Пресс-конференция. Презентация каталога Михая Зичи

Работы венгерского художника Михая (Михаила) Зичи, который был придворным живописцем династии Романовых, представили в Москве, презентация каталога с его картинами прошла на пресс-конференции в ТАСС.

«Личность Зичи совершенно уникальна и очень интересна. Однако для широких кругов его имя в значительной степени подзабыто. Мы надеемся вернуть память о нем в общественное сознание, поскольку историки искусства и коллекционеры хорошо его знают. Он высоко ценится в художественной среде», - сказал историк искусства, коллекционер, научный консультант проекта Сергей Подстаницкий.

По его словам, прежде всего, Зичи оценивают как исторического художника-документалиста. В середине XIX века, когда фотография еще не стала широкодоступной, он смог запечатлеть многофигурные композиции и массовые события. «Поэтому такие художники, как Зичи, выступали своего рода корреспондентами, способными изображать крупные события с большим количеством участников, создавая мемориальные наброски», обратил внимание эксперт.

Он отметил, что документальность произведений Зичи позволяет увидеть художественные изображения, представляющие собой фотографически точные картины не только расположения участников на церемониях, но и мельчайшие детали – ордена, шпаги. Кроме того, художник изображал императоров с подчеркнутым уважением, но также умело передавал характер их окружения ­– генералов и придворных – иногда в карикатурном, но правдивом виде. Это качество ценилось в художественной среде, так как он мог изображать события смешно и достоверно, не бросая тень на придворную жизнь.

Фотографии с пресс-конференции Фотогалерее музея.

https://mus-col.com/events/37118/

Онлайн-версия каталога «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили»

В рамках проекта «Возвращение забытых имен», музей «Собрание» представляет каталог «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили». Это издание для музея является вторым, в 2021-м году вышел в свет масштабный каталог «Федор Лорие и Егор Черятов».

По количеству опубликованного материала (более 260 работ) книга даёт возможность, на примере одной коллекции, представить разнообразие творческого наследия венгерского художника Михая Зичи (1827-1906), работавшего более полувека при русском Императорском Дворе. Его имя в настоящее время хорошо известно в Венгрии, – стране, с которой он никогда не прерывал связь и где был похоронен, в то время как в России, где хранится богатейшее наследие художника, он менее известен.

Большая часть работ, опубликованных в издании, практически неизвестна публике. Есть и такие, которые считались «утерянными» (например, «Спасение детей», 1895). Уточнению их атрибуции, а также выявлению максимально полной информации о произведении помогло не только обращение к литературным источникам и к сохранившемуся в других музеях наследию Михая Зичи, но и хранящаяся в Государственном Эрмитаже рукопись «Список работ М.А. Зичи, исполненных им по заказу Двора». Специально для данного издания из Российского Государственного Исторического архива в Санкт-Петербурге было заказано личное дело художника, полный текст которого опубликован впервые.

Выпущенное музеем «Собрание» издание будет интересно самому широкому кругу читателей от специалистов и знатоков-искусствоведов до любителей. Каталог содержит уникальную информацию о художнике и его работах, многие из которых представляют собой ценный источник, повествующий о важнейших событиях прошлого. Знания, полученные благодаря сохранившимся артефактам, свидетельствам былого, должны быть доступны всем, и наш каталог даёт такую возможность.

В разделе «Графика» постоянной экспозиции музея «Собрание» представлено несколько десятков графических работ Михая Зичи. В планах музея – проведение тематической выставки, посвященной творчеству мастера, справедливо названного «художником четырёх российских императоров».

От всей души благодарим всех тех, кто работал над изданием, за их огромный труд, уникальные знания, преданность своему делу, понимание значения коллекции и трепетное к ней отношение.

https://mus-col.com/events/37118/

Пасхальные сувениры из коллекции музея «Собрание»

Символом Пасхи давным-давно стало яйцо. С древности яйцо олицетворяет весеннее солнце – источник жизни, течение времени и возрождение природы, непреложность устройства мира; яркость и величие, тепло и свет, счастье и удачу. Когда-то было принято подносить яйцо в дар языческим богам, дарить яйца друзьям и родственникам и в первый день Нового года, и в день рождения. Состоятельные люди вместо раскрашенных куриных яиц зачастую подносили золотые или позолоченные яйца, символизировавшие солнце. Для наших предков яйцо служило символом жизни, так как в нем хранится зародыш солнечной птицы – петуха, будившего утро.

Традиция обмена крашеными яйцами на Пасху имеет давние корни в России. Пасхальные яйца изготавливались из различных материалов и в разнообразных техниках. В России с начала XVII века основными производителями этих пасхальных сувениров была Оружейная палата и иконописные мастерские при крупных монастырях. Именно оттуда к царскому двору, а также в знатные боярские семьи, поставлялись вырезанные из дерева или кости, богато расписанные и затейливо декорированные пасхальные украшения.

С середины XVIII века яйца стали изготавливать из стекла и фарфора, и основная часть заказов приходилась на Императорский фарфоровый завод. Интересно, что в начале XIX века были очень популярны подвесные фарфоровые яйца, которые украшались нарядными шелковыми лентами и подвешивались под иконами. Немного позднее в моду вошли пасхальные яйца из папье-маше, которые создавали в мастерских лаковой миниатюры Палеха, Мстеры и Федоскино.
С середины XIX века изготовление пасхальных сувениров стало одним из важных направлений работы различных ювелирных мастерских. Изготавливались они из серебра и золота, декорировались эмалью, бисером, сканью, драгоценными камнями. Иногда мастера экспериментировали с нетрадиционными материалами. Это мог быть горный хрусталь или ценные сорта древесины. Наибольшую известность имели пасхальные яйца, выполненные по заказу императорской семьи в мастерских Карла Фаберже. Именно там стали создавать пасхальные яйца-сюрпризы: с заводными механизмами, миниатюрными фигурками, портретными медальонами. Высочайшая техника исполнения, богатство отделки, мастерство и фантазия художников, все это стало залогом всемирного признания.

В коллекции музея «Собрание» собраны разнообразные пасхальные сувениры: миниатюрные кулоны, рюмки-трансформеры в виде пасхальных яиц, декорированные эмалями, удивительные яйца-шкатулки, оригинальные композиции в виде пасхальных яиц с секретом. В экспозиции представлены как произведения мастеров старой, классической русской школы (Александра Любавина, Ореста Курлюкова, Павла Овчинникова и др.) так и работы наших современников (мастеров «новой волны» камнерезного центра Европы – немецкого города Идар-Оберштайн).

Сегодня, в Светлое Христово Воскресение, Пасху, – один из древнейших христианских праздников и главное событие года для православных христиан, предлагаем вам посмотреть два видео ролика, посвящённых пасхальным сувенирам из коллекции декоративно-прикладного искусства музея «Собрание», которые размещены в нашем «Видеоархиве» и тематический альбом «Пасхальные сувениры» – в Фотогалерее музея.
Альбом для раскрашивания «Пасхальные сувениры», опубликованный в разделе «Печатные материалы», это прекрасная возможность для детей сменить активность и отдохнуть. Раскрашивание картинок – увлекательный процесс, который завораживает малышей и полностью занимает их внимание. Выберите понравившиеся вам изображения, раскрасьте их или сделайте собственную открытку, чтобы поздравить своих близких.

Пусть наши публикации о пасхальных сувенирах, представленных в коллекции музея «Собрание», подарят вам настроение праздничного торжества.

Придворный живописец Романовых. Презентация каталога Михая Зичи

22 апреля в 14:00 в ТАСС состоится пресс-конференция, посвященная презентации каталога «Михай Зичи. Коллекция Давида и Михаила Якобашвили» в рамках проекта музея «Собрание» «Возвращение забытых имен русских мастеров».

О возвращении российской публике живописных работ и рисунков венгерского художника, много лет проработавшего в России, о работе над каталогом, содержании и разделах издания расскажут:
– руководитель научно-методического отдела музея «Собрание», составитель каталога Юлия Лисенкова;
– историк искусства, коллекционер, научный консультант проекта Сергей Подстаницкий;
– заведующая сектором рисунка XVIII – начала XX веков Государственного Русского музея Наталия Соломатина;
– эксперт Министерства культуры РФ по предметам и коллекциям обмундирования и снаряжения, военного, производственного и иного назначения Алексей Белов.

Михай (Михаил) Александрович Зичи (1827-1906) – венгерский художник из знатного рода Зичи, много лет работавший в России. Портретист, иллюстратор, мастер жанровых работ, батальных композиций и театральных постановок. Прославился как виртуозный рисовальщик, создавший циклы книжных иллюстраций к произведениям русской и венгерской литературы (М. Лермонтов, Н. Гоголь, И. Мадач). Академик Императорской Академии художеств (1858).

Трансляция пресс-конференции будет доступна на сайте ТАСС на странице анонса.

На фото: портрет члена китайской делегации на коронации императора Александра III.

https://mus-col.com/events/37112/

Дни исторического и культурного наследия
С 18 апреля по 31 мая 2025 года в Москве традиционно пройдут Дни исторического и культурного наследия. В эти дни в городе организуют сотни различных мероприятий, приуроченных к двум датам – к Международному дню охраны памятников и исторических мест (18 апреля) и к Международному дню музеев (18 мая).

Москва проводит Дни исторического и культурного наследия уже довольно давно – с 2000 года. Однако сначала посетить закрытые для посторонних глаз объекты можно было только 18 апреля и 18 мая, то есть непосредственно в те дни, когда отмечаются Международный день охраны памятников и исторических мест и Международный день музеев. Но интерес к экскурсиям был настолько высоким, что возникла идея расширить дни открытых дверей. В результате постепенно они растянулись на полтора месяца. Таким образом, шесть недель в городе будет проходить цикл мероприятий, приуроченных к дням исторического и культурного наследия. Список мероприятий, которые проходят в это время, разнообразен. Москвичам и гостям столицы будет предоставлена возможность бесплатно посетить исторические усадьбы, знаменитые дома и дворцы, увидеть театральные представления, концерты и уличные перформансы, принять участие в лекциях и конференциях, посвященных тематике культурного разнообразия и сохранению культурного наследия, в поэтических вечерах и открытых уроках, квестах и мастер-классах.
В программу включены около 300 памятников московской старины, с архитектурой которых можно ознакомиться на экскурсиях, лекциях, мастер-классах. Всего запланировано больше 600 мероприятий.

