушенного кинотеатра, где все находятся за два шага до дымящегося огненного входа в следующий, еще более страшный его нижний круг, рискуя в любой момент в него провалиться. Что это, сон, бред, галлюцинация, иллюзия настоящей жизни, кого именно общая для всех героев или одного лишь Мышкина. Что является самой великой мировой иллюзией, удовлетворяющей извечную бессознательную потребность людей в общих воспоминаниях, конечно кино и театр, к тому же и кино и театр это еще по сути, как кто то сказал, жизнь из которой вырезали самые скучные сцены. Четыре героя Достоевского, три из которых устраивают театральные представления для одного практически безмолвного и безответного зрителя, кто из них более сумасшедший, играют, заигрываются, если вы упрямо и непреклонно будете крутить в мыслях свое кино, реальность рано или поздно придет в соответствие с ним. Реальности просто некуда деваться таково ее свойство. Не только вы зависите от реальности, но и она от вас. В итоге три опасных сумасшедших окончательно разрушают и себя и единственного зрителя, которому уже никогда не выйти и из состояния безумия и не покинуть своего место в ряду адского кинозала. В спектакле в этом театре, куда вход только для сумасшедших по Гессе, есть все, жизнь театр люди актеры по Шекспиру, герои смотрят в бездну буквально, а она на них по Ницше, не понимая что Ад это другие по Сартру, Настасья Филипповна с телефоном «Человеческого голоса» Кокто, в финале когда действие окончательно разворачивается и у героев уже нет никаких тормозов, концепт первого действия голливудских фильмов нуар, уходит уже непосредственно в театр, тут и Джулия Ламберт в узнаваемой чалме театральной сцены разборки с соперницей, и Чеховская Аркадина и даже Миссис Эрлин Оскара Уайльда, саундтрек заезженной пластинки с записью фонограммы фильма Александрова «Цирк», делает это нарастающее общее сумасшествие еще более страшным . Частично сценический рисунок Анны Дубровской и финал спектакля с погружением в безумие Мышкина прокладывают мост памяти к постановке Римаса Туминаса, которой он когда то взорвал театральным мир «Дядя Ваня». Нет в спектакле Владислава Наставшева ничего случайного, даже в деталях и тем более издевательства над первоисточником, вопрос насколько зритель способен это считать и понять. Итог- удача театра, один из лучших спектаклей сезона. Театру можно пожелать, только терпения и веры в адекватность зрителя, на профессиональных критиков судя по отзывом на последние несколько громких премьер надежды мало и вспомнить Раневскую. «Все, что говорят обо мне за спиной слушает, только моя задница». The Winner Takes It All (Победитель получает все), в данном случае даже если и будет видимость поражения, то все равно чистая победа остается за театром.

« Преступление и наказание» Федор Достоевский. Авторы инсценировки Елена Исаева и Антон Яковлев. Художник постановщик Алексей Кондратьев. Художник по костюмам Тамара Эшба. Режиссер Антон Яковлев. Театр Гоголя.
Итог сразу, безусловно постановка удача режиссера и театра и претендент на один из лучших спектаклей в сезоне. Театре Гоголя второй раз удивляет. «Воскресенье» Паши Пархоменко стало первым и очень удачным в последующей череде множественного сценического воплощения сложнейшего произведения. При этом тяжеловесный, перегруженный философскими размышлениями роман Толстого был без ущерба для содержания и авторского смысла, их лишен. И вот снова, если вдуматься более чем смелая, даже дерзкая режиссерская попытка, поставить уже произведение Достоевского, которое, кто и как только уже не ставил и кажется ничего нового в нем уже раскрыть невозможно. Оказывается не обязательно по новой изобретать велосипед, что то от себя дописывать, переносить время действия, притягивать какие то совсем уж далеко лежащие за гранью романа смыслы, мудрствовать, умничать, а вполне можно поставить, опять же лишив роман тяжеловесности, изнурительных длинных монологов и диалогов, без попытки впихнуть все идеи, что накопились в голове, вполне цельное режиссерское высказывание, динамичное по ритму, не растекающееся мыслью и красивейшей, опять же не перегруженной избыточностью, сценографией прячущей режиссерские недочеты, не отвлекающей, которая служит рамкой ,иногда буквально, для великолепной актерской игры прекрасных актеров театра. Про актеров. Антон Яковлев смог за достаточно небольшой период, собирая по крупицам создать сильную, профессиональную труппу, к нему потянулись интереснейшие актеры других театров, где их талант не был использован в полной мере и не менее талантливая молодежь. В Театре Гоголя место и ярких ролей нашлось для каждого. Спектакль «Преступление и наказание» идет с подзаголовком «следственный эксперимент», состоит из двух частей, первый акт непосредственно следственный эксперимент, попытка реконструкции преступления, выходящее за пределы реальности, происходит ли все это в реале, а может сам Раскольников в горячечном бреду пытается найти оправдание своему преступлению и забыть о своей причастности.                                                                                                                                         Второй акт уже реалии, как все действительно было, выздоровление, прозрение, принятие и полное отсутствие раскаяния. Финальная фраза неожиданно для зрителя, вне каких то стандартов, по новой разворачивает сюжет и предполагаемую мораль. Если талант Дмитрия Высоцкого- Порфирий Петрович актера Таганковской школы и перешедшего в труппу театра, наконец оставивший Шалман драматического искусства Андрея Финягина, который когда то уже играл Алешу Карамазова Достоевского в «Нелепой поэмке» у самого Гинкаса, а теперь дорос до Свидригайлова, сомнению не подлежит, они его уже давно всем доказали, то Василий Неверов- Раскольников длительное время консервированный в Театре Табакова, Антоном Яковлевым раскрыт в полной мере, от достаточно однотонного по игре полубредового состояния первого акта, до эмоционального урагана во втором. Янина Третьякова в «Воскресенье» Катя Маслова, рисковала в роли Сонечки Мармеладовой застрять в уже привычном образе, и этого тоже слава театральному богу и режиссеру не случилось. Безумная Катерина Ивановна роскошная Ирина Выборнова с голосом банши, способная разрушить уже им одним, не говоря уже о ее актерском темпераменте, стены театра. Все актерские работы выверены до малейших деталей, сложность еще и в том, что приходится играть по нескольку ролей, опять же не просто из экономии бюджета, а в смысловой связке с главным образом. Допустим невинно убитая Елизавета становится по ходу действия, еще и главной детской травмой Раскольникова. забитой на его глазах лошадью.

Еще раз итог, несмотря на не имеющее под собой оснований предубеждение и обвинений в захватничестве, с там же успехом можно обвинять КБ что он отжал театр у Михоэлса, или Евгений Писарев у Таирова, Театр Гоголя и его художественный руководитель набирают силу, репертуар ничем не хуже, а во многом и лучше, чем в половине театров Москвы, труппа не менее сильная и профессиональная, плюс к этому прилагается активное использование ее возможностей. Последняя премьера «Преступление и наказание» динамичная, практически идеальная во всем от инсценировки до режиссуры и работы актеров, оригинальная версия, сложнейшего для постановки любым режиссером, романа.

