МаттомДом — телеграм-канал о дизайне интерьера без глянца, но с характером.
Его ведёт Вера Халдей — практикующий дизайнер, исследующая, как пространство влияет на нас, а мы — на него. Меньше про «стиль», больше про смысл.

Два года назад Вера переехала из Москвы в Израиль. До Белого города Тель-Авива, легендарного квартала в стиле Баухаус, так и не дошла — но это и не обязательно. Международный стиль здесь буквально в воздухе, а его влияние — обязательный контекст для любого интерьера.

Вместо подборок модных брендов — цвет, паттерны восприятия и немного дизайнерской антропологии. Иногда это почти детектив: почему одни интерьеры работают, а другие — нет? Почему к одним вещам хочется прикасаться, а к другим — нет?

Если вам интересен дизайн как способ понимать мир, а не просто красивая картинка — вам сюда.

Несколько хороших постов, чтобы начать:
- Что общего у дизайна интерьера и матерщины
- Про паттерны: «мы все возим за собой себя»
- Следом — про слепые пятна в интерьере
- Про чувство принадлежности
- Про необходимость необязательных вещей
- Про секс в интерьере
- Про разводы и сразу за ними — про неопределенность и компромиссы
- Про вертикали (и еще 5 постов вниз)
- Про интерьерную съёмку+ в целом про фотографию интерьера
- Про смену профессии

Хаус Рабе
Давно не показывала классический баухаузовский модернизм — исправляюсь.

Дом Рабе (Rabe-Haus) в Лейпциге — образцовая работа архитектора Адольфа Радинга, построенная в 1929–1930 годах для врача доктора Рабе и его жены. Интерьеры разрабатывались совместно с художником Баухауса Оскаром Шлеммером — тем самым, что рисовал геометричных людей и ставил театральные эксперименты.

Художественная кульминация дома — двухэтажное жилое пространство с проволочной скульптурой Homo-Figur F, основанной на тушевом рисунке Шлеммера 1920-х. Минимализм здесь — не про аскезу, а про идеально отстроенное взаимодействие объемов, цвета и света.

Семья Рабе жила и вела врачебную практику в доме до 1965 года, затем дом перешёл их дочери. В 90-е его выкупил меценат Хорст Шмиттер и восстановил очень аккуратно, а с 2018 года дом открыт для публики после ещё одной волны бережной реставрации.

Увы, я сама жила неподалёку от этого дома как раз в пандемию — и не попала внутрь 😞. Но зато туда попала Даниэлла Кристманн - архитектурный фотограф, который специализируется на модернизме, и сделала мощный репортаж.

Функционализм как он есть — жёсткий, точный и очень красивый ✨

Кто-то сегодня празднует, а кто-то (например, я) переезжает на новое место и весь день таскает коробки вместо того, чтобы есть куличи и крашеные яйца 🫠

Но, несмотря на это, я всё думаю о том, как бы вас поздравить. И вдруг вспомнился один поразивший меня когда-то эпизод из учебы.

На занятиях по христианской иконографии в РГГУ Нина Валерьевна Квливидзе обратила наше внимание на то, как и где в искусстве изображается настоящий ад. Оказалось, в обывательском представлении его часто путают с геенной огненной — отсюда образы костров, кипящих котлов и прочей «жары».

Но в иконографии Воскресения, которая как раз и называется «Сошествие во ад», всё иначе. Никакого огня! Только тьма, холод и абсолютное одиночество. Чем-то напоминает депрессию, неправда ли?

И вот что произошло, когда Христос спустился в эту бездну. Он озарил её светом — и души, веками пребывавшие во мраке, вдруг увидели друг друга. Представьте: кромешная тьма, где каждый ощущал себя совершенно одиноким... и внезапно — встреча, общность, надежда.

После этого невольно понимаешь, почему уныние считается грехом. Так что желаю вам сегодня разглядеть тех, кто рядом, и помнить: даже в самой глубокой тьме может вспыхнуть свет. Не отчаивайтесь! 🕊

Изображение: фреска «Сошествие во ад» Дионисия из Ферапонтова монастыря, 1502 г.

Недавно по работе приспичило изучить некоторые особенности раннего советского фарфора и тут мой дорогой коллега и друг Юра Скрелин, автор прекраснейшего канала Mid-Century more than, постит уникальные факты и кадры.

По ссылкам и поиском нашла еще кучу интереснейших вещей и вам от души советую ознакомиться! 🤓

Недавно на презентации книги о Кандинском я заметила архивное фото: Вальтер Гропиус (отец Баухауса) стоит с собакой. Его ли это пёс? Вполне возможно! Великие архитекторы и художники, как оказалось, часто делили свои студии с четвероногими. Вот три истории, которые доказывают: за гениальными идеями иногда стоит виляющий хвост!