Детальная информация и расписание мероприятий: https://um.mos.ru/excursions/

Музей «Собрание» регулярно проводит обзорные и тематические экскурсии. Кроме того, в музее работает лекторий. Лекции проходят по четвергам и начинаются в 18 часов.
Записаться на экскурсию или на лекцию можно на сайте музея «Собрание» в разделе «Контактная информация».

Запись на экскурсии и лекции открывается ежедневно в 13:00 по будним дням.

https://mus-col.com/events/22206/

Поздравляем с международным днём культуры!

15 апреля в России и многих других странах отмечается Международный день культуры. Дата празднования связана с подписанием 15 апреля 1935 года в Вашингтоне договора «Об охране художественных и научных учреждений и исторических памятников», получившего известность в международно-правовой практике как Пакт Рериха. В том же году в Нью-Йорке прошел праздник, посвященный Знамени Мира — официальному символу Пакта Рериха. Художник изобразил его в виде трех красных кругов, заключенных в красную окружность, на белом фоне.

Источником происхождения культуры является человеческая деятельность, познание и творчество. Культура обеспечивает единство той или иной человеческой общности на основе общих мировоззренческих ориентиров, опираясь на мифологию, религию, философию, политико-правовые и моральные нормы, обычаи, идеологические доминанты и т.д.
Музеи – это места, где мы встречаемся с историей культурных ценностей, они являются хранилищами социальной памяти. Заглядывая в прошлое через выставки и экспозиции артефактов, мы лучше понимаем настоящее. Человек эмоционально обогащается и внутренне заряжается, «встречаясь» с определенными экспонатами.
Музеи играют важную роль в сохранении, изучении и понимании культурного, исторического и научного наследия человечества. Первоочередная функция музеев – сохранение преемственности памяти, которая подразумевает передачу последующим поколениям социально-значимых знаний и опыта. В наше время музеи из хранилищ ценностей постепенно превратились в пространства с множеством функций и возможностей. Они становятся более доступными благодаря современным технологиям, таким как интерактивные экспозиции и виртуальные туры. Произошел значимый культурный сдвиг в стратегических подходах: от объектно-ориентированного к ориентированному на аудиторию. В рамках нового подхода информация стоит в первом ряду, а уже за ней располагаются непосредственно музейные объекты (экспонаты).

Музей «Собрание» – проект именно культурно просветительский. Осуществляя изучение, атрибуцию, хранение и презентацию экспонатов, музей актуализирует культурное наследие, обеспечивая его соотнесение и взаимодействие с современными социокультурными процессами, способствуя дальнейшему развитию культуры.

Сегодня в Международный день культуры предлагаем вспомнить выставки, прошедшие в музее «Собрание» и посетить виртуальные экскурсии по этим выставкам.

https://mus-col.com/events/35548/

Всемирный день рок-н-ролла. Джук-боксы в коллекции музея

Всемирный день рок-н-ролла отмечается 13 апреля, начиная с 1955 года. Поводом послужила запись Биллом Хейли песни «Rock Around The Clock» в ночь с 12 на 13 апреля 1954 года. Композиция стала одной из первых в новом жанре и имела огромный успех. Рок-н-ролл быстро превратился в культурное явление и образ жизни.

Название жанра ввёл диджей Алан Фрид. Слова «rock» и «roll» происходят из морского словаря — так называли покачивание корабля. Со временем это сочетание стало обозначать новое музыкальное направление.

Ярким символом эпохи рок-н-ролла стали музыкальные автоматы джук-боксы. В 1940–1960-е их можно было увидеть в барах, клубах и ресторанах. За монетку и нажатием кнопки можно было выбрать песню. Эти машины стали важной частью музыкальной культуры XX века.

Первые джук-боксы появились в 1927 году. Они развивались вместе с ростом качества записи и звуковой техники. К концу 1940-х около 75% всех новых песен сразу попадали в джук-боксы. Устройства были красочными, с подсветкой и эффектным звуком, что делало их особенно привлекательными.

История джук-боксов уходит корнями в XIX век. Музыкальные шкатулки от компаний Regina, Polyphon и Symphonion уже тогда имели сменные носители и работали от монет. В XX веке понятие джук-бокса стало ассоциироваться с фонографами, а позже — с проигрывателями пластинок.

В США было произведено около 2 миллионов музыкальных автоматов. Компании Wurlitzer, AMI и Seeburg активно продвигали их как источник доступного и качественного развлечения. Самым известным стал «Wurlitzer 1015», созданный в 1947 году. Он до сих пор выпускается, хотя теперь работает с CD и цифровыми плеерами.

В коллекции музея «Собрание» представлены джук-боксы, отражающие инженерный прогресс, культурную значимость и эстетическую ценность этого явления. День рок-н-ролла — повод насладиться музыкой из уникальной коллекции музея.

https://mus-col.com/events/35542/

Звезды джаза: Ник ЛаРокка – один из первых джазовых трубачей

Сегодня в рубрике «Звезды джаза» — рассказ об американском трубаче Нике ЛаРокке, лидере группы Original Dixieland Jass Band и авторе одной из самых известных джазовых композиций — Tiger Rag.

Доминик Джеймс «Ник» ЛаРокка (1889–1961) родился в Новом Орлеане в семье сицилийских иммигрантов. С детства увлекался музыкой, вопреки воле родителей освоил трубу. После смерти отца в 15 лет решил посвятить себя музыке.

Услышав уличных чернокожих музыкантов, был впечатлён их стилем. Со временем стал востребованным трубачом: играл на свадьбах и крестинах. С 1910 по 1916 год был участником группы Джека Лэйна. Несмотря на отсутствие виртуозности, отличался выносливостью и энтузиазмом.

В 1916 году его пригласили в Чикаго в состав группы Джонни Стейна, позже ставшей Original Dixieland Jass Band. В 1917 году они записали первую джазовую пластинку Livery Stable Blues. Она стала хитом: музыканты подражали звукам животных, и запись разошлась тиражом более 100 тысяч экземпляров.

Группа записала многие джазовые стандарты. ЛаРокка был лидером влиятельного коллектива 1917–1921 годов, а его стиль повлиял на последующих трубачей.

В начале 1920-х, на фоне усиливающейся конкуренции, Original Dixieland Jass Band уступила позиции. ЛаРокка собрал новый состав, с которым гастролировал в Англии и США. Группа дала ему прозвище «Джо Блэйд» и записала одноимённую композицию.

В середине 1920-х он перенёс нервный срыв и ушёл из музыки, занявшись строительством. В 1936 году вновь собрал Original Dixieland Jass Band, заявляя, что именно они изобрели стиль свинг, но вскоре коллектив распался, и он окончательно покинул сцену.

В 1950-х ЛаРокка активно заявлял в СМИ, что он — изобретатель джаза, что вызвало негативную реакцию и подорвало его репутацию. Однако в 1958 году он передал Университету Тулейна коллекцию материалов об Original Dixieland Jass Band.

Историки и критики признают ЛаРокку важной фигурой в распространении джаза и лидером одного из самых влиятельных джазовых оркестров раннего периода.

https://mus-col.com/events/33189/

Старинные самовары в коллекции музея «Собрание»

Самовар вот уже почти три века считается исконно русским символом гостеприимства и неотъемлемой частью жизни народа. В новом выпуске рубрики «Неизвестное о хорошо известном» мы попытаемся выяснить, в какой стране впервые появился этот металлический сосуд для кипячения воды и заваривания чая. История самовара насчитывает несколько тысячелетий.

Изначально он появился не в России. Но русское слово «самовар» вошло в языки многих народов мира. По другой версии, в тюркском языке «су» — вода, «мавер» — сосуд для кипячения, откуда и произошло слово «сумавер», позднее — «самовар».

Прообразы самовара возникли на Востоке. Археологи нашли в Китае устройства IV века — «хо-го», которые распространились затем в Японии и Иране. В античности существовал аналог — «аутепса», сосуд с отделениями для воды и углей, который летом можно было использовать и для охлаждения жидкости.

По легенде, самовар был завезён Петром I из Голландии, но по факту первые медные устройства появились позже, на Урале, где развивалась металлургия. Пионером стал Акинфий Демидов, основавший в 1725 году Суксунский медеплавильный завод. Это положило начало производству самоваров.

Многие ошибочно считают Тулу родиной самовара. На деле первый тульский самовар был изготовлен в 1778 году братьями Лисицыными на фабрике по производству медной посуды. Вскоре Тула стала «самоварной столицей» — её продукция расходилась по всей стране. К концу XVIII века конструкция самовара окончательно оформилась и остаётся почти неизменной до сих пор.

В XIX веке самоварное производство распространилось и в другие регионы — Вятскую, Владимирскую, Ярославскую губернии. К 1850 году в Туле насчитывалось 28 мастерских, а в год производилось около 120 тысяч самоваров. Были модели разных размеров и форм: от простых до декоративных, стационарных и переносных. Появились спиртовые, керосиновые и позднее электрические модели.

Самовар стал важной частью быта, вошёл в фольклор, стал символом национального чаепития. Владимир Даль посвятил ему большую статью в своём словаре. Главное отличие самовара — внутренняя труба от топки, создающая тягу и нагревающая воду. В избах трубу самовара соединяли с печной или надевали вытяжку, чтобы не чадил.

Самовар с подставкой для заварочного чайника — русское изобретение, известное во всём мире. Он позволял не топить печь для утреннего чая. Его главное достоинство — возможность согреться горячим чаем в любую минуту. Тепло угольков и кипящая вода создавали в доме уют.

Фотоальбом «Старинные самовары в коллекции музея «Собрание» размещён в нашей Фотогалерее.

Анонс: лекция «Куклы-автоматоны. Механика живой природы»

Лекция посвящена чудесам механики и истории создания занимательных автоматонов. Мы поговорим о «золотом веке» механики, о выдающихся изобретателях и их творениях. В ходе лекции будут показаны видеоролики и продемонстрированы в действии уникальные предметы, хранящиеся в коллекции музея «Собрание».

Лекция «Куклы-автоматоны. Механика живой природы» состоится 10 апреля в 18:00.

Для тех, кого заинтересует тема уникальных механизмов, и тех, кто захочет подробнее узнать о коллекции кукол-автоматонов, хранящейся в музее «Собрание», в разделе «Лекторий» открыта предварительная запись на лекцию.

Коллекция механических кукол и автоматов музея «Собрание» является единственной в своем роде в России и признана экспертами одной из лучших в мире. В ней представлены все виды и формы механических игрушек XVIII – XX веков. На сайте музея в разделе коллекции «Занимательные Автоматоны» можно рассмотреть мельчайшие детали заводных механизмов, заключенных в куклу человека, животного или птицы, которые двигаются под музыку и совершают свойственные своему образу действия.