"Голубка" автор Патрик Зюскинд. Режиссер , хореограф, художник Екатерина Кислова. Художник по свету Анна Емелина. Центр драматургии и режиссуры.
Меня всегда поражало насколько Владимир Панков и команда лишены каких либо навязчивых амбиций и без шума и пыли  делают свое дело, собирая в репертуар "тихие" шедевры, способных составить конкуренцию лавине безликого постановочного камнепада в большинстве театров столицы. В последнее время наконец вышли из тени. "Скоморох Памфалон" один из лучших спектаклей постковидного периода, а теперь кассовый хит и зрительский блокбастер и похоже одна из главных постановок сезона "Курьер" Владимира Панкова. Екатерина Кислова мой любимый и высокоценимый театральный хореограф, ее талант уникален, равно как и способность работать с любыми стилями хореографии, совмещая несовместимые, (похоже у нас с ней общая нелюбовь к синхронным движениям, всегда и практически у всех отдающими колхозной дискотекой 90 х) , филигранно вплетая танец и сценическое движение в драматические спектакли определять ритм и помогать расставлять режиссёрские акценты. "Голубка" вышла и вошла в репертуар из студенческой хореографической лаборатории ЦДР в ГИТИС.
Екатерина Кислова в данном случае и режиссер и хореограф и художник. Казалось бы невозможно перевести на язык хореографии историю социофоба погруженного в свой внутренний мир и выбитого из привычного ему состояния, для которого отсутствия в его жизни каких либо событий залог душевного равновесия, вроде бы пустячным поводом случайно залетевшей птицей. Даже "Превращение" Кафки с подобного рода героем и то проще, там есть реакция окружения, а тут одинокий человек вне какого либо социального общения, живущего в комнате похожей на гроб. Оказывается вполне возможно. Хореография под естественный поток бытовых звуков, история начинается стрекотом швейной машинки и ей же и завершается, акапельное пение, живой и фонограмный вокал все вместе создает и погружает зрителя в тревожное состояние созвучное страхам и душевному надлому героя. В рассказе сложно понять почему именно птица дала толчок к его нервному срыву, у Кисловой все предельно ясно, до того как герой находит и запирается в своем убежище, мир вокруг для него представляется пугающей стаей птиц, шумных, суетливых, вносящих хаос и вот неожиданно часть этого мира от которого он сбежал, возвращается, как тревожный знак, что тот идеальный мир, что он выстроил может быть разрушен. Финал, если у Зюскинда он может рассматриваться, как скорей позитивный, то в спектакле Джонатан Ноэль похоже погружается в спасительное безумие. Хореографическая ,музыкально-звуковая составляющая идет на фоне авторского текста, рассказчик старый Ноэль- Александр Большаков, молодой Ноэль про которого ведется рассказ говорит исключительно по французски, в финале они меняются и возрастом и языками. Молодого Ноэля играет Александр Фокин, после премьеры курьера Владимира Панкова явно претендующий на открытие года. В «Голубке» его роль не менее интересна, и куда более сложна, ведь кроме драматургии, еще приходится говорит по французски и танцевать в сложнейшем хореографическом рисунке режиссера -хореографа. Итог- удивительно, как такая оригинальная, сложнейшая работа проходит мимо широкой зрительской массы. Это очень солидный, хотя и играется вчерашними студентами совершенно не студенческий, а очень взрослый высокопрофессиональный спектакль в великолепной умной инсценировке, причудливой хореографии. Александр Фокин один из самых перспективный молодых актеров своей возрастной категории и открытие года.

Прежде ,чем побороть зло в мире, нужно сначала побороть зло в себе. Чистое зло никогда не кажется злом. Оно проявляется, если к нему примешивается добро. Добро и зло, правильное или неправильное, долг и судьба. Важны ли они? Действительно ли они более привлекательны, чем эйфория сражения. Итог -неоднозначная работа, не менее неоднозначного режиссера, пока еще сырой вариант который в дальнейшей работе явно будет сокращен и его избыточная фрагментарность сложится в цельный единый смысл. Как всегда уникальные актеры Федорова Семен Штейнберг, Наталья Рычкова, Сергей Шайдаков, Алексей Чернышев. Впервые с режиссером работает Тимофей Трибунцев, который влился, как родной и при всей своей занятости и востребованности нашел время для репетиций этого сложного проекта, с высоты своего опыта с ведущими режиссерами поколения понимая, что это не театральный проходняк. Повезло талантливой молодежи для Симы Гощанской, Элизабет Дамскер, Ефима Белосорочки и Маши Лапшиной работа с режиссером такого уровня, рядом с великолепными его актерами это уникальный опыт и одна из лучших актерских школ, какую только можно представить. Равно для молодых и не очень режиссеров надо идти смотреть и учится, как надо выстраивать мизансцены, когда на сцене большое количество актеров, находящихся в постоянном движении и взаимодействии ни на секунду, не позволяющих себе расслабиться и выйти из образа.

«Дон Кихот» по мотивам романа Мигеля де Сервантеса. Режиссер, автор инсценировки и художник Антон Федров. Художник по свету Игорь Фомин. Композитор Григорий Калинин. Первый прогон на зрителя. Театр Наций.
На данное время Антон Федров уже совершенно определенно стал Режиссером №1 страны. Кто бы как к нему не относился, но это пожалуй единственный из оставшихся режиссеров, создавший свой уникальный театральный постановочный стиль и говорящим со зрителем на сложнейшем, опять же исключительно своем театральный языке, не особо морочась трудностями перевода, не похожий ни на что и на кого, кто был раньше у нас и ничего не позаимствовав из каких то зарубежных источников, его работы в дальнейшем войдут в историю театра и по ним театроведы будут писать диссертации. Кто бы как не возмущался, что это за театр и почему мне ничего не понятно, но тем не менее любая его постановка становится событием, кассовым хитом и недоброжелатели следуют за ним как за Гамельнским музыкантом с волшебной флейтой. Еще Антон Федров очень свободный режиссер, который никогда не заигрывает со зрителем в навязчивом стремлении тому понравится и искусственно эпатировать, а ставит так как считает нужным и понятным иногда только исключительно для себя. «Дон Кихот» как раз из этой категории. По своей сути он вышел, вплоть до нескольких прямых цитат,  из недолго идущего в Гоголь Центре «Буковски» того же Федорова, самый длительный по времени действия, самый сложный и самый недооцененный, значительно опередивший время спектакль режиссера, похоже ставший его болевой точкой и незакрытым гештальтом. Официальная премьера Дон Кихота еще впереди, но уже среди зрителей и коллег режиссера произошел раскол с самыми разнообразными реакциями от категорического неприятия, отторжения, до попыток все таки вникнуть в режиссерский замысел. Вроде и подсказка имеется, на занавесе перед началом фрагмент лекции Набокова по Дон Кихоту, но которая еще больше запутывает. По ходу действия есть сцена, когда проповедник надевает платье с репликой «Ой какое пыльное!» Смотрит на прикрепленную бирку и читает «Театр Советской армии». Какие версии по поводу этого совершенно невинного момента я услышал после окончания, окончательно облысеть можно, хотя тут всего лишь ирония по поводу того, что в Театре Советской Армии несчетное количество лет шла версия Сервантеса «Человек из Ламанчи» где Владимир Зельдин играл Дон Кихота буквально до 100 лет. Антон Федоров попытался вытряхнуть из романа пыль веков и многочисленных ранних постановок. Что получилось описать невозможно, равно как и проанализировать. Сервантес запараллелен с Рабле «Гаргантюа и Пантагрюэлем» и Шекспиром, разбавлен латиноамериканскими сериалами и треш хоррором Тарантино- Родригеса, фильмом Козинцева,  неожиданным портретом Дэвида Линча в финале около поверженного Дон Кихота, Герника и танцующего Барышникова с танцем повторяемым мультипликационным котом. К финалу на первый план все таки выходит вполне определенная мысль 
В сказках злу противостоит добро, это очень удобно. В жизни злу противостоит еще более отвратительное зло, и ты, жалкий микроб, ничего изменить не можешь.