1. Пабло Пикассо и Люмп — такса-абстракционист
🖌️ Такса Люмп («Колбаска») стала не просто питомцем, а соавтором Пикассо. Художник подобрал её в ресторане в 1957 году, и с тех пор она жила в его мастерской, спала на эскизах и даже вдохновила серию работ. Её силуэт угадывается в знаменитых «Менинах» — вольной интерпретации Веласкеса.
«Он не моя собака — я его человек», — шутил Пикассо.

2. Ле Корбюзье и Кисточка — шнауцер-модернист
🏗️ Шнауцер Кисточка (Pinceau) был тенью архитектора. Он сопровождал мастера на стройках «лучезарного города» и «одобрял» чертежи, лёжа на них. Когда пёс трагически утонул в 1930 году, Ле Корбюзье сохранил его шкуру и сделал из неё переплёт для «Дон Кихота» — книга хранится в архивах фонда архитектора.

3. Джорджия О’Кифф & Бо и Чиа — чау-чау, покорившие пустыню
🌵 У художницы было два чау-чау: Бо и Чиа. Они жили с ней в Нью-Мексико, грелись у мольберта и стали символами её связи с природой. Их рыжие гривы перекликались с линиями её абстракций, а на фотографиях Джорджия часто запечатлена с любимыми псами.
«Они напоминали мне львов — гордых и молчаливых», — говорила О’Кифф.

Кстати, что за порода у собаки Гропиуса, я, к стыду, не знаю 🤔

Маленькие статьи о больших вопросах

Вчера была на презентации книги моей научной руководительницы — Надежды Подземской — о том, чем занимался Кандинский в России в 1915–1921 гг.

Для меня это не просто книга — это настоящий сдвиг тектонических плит. До сих пор этот период в жизни Кандинского в западном искусствоведении оставался практически незамеченным. Почему? Не было возможности изучить разрозненные документы, касающиеся этого непростого времени.

Кандинский — человек мира: свободно говорил и писал на русском и немецком. Его по-настоящему считают своим три страны — Россия, Германия и Франция. Именно во Франции он оказался после прихода к власти фашистов, и именно там — в Центре Помпиду — сегодня существует библиотека, названная его именем (!).

Моя душа ликует, потому что наконец-то появляется шанс и для ВХУТЕМАСа — быть увиденным по-настоящему. Не как «русский аналог Баухауза», а как самостоятельное явление, к основанию которого Василич (как Кандинского по-соседски называла Варвара Степанова) имел не меньшее, а возможно, и большее отношение, чем к Баухаузу, где, на секундочку, он всю дорогу был заместителем директора.

Дизайн обложки: Кирилл Ильющенко

В продолжение вчерашнего поста.

Да, Александр Серебряков немного работал с детскими книгами — и особенно приятно видеть его имя рядом с Парен, Гертик, Билибиным и Экстер. Но главной его сферой стала интерьерная акварель — тонкое, редкое искусство изображения роскошных залов, будуаров, библиотек и дворцов.

Он виртуозно передавал блеск позолоты, фактуру тканей, глубину зеркал. Часто работал вместе с сестрой Екатериной, архитектором и художницей — они подписывали работы вдвоём, и в этих акварелях чувствуется слаженность взгляда и вкуса.

Серебряковы документировали исчезающий мир европейской аристократии — и делали это для самых изысканных заказчиков: от французской знати до Виндзоров.

Он просто и точно фиксировал то, что со временем неизбежно исчезало — тишину, спокойствие и детали прошлого.

Serebryakoff
Помните картину Зинаиды Серебряковой «За обедом»?
На переднем плане — маленький мальчик с золотистыми кудрями, сидит за столом, ест суп, обернувшись лицом к матери.
Это её сын, Александр.
Сегодня поговорим о том, что с ним стало, когда он подрос. 🌿

В продолжение одной из важнейших тем нашего канала 🌍📚 — о тех русских художниках, которые после эмиграции оказались в Париже и буквально перевернули французское детское книгоиздание, создав визуальный аналог советского Детгиза, — хочу рассказать ещё об одном имени.

Мы уже говорили о Натали Парен, Елене Гертик, Иване Билибине, Александре Экстер, Фёдоре Рожанковском, Натане Альтмане — все они создавали удивительные детские книги, одновременно новаторские, нежные, интеллектуальные и бесконечно живые.

Александр Серебряков пошёл по стопам своих великих родственников.
Сын Зинаиды Серебряковой, внук Евгения Лансере, племянник Александра Бенуа — продолжатель и хранитель традиции.