В разделе «Авторы/Производители» размещены биографии талантливых мастеров и изобретателей, создавших эти предметы. Среди них Густав Виши, Леопольд Ламбер, Фирма Reuge, компания Roullet & Decamps и другие.

Продолжительность 60 минут.

https://mus-col.com/contacts/lectures.php

К 165-летию со дня рождения Рене Лалика

Рене Лалика (фр. René Jules Lalique; 6 апреля 1860 – 1 мая 1945) называли гением при жизни, таковым считают и сейчас. Французский декоратор интерьера, ювелир, медальер, художник по стеклу и эмалям периода модерна, стилей ар нуво и ар-деко запатентовал 16 изобретенных технологий, создал невероятное количество предметов, считающихся мировыми шедеврами, ввел новые нетрадиционные материалы и сюжеты в ювелирное дело. Созданные им изображения в стиле ар-нуво были подхвачены в иллюстрациях, текстиле, интерьерном декоре. Свободный в действиях и вымыслах он не приспосабливался к мнению общества, а изменял его восприятие, художественный вкус и устои согласно своим фантазиям.

К дню рождения Рене Лалика предлагаем вам посмотреть альбом с фотографиями его уникальных работ, представленных в разделе «Западноевропейское художественное стекло и керамика» коллекции музея «Собрание» и тематический фотоальбом «Счастливые талисманы Рене Лалика».

Рассказ «Flora, Fauna & Femme fatale» о художнике и ювелире Рене Лалике опубликован в рубрике «Аудио рассказы». Рассказ посвящен жизни и творчеству легендарного мастера, создававшего динамичные произведения необычных форм.

Лекция «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла» размещена в нашем Видеоархиве. На примерах шедевров из коллекции музея «Собрания» в лекции рассматриваются материалы и технологии производства художественного стекла, изобретенные талантливыми художниками, чьи достижения определили вектор развития стекольного дела.

Биография мастера размещена в разделе «Авторы/Производители».

https://mus-col.com/events/31135/

Музейные истории: «Музыкальные шкатулки»

Музыкальные шкатулки воплощают союз искусства и науки, они – свидетели эпохи смелых инноваций, времени, когда мастерство было связано не только с функцией предметов, но и с созданием неувядающей красоты.
«Музыкальные шкатулки» – один из самых обширных разделов коллекции музея «Собрание». Мелодичное звучание, разнообразный декор корпуса, завораживающая работа механизма всегда вызывают большой интерес у зрителей.

Очередной выпуск рубрики «Музейные истории» посвящен истории этого музыкального самоиграющего предмета.

Старинные музыкальные шкатулки – мелодичные сокровища из прошлого, – заслуженно занимают одну из самых почётных позиций в окутанном тайной мире музыкальных механических предметов. Музыкальные шкатулки в своих волшебных мелодиях повествуют о богатом полотне истории и человеческой изобретательности.

По сути, музыкальные шкатулки, являясь воплощением точности и элегантности, отражают ход истории и научного прогресса своей эпохи наряду с глубоким пониманием искусства и красоты. Что делает их особенно привлекательными – так это уникальное сочетание музыки и механики, превращающее, казалось бы, повседневный предмет в источник радости и очарования.

Первоначальная концепция музыкальной шкатулки родилась в XVIII веке, а первые известные образцы появились в Швейцарии, сердце точной механики. Швейцарские часовщики, известные своим мастерством, начали изучать идею использования своего опыта для оживления музыки. В первых шкатулках использовались металлические цилиндры с выступающими штифтами, которые перебирали специально настроенные зубцы металлической гребенки, создавая мелодию.

Эти скромные начинания проложили путь к всемирной одержимости музыкальными шкатулками. В течение XIX века музыкальные шкатулки претерпели значительные изменения. По мере развития технологий усложнялись и музыкальные произведения, которые они могли воспроизводить. Ранние музыкальные шкатулки могли проигрывать только одну или две мелодии, но к середине XIX века сменные цилиндры позволяли воспроизводить уже несколько произведений. Позже цилиндры заменили диски, что значительно упростило производство.
Исторически музыкальные шкатулки имели существенное значение в обществе, демонстрируя статус владельца. Сложность дизайна музыкальных шкатулок и разнообразие мелодий, которые они воспроизводили, стали символом изысканности и богатства, особенно в викторианскую эпоху. Они были не просто модными новинками, они были отражением культуры и престижа.
Музыкальные шкатулки сыграли большую роль в популяризации музыки в эпоху до появления радио и фонограмм. Благодаря этим музыкальным механическим предметам музыка зазвучала в домах, позволив людям наслаждаться концертами в своих гостиных. Это оказало значимое влияние на процесс общения людей и формирование различных социальных групп, изменив способ, которым люди взаимодействовали и проводили свободное время.

Подобно вечному тиканью старинных часов или постоянным приливам и отливам, старинные музыкальные шкатулки напоминают нам о быстротечности времени, о благотворном взаимодействии науки и искусства. Каждая нота, которую воспроизводят музыкальные шкатулки, является свидетельством человеческой изобретательности и потребности создавать красоту вокруг себя.

https://mus-col.com/events/26460/

Апрелевский завод грампластинок. 115 лет со дня открытия

Начало XX века неотделимо от чуда «запечатленного звука». Граммофоны и поющие черные диски пользовались бешеной популярностью, завоевав за короткое время все страны Старого и Нового света. Не стала исключением и Россия. К этому времени в стране с разной степенью успешности действовало более трех десятков граммофонных фирм. Среди них, к примеру, лондонская компания «Граммофон» с лейблом «Пишущий амур», специально создавшая большое производство в Риге для освоения масштабного рынка Российской империи, а также широко известная и популярная французская компания «Братья Пате».

Немецкий бизнесмен Готлиб Молль (Gottlieb Moll) решил создать компанию с полным циклом производства: от профессиональной записи музыкальных произведений до изготовления и продажи готовой продукции – граммофонных пластинок, включая производство виниловой массы, которого в центральной части России вообще не было. Расчет был прост: пока новоиспеченная фирма будет осваивать технические проблемы звукозаписи и нюансы репертуарной политики, доход будет приносить изготовление граммофонных пластинок для других компаний. На фабрике в первый же год уже работало 50 рабочих. В основном это были бывшие крестьяне из окрестных деревень. Готлиб Молль пригласил из Германии опытных специалистов. Местом для постройки фабрики была выбрана Апрелевка, подмосковное дачное местечко, где Молль приобрел за 30 тыс. рублей небольшой участок земли для своего сына Иоганна. Позже, через год с лишним, недалеко от Мясницкой улицы, в Банковском переулке, была оборудована по последнему слову техники студия звукозаписи и новый гальванический цех. Изначально, вся апрелевская фабрика с громким названием «Метрополь-Рекорд» размещалась в небольшом одноэтажном здании.

Диски, выпускавшиеся на Апрелевской фабрике, были высокого качества. Уже за первый год работы было выпущено 400 тысяч граммофонных пластинок. Они продавались под торговой маркой «Метрополь-Рекордс» и вскоре практически вытеснили на рынке продукцию других производителей. Первая выпущенная на фабрике пластинка с цыганской песней «Бродяга» сейчас составляет огромную редкость. Благодаря профессиональным действиям Богдана Молля и Иоганна, новое дело стремительно набирало обороты. Пройдя через все сложности первых лет – отработку качества звукозаписи в студии и качества звучания отпрессованных пластинок, поиски надежных оптовых покупателей и так далее, к 1914 году фирма «Метрополь-Рекорд» уверенно закрепила за собой лидирующую позицию на российском рынке. Она первой начала выпускать комплекты граммофонных пластинок для изучения иностранных языков. С целью упрощения частой смены пластинок была разработана конструкция устройства для автоматического опускания граммофонной иглы – прообраз будущего микролифта. В 1914 году Молли получили разрешение и начали строить два новых корпуса – фабрике предстояло серьезное расширение.

Но с началом войны в стране стали очень сильными анти-немецкие настроения. Началась ликвидация принадлежащих германским гражданам промышленных предприятий и земельных владений. Десятки тысяч людей были депортированы в центральные и восточные районы страны. Апрелевскую фабрику власти экспроприировали и передали в собственность конкуренту Моллей – «Русскому акционерному обществу граммофонов» (РАОГ).

После Октябрьской революции завод был национализирован и начал выпуск грампластинок с выступлениями российских революционеров. В 1925 году ему было присвоено название «Апрелевский завод памяти 1905 года».

В советские годы предприятие стало самым крупным заводом грампластинок в мире и вошло в состав фирмы «Мелодия».

В коллекции музея «Собрание» хранятся виниловые грампластинки, граммофоны и патефоны, другие раритеты, рассказывающие о славной истории легендарного предприятия.

К 115-летию со дня открытия Апрелевского завода грампластинок мы подготовили музыкальную подборку, составленную из песен в исполнении известных советских исполнителей, и записанную с виниловых пластинок, хранящихся в музыкальной библиотеке музея.

Международный день птиц. Механические поющие птички

День птиц – это начало весны, время наступления первых теплых солнечных дней и возвращения перелетных птиц с зимовок.

Экспонаты с птичками представлены в нескольких разделах коллекции музея «Собрание», на сайте музея выложены около 300 предметов с фигурками или изображениями самых разных птичек. Среди них есть изделия из камня, золота и серебра.

В разделе коллекции «Занимательные автоматы» представлены разнообразные поющие и двигающиеся экспонаты.

Известно, что механические поющие птички в клетках, с заводными механизмами пользовались большой популярностью в Европе XVIII-XIX веках. Первоначально их использовали как механизм для обучения пению домашних канареек. А затем механические птички стали распространенным домашним аксессуаром.

Все помнят сказку «Соловей». Подобную птичку в самом начале нашего тысячелетия придумал греческий математик и механик, один из величайших инженеров в истории человечества – Герон Александрийский.
Конструкция Герона была чрезвычайно простой. Птичка сидела на крышке сосуда, в который вливалась вода. Она вытесняла воздух в трубку, проведенную в горлышко птички. Когда сосуд заполнялся доверху, птичка умолкала, вода из сосуда автоматически выливалась через сифон, а затем все повторялось сначала.

Продолжая сложившуюся традицию, мы публикуем очередной видео ролик об уникальных экспонатах, хранящихся в коллекции музея «Собрание». Сегодня ­ это сказочное дерево с разнообразными клетками с весело щебечущими птичками.