«Родинки» Кира Егорова. Терапия детства для зрителей. Режиссер Дмитрий Изместьев. Художник постановщик Анна Апполонова. Художник по свету Евгений Виноградов. РАМТ.
Писать в общем то нечего, в описании спектакля на сайте театра о нем сказано буквально все, практически на уровне спойлера. Жанр вербатима в котором поставлен мне не близок, для меня документальный театр тупиковая линия театрального искусства. Равно как и по почтенному возрасту походы на территорию травм раннего детского возраста, уже поздноваты. Но похоже тема важна для режиссера спектакля, если он ставит эти истории за последние шесть лет уже трижды, и если каждый раз это вызывало интерес и даже рассматривалось как провокация, то видимо не только ему. Значит и в РАМТе тем более в малой форме, он найдет своего зрителя.                                                            Если рассматривать как провокацию, то я бы не стал рекомендовать смотреть спектакль родителям вместе со своими детьми. Обе стороны будут чувствовать себя неуютно, особенно если какая то из историй попадет в личные болевые точки. Все таки название для постановки «Родимые пятна» более бы точно отражало ее суть. И в финале для полного сближения со зрителем, стоило бы запускать не только Дашу Рощину, но и Антона Савватимова, хотя нет, это создало бы давку среди женской части зрителей.

У Азарова в повести достаточно проходной персонаж становится чуть ли не главным, не графиня, а именно он КНЯЗЬ и есть тайная недоброжелательность, дьявольское искушение и еще и лихо одноглазое, воплощение злой судьбы, патологического невезения, великий умелец морочить, играя на скрытых человеческих комплексах и страхах. Он был бы безупречен, но постоянно слезящийся, даже кровью, больной глаз и неожиданная его фраза проводящая параллель с уродливым Ричардом Третьим Шекспира, опять же приводит к мысли, что все не то чем кажется. Лиза у Пушкина в общем то не прописана как образ, в данном случае соединила в себе судя по обрывкам фраз всех лирических героинь Пушкина и саму графиню в молодости. Герман в спектакле, исключительно очередная жертва искушения и дьявольских игр, как выше говорилось с манипуляцией его скрытыми желаниями.   
"...Этот Германн, – продолжал Томский, – лицо истинно романтическое: у него профиль Наполеона, а душа Мефистофеля..."   "...Деньги, – вот чего алкала его душа!.." Германн в душе игрок, но он никогда в жизни не играл в карты до истории с графиней. Финал так же неоднозначен. Рефреном через весь спектакль проходит песня Эдит Пиаф «Нет, я не жалею ни о чем !» Она мантра успокоения старой графини, выводящая ее из бреда мучительных воспоминаний, она и главный девиз всех героев, даже Герман в своем финальном безумии чувствует себя вполне комфортно. Так что бы не случилось с нами когда то и что будет дальше уже неважно.

Нет! Ни о чем,
Нет, я не жалею ни о чём
Ни о добре, которое мне сделали,
Ни о зле,
Мне все равно
Нет! Ни о чем!
Нет, я не жалею ни о чем
Все оплачено, выброшено, забыто,
Мне наплевать на прошлое
Из моих воспоминаний
Я разожгла костёр.
Мои радости, мои печали
Мне больше не нужны...
Выброшена любовь,
С её тревогами.
Выброшена навсегда,
Я начинаю с нуля.
Итог- удача Театра на Таганке с безупречным актерским кастом (дикция Филиппа Котова в роли Томского сама по себе урок для студентов театральных Вузов) ,великолепная роль Ирины Апексимовой. Можно смотреть пытаясь распутать клубок режиссерских загадок, а можно как стильный высокохудожественный (Николай Симонов) музыкальный клип с очень красивыми актерами, прекрасно поющими и танцующими. Кто бы что не говорил, о том Театр на Таганке не так популярен, зрительный зал битком и главное больше двух третей зрителей молодежь, а не участники программы активное долголетие подвозимые автобусами для его заполнения.

«Пиковая дама» Александр Пушкин, автор инсценировки Ольга Никифорова. Режиссер Денис Азаров. Художник Николай Симонов. Художник по костюмам Мария Данилова. Художник по свету Иван Виноградов. Композитор Кирилл Таушкин. Театр на Таганке.
Ирина Апексимова всегда была одной из моих любимых актрис, актриса над которой время не властно, не растерявшая с годами мудрости с терпением и способность держать удар любой силы, таланта преумножив свои и так не малые актерские возможности, утонченной красоты и безупречного стиля, не встав в один ряд со своими ровесницами в погоне за молодостью ставших антирекламой пластических хирургов, что и попав под гусеничной трактор можно выжить и считаться по прежнему красавицами. Будучи директором нескольких крупных театральных площадок, опять же доказала, что можно и сидеть на двух стульях, даже элегантно около них стоять при этом увеличивая их ценность не переводя акценты внимания на себя, даже на них элегантно модельно лежать, любое физическое состояние, если ты профессионал, не пойдет в ущерб работе, чтоб ее заметили не обязательно орать о своих достижениях по всем соцсетям, это всего лишь работа, а не директорские олимпийские игры.
Все выше сказанное, к тому, что роль графини в «Пиковой даме» Пушкина словно писалась под Ирину Апексимову (хотя она все таки больше вечно прекрасная Мортиша Аддамс, но в последнее время образ графини в постановках Пушкина, хоть драматических, хоть оперных, практически всегда выходит из возрастных рамок героини) и естественно спектакль Дениса Азарова стал прежде всего ее бенефисом. Азаров и автор инсценировки Ольга Никифорова за полтора часа задают зрителю, еще больше загадок , чем в своем произведении сам Пушкин, при этом не вступая с автором в конфронтацию.                                                                                                “Пиковая дама” начинается не только заглавием один за другим следуют два эпиграфа. Сначала ко всей повести -
“Пиковая дама означает тайную недоброжелательность.
Новейшая гадательная книга”.
Автор, с легкой улыбкой, ненавязчиво, представляет важнейшую мысль, одну из основных в повести, эпиграф, как и все остальные, их там несколько, носит снижающий характер, смысловая нагрузка эпиграфа слово новейшая “Гадательная книга, да еще новейшая, изданная на серой бумаге, в лубочном издательстве - это мещанская книга, а не тайный фолиант на пергаменте . Попробуем взглянуть на текст и в несколько ином ракурсе: дремучая, из дальних веков, карточная примета - это ведь знак суеверия, непросвещенности; и тут же ссылка на новейшее издание, “последнее слово”. Вот вам и обоснование новейшего образа графини и ключ к спектаклю Азарова «Пиковая дама. Новейшая история». Художник Николай Симонов помешает героев в холодное мрачное пространство, то ли столовой больницы, то ли морга. Режиссер  Денис Азаров очередной сценой раскрывает каждого с неожиданной стороны, все не так как кажется, все не те чем кажутся. Графиня в инвалидном кресле вспоминающая текстом из «Каменного гостя», о том как Лауре говорили ,что молодость не вечная ( что интересно и уже вряд ли кто помнит, но Апексимова играла в МХТ, как раз Лауру в постановке Козака), вставая с кресла в виде задрапированной под гусеницу фигуры, снова превращается в прекрасную и опасную бабочку, становится практически Эмилией Марти из средства Макропулоса. Томский по сюжету ее внук, а внук ли он ей вообще один из вопросов, в повести Томский вечный везунчик совершенно не нуждающийся ни в тайне трех карт, ни даже в наследстве, его фантастическое везение вызывающее зависть всех окружающих ничем невозможно обосновать, мало кто замечает при чтении, что бабушка графиня, а Томский не смотря на молодость князь, понятно что в то время уже титул уже не передавался по наследству и мог быть присвоен за какие то особые заслуги его отцу, но тем не менее это одна из многочисленных загадок повести.