Он стал блестящим акварелистом, художником с тончайшим чувством цвета и света. Специализировался на пейзаже и интерьере — но, что особенно радует: пусть ненадолго, но и он прикоснулся к детской книге.

Несколько изданий с его иллюстрациями сохранились — и они по-настоящему чудесны. Лёгкие, утончённые, будто наполненные воздухом Прованса и элегантной грустью русской школы.

Разве это не волшебно? Как целое поколение художников, разбросанных по миру, продолжало создавать общее искусство — несмотря ни на что. 💫

Друзья, еще немного карточек церкви святого Иакова в Монруже. Росписи внутри уже послевоенные (1947 г.). Обратите внимание какое разнообразное освещение в разных частях здания за счет витражей. Ну, неплохо же для бетонной коробки?

Ну что же, рассказываю как на духу, это модернистская церковь, посвящённая святому Иакову, находится в Париже (в Монруже)!

Живу неподалеку и периодически заглядываю туда, всегда была твердо уверенна, что это послевоенная постройка, но сегодня наткнулась на нее в справочнике по парижскому Ар Деко и у меня отвисла челюсть 🤯

Но как? Строил ее французский архитектор Симон Валло с 1933 по 1937 гг., большой поклонник Огюста Перре. Мне кажется, бетон должен стать таким же талисманом Франции как и багет с беретом 🤪

Что касается ракушки, то это символ очень важного католического святого, который по-французски зовется Сэнт-Жак (даже блюдо такое во Франции есть, с ракушкой), по-испански Сантьяго 😉

Время воскресной викторины, отгадавшему по традиции отправлю открытку 💌

Угадайте год постройки этой модернисткой католической церкви. Намеренно не говорю где, а то вы мои загадки и так как орешки щелкаете! 🙈

С днем космонавтики, друзья!
Вот небольшая подборка работ Нади Ходасевич-Леже, посвященных Гагарину и космосу 🚀

Удивительно, что художнице потребовались многие годы (десятилетия) работы и жизни, чтобы наконец-то проникнуться супрематизмом Малевича ◼️ Ведь Надя училась у него в начале 1920-х и мало что тогда поняла.

А как еще выразить космос живописными методами?! 🪐

Дорогие друзья, спасибо за ответы во вчерашнем голосовании и небольшую дискуссию в комментариях, еще не успела на все ответить, но обязательно к этому вернусь! Какие вы молодцы, как много у нас сведующих людей собралось 🤓

Но не знать чего-то, даже разницы между Ар Нуво и Ар Деко, не зазорно, будем разбираться. Вот вам самая короткая и базовая инструкция из всех мной виденых:
"Если это словно эльфы сделали - Ар Нуво (слева), а если словно гномы - Ар Деко"

Друзья, важнейший вопрос современности, только честно, вы отличаете Ар Нуво от Ар Деко?
Голосуем эмоджи: 🔥 - отличаю, 💔 - не совсем

Часто слышу вопрос: а зачем вообще ходить на эти выставки дизайна? PAD, Maison&Objet, Миланская неделя — вроде бы всё для профи и "своих".

Но на самом деле это больше, чем просто шоурум для красивых вещей. Это — места, где формируется вкус времени. Где предметы начинают говорить на языке эпохи. Где стили еще не названы, но уже чувствуется, что "вот оно, новое".

🎩 Вспомните Париж 1925 года — ту самую международную выставку, где родился стиль Ар Деко.
Никто тогда не пришёл туда "посмотреть, как рождается эстетика будущего".
Но именно это и произошло. Потому что дизайн — это зеркало культуры, и иногда он отражает её раньше, чем мы сами понимаем, что в ней изменилось.

💬 Поэтому когда я попадаю на PAD или в павильоны Maison&Objet — я ищу не тренды, а сигналы. Те самые знаки, которые лет через 20 будут в учебниках, а пока — в прототипах, в керамике, в текстиле, в освещении.

📸 А писать об этом — значит не дать этим смыслам раствориться. Потому что история дизайна — это не только "что придумали", но и кто это увидел и передал дальше.

Кстати, я про PAD очень коротко написала, буквально два поста (раз, два) в двух словах, но вот моя коллега Алена Сокольникова сделала полноценный репортаж, даже с видео и сейчас ведет не менее подробное вещение с миланской недели дизайна.

Плюс, горячо рекомендую профессиональные репортажи с миланской выставки в платном канале Насти Ромашкевич, она там как раз выделяет тренды, бренды и направления за которыми нужно следить, тем кто работает в индустрии!