Более детально эти экспонаты можно рассмотреть в разделе коллекции «Поющие птички».

Звезды джаза: Пол Уайтмен

В эти мартовские дни, когда мы отмечаем 135-летие со дня рождения Пола Уайтмена – рассказ о жизни музыканта рубрике «Звезды джаза» и подборка музыкальных композиций в его исполнении в нашей Фонотеке.

Пол Уайтмен, чьё полное имя – Пол Сэмюэл Уайтмен, родился 28 марта 1890 года в Денвере, Колорадо. Музыкант оставил неизгладимый след в истории джаза как бэнд-лидер, композитор и скрипач. Оркестр Пола, основанный в Калифорнии в 1918 году, быстро стал одним из самых популярных на джазовой сцене 1920-х годов. Как пишет «Британская энциклопедия», именно Уайтмен сделал джаз более доступным для широкой публики, и в 1920-е – 1930-е годы превратил джаз в популярный музыкальный жанр.

Уайтмен значительно упрощал джазовые ритмы, благодаря чему музыка легче воспринималась слушателями – именно за такой подход музыканта и хвалили, и критиковали одновременно.
Пол Уайтмен начал свою карьеру как классический скрипач, но его интерес к популярной музыке привёл его к джазу. Во время Первой мировой войны музыкант руководил большим оркестром военно-морского флота, а после войны сформировал свой первый танцевальный оркестр. В 1920 году Уайтмен переехал в Нью-Йорк, где его оркестр начал записываться для «Victor Talking Machine Company». Первые записи оркестра, такие как «Japanese Sandman» и «Whispering», разошлись большими тиражами, а имя Пола Уайтмена стало широко узнаваемым. Он был известен тем, что нанимал лучших музыкантов и аранжировщиков, включая Фердинанда Грофе, который отвечал за знаменитое звучание оркестра Уайтмена.

Одним из самых значительных моментов в карьере Пола была премьера «Рапсодии в стиле блюз» Джорджа Гершвина в 1924 году, где Уайтмен выступал в качестве бэнд-лидера, а Гершвин – как солист. Именно «Рапсодия» стала визитной карточкой оркестра и демонстрацией его высочайшего мастерства. Для неизощренной публики сам этот оркестр олицетворял джаз. Его звучание – это, как правило, сочетание симфонической и популярной музыки с небольшой примесью джаза, способствовало восприятию джаза широкой публикой. При этом Уайтмен приглашал в свой оркестр лучших музыкантов, каких только мог найти и платил им больше, чем в других коллективах. По-настоящему сильный состав оркестра сложился в 1927 году, когда в него пришли Бикс Бейдербек и Фрэнки Трумбауэр; вокалисты Бинг Кросби, Милдред Бейли, Джонни Мерсер; а несколько позже, – скрипач Джо Венути и гитарист Эдди Лэнг. Пол Уайтмен собирал афроамериканские музыкальные таланты и изначально планировал нанимать белых и черных музыкантов, но в конце концов менеджеры убедили его в том, что из-за расовой напряженности и сегрегации в Америке того времени такая политика стала бы «профессиональным самоубийством». И все же Пол нередко пренебрегал рекомендациями, нанимая черных музыкантов и аранжировщиков, например Флетчера Хендерсона, для участия в записях и гастрольных турах.

Звёздные оркестровые составы оркестра задали тон для наступающей эпохи биг-бэндов, однако к началу эры свинга музыка Уайтмана (оркестр которого почти не свинговал) стала считаться старомодной, а в начале 1940-х годов Уайтмен практически отошёл от дел, лишь изредка выступая в качестве приглашённого исполнителя. Он сосредоточился на поиске новых талантов и занимал должность директора канала «ABC Radio Network».

Последние годы жизни Пол Уайтмен провел в Пенсильвании. Он умер 29 декабря 1967 года.

Наследие музыканта потрясает воображение. Он сделал около трёх тысяч аранжировок, написал музыку для шести бродвейских шоу и записал множество пластинок. Его вклад в развитие джаза огромен.

https://mus-col.com/events/33639/

День основания Большого театра. История создания

Большой театр был основан как частный театр русского антрепренера, князя Петра Васильевича Урусова. 28 марта 1776 года Екатерина II подписала привилегию на организацию спектаклей, балов и других культурных мероприятий. Это событие считается днем основания театра. Вместе с Урусовым в создании театра принимал участие англичанин Майкл Меддокс, который прибыл в Россию, чтобы преподавать математику будущему императору Павлу I, но увлекся театральным искусством и стал важной фигурой в театральной жизни страны.

Изначально театральная труппа состояла из 43 человек, включая актеров, актрис, танцовщиц, танцоров и музыкантов. На первом этапе существования театра опера и драма были объединены в единую труппу, состав которой был очень разнообразным, включая как русских артистов, так и приглашенных звезд из-за границы. Театр получил название Петровский, так как располагался на улице Петровка, и открылся 30 декабря 1780 года. Это был первый в Москве публичный театр, который был построен за рекордные сроки и стал одним из самых крупных и красивых театральных зданий города.

Однако в 1805 году старое здание театра сгорело, и труппа начала давать спектакли на частных сценах. В 1820 году началось строительство нового театра, который стал бы центральной частью новой градостроительной композиции площади. В 1825 году открылся новый Петровский театр, который стал значительно больше прежнего и был назван Большим Петровским. На торжественном открытии театра были исполнены специально написанный пролог и балет. Вскоре Большой Петровский театр стал центром культурной жизни Москвы, и в его репертуар начали входить не только драматические постановки, но и оперы, балеты, произведения известных композиторов того времени.

В 1853 году и это здание театра сгорело, что привело к его восстановлению. Театр продолжал свою работу, несмотря на трудности, и после революции 1917 года стал Государственным Большим театром. В 1922 году театр был спасен от закрытия, и его здание адаптировалось для нужд новой власти. В это время в Большом театре проводились важнейшие политические события, включая Всероссийские съезды Советов и заседания ВЦИК.

Во время Великой Отечественной войны театр пострадал от бомбардировок, но уже осенью 1943 года он возобновил свою работу, постановкой оперы М. Глинки «Иван Сусанин». В годы войны многие артисты театра выступали в составе фронтовых бригад или ушли на фронт, но театр продолжал оставаться важным культурным центром.

После войны театр продолжал развиваться, претерпев несколько значительных реконструкций и реформ. В 2002 году была открыта Новая сцена, а в 2005 году началась очередная реконструкция главного здания театра, что стало знаковым событием для всей театральной и культурной жизни страны. Театр продолжает оставаться важнейшей культурной и архитектурной жемчужиной Москвы.

В честь дня основания Большого театра мы подготовили музыкальную подборку записей голосов оперных певцов, которые входили в его труппу в конце XIX – начале XX веков.

https://mus-col.com/events/23724/

Сегодня день рождения Мстислава Леопольдовича Ростроповича

Выдающийся музыкант стоял у истоков создания нашего музея.
Давид и Михаил Якобашвили долгие годы были очень дружны с Мстиславом Ростроповичем. В его честь мы делимся трогательными строками, написанными Владимиром Слепаком при жизни маэстро.

Непостижимый Ростропович!
Маэстро, не могу понять:
Как каждый раз с такой любовью
Вам удаётся мир обнять?!

Пусть рядом нет виолончели,
И город за окном во мгле,
Но ярче свечи заблестели,
При Вас, на праздничном столе,
В хрустальных искренних фужерах
Искрится терпкий, гордый вкус,
Вы людям возвратили веру
В единство сокровенных чувств!

Вы дорожите званием Друга,
У сердца лишь один закон,
И от Баку до Оренбурга
Вас все считают земляком!

Вы без жеманства и бравады
И, несмотря на времена,
Могли любому врезать правду,
Когда нуждалась в ней страна!
Все знают - совесть неразменна,
Но только Вас избрал Творец
Быть гражданином всей Вселенной
И камертоном для сердец!

Тут дело не в учете званий,
Обязан гений все постичь,
Но Бог позволил Вам в изгнаньи
Вершин сияющих достичь!

И ни при чем тут чувство боли,
Все живы праведным трудом...
Вас одарила Божья воля
Талантом честью и добром!

Париж скучает в чашке кофе,
Мелькают силуэты дам,
И кажется звучит Прокофьев
В зеркальных окнах Norte Dame,
Не может жизнь сложиться плохо,
Вдоль Сены мельтешит народ,

Уходит старая эпоха,
Вновь наступает Новый год,
Рвёт ветер хлипкие афиши,
На мостовой лежат цветы,
Но грешный мир свободой дышит,
А значит сбудутся мечты!

Пусть в небе Музыка витает,
И шутки радуют до слёз,
Но как в Париже не хватает
Прекрасных Жуковских берёз!
И снова тянет на Рублевку,
К давно знакомому столу,
Где можно выпить поллитровку
Под дефицитную икру,

Где только отворив калитку,
Заслышав ржавых петель стон,
Вдруг ловишь диссонансы Шнитке,
Обыкновенным естеством,
Где лают за забором псины,
Тревожа дачный контингент,
Где чудный запах керосинок
Перебивает мастердент,

Где помнят местные красотки
Мычащий трепетно клаксон,
Где потом политые сотки
И безмятежный, чистый сон,
Где перепутанные мнения
Рассудку не дают остыть,
Где есть возможность откровения
И некуда совсем спешить!

И ради этого угара
Вас каждый раз влечёт сюда,
Чтоб под кабацкую гитару
Спеть про минувшие года,
Чтоб на мгновение забыться,
Услышав от Земли ответ,
И вновь душой к любви стремиться
Во имя будущих побед!

Обновления на сайте музея в разделе «Занимательные автоматы»

Сайт музея постоянно пополняться новыми экспонатами. Сегодня мы представляем вашему вниманию обновления в разделе сайта «Занимательные автоматоны».
Коллекция занимательных автоматонов музея «Собрание» уникальна, она является единственной в своем роде в России, и признана экспертами одной из самых полных в мире. В нашем музее представлены все виды и формы механических игрушек XVIII–XX веков.