«Сато» По роману Рагима Джафарова. Автор инсценировки Лара Бессмертная. Режиссер Филипп Гуревич. Художник Михаил Гербер. Художник по свету Павел Бабин. Пресс показ. Театр Наций.
Не знаю, кто пишет аннотации к спектаклям Театра Наций, но частенько ничего более бредового и далекого от реалий придумать сложно, не обошло это стороной и последнюю премьеру театра. «Филипп Гуревич — режиссер с узнаваемым творческим почерком. Он любит сюжеты с мистическим, сказочным уклоном. Большинство его спектаклей — это истории про «заплутавших в сумрачном лесу», пропущенные через ироничное отношение к жизни и человеколюбие». Сказать еще молодому режиссеру, что его почерк уже стал узнаваем, значит поставить на нем крест. Уж кто кто, а Гуревич пока непредсказуем, как в выборе материала, так и постановочно, в какую сторону он в итоге  повернет свои зачастую страшные истории, какие аналогии в пересечении тем найдет, каких демонов выпустит, не ясно до финала. Про ироничное отношение к жизни, человеколюбие в его историях о «заплутавших в сумрачном лесу (неврологии и психиатрии)» (бедный Данте, тут уж скорей «Земную жизнь пройдя до половины, я начитался всякой е...ны ») даже комментировать не хочется. Хотя еще более спорное заключение сделала, одна из последних мамонтов кинокритики, ставшая театроведом « Вообще то это социальный проект, но взялся за него Филипп Гуревич и сделал его художественным. Не могу сказать, что это принципиальный шаг в творческом развитии Гуревича, но сделать страстным и захватывающим документальный материал он умеет».                  История контр-адмирала Сато из внеземной цивилизации застрявшего в теле пятилетнего мальчика от Рагима Джафарова в общем то не нова и является компиляцией «Планеты Ка -Пэкс» Джина Брюэра и рассказа Мопассана «Орля», можно было бы добавить еще и «Комнату Адлера» Насти Букреевой, но ее пьеса появилась позже романа Джафарова.                                                               Ну хорошо, допустим заплутал ты в лесу, какие есть варианты выхода. Самый распространенный, попытка справится самому, часто вполне срабатывает, кроме как у самых упертых, тех кто кто не готовы признаться, что сами не справились, второй наивно обратиться за дружеской поддержкой, полная хрень, тут тебе могут оказать исключительно моральную поддержку и даже если у друга была сходная ситуация, то не факт что его выход из нее совпадет с твоими возможностями. Третий вариант сделать вид, что ничего не случилось и жить дальше, тупо пытаясь ломится вперед, или оставив любые попытки выбраться лечь и умереть.                                       И самый популярный в нынешнее время это попросить помощи, к сожалению в реальной жизни ставится слишком сложный выбор, из тех кто ее может предложить, того кто тебе реально может оказать помощь, психолог, психиатр, эзотерик, коучи, популярная литература с советами на все случаи жизни, плюс второй пункт друзья и знакомые пережившие сходную ситуацию и готовые поделиться своим опытом. Помощь со стороны в итоге может привести к положительному результату, а может окончательно тебя уничтожить. Персонажи в постановке Гуревича в поисках выхода, постепенно проходят все четыре варианта.

Главным героем становится детский психолог Даша с ворохом собственных не купированных комплексов и психологических проблем, перед которой стоит выбор, кто перед ней, ребенок с психическими отклонениями, реально пришелец, или даже пришелец с психическим отклонением, солдат Империума до этого существовавший в жесткой иерархии и все решения за него принимало командование теперь в чуждом мире, в детском теле, по сути ничего не изменилось, несмотря на показную уверенность в своих силах и самостоятельность в принятии решений, все равно не хватает жесткой команды сверху, способность выполнять, только четкие приказы приводит к кризису из за их отсутствия.                                                                      Даша пошла учиться на психолога, потому что "ее в детстве мама не любила",и еще потому что она не смогла развести своих родителей. Мгновенно допускает главную ошибку психолога «Хорошие терапевты помогают клиентам, плохие – лечатся об них», она ставит себя травмированную своей личной историей на место мальчика, при этом в какой то момент начинает лечить уже не мальчика, а генерала Сато, помогать пришельцу адаптироваться в чужом теле и мире, итогом добившись развода его родителей, чтоб они перестали травмировать ребенка, получает аргумент собственной убежденности в том что родителям дети в общем то не нужны. Консультируя и мальчика и генерала,  и (внезапно) его родителей, в процессе не справляется с собственной вовлеченностью. В итоге к финалу, сорвался находящийся в ремиссии по давнему психиатрическому диагнозу отец Кости отправившись в психиатрию, сорвалась сама Даша и психоделический финал вполне возможно происходил исключительно в ее больном мозгу. Да и парня забрали не пришельцы , а санитары или же он умер еще до их последней встречи. Как всегда у Гуревича постановка оставляет массу вопросов и не дает никаких четких ответов, зритель сам должен решать эти психологические ребусы, в соответствии со степенью личной в них вовлеченности.                                                                                        Итог — Гуревич один из самых интересных, если не самый, режиссеров своего поколения. Упрощение путанной, не всегда следующей логике книги Джафарова, исключение из сюжета части персонажей пошла на пользу, в инсценировке Лары Бессмертной она выглядит более цельной. Актерские работы, как всегда на высоте, Филипп Гуревич работает только с лучшими и теми ,кто ему близок по духу, опять же как всегда великолепный музыкальный ряд от самого режиссера и свет Павла Бабина. Театр Наций получил новый аншлаговый хит.

Открытие нового театрального пространства «Еврейского Театра Шалом на Новослободской».
Бог сотворил весь мир за шесть дней. Какими были эти дни - короткими или длинными, - нам не дано знать. Ведь «у Господа один день как тысяча лет, и тысяча лет, как один день». Художественный руководитель Театра Шалом Олег Липовецкий и его директор Андрей Соколов, простые люди, но созидатели приблизившиеся к богам, несомненно войдут в новейший завет Театральной Библии, на постройку нового национального театра с нулевой отметки им понадобилось всего три года. Скитание по арендным площадкам с уже частично готовым репертуаром и сформированной уникальной труппой, непоколебимая уверенность в собственные силы, способность заставить поверить в собственные убеждения и право на существование окружающих, что триумфально удалось, и когда наконец театр перешел в здание на Варшавке он привел, подобно Моисею, за собой в эту по Московским меркам пустыню уже своих зрителей и друзей театра. Даже более крупным театрам с историей находящимся вне бульварного кольца, такого не удавалось. Период самоутверждения продолжался, одна за другой интереснейшие премьеры, не ограниченные рамками национальной идентичности, при этом ее сохранившие, расширение труппы за счет уже опытных актеров и большого количества талантливой молодежи, отсутствие страха экспериментальных постановок, доверие к молодым режиссерам, расширение репертуара, все это привело к тому, что пространство на Варшавке уже стало для театра маловато, а так как к этому времени «Шалом» приобрел статус перспективного, активно развивающего театра, то вполне закономерно и заслуженно получил новое театральное пространство. Что просто мистика, даже только вышедшие из состояния ремонта помещения , уже выглядят по домашнему тепло и уютно, в еще не обжитое здание хочется прийти и находясь в нем в состоянии комфорта не чувствовать хода времени. И вот наконец сегодня произошло официальное открытие. Чудесный вечер собрал друзей «Театра Шалом». Множество актеров, режиссеров, директоров практически всех значимых театров Москвы, те кто не смог прийти послали видеообращение с добрыми словами и пожеланиями и актеров своих трупп с концертными номерами поздравлениями. Шалом означает мир, сегодня на презентацию одновременно пришли даже те, кто находится между собой в далеко не мирных отношениях, ведь Шалом это мир, Искусство это мир и территория театра стала местом, когда любые конфликты могут подождать, а пока всех объединило уважение к получившему заслуженную награду чужому труду, театру дому где не хочется воевать и который хотя бы на время смог заставить забыть о своих проблемах и о том, что наступит завтра, хотя если завтрашний день наступит, это уже прекрасно, значит жизнь продолжается. Бе-ацлаха – Успехов!  Йешар коах – Пусть будет еще больше сил! Бе-эзрат Ашем – С Божьей помощью!