В продолжение вчерашнего поста про знаменитую парижскую выставку 💫

🎤 Блиц-интервью с Юлией Лобойко, основательницей галереи «Палаты» (СПб), представленной на выставке коллекционного дизайна PAD в Париже (2–5 апреля 2025)

— Юлия, каково было участвовать в PAD?
— Это было волнительно. Было непонятно, как себя показать — быть понятными или выделяться. Мы выбрали второе. Представили работы российских авторов из разных регионов, продюсируем тех, кто работает с ремеслом и тонко переосмысливает культурный код. И это сработало — нас заметили, много публикаций, отметок, администрация PAD пригласила нас на следующий год.

— Были продажи?
— Да, и есть переговоры. Думаю, продажи продолжатся и после выставки. Но самое ценное — это контакты. Они откроют двери к международным проектам. Репутационный рост сложно переоценить.

— Как появилась галерея?
— «Палаты» начались 5 лет назад как независимый проект для русскоязычных дизайнеров. Это логичное продолжение бренда «Палата-ателье». Мы работаем с коллекционным и студийным дизайном — это не просто красота, а вещи с функцией и смыслом.

— Вы всё делаете одна?
— Сейчас есть ядро из трёх человек и до 10 на аутсорсе. Но да, «Палаты» отражают мои личные ценности — это всегда субъективная история.

— Как вы пришли в дизайн?
— Я переводчица-синхронистка по образованию. Это дало мне широту восприятия. К дизайну пришла через семейный бизнес, связанный с мебелью, но мне быстро стало тесно — захотелось оригинальности и своего языка.

— Сейчас много клюквы и штампов. Как найти уникальный голос?
— Это всегда сложно. Даже просто быть собой — уже труд. Но именно в этом и есть путь к подлинности.

📍 Следим за «Палатами» — галереей, которая тонко говорит о современной российской культуре и умеет быть собой.

1. Светлана Вронски, Фьюжн, 2025
2. Наталья Макарова, Переход, 2023
3. Наталья Макарова, Переход, 2023
4. Ирина Разумовская, Плодородные земли (3 скульптуры), 2025
5. Александра Лапаева, Там, 2025
6. RO product & DA product, CCF/ Couture Cabinet Fil
2024
7. Кресло: EDXXKAT, кресло-пришелец, 2024.
Ковер: LAROQUE ST, Дэймон 03, 2024
8. Милана Халилова, "Тхыпхъэ”, 2025
9. Ирина Разумовская, Триптих, 2021
10. Искренне ваш репортер с основательницей галереи - Юлией Лобойко

Охота за сокровищами: PAD Art + Design Paris 2025

Друзья, не так давно я рассказывала про шикарнейшую выставку Matter and Shape красивых объектов быта и предметов интерьера, а вчера меня пригласили на похожее мероприятие (спасибо Настя), решила про него тоже коротко рассказать.

С 1998 года в саду Тюильри проходит PAD Art + Design — особая выставка для ценителей коллекционного дизайна. В отличие от Maison&Objet или Миланской недели, здесь представлены предметы, чьи ценники вызывают благоговейный трепет. Попасть сюда — уже признание: участников тщательно отбирают, а сам PAD можно сравнить с олимпийским пьедесталом в мире дизайна.

Что было в этом году?
🔹 75 галерей (преимущественно из Франции, но с дебютами Мексики, Бразилии и Таиланда)
🔹 Россия представлена галереей «Палаты»
🔹 Диапазон — от модернистской классики (Перрьян, Пруве, Aр-деко) до радикального постмодерна (Мемфис-групп) и актуальных современных объектов
🔹 Каждая экспозиция — мастер-класс по презентации дизайна так, чтобы он выглядел на миллион

Главный приз
🏆 В этом году жюри покорила Galerie du Passage (Париж) с дерзкой инсталляцией: алые стены, фиолетовый потолок и буйство красок. И я с ними полностью согласна — это было потрясающе! (Последние три снимка)

Наш герой: «Палаты»
🇷🇺 Галерея Юлии Лобойко показала современный российский дизайн здорового человека — ни намёка на хохлому и прочую разлюли-малину. Только лаконичные формы, смелые материалы и безупречный вкус. Результат?
✨ Восторженные отзывы в Le Figaro, AD France, Elle decoration и других изданиях
✨ Приглашение на PAD 2026 — и это после первого же участия!

Вывод:
Мотаем на ус, что в следующем году идем болеть за «Палаты» (про них я еще отдельно расскажу) и развивать вкус и насмотренность 🤓

Изображения:
2 Giulia de Jonckheere (Belgium)
3. SIGNÉ (France)
4. Objects with narratives (Switzerland)
5. Brazilian modernist (Brazilian artists in Paris, France)
6. H. gallery (The Netherlands)
7. Palaty (Russia)
8-10. Galerie du Passage (France)