Подробнее узнать о коллекции кукол-автоматонов, хранящейся в музее «Собрание», можно посмотрев видео-гид «Занимательные куклы-автоматоны», размещенный в Видеоархиве музея.
После просмотра вы получите ответы на многие вопросы, возникающие при знакомстве с диковинными экспонатами, созданными в Париже конца XIX – начала XX веков в мастерской Александра Теруда (Aléxandre Théroude), фирмой Рулле и Декампа (Roullet & Decamps), на фабрике Густава Виши (Gustave Vichy); на предприятиях Жана Мари Фалибуа (Jean Marie Phalibois) и Блеза Бонтама (Blaise Bontems). Мастера-изобретатели – великие волшебники минувших веков создавали технические и художественные шедевры. Эти удивительные предметы с тщательно выполненными деталями; персонажи, одетые в изысканные костюмы из старинных тканей и способные выполнять головокружительно сложные движения – представлены в разделе коллекции «Автоматоны».

https://mus-col.com/events/33591/

Музыкальная подборка к 125-летнему юбилею Ивана Козловского

В этом году исполняется 125 лет со дня рождения выдающегося оперного певца Ивана Семеновича Козловского(1900–1993) . Его творчество представляет целую эпоху в отечественном оперном искусстве. Козловский является продолжателем и хранителем лучших исполнительских традиций, идущих от Леонида Собинова, Антонины Неждановой, Фёдора Шаляпина. В утвержденной Министерством культуры программе юбилея певца – более 30 событий по разным направлениям: концерты, конкурсы, выставочные проекты, телевизионные программы, показы документальных фильмов.

Активное участие в наполнении плана принимали Государственный академический Большой театр России, Московская государственная консерватория имени Петра Ильича Чайковского, Российский национальный музей музыки, Департамент культуры Москвы и телеканал «Россия-Культура».

Козловский был совершенно уникальной, удивительной фигурой в культурном пространстве своего времени. Он был обладателем потрясающего голоса – за высокий (лирический) тенор очень красивого тембра его часто называли «русским соловьём» и «чародеем оперы». В репертуаре Ивана Семеновича насчитывалось около 50 оперных партий: Ленский, Фауст, Лоэнгрин, Царь Берендей, Герцог, Юродивый, Трике – разноплановые роли, которые были объединены его необычным, пронзающим голосом – до ре-бемоля третьей октавы, как у контратенора, самого высокого мужского голоса.

С 1926 года Иван Козловский жил в Москве и пел в Большом театре. В 1938 году певец создал Государственный ансамбль оперы СССР — коллектив, который популяризировал классическую музыку.

Власти были благосклонны к Козловскому – его даже называли любимым певцом Сталина, который слушал Козловского не только в Большом театре. Иногда тенора привозили в Кремль ночью и он пел специально для Сталина. Карьера оперного певца в Большом театре продолжалась 28 лет. За это время Козловский исполнил более полусотни партий из знаменитых опер. В 1954 году певец, к огромному сожалению многотысячной армии своих поклонниц, внезапно решил уйти из театра. Он оставался в прекрасной форме, продолжал петь, и для многих это решение стало полной неожиданностью. После ухода из Большого театра музыку певец не оставил. Он стал много гастролировать с концертами. Включал в свой репертуар народные песни. Козловский стал первым исполнителем романса «Я встретил вас», который написал на стихи Фёдора Тютчева композитор Леонид Малашкин. Однажды певец зашёл в один из букинистических магазинов и увидел сборник старинных партитур, в котором и были напечатаны слова романса. Впоследствии с легкой руки Ивана Козловского романс «Я встретил вас» с удовольствием стали исполнять и другие вокалисты.

Музыковеды считают, что голос Ивана Козловского нельзя назвать мощным, но у него были другие преимущества – свободное извлечение звука, умение концентрировать его, эластичность дыхания, особая легкость в верхнем регистре. Важной для певца была и безупречная дикция. Причем с годами его искусство только совершенствовалось. Все это давало Ивану Семеновичу возможность петь под аккомпанемент любого оркестра или с любым ансамблем. Например, Козловский неоднократно выступал вместе с созданным в 1936 году государственным джаз-оркестром СССР под управлением Виктора Кнушевицкого.
Иван Семёнович Козловский «больше всего на свете любил музыку, и ради этой страсти готов был жертвовать всем», – вспоминала его дочь Анастасия. «Бог наградил его уникальными вокальными данными. И отец свято берёг этот божий дар, стараясь не растратить понапрасну, не повредить, как будто бы нёс за него огромную ответственность перед Богом и людьми. Это был мучительный труд – сохранить голос до старости. И ему это удалось». Козловскому также удалось стать легендой и символом русской вокальной школы XX века.

Козловский давал концерты до 87 лет. В последние годы жизни артист писал мемуары. В 1992 году он опубликовал книгу воспоминаний «Музыка — радость и боль моя».

К юбилею певца мы оцифровали записи с грампластинок из музыкальной библиотеки музея «Собрание».

https://mus-col.com/events/23984/

Цветы и цветочные композиции в разделе коллекции «Декоративно прикладное искусство»

Солнечные мартовские дни весеннего равноденствия символизируют приход весны, обновление природы и пробуждение жизни после зимнего сна. А весенние цветы являются уверенными вестниками грядущей смены времени года.

Фотоальбом с изображениями весенних цветов из разделов коллекции «Художественное стекло» и «Изделия из камня», размещенный в Фотогалерее музея, поможет в деталях рассмотреть неувядающую красоту этих рукотворных шедевр

С незапамятных времен человек ценил радующую глаз красоту этих дивных творений природы и, мечтая сохранить их ускользающее очарование, включил цветы в контекст культуры и искусства.
Цветы всегда связывали с высшими силами, они считались символом силы или воли богов и богинь, служили приношением во время религиозных обрядов.

Цветы вдохновляют художников, поэтов, архитекторов, композиторов на создание великих произведений. Цветы и букеты, цветочные и растительные орнаменты отливали в бронзе, гипсе, стекле, вырезали из дерева, мрамора или драгоценных камней.

Цветы – это красота, которая не оставит никого равнодушным. Они дарят светлые и яркие чувства, радуют глаз, исцеляют душу. К сожалению, как и многие другие прекрасные природные явления, цветы недолговечны, их красота быстро увядает.

Цветы любого цвета и формы можно вырезать и из камня. Для настоящего мастера «дело чести» создать цветок «как живой» – с листочками, прожилками, тычинками. Данила мастер из знаменитого уральского сказа Павла Бажова «Хозяйка медной горы» (сборник «Малахитовая шкатулка», 1936), пытался сделать свою работу по образу дурмана-цветка. Известно, что знаменитый Карл Фаберже, один из преданных ценителей русских самоцветов, создавая серию работ «Одинокие цветки в вазе», помещал «цветы» в прозрачную вазу с «водой», а «воду» делал из горного хрусталя.

Говоря о современном камнерезном искусстве нельзя обойти вниманием удивительный немецкий городок Идар-Оберштайн. Он входит, в так называемую немецкую дорогу драгоценных камней, основанную в 1974 году. Существует гипотеза, будто бы впервые камнерезное искусство зародилось в этом немецком городе в 50 году до нашей эры, когда это место посетил Юлий Цезарь. Однако в 1609 году «отцы города» постановили: «никакой чужеземец не может присоединиться к камнерезному искусству в Идар-Оберштайне, а навыки должны передаваться из поколения в поколение». Поэтому официально считается, что искусство резьбы по камню зародилось здесь, и начало активно развиваться в начале XVII столетия.

На протяжении веков основным занятием жителей этих мест была добыча, шлифовка и огранка драгоценных, полудрагоценных и поделочных камней. И в наше время Идар-Оберштайн называют «городом драгоценностей и ювелиров».

В коллекции «Музея Собрания» представлены работы самобытных мастеров – Пауля Дрейера, Манфреда Вильда, Луиса Альберто Куиспе Апарисио, Эберхарда Бэнка, Карла Фаберже, Эмиля Галле и других.

https://mus-col.com/events/24006/

Экспонат в деталях. Музыкальный автоматон «Чаепитие кошек»

В нашем очередном выпуске рубрики «Экспонат в деталях» мы расскажем об экспонате из раздела «Автоматоны» – «Чаепитие кошек», который был создан во Франции около 1892 года.

Музыкальный автоматон в виде фигурок пяти кошечек, сидящих на табуретах за круглым столом, установлен на деревянной подставке. У кошек, обклеенных белым мехом, подвижные головы, рты, лапы и хвосты. На столе, покрытом скатертью из синего бархата, расположены чайные приборы с голубой каемкой и геометрическим узором по центру белого поля.

Управляющий кулачковый механизм и музыкальный механизм с программным валиком, стальной звуковой гребенкой и ручным приводом размещены в подставке, с приводной рукояткой на передней панели.

При вращении рукоятки кошечки имитируют чаепитие и оживленную беседу: их головки поворачиваются из стороны в сторону, наклоняются и поднимаются, левые лапки жестикулируют, правые лапки с чашками или чайником двигаются, рты открываются и закрываются, двигаются хвосты.

Во время всего действия звучит мелодия песни «Daisy Bell» («Bicycle Built for Two», «Велосипед, созданный для двоих») британского поэта и композитора Гарри Дейкра (Harry Dacre, 06.09.1857–1922гг.), написанной в 1892 году.

Композиционное решение автоматона, предположительно, имеет в основе сюжет с изображением антропоморфных кошек «Кошачье чаепитие» (The Cats Tea party), выполненным одним из самых известных детских иллюстраторов, художником и страстным любителем животных Харрисон Уэйром (Harrison Weir, 05.05.1824–03.01.1906) в 1871 году.
13 июля 1871 года Харрисон Уэйр организовал в знаменитом Хрустальном Дворце (Crystal Palace) в Лондоне первую выставку кошек, имевшую успех, тем более неожиданный, учитывая, что в викторианскую эпоху британцы не жаловали кошек, считая их истребителями грызунов, но не достойными быть, в отличие от собак, домашними питомцами. После выставки кошки переместись с улиц в аристократические дома, получили нужный уход, заботу и любовь, а Харрисон Уейра стали называть отцом особой культуры любви к кошкам, распространившейся по всему миру, «The Father of the Cat Fancy». Уэйр разработал концепцию выставки и ее регламент, а также определил стандарты пород, ввел градацию по окрасам и длине шерсти. На выставке демонстрировались 170 кошек 25 различных пород. Именно на этой выставке произошло знакомство Европы с загадочными сиамскими кошками (по некоторым сведениями сиамских кошек завезли в Англию в 1884 году). В 1889 году Харрисон Уэйр написал книгу «Сats and All About Them».

https://mus-col.com/events/37066/

Аквамарин – камень талисман марта

Март – месяц, когда природа пробуждается, а небо становится особенно прозрачным и глубоким, напоминая чистый оттенок аквамарина. Этот самоцвет, чьё название происходит от латинского aqua marina – «морская вода», с древности считается камнем моряков и путешественников, покровителем любви и дружбы, а также защитником от тревог и неверных решений.