Коротко о разном.
​​​​​​​1.«Ванесса» Самюэл Барбер. Режиссер Дмитрий Волкострелов. Художник постановщик Леша Лобанов. Американская опера середины прошлого века, у нас не ставилась никогда.
Музыкальный руководитель и дирижер – Андрей Лебедев
Ванесса – Марина Нерабеева
Эрика – Екатерина Мирзоянц
Баронесса – Александра Саульская-Шулятьева
Анатоль – Алексей Татаринцев
Доктор – Дмитрий Зуев
Николас – Михаил Первушин.                                                                                                                                                                      Справились и с драматургией и с вокальными непростыми партиями почти безукоризненно. Дмитрий Волкострелов всегда для меня был непонятным театральным режиссером, причины известности его экспериментальных постановок, правда в эстетском и псевдоэстетском узком зрительском кругу, для меня загадочны и непостижимы, не дорос я еще до понимания его творчества, совершенно не мой режиссер, и похоже уже не дорасту, режиссер осуществил перепрошивку в музыкальный театр. И в общем то в наше время проветривания старых половиков и ликвидацию личинок моли из гобеленов декораций и постановок в Большом и Мариинском театрах, режиссура Волкострелова, как привет из прошлого, правда не его прошлого, похоже натянуть без реверансов на американскую оперу каркас «Альцины» Кэти Митчелл и смешать с «Один и одна» Богомолова, можно рассматривать как очередной режиссерский эксперимент.                2. «Наполовину оконченная сказка» Школа студия МХАТ. 4 курс Актерского факультета (художественный руководитель - Писарев Евгений Александрович)                                        Режиссер-педагог Владимир Зиберев
Педагог-ассистент Ксения Зиберева
Режиссер по пластике Никита Пирожков
Композитор Олег Гребенщиков
Художник-постановщик Анна Бабич                                                                                                                                                        Очередной полноценный спектакль , очередного традиционно сильного курса Евгения Писарева, обреченный на очередной зрительский успех. Ученики Евгения Александровича с прошлых курсов передают свой опыт молодым. Интереснейшая последняя пьеса, одного из уже исчезающего у нас из репертуара театров, популярного драматурга , великолепная сценография и хореография, если сравнивать с первым постановочным вариантом на Новой сцене МХТ , буквально парой этажей выше, то пожалуй студенческая версия даже выигрывает, дети очень живые, в хорошем смысле эмоциональные и лишены, какой либо театральщины. На маленькой сцене играют -как живут, живут -как играют.                                                          3. Есть ли у постановки потенциал или нет, видно сразу, минут через пятнадцать после начала, часто и пяти достаточно, какой бы сырой она не была. Все разговоры о том, что еще сыро, все созреет, настоится, сыграется, актеры разыграются , все очень старались, времени в обрез было, надо уважать чужую работу, это все не более чем утешение для провалившегося режиссера и мантра личной медитации заинтересованных лиц. Можно вкалывать , как папа Карло, но тем не менее Буратино или не создашь, или он так и останется безжизненной куклой из полена. Осетрина второй свежести, так же может быть только в заведении у Андрея Фокича.

"Пуф, или Ложь и истина" Эжен Скриб. Режиссер Ася Князева. Художник Максим Обрезков. Театр Вахтангова.                        Какой прекрасный ремонт в Театре Вахтангова, какая чистота, какой роскошный буфет, какие уютные туалеты, в которых хочется жить и жалеешь, что часть того, что можно было там с комфортом оставить, осталось дома, правда на Новой сцене в женский очередь от нижнего этажа до Арбата, как то этот момент дирекцией не продуман. Но зритель приходит в театр не для того, чтоб жрать и делать то что с этим словом рифмуется, хотелось бы и качественного до высшей степени восторга, вызывающего повторное внеплановое посещения уютного туалета зрелища, а вот с этим проблемы. Очередная премьера театра даже просто сухой восторг, способна вызвать только у дружественного к театру театрального обозревателя МК и совсем уж непритязательной публики. Постановка Аси Князевой может конкурировать только с еще одним сомнительным спектаклем театра "Севильский цирюльник" по сути и постановочно они близнецы, "дилогия провала". Если две предыдущие премьеры, были пусть и спорные по содержанию и несовершенные режиссерски, то тут бесспорно нужно иметь очень большое терпение, чтоб досмотреть эту заявленную комедию положений до финала и еще найти что в ней может вызвать смех. Единственное, что способно оправдать ее антрепризного вида существование, в когда то солидном театре, участие маленькой феи Марии Бердинских, одной из моих любимых актрис столицы и Владислава Демченко способных украсить своим присутствием любой даже самый провальный спектакль. Итог- театр с каждой новой премьерой, стремительно возвращается к заводским настройкам времен Михаила Ульянова, когда главным хитом была "Нитуш" Владимира Иванова, хотя почему была  им она и осталась и будет до тех пор пока Мария Аронова сможет садиться на шпагат, пора бы и "Белую акацию" восстановить. Вся надежда на март, грядут премьеры Влада Наставшева и Галины Зальцман.

«Голиаф» Режиссер Саша Золотовицкий. Художница Маруся Павлова. Режиссер по пластике Саша Колосовская. Композиторы Дима Рессер, Илья Шаров. Московский еврейский театр «Шалом».                                    Театр Шалом продолжает цикл постановок по библейским текстам. История эпической битвы повернувшей ход истории Давида и Голиафа в пересказе молодого, одного из самый перспективных режиссеров своего поколения, Саши Золотовицкого выходит из достаточно узких рамок библейской трактовки этого события и становится эпизодом уже мировой истории.                                                                                                                                    Иллюстрацией к ней вполне могла бы послужить картина Караваджо «Давид с головой Голиафа» в Римской «Галерее Боргезе».                                                                                   »»»»»» Несмотря на победу, Давид, замерший с головой Голиафа в руке, не похож на победителя. В интерпретации мастера лишен жестокости, похоже глубоко переживает смерть своего врага. Выглядит скорей обеспокоенным, его терзают внутренние переживания. Давид на картине в смятении, лицо его выражает смесь печали и сострадания. Такая интерпретация рождает некую философскую связь между Давидом и Голиафом. Эта нить, объединяющая две противоборствующие силы, становится еще более очевидной при осознании того, что отрубленная голова филистимлянского великана – это автопортрет живописца и есть версия, что и Давид, так же автопортрет самого художника, но в юности. На мече в руке Давида видна аббревиатура H-AS OS, истолкованная как сокращение от латинской фразы humilitas occidit superbiam (смирение убивает гордыню).»»»»»»».  В постановке Саши Золотовицкого подвиг так же лишен, сакрализации и романтизации. Это подвиг до того времени, когда он становится объектом социальной мифологии, инструментом для манипуляции сознанием масс. Как всегда Театр Шалом зажигает звезды, открывает новые актерские имена, в данном случае Иван Орлов в роли Голиафа.