Согласно одной из легенд, аквамарин был найден моряками в сундуке русалки, и с тех пор этот камень стал их талисманом. Другая красивая история связывает его с любовью: прозрачные голубые самоцветы – это застывшие слёзы девушки, потерявшей любимого.

Одним из первых, кто подробно описал аквамарин, был Плиний Старший – древнеримский учёный, известный своей естественной историей. Он отмечал, что лучшие образцы бериллов (к которым относится аквамарин) должны напоминать оттенок морской воды.

Аквамарин сопровождает человечество уже несколько тысяч лет. В Древнем Шумере он считался символом богов, в Греции и Риме служил амулетом моряков, а в Китае из него изготавливали линзы для оптических приборов. В средневековье ему приписывали способность нейтрализовать яд, а сегодня он ассоциируется с гармонией, душевным спокойствием и крепкими чувствами.

Аквамарин – это ювелирная разновидность берилла, отличающаяся оттенками от небесно-голубого до зеленовато-синего. Его уникальные характеристики: крупные кристаллы (иногда достигают десятков килограммов), сочетание твёрдости и хрупкости, двухцветность – при изменении угла зрения оттенок может меняться.

Крупнейшие месторождения расположены в Бразилии, России (на Урале и в Забайкалье) и на Мадагаскаре. Бразилия остаётся мировым лидером по добыче аквамаринов – именно там был найден рекордный кристалл весом 105 кг, из которого получили 220 тысяч карат ювелирного материала.

Считается, что аквамарин помогает принимать правильные решения, оберегая от эмоциональных крайностей, укреплять любовь и дружбу, сохраняя гармонию в отношениях, снимать стресс и бороться с депрессией.

В Древнем Риме его использовали для лечения заболеваний печени и горла, а в современной литотерапии он помогает в борьбе с вредными привычками.

Этот камень не теряет популярности в ювелирном искусстве. Мужчины предпочитают запонки, зажимы для галстука и перстни с аквамарином, а для женщин создаются серьги, кольца, браслеты и кулоны. Помимо украшений, из него изготавливают фигурки морских животных – символов его водной природы.

Открыть красоту аквамарина ближе можно в нашей фотогалерее:
🔗 Тематический альбом «Аквамарин – один из камней талисманов марта»

Сложные термины простым языком: рокайль

Рокайль – это декоративный элемент или орнаментальный мотив в архитектуре, который выглядит как стилизованная раковина или камешек. Иногда так называют стиль рококо.
Слово «рокайль» происходит от французского rocaille, что переводится как «обломок камня, щебень, осколок раковины». От него же образовалось название «рококо».

Орнаменты в виде раковин наиболее характерны для рококо – стиля, который был популярен в Европе в первой половине XVIII века. Он возник во Франции и особенно ярко проявился в живописи и декоративно-прикладном искусстве. Рококо отражало настроения аристократии перед Великой французской революцией: оно было романтическим, игривым, театрализованным. Авторы Большой российской энциклопедии отмечают, что рококо отличалось «легкостью, шутливостью и элегантностью фривольного толка, тяготением к камерности и интимности».

Впервые слово «рокайль» использовал ювелир и рисовальщик-орнаменталист Жан Мондон, сын в 1736 году. Он выпустил альбом гравюр «Первая книга форм рокайль и картель». Картелями называли узор, который напоминал рулон бумаги с надорванным краем. Ученые считают, что рокайлем раньше также могли называть любой выпуклый рисунок.

Во второй половине XVIII века это слово часто употребляли в ироническом смысле как синоним слова «обезьянничанье». Такие примеры можно встретить в текстах философа эпохи Просвещения Жан-Жака Руссо, который негативно относился к стилистическим тенденциям начала столетия.

Ученые связывают возникновение узоров и декора в виде раковин с павильонами с морскими мотивами, популярными в предыдущую эпоху барокко. Их стилизовали под царство древнеримского бога воды Нептуна, а стены украшали лепниной в виде раковин – символов божества.

Рокайли отличались от похожих элементов периода Возрождения тем, что по форме напоминали сложный завиток и не были симметричными. Исследователи отмечали, что важным свойством этих элементов была их атектоничность – несвязанность с функциональными частями здания, декоративность. Рокайли встречались только как украшения.

В России рокайли активно использовали во время позднего елизаветинского барокко, примерно в 1750-е годы. Этим элементом декорировали здания зодчие Франческо Бартоломео Растрелли, Дмитрий Ухтомский, Савва Чевакинский. Также рокайли украшают Екатерининский дворец в Царском Селе, над которым работал Растрелли. Во дворце ракушки встречаются, например, в позолоченном оформлении зеркал.

Тематический альбом с фотографиями предметов коллекции музея «Собрание», в декоре которых присутствуют рокайльные элементы, размещен в нашей Фотогалерее.

На обложке: Несессер для шитья. Германия, Аугсбург. Середина XVIII века

https://mus-col.com/events/37056/

Лекция «Николай Рерих и Мария Тенишева: грани содружества»

Продолжает работу Лекторий музея «Собрание».
20 марта, в четверг – наш традиционный лекционный день, в 18:00 состоится лекция «Николай Рерих и Мария Тенишева: грани содружества».

В ходе лекции Ирина Кеня – историк-исследователь, директор музея брянских меценатов, основательница Тенишевского клуба, автор двадцати книг по истории российской благотворительности и её персоналиям и более ста научных статей, познакомит слушателей с историей дружбы двух знаковых личностей российской истории и культуры – Николая Рериха и Марии Тенишевой, и их плодотворного сотрудничества, направленного на сохранение и возрождение русского национального искусства.

Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».

Обращаем Ваше внимание, что посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано. На каждого посетителя оформляется отдельная заявка.

Продолжительность лекции 60 минут
Возрастное ограничение 7+

Выставка «Почерк времени»: фотопечать на открытках

Музей «Собрание» приглашает познакомиться с историей открыток и их художественным оформлением. В коллекции музея представлены тысячи экземпляров, охватывающих различные темы: городские улицы и архитектурные памятники, портреты знаменитых артистов, танцовщиц, певцов, писателей, а также бытовые сцены и театральные декорации, созданные выдающимися художниками.

Открытки – это не просто изображения, а свидетельства ушедшей эпохи. Они хранят тепло человеческих рук, эмоции отправителей и получателей, которые жили десятилетия назад. Их строки, написанные чернилами, карандашами или шариковыми ручками, создают уникальную связь между прошлым и настоящим.

История почтовых открыток началась в XIX веке. Первую официальную «карточку для корреспонденции» выпустили в 1869 году в Австро-Венгрии. В России первые немаркированные открытки появились 26 марта 1872 года под названием «Открытое письмо». Они выглядели как бланки с инструкцией по оплате и написанию текста. Долгое время выпуск открыток контролировало почтовое ведомство, не допуская изображений. Только с 1895 года, после разрешения Министерства внутренних дел России, частные издатели начали создавать иллюстрированные открытки, что открыло новую главу в их истории.

На рубеже XIX–XX веков открытки переживали пик популярности. Они стали тематическими, позволяя отправителям подбирать изображения к различным случаям. Использовались не только для переписки, но и для агитации, благотворительных акций. Распространение грамотности и доступность образования способствовали их широкому распространению, особенно в городах.

Важнейшую роль в развитии почтовых карточек сыграли технологии печати. Одним из самых качественных методов тиражирования изображений была фототипия – фотомеханический процесс, разработанный в 1855 году французским химиком Альфонсом Пуатвеном. Этот способ позволял воспроизводить изображения с высокой детализацией и тональными переходами. Фототипия использовалась для печати репродукций картин, гравюр, фотографий, а также почтовых открыток.

Основное преимущество фототипии заключалось в её способности точно передавать текстуры, оттенки света и тени. Этот метод позволял тиражировать фотографии в больших количествах с минимальными затратами по сравнению с ручными способами печати. В России крупными издательствами, использовавшими фототипию, были «Фототипия Шерер, Набгольц и Ко.», «Типография и художественная фототипия А.Ф. Дресслера» и другие.

Первые фототипийные открытки были черно-белыми или монохромными, часто выполненными в голубоватых тонах. Однако спрос на цветные изображения заставил издателей искать способы «раскрашивания» карточек. На лицевой стороне таких открыток указывались сюжетные названия, номера серий, имена издателей, а стиль оформления мог отличаться в зависимости от типографии, что позволяло коллекционерам легко узнавать работы того или иного мастера.

Хотя со временем фототипия уступила место более технологичным методам печати, она оставила значительный след в истории полиграфии. С распространением офсетной печати фототипия вышла из массового производства и использовалась в основном для факсимильного воспроизведения произведений искусства.

Выставка «Почерк времени» посвящена не только открыткам, но и русской эпистолярной культуре конца XIX – начала XX века. В рамках экспозиции представлены редкие серии открыток ведущих типографий и фотоателье, а также кабинетные аксессуары – от перьевых ручек и чернильниц до марочниц и визитниц. Многие из этих предметов были изготовлены знаменитыми ювелирными домами, такими как Фаберже, Грачёвы, Буре, Сазиков, Хлебников и другие.

Выставка расположена на двух уровнях музея: камерная экспозиция – на минус первом этаже, а основная часть – на третьем этаже. Посетители смогут не только увидеть уникальные экспонаты, но и принять участие в экскурсионной программе, раскрывающей тайны почтовой корреспонденции и культуры письма прошлого столетия.

Записаться на экскурсию можно на сайте музея в разделе «Контакты». Продолжительность программы – 1 час.

https://mus-col.com/events/369

Выставка «Почерк времени»: фотопечать на открытках

Музей «Собрание» приглашает познакомиться с историей открыток и их художественным оформлением. В коллекции музея представлены тысячи экземпляров, охватывающих различные темы: городские улицы и архитектурные памятники, портреты знаменитых артистов, танцовщиц, певцов, писателей, а также бытовые сцены и театральные декорации, созданные выдающимися художниками.

Открытки – это не просто изображения, а свидетельства ушедшей эпохи. Они хранят тепло человеческих рук, эмоции отправителей и получателей, которые жили десятилетия назад. Их строки, написанные чернилами, карандашами или шариковыми ручками, создают уникальную связь между прошлым и настоящим.

История почтовых открыток началась в XIX веке. Первую официальную «карточку для корреспонденции» выпустили в 1869 году в Австро-Венгрии. В России первые немаркированные открытки появились 26 марта 1872 года под названием «Открытое письмо». Они выглядели как бланки с инструкцией по оплате и написанию текста. Долгое время выпуск открыток контролировало почтовое ведомство, не допуская изображений. Только с 1895 года, после разрешения Министерства внутренних дел России, частные издатели начали создавать иллюстрированные открытки, что открыло новую главу в их истории.