«Дети солнца» По мотивам пьесы автора:Горький Максим (определение театра). Режиссер Лиза Дороничева. Автор сценического текста, соавтор автора Горького Кристина Токарева. Художник сценограф Андрей Воронов. Художник по костюмам Мария Небесная. Художник по свету, точней по его отсутствию на протяжении почти всего спектакля Антон Поморев. Предпремьера. Сцена Мельников.                     Очередной «Пролет» над гнездом кукушки. Один из главных, в общем то риторический, из вопросов театрального сезона, зачем Константину Богомолову этот навязанный домик в деревне, при том что КБ и элитную квартирку на Патриарших до ума довести не в состоянии. По степени популярности, разнообразию и качества репертуара, зрительского отклика, Театр на Бронной в легкую обходит даже скромное «Пространство внутри». В итоге экс Театр Виктюка превращается в гнездо кукушки, которая закинула в чужое гнездо свои яйца и ждет пока птенцы вылупившись выдавят родных, благо этот период очень короткий. Оптимистичное заявление руководителя, что мы одна теперь команда и семья, актеры Мельникова будут играть на Бронной , а актеры Бронной у Мельникова в реале пока выглядит в следующем виде, при отсутствии премьер на Бронной актерам другого подразделения играть нечего, если что иногда в пару с привычными штатными далеко не главные роли, а на Мельнице первая премьера «Дети солнца» и две объявленные, детский спектакль «Лукич» (Чиполлино, переименованный видимо по аналогии «Дяди Федора» Успенского) и «Снегурочка» включают в своем составе преимущественно актеров Бронной. До кучи к Мельникову еще и выслали самый непопулярный спектакль Бронной «Слово о полку Игореве». И вот наконец. после двух закрытых проектов, один из которых был самого руководителя, первая премьера при новом руководстве судя по тому, что вышло, и эту бы КБ без сомнений и сожалений наверняка закрыл, он все таки профессионал и не может не понимать, что вышло мягко говоря не очень, но куда уж дальше, третий раз уже будешь выглядеть, как ..совсем не справляющийся ни с труппой ни с репертуаром. Поэтому « Ну давай, снимай фотограф, словно я доволен этим миром, словно я окружен друзьями и талантливыми единомышленниками, изображаем радость!». Неизвестная мне режиссер Лиза Дороничева не избежала главного недостатка молодой режиссуры, ставить пьесу о смысле которой не имеешь ни малейшего представления, или все таки имеешь, но стараешься внести в нее свои далекие от первоисточника мысли, что в результате превращает авторский текст и идею в вариант личного самонадеянного бреда. Бредить команда режиссера начинает уже с релиза постановки на сайте ««В работе над постановкой мы с командой исходили из древних легенд, размышлений Ницше о великом человеке и Библии, глав Бытия о Потопе.»  «В основе сценографии спектакля «Дети солнца» - старый генеральский дом, где проживает семья главного героя. В этот дом встроен образ Ковчега, что отсылает к легенде древних инков с одноименным названием «Дети солнца». Она рассказывает о достойных и великих людях, чьих предков Бог спас от потопа». Библейский потоп Божье возмездие человечеству за нравственное падение, оно было полностью уничтожено, осталось только пара сомнительных праведников семья Ноя. У инков при их климате и высотой расположения над уровнем моря затоплять было нечего и не чем, а то как дети солнца кровавым путем массовых жертвоприношений и захватнических войн создавали культ бога Солнца, так же весьма далеко от цивилизаторской миссии. Ну про Ницше, у которого можно найти все что угодно и на которого всегда ссылаются беспомощные режиссеры даже и упоминать не хочется. Но если в контекст пьесы Горького, то вот и Ницше «Человечество не представляет собою развития к лучшему, или к сильнейшему, или к высшему, как в это до сих пор верят. «Прогресс» есть лишь современная идея, иначе говоря, фальшивая идея». «Человек «современных идей», эта гордая обезьяна, страшно недоволен собой – это неоспоримо. Он страдает, а его тщеславие хочет, чтобы он только «со-страдал».  «С человеком происходит то же, что и с деревом.

Чем больше стремится он вверх, к свету, тем глубже впиваются корни его в землю, вниз, в мрак и глубину, — ко злу.“. Лиза Дороничева позиционируется ученицей Андрея Могучего, или ее учили плохо или переучили наскоро, что не удивительно, у КБ одна могучая школа, его собственная, и все кто попадает в театр в итоге продолжают дело художественного руководителя, в постановке, в свете последних времен, одного бесконечного однообразного по подходу к материалу и главрежиссерскому стилю спектакля. В итоге и бедная Лиза забыв все чему ее учили раньше, продолжила дело КБ, но вышло скорей пародийно. "Дети солнца" самая Чеховская пьеса Горького и существуют три подхода к ее постановке, псевдоЧеховский, когда герои "не от мира сего", с многозначительным подтекстом и попыткой оправдания их поступков тонкостями натуры, иронический подход к персонажам и максимальная их социализация с подгонкой в современность. Дороничева уникальна, она не использовала ни один из подходов. Одной из причин этому стала куцая инсценировка, если в первом акте еще худо бедно можно уловить какую то связь с автором, то во втором инсценировщица явно сдалась и понеслась п... петляя по кочкам, спотыкаясь о каждую, скомкав сюжет, сделав его для тех кто не знаком с пьесой непонятным и оборвав финал. В первом действии все персонажи сидят одновременно на сцене и первом ряду зрительного зала, кто то из них периодически выходит, однотонно бубня, по нашему по КБ, реплики, во втором начинается весёлая движуха, стульчаковые детсадовские игры, все со своим стулом в руках, носятся в состоянии постоянного перемешения. Интригу и сложность для реализации этого непродуктивного шастанья, добавляет практически постоянное в течении обоих актов затемнение сцены с периодическими вспышками света. Слева за большим боковым окном постоянно идет дождь, справа огромный шкаф с парными фигурками животных изображающих тот самый ковчег обьявленный в пресс релизе. Если учесть , что пьеса все таки о детях солнца и детях земли, интеллигенции и народе, ну и вспомнив что более ранняя пьеса Горького "На дне" изначально называлась "Без солнца", то тут напрашивается скорей аналогия не с ковчегом, где все на равных и все спасены, а потонувшим  "Титаником" с его верхней и нижней палубой, тем более один из героев Чепурной не вешается , а выходит на открывшуюся корму и бросается с нее вниз в финале соединившись за пианино с теоретически сошедшей с ума Лизой, в этот момент можно ожидать, что запоет Селин Дион. С актерскими работами такая же неразбериха, актеры КБ играют так и то к чему привыкли, пара актеров из Мельникова выглядят, словно заскочили случайно даже не с другого спектакля, а с другого театра, хотя так оно и есть. Итог- невнятная, нескладная в своем стремлении к стилизации основного направления театра, практически студенческая работа молодого режиссера, в куцей инсценировке и лишенная какого то авторского смысла. Когда на поклоны вышла команда спектакля, то выглядела испуганно, не ожидая ничего хорошего, как прошедшие по социальной программе жители спального района в элитный дорогой колледж.