На рубеже XIX–XX веков открытки переживали пик популярности. Они стали тематическими, позволяя отправителям подбирать изображения к различным случаям. Использовались не только для переписки, но и для агитации, благотворительных акций. Распространение грамотности и доступность образования способствовали их широкому распространению, особенно в городах.

Важнейшую роль в развитии почтовых карточек сыграли технологии печати. Одним из самых качественных методов тиражирования изображений была фототипия – фотомеханический процесс, разработанный в 1855 году французским химиком Альфонсом Пуатвеном. Этот способ позволял воспроизводить изображения с высокой детализацией и тональными переходами. Фототипия использовалась для печати репродукций картин, гравюр, фотографий, а также почтовых открыток.

Основное преимущество фототипии заключалось в её способности точно передавать текстуры, оттенки света и тени. Этот метод позволял тиражировать фотографии в больших количествах с минимальными затратами по сравнению с ручными способами печати. В России крупными издательствами, использовавшими фототипию, были «Фототипия Шерер, Набгольц и Ко.», «Типография и художественная фототипия А.Ф. Дресслера» и другие.

Первые фототипийные открытки были черно-белыми или монохромными, часто выполненными в голубоватых тонах. Однако спрос на цветные изображения заставил издателей искать способы «раскрашивания» карточек. На лицевой стороне таких открыток указывались сюжетные названия, номера серий, имена издателей, а стиль оформления мог отличаться в зависимости от типографии, что позволяло коллекционерам легко узнавать работы того или иного мастера.

Хотя со временем фототипия уступила место более технологичным методам печати, она оставила значительный след в истории полиграфии. С распространением офсетной печати фототипия вышла из массового производства и использовалась в основном для факсимильного воспроизведения произведений искусства.

Выставка «Почерк времени» посвящена не только открыткам, но и русской эпистолярной культуре конца XIX – начала XX века. В рамках экспозиции представлены редкие серии открыток ведущих типографий и фотоателье, а также кабинетные аксессуары – от перьевых ручек и чернильниц до марочниц и визитниц. Многие из этих предметов были изготовлены знаменитыми ювелирными домами, такими как Фаберже, Грачёвы, Буре, Сазиков, Хлебников и другие.

Выставка расположена на двух уровнях музея: камерная экспозиция – на минус первом этаже, а основная часть – на третьем этаже. Посетители смогут не только увидеть уникальные экспонаты, но и принять участие в экскурсионной программе, раскрывающей тайны почтовой корреспонденции и культуры письма прошлого столетия.

Записаться на экскурсию можно на сайте музея в разделе «Контакты». Продолжительность программы – 1 час.

\

Забытые имена: русский скрипач Дмитрий Цыганов

Дмитрий Михайлович Цыганов (1903–1992) – выдающийся советский скрипач, педагог, основатель и первая скрипка Квартета имени Бетховена, сыгравший значительную роль в развитии камерного исполнительства в СССР.

Родился в Саратове в семье скрипача, с детства обучался музыке. Под руководством отца освоил нотную грамоту и основы игры на скрипке. В девять лет поступил в музыкальные классы при Саратовской консерватории, а затем продолжил обучение в самой консерватории. В 1918 году начал профессиональную карьеру, выступая как солист, ансамблист и оркестрант. В годы Гражданской войны добровольно вступил в Красную армию, был концертмейстером Симфонического оркестра политотдела, играл первую скрипку в квартете. В 1920 году композитор Александр Гречанинов услышал его выступление и посоветовал продолжить обучение в Москве.

В столице Цыганов окончил Московскую консерваторию с золотой медалью, обучаясь у Александра Могилевского и Георгия Катуара. В студенческие годы играл в оркестре Большого театра, что стало важным этапом его становления как музыканта.

В 1923 году стал одним из основателей Квартета имени Бетховена, в котором исполнял партию первой скрипки на протяжении нескольких десятилетий. Ансамбль успешно выступал в СССР и за рубежом, завоевывая признание на международных конкурсах и гастролях. Квартет исполнил более 600 произведений, записал свыше 200 сочинений русской и мировой классики. Особое место в его репертуаре заняли произведения Дмитрия Шостаковича, с которым у ансамбля сложились тесные творческие связи. Композитор посвятил музыкантам несколько своих квартетов, а партии первой скрипки писал, учитывая исполнительские возможности Цыганова.

С 1930 по 1985 год Дмитрий Михайлович преподавал в Московской консерватории, воспитал многих выдающихся скрипачей. В годы Великой Отечественной войны, как и многие советские музыканты, выступал перед солдатами на фронтах. В 1946 году был удостоен Сталинской премии.

Цыганов играл в ансамблях с крупнейшими пианистами своего времени – Генрихом Нейгаузом, Марией Юдиной, Владимиром Софроницким, Эмилем Гилельсом, Святославом Рихтером и другими. Был членом жюри престижных международных конкурсов скрипачей в Брюсселе, Монреале, Генуе, Праге, Бухаресте, Женеве, Мюнхене, Зальцбурге, Познани, Будапеште, Берлине, а также постоянным членом жюри Международного конкурса имени Чайковского.

Автор множества скрипичных транскрипций и обработок, среди которых особенно известны переложения прелюдий Шостаковича. Написал статьи по вопросам скрипичного исполнительства.

Оставил значительный след в истории отечественной музыкальной культуры. Скончался 25 марта 1992 года, похоронен на Ваганьковском кладбище. Музыкальная подборка к его дню рождения размещена в Фонотеке музея «Собрание».

https://mus-col.com/events/33577/

150 лет Морису Равелю. «Болеро»

7 марта 2025 года исполняется 150 лет со дня рождения Мориса Равеля – выдающегося французского композитора и дирижёра, новатора, одного из крупнейших представителей музыкального импрессионизма. Его творчество оставило заметный след в истории музыки, а утончённый стиль сочетал в себе классические традиции, экспрессию и новаторские идеи.

Творческое наследие Равеля относительно невелико, но каждое его произведение – это совершенный музыкальный мир. Он был настоящим перфекционистом, тщательно продумывал каждую деталь, доводя композиции до идеала. Музыка Равеля уникальна: в ней слышны отголоски импрессионизма, французской барочной традиции, испанских ритмов и даже джаза.

«Болеро» – одно из самых известных произведений Равеля, написанное в 1928 году. Поводом для его создания стало желание танцовщицы Иды Рубинштейн получить балетный номер в испанском стиле. Равель подошёл к задаче нестандартно: он создал не просто танцевальную мелодию, а гипнотическую оркестровую композицию, построенную на монотонном ритме и постепенно нарастающем звучании.

Премьера «Болеро» состоялась 22 ноября 1928 года в парижской Гранд-Опера и имела оглушительный успех. Хореографом постановки выступила Бронислава Нижинская, сценографом – Александр Бенуа. Интересно, что изначально Равель задумывал действие на фоне индустриального пейзажа, где из заводского здания выходят рабочие, а неподалёку разворачивается коррида. Однако Ида Рубинштейн предложила перенести балет в таверну: танцовщица появляется в центре комнаты, начинает свой плавный, завораживающий танец, постепенно привлекая внимание окружающих. В конце все присутствующие оказываются вовлечены в магическое действо.

Музыкальная структура «Болеро» необычна. В основе лежит две простые темы, которые попеременно повторяются на протяжении всей пьесы. Однако каждый повтор звучит в новом инструментальном окрасе – от лёгких, едва слышных оттенков до мощного, разрастающегося звучания всего оркестра. Постепенное добавление тембров создаёт эффект нарастающего напряжения, а финальный аккорд разрывает это музыкальное заклинание. После премьеры весь Париж напевал мотив «Болеро», а музыковеды обсуждали этот оригинальный приём.

Сам Равель сдержанно отзывался о своём произведении, называя его «музыкальным трюком», но очевидно, что это кокетство. За простотой формы скрывается гениальная идея – доказательство того, что музыка может завораживать не сложностью, а постепенным развитием и мастерством инструментовки.

В течение XX века балет неоднократно ставился величайшими хореографами мира. Среди них – Михаил Фокин, Серж Лифарь, Морис Бежар, Алексей Ратманский. «Болеро» – один из немногих балетов, в которых существует и женская, и мужская версии исполнения.

Сейчас этот шедевр входит в репертуар лучших театров мира. Его ритм и мелодия используются в кино, рекламе, и даже в современных аранжировках.

Прослушать «Болеро» Мориса Равеля – музыку, которая не стареет и продолжает покорять сердца слушателей по всему миру, – Вы можете на сайте музея «Собрание»

https://mus-col.com/events/37000/

Поздравление с весенним праздником от основателя музея «Собрание»

Весна – это не только время года, но и состояние души. Сколько надежд, мечтаний о новых чувствах и эмоциях, новых встречах и открытиях она нам готовит!

Сегодня, в день прекрасного весеннего праздника примите искренние поздравления от основателя музея «Собрание» Давида Якобашвили.

Мой тост, конечно же, за вас!
За чистоту любимых глаз!
За этот День международный
И за характер благородный!
За ваши речи сладострастные
И за мгновения прекрасные!
За дерзновенные фантазии,
За красоты разнообразие!
За чистоту и непосредственность,
За преданность и за ответственность!
За ваш талант и за общительность,
За крутизну и восхитительность!
За чувства страсти и азарта,
За святость дня – 8 марта!

Ваш Давид Якобашвили

К 150-летию со дня премьеры оперы «Кармен» в парижской «Опера-Комик»

В марте 1875 года на сцене театра «Опера-Комик» состоялась премьера оперы Жоржа Бизе «Кармен». Однако первое представление завершилось полным провалом: публика не приняла реалистичный сюжет о страсти, свободе и роковой судьбе, а критики обвинили авторов в аморальности. Несмотря на это, судьба «Кармен» сложилась иначе – сегодня это одна из самых исполняемых опер в мире, ставшая символом драматического искусства.

Литературной основой для либретто послужила новелла Проспера Мериме. Композитор и либреттисты Анри Мельяк и Людовик Галеви значительно переработали сюжет, придав персонажам новые черты. Главный герой, дон Хозе, в оригинале был разбойником, а в опере предстал солдатом, разрывающимся между долгом и всепоглощающей страстью. Его возлюбленная, Микаэла, лишь вскользь упомянутая у Мериме, стала в опере одним из ключевых персонажей, символизируя чистоту и преданность. А тореадор Эскамильо, едва заметный в новелле, в опере превратился в яркий, харизматичный образ.