«Превращение» по мотивам повести Франца Кафки.
Режиссёр Андрей Гончаров. Художник, художник по костюмам Константин Соловьев. Художник по свету Игорь Фомин. Композитор Алексей Кириллов. Композитор, cаунд-дизайнер. Александра Микаелян. Автор инсценировки Надежда Толубеева. Театр на Таганке. Пресс -показ.
Театр на Таганке, единственный театр столицы, который получив несколько сцен по максимуму их плодотворно, не боясь экспериментов молодых и не очень режиссеров, использует ежемесячно пополняя репертуар. Андрей Гончаров один из самых интересных, непредсказуемых, сложных и закрытых режиссеров , частенько его работы  могут шокировать или ввести в недоумение неподготовленного зрителя, Театр на Таганке, который так же стремится не раствориться в обшей массе серых театров «ни о чем», для его творчества место идеальное. Повесть «Превращение» Франца Кафки в данном случае не больше , чем повод для развития темы,  которая в какой то степени присутствует и в повести, но в постановке Гончарова выходит на первый план. В самых страшных монстров, нас вполне могут превратить очень близкие люди, даже те которые тебя даже вроде любят. Важное место в биографии Франца Кафки занимают его сложные отношения с тираном отцом, страх перед отцом , как основа их отношений. Не менее известны, чем повесть «Превращение», его «Письмо к отцу» и рассказ «Приговор». В спектакле Андрея Гончарова тесно переплетаются все эти три источника. В «Превращении» отец Грегора Замзы превратившегося в жука, не имеет имени, в спектакле его зовут так же, как отца Кафки Герман. С одним отличием, в реальности отец Франца был, не неудачник живущий за счет сына и при этом его постоянно унижающий, а вполне благополучный состоятельный предприниматель, выходец из семьи бедных евреев работающий с детского возраста, который все таки смог преуспеть в жизни и очень этим гордился, соответственно ждал подобного и от своего старшего  сына, который его ожиданий не оправдал, что стало тому виной прессинг отца или просто инаковость самого Франца, вопрос сложный, но то что всю жизнь Кафка не мог оторваться от семьи и оглядки на мнение отца это факт. В итоге история скорей об отце, чем о самом Грегоре, домашняя тирания при молчаливом попустительстве матери и сестры, чудовище отец ,опять же в реале, крепкий, красивый мужик, что являлось так же триггером одного из комплексов Франца недовольство своим телом, в спектакле, не менее уродлив, чем и превращенный в жука Грегор. Превращение в жука, здесь вполне обоснованно и понятно, это уход Грегора от действительности, панцирь защитной реакции на постоянные унижения. Стена терпения рухнула, когда отец запретил, Грегору жениться и не принял приведенную невесты, в реале это событие, когда отец счел девушку на которой хотел жениться Кафка не подходящей, дочь сапожника не нашего круга, спровоцировало написание, того самого письма отцу и рассказ «Приговор» когда отец после яростной словесной атаки приговаривает сына к смерти, то в спектакле уход в защитный кокон. Невеста в спектакле, так же весьма непростая, девушка- птица, ворона или галка. Кафка с чешского языка переводится, как «галка», и галка же эмблема торгового дома отца Кафки, при этом предзнаменование ранней смерти. Финал постановки, так же можно рассматривать по разному, или Грегору все таки удалось освободиться от гнета отца и уйти, или его освободила невеста смерть. Это навскидку по основным моментам, полтора часа постановки густо насыщены, музыкой, живым оркестром и вокалом, режиссерским символизмом,( тростниковая шляпа-корзина Тэнгай в переводе с японского «крышка неба» в финале символ отрешенности и отказа от собственного «Я», Кафка может неожиданно пересекаться с письмом Гоголя о природе мерзости), в причудливых сюрреалистических декорациях. Итог- однозначно удача театра, великолепная режиссерская и актерские работы, но навряд ли для широких зрительских масс. ( отца Грегора играет Анатолий Григорьев покинувший Новосибирский  «Старый дом» и принятый в труппу Театра на Таганке, Грегор великолепно поющий актер и инструменталист Максим Трофимчук).

«Щастье!» Музыкальный спектакль в двух актах по фолк-опере «Клоп» Ю. Кима и В. Дашкевича по произведениям В. Маяковского. Театр Моссовета.                          Режиссер и хореограф Алла Сигалова. Сценограф Сергей Рябов. Художник по костюмам Тамара Эшба. Художник по свету Константин Бинкин.
Театр Моссовета после потери главной звезды, выбравшей для себя тернистый путь мастера эпизода, доказавшей, что для очень крупного актера, нет маленьких ролей, особенно при отсутствии предложений по большим, смог найти в себе силы жить дальше, очередная атака МК дронов Марины Райкиной, так же не нанесла серьезного ущерба и выбравшись из дроносколков и отряхнувшись, премьера спектакля Аллы Сигаловой состоялась. Пока все развивается по стандартному для последнего времени написанному и утвержденному недоброжелателями художественного руководителя сценарию, что в Театре Моссовета ничего хорошего быть не может по определению «все не то , все не так, ремонт говно, Марчелли ду..(непрофессионален)». Театр все это уже проходил после премьеры самого художественного руководителя «Бременские музыканты» который в итоге стал самым популярным и продаваемым семейным спектаклем Москвы. Подобное происходит и с постановкой Аллы Сигаловой, но и в этом случае время (очень небольшой промежуток времени) расставит все по своим местам и музыкальный спектакль театра, фактически полноценный высокобюджетный мюзикл их тех, которые с разными составами показывают в режиме нон стоп длительное время, будет оценен по достоинству, а не по навязываемому со стороны предубеждению. «Страсти по Бумбарашу» от той же команды Владимир Дашкевич, Юлий Ким , Алла Сигалова до сих пор не утратил актуальность и не потерял зрительский интерес. Фолк-опере «Клоп» повезло меньше, легендарный прошлого века спектакль Олега Львовича Кудряшова вышедший из студенческой аудитории ГИТИСа так же включающий хореографию от Сигаловой, легенда ушла в легенды, а в 21 веке в Театре Моссовета о фолк-опере первое упоминание, даже только этот момент уже должен радовать авторов, что и они вместе в ней не остались застрявши в легендах прошлого века. Всякое время диктует свои правила, в нынешнем особенно в переносе на большую сцену, формат студенческой постановки Кудряшова с условными декорациями и только под рояль навряд ли будет интересен и уместен, зритель требует зрелищ и «The Show Must Go On» и в Театре Моссовета получит это в полной мере. Яркие краски, свет, звук живого оркестра, великолепные костюмы, безумные танцы под шедевральную музыку Владимира Дашкевича компилирующую в себе все возможные и невозможные жанры от городского романса, до суровой классики. Труппа театра работает на пределе физических возможностей, режиссер, как обычно бывает у Сигаловой, не щадил актеров, но и они проникшись ее идеями выйдя на сцену перестают щадить себя, открывая и второе и третье дыхание без пауз на отдых. Тоже самое происходит и с вокалом. На прогоне в роли Присыпкина выходил Михаил Тройник, я смотрел премьеру когда Присыпкиным поставили неожиданно Митю Федорова. Уверен, что Тройник был хорош, но чтоб там не было, мало того что они с Митей совершенно разные типажи ,что меняет в итоге и драматургию образа, но до Федоровского вокала и уверенности в своих силах и вокальных возможностях, после участия в профессиональных мюзиклах, ему не дотянуть. Так экстремально выкладываться, как вчера Митя, должно быть законодательно запрещено, каждый выход заставлял с замиранием сердца переживать, что используя сразу всю мощь голоса без запаса на следующий номер, при этом еще и отчаянно танцевать и выдавать драматургию, он его вот вот сорвет, но обошлось, мужественно выдержал, фантастически вытянул. Прекрасен Олег Баян- Антон Аносов, совершенно неузнаваемый в гриме. Великолепны на контрасте три женских образа, правильная девушка Зоя Березкина- Дарья Балабанова (ей пришлось сложно, голос все таки к концу первого акта подсел), роковая разлучница Эльзевира Ренессанс — не менее роковая Глафира Лебедева и Лилия Волкова в роли Мадам Ренессанс. Все актеры универсальны.

исполнители главных ролей в дальнейшем вполне могут участвовать в массовых сценах, хотя и массовые сцены поставлены так ,что у каждого из участника есть возможность выделиться, тем более у изначально талантливых и ярких, к примеру Андрей Смирнов и в массовых сценах ни разу не потерялся.               Итог- постановка претендент на лучший спектакль сезона. Возникающие уже вопросы, об актуальности темы пьесы Маяковского так же снимаются. Это музыкальный спектакль, музыка прекрасная, всегда универсальный, даже  международный язык общения, условность жанра вполне позволяет уйти за какие то глубокие драматургические откровения и актуальность, достаточно стилизации «под» или реконструкции времени действия, да и Алла Сигалова поставила скорей «жестокий романс» чем что то претендующее на скрытые намеки на что либо.

«Роман» по мотивам романа Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита». Театр Российской Армии. Генеральная репетиция.
Режиссер-постановщик — народный артист России Александр Лазарев
Художник-постановщик и художник по костюмам — Ольга Никитина
Композитор — заслуженный артист России Николай Парфенюк
Хореография — Михаил Колегов
Художник по свету — Евгений Виноградов                                                         Театр Армии начал новый период своей жизни, череду суровых пожилых мужчин руководителей называемых начальниками, сменила молодая, красивая, профессиональная с богатым опытом руководства, менеджмента и наставничества директор Милена Авимская, и сразу же произошло, то что вроде казалось невозможным, первая же премьера под ее руководством, стала громкой, резонансной и привлекла в не самый популярный до этого момента театр зрителя, даже тех кто этот театр не посещал никогда.                                                                                            Сменился и главный режиссер театра, им стал актер Ленкома Александр Лазарев, тут конечно должность на вырост в копилке его режиссерских работ полтора поставленных спектакля в Ленкоме и хотя Лазарев «мальчик уже совсем не молодой и безымянный палец давно окольцован», но в режиссуре он еще младший лейтенант, что конечно очень заметно и в его новой постановке. Из богатого событиями густонаселенного романа Булгакова, молодой режиссер выбрал часть «роман в романе» историю Понтия Пилата, до него постановку для незнакомых с творчеством Булгакова воспринявших ,как кинопритчу, исключительно в виде библейских сцен воплотил, перенеся действие в современность хотя и с музыкой Баха, только пожалуй Анджей Вайда. Александр Лазарев так далеко не пошел и не особо морочась креативом, глубиной и отсылками к современности, по студенчески пересказал историю Иешуа и Пилата спрятавшись за работой художников сценографов, по свету и хореографией, из двухчасового спектакля сюжета, разбавленного шоу программой, там минут на сорок. Крутится сцена, взрываются и искрят петарды, опускается и поднимается трон Пилата, то ли в виде черепа, то ли сердца, были еще другие менее приличные версии трактовки этого центра сценографии, на сцене живая четверка коней, хореография Михаила Колегова держит и оживляет все действие потрясает массовостью и масштабностью размаха открытия или закрытия олимпийских игр, даже сцена на Голгофе и та удивляет явно избыточным количеством наличия висящих и лежащих на крестах казненных. Все смены декораций это веселое передвижение под драматическую музыку, с цыганским компонентом сериала «Кармелита». В какой то момент создается ощущение, что не выдержат такого драйва и Иешуа с Магдалиной, взмахнув кудрями, упав на колени пустившись впляс, будут вместе со всеми трясти плечами «цыганочки».                                                                                Начинается спектакль с разговора после бала Воланда, когда бездарная Маргарита (с хорошей фигурой и красивыми волосами) просит Воланда (Александра Домогарова) помиловать Фриду, затем наскоро возвращают зашуганного Мастера, так же с проблемами актерского мастерства. Воланду предоставляют рукопись, которая не горит и он берется читать роман.

По ходу действия еще пару раз, видимо чтоб напомнить нам, что мы читаем пишущийся в коморке(в данном случае вполне себе богатая буржуазная квартира с панорамными окнами на центр столицы, на сцену выезжает мультимедийная комната Мастера, ничего осмысленного в это момент не происходит, просто шанс Мастеру и Маргарите выйти еще раз на сцену и смену декораций. В финале выезжает еще одна пустая мультимедийная комната, все уже свободны, но уже развернутая в полном обьеме, в окнах- экранах мы видим трамвай, кажется это заход на вторую серию.                                              Посмотрев спектакль начинаешь понимать, что все разговоры о сложном характере народного артиста Александра Домогарова исключительно от злых языков. Кто еще их актеров не достигнув 90 лет, когда можно играть только свадебных генералов, мало того, что согласился для поддержки любимого театра выйти всего на два эпизода пять минут в начале(из них три спиной к зрительному залу) и пять минут в финале, но еще и на чудовищный уродующий, неуместный грим в виде крючковатого носа, сети вен по лицу, наклееных длинных острых черных ногтей и висящей на левом ухе до плеча сережке. Во всем этом Воланд выглядел, скорей как Георгий Милляр- баба яга в фильмах Роу, у которой выдался урожайный сытный сезон в виде частых посещений Иванов дураков и принцев. Ну а периодический крик и взмахи плащом, не исключали возможность, что образ актеру режиссер сохранил и навязал не перестроившись после постановок новогодних детских елок. Никакой звездности и амбиций, пара эпизодов и позволил переиграть себя всем, даже четверке лошадей. К сожалению на поклоны Александр Юрьевич не вышел и армия поклонниц Маргарит не встретившихся со своим Мастером унесли омытые слезами от незавершенного в полном объеме слияния с кумиром букеты обратно домой. По сути постановка бенефисная роль для актера играющего Понтия Пилата. В моем составе Максим Аверин, кто бы там не говорил, что сериалы и шоу программы его испортили, но с ролью справился безукоризненно и стал действительно центром постановки, который не позволил режиссеру уж совсем непрофессионально выглядеть. В Сатириконе в библейские времена была постановка «Маскарада» Лермонтова Владимира Агеева, где Арбенина и Казарина играли одновременно меняясь ролями Максим Аверин и Денис Суханов, в данном случае для меня было бы вполне уместно и привлекло бы к постановке еще больше зрительского внимания, если бы Домогаров менялся с Авериным ролями в связке Воланд-Пилат. Итог -что бы там не было, можно поздравить театр и его руководство с премьерой, Театр Армии вышел из тени, снова на слуху, огромный зал полон, постановка резонансная и активно обсуждаемая.