Но главное изменение коснулось самой Кармен. В отличие от Мериме, Бизе изобразил её не просто коварной соблазнительницей, а женщиной, для которой свобода превыше всего. Её насмешливый, прямолинейный характер подчёркивает независимость и бескомпромиссность. Эта новая Кармен стала воплощением бунтарского духа, что особенно выделялось на фоне строгого, патриархального мира Хозе. Их столкновение и привело к трагическому финалу – финалу, который вызвал протест публики «Опера-Комик».

Директор театра Адольф де Левен пытался убедить Бизе изменить концовку, смягчить драматизм и сделать её более приемлемой для зрителей. Однако композитор отказался идти на компромисс. В результате премьера вызвала шквал критики, аристократическая публика возмущалась, залы пустели, а билеты раздавались бесплатно.

Но интерес к опере постепенно рос. Чайковский называл её гениальной, предсказывая, что она станет шедевром через десять лет. Иван Тургенев сравнивал её значимость с «Фаустом» Гуно. После смерти Бизе его друг Эрнест Гиро переработал партитуру, заменив разговорные сцены речитативами. В этой версии «Кармен» в октябре 1875 года с триумфом прозвучала в Вене, а затем покорила театры Брюсселя, Лондона, Нью-Йорка и Санкт-Петербурга.

Постепенно опера стала культовой. Её музыка, полная испанских мотивов, страсти и ритмов, покорила зрителей. Знаменитые арии – «Хабанера» Кармен, куплеты Эскамильо, дуэт Хозе и Микаэлы – стали настоящими шедеврами. Опера вдохновила не только режиссёров, но и композиторов, балетмейстеров, кинематографистов. Она выходила за пределы оперной сцены, появляясь в эстрадных обработках, фильмах и балетных постановках.

Роль Кармен – одна из самых ярких партий для меццо-сопрано, она раскрыла талант таких великих певиц, как Ирина Архипова, Елена Образцова, Галина Вишневская, Тамара Синявская. Каждая исполнительница по-своему трактовала этот образ, но неизменно передавала его главную суть – дух свободы.

Сегодня «Кармен» продолжает вдохновлять зрителей, режиссёров и музыкантов. Её ставят на крупнейших оперных сценах мира, находя новые интерпретации. Музыка Бизе остаётся актуальной, а трагическая история любви Кармен и Хозе волнует сердца поколение за поколением.

Предлагаем вам насладиться самыми известными фрагментами этого бессмертного шедевра.

https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6660

Сегодня день рождения основателя музея «Собрание» Д.М. Якобашвили

Давид Михайлович, сегодня дружная и сплоченная команда музея «СОБРАНИЕ» сердечно поздравляет Вас с днем рождения!

Успех – это когда ты меняешь мир в лучшую сторону. Хоть чуть-чуть. Вам это удалось. Буквально за несколько лет своего существования созданный Вами музей «Собрание» уже успел приобрести известность и завоевать любовь ценителей искусства, коллекционеров и широкой публики.

Мы гордимся тем, что работаем под Вашим руководством, и что у нас есть возможность способствовать дальнейшему развитию и процветанию созданного Вами уникального проекта – музея «Собрание».

Пусть всегда рядом с Вами будут верные друзья, единомышленники, любящие родные и близкие люди! Счастья Вам, крепкого здоровья, семейного благополучия!


Сегодня, в день Вашего рождения, мы предлагаем всем нашим почитателям, друзьям и партнерам, а также всем тем, кто ещё не успел побывать в музее «Собрание» заглянуть на наш сайт, где есть возможность поближе познакомиться с историей создания музея, с уникальной коллекцией раритетов, совершить виртуальные прогулки по музею, познакомиться с его насыщенной жизнью, посетить наш Лекторий и послушать увлекательные аудио рассказы.

https://mus-col.com/

Завершающий день масленичной недели. Блюдо для блинов

Масленица – один из самых колоритных и весёлых восточнославянских праздников, который уходит корнями в языческую эпоху, символизируя прощание с зимой и встречу весны. Масленицу на Руси всегда встречали с весельем, играми и блинами, которые символизировали круглое и румяное солнце. Люди верили, что горячие и вкусные блины помогут задобрить солнце, которое отогреет землю и подарит богатый урожай. Считалось, что чем больше блинов хозяйка испечет, чем разнообразнее и изобильнее накрыт стол на Масленицу, тем богаче и счастливее будет весь предстоящий год.
Масленицу отмечают в течение всей недели перед Великим постом. Седьмой день Масленицы – воскресенье, называется у христиан Прощеным. Существует большое количество традиций, связанных с этим особым днем. В этот день верующие просят друг у друга прощения, очищая таким образом свою душу.

В древности было принято провожать зиму шумно и весело. Праздник отмечали массовыми гуляньями и весельем: шумными играми, хороводами и песнями; кто-то катался с горки на санках, другие – играли в догонялки и кидались снежками. В конце дня люди сжигали чучело Масленицы, сделанное из соломы и ненужных тряпок. Делали это большой толпой на одной из главных площадей деревни или города. В старорусской традиции сжигание Масленицы символизирует проводы зимы, обновление, начало весны. Именно сжигание Масленицы символизирует в старорусской традиции проводы зимы, обновление, начало весны.

Сегодня, в последний день масленичной недели, в нашей традиционной рубрике «Экспонат в деталях» – серебряное блюдо с откидной крышкой в виде трёх сложенных салфеток, изготовленное фирмой «Никольс и Плинке»1) в 1846 году. Блюдо выполнено в «русском стиле» в виде трёх сложенных салфеток изо льна, расположенных на круглой тарелке с фигурным бортом. Непосредственно самой ёмкостью служит верхняя салфетка квадратной формы, имеющая откидную крышку. Внутри блюда находится специальная вкладка (емкость), чтобы горячая вода, находящаяся между стенками и вкладкой, сохраняла необходимую температуру.

В собрании Государственного Эрмитажа хранятся два аналогичных блюда. Первое было выполнено фирмой И.П. Сазикова в 1849 году, а второе, называемое «блюдом для блинов», выполнено в 1850 году лондонской фирмой «Хант и Роскелл».
Такое же блюдо, происходящее из сервиза великой княгини Екатерины Михайловы, хранится в Государственном историческом музее.

В каталожном описании блюда английского производства отмечено: «Образец блюда «с салфеткой», возможно, первой сделала фирма И.П. Сазикова. Эта идея разрабатывалась и другими предприятиями, причем точное назначение таких блюд не определено, поэтому они называются по-разному: блюдо для трюфелей, коробка для каштанов»2). Тот факт, что модель повторялась разными мастерами, говорит о её востребованности, популярности среди заказчиков. Кроме того, в 1849 году, подобное блюдо экспонировалось на Всероссийской художественной выставке.

https://mus-col.com/events/35334/

Аудио рассказ «История и традиции масленичной недели»

В рубрике «Аудио рассказы» размещен рассказ, повествующий о масленице — традиционном восточнославянском празднике, который отражает вековые традиции, бережно хранимые и передаваемые из поколения в поколение. Это недельный праздник-обряд с хороводами, песнями, плясками, играми, посвященный прощанию с зимой и встрече весны.

Праздник появился на Руси задолго до принятия христианства. Своими корнями он уходит в язычество и связан с днем весеннего равноденствия. Масленица, принятая у всех европейских народов, могла быть приурочена к Новому году, который отмечался в древности не зимой, а весной – в день весеннего равноденствия (21 марта). Так было в Европе, так было и на Руси. Традиция провожать зимние холода существует не только у славянских народов. Например, в Великобритании и Ирландии в конце зимы – начале весны отмечают «Fat Tuesday» (жирный вторник), суть которого сводится к пышному застолью. Во франкоязычных странах именно в это время проходит грандиозный карнавал «Mardi gras» (последний день карнавала). Его участники наряжаются в костюмы и угощаются вином с крепами (crêpes) – братьями-близнецами блинов.

Большая часть обрядов уже давно утратила свое ритуальное значение и стала носить развлекательный характер, а Масленица, по-прежнему, символизирует собой рубеж зимы и весны, сытую веселую жизнь в течение масленичной недели.

На обложке: Икорница (маслёнка) в форме кадушки, со съёмной крышкой. Императорский стеклянный завод. Россия, Санкт-Петербург. Середина XIX века.

https://mus-col.com/music-library/groups.php

Музейные истории: рассказ о жизни легендарного Энрико Карузо

Энрико Карузо – великий певец, имя которого, без сомнений, известно во всем мире. Э. Карузо – один из выдающихся представителей итальянского бельканто, легендарный оперный артист. Он обладал исключительным по красоте голосом и виртуозным вокальным мастерством. Глубоко и сильно выражая человеческие чувства и страсти, создавая драматически насыщенные трагедийные образы, певец достигал высокой выразительности и остроты характера роли. Его чарующий голос – образец высочайшего музыкального мастерства.

Уже завоевав мировую славу, Карузо в 1903 году стал солистом Нью-Йоркской «Метрополитен опера» и продолжал гастролировать в лучших театрах Америки и Европы. В его репертуаре было представлено более восьмидесяти опер; чаще всего певец обращался к творчеству итальянских авторов (Г. Доницетти, Д. Верди, Д. Пуччини, П. Масканьи). Украшением концертных программ Энрико Карузо были неаполитанские песни. Карузо дважды попадал в знаменитую книгу рекордов Гиннеса – как самый высокооплачиваемый в мире оперный певец и как первый в истории грамзаписи исполнитель, чьи пластинки разошлись миллионным тиражом.

В день рождения Энрико Карузо – величайшего певца, «короля бельканто», обладателя голоса объемом в 2,5 октавы, предлагаем вашему вниманию выпуск цикла «Музейные истории», в котором рассказывается о малоизвестных подробностях его жизни и творчества.

В разделе «Скульптура» коллекции музея «Собрание» представлен скульптурный портрет Энрико Карузо в роли Дика Джонсона в опере Джакомо Пуччини «Девушка с запада» (итал. «La Fanciulla del West»). Премьера оперы состоялась 10 декабря 1910 года в театре «Метрополитен Опера», Нью-Йорк. Дирижировал Артуро Тосканини. Карузо исполнял роль Дика Джонсона (Рамереса). Скульптура была создана в 1912 году.

На обложке: Энрико Карузо в роли Дика Джонсона в опере «Девушка с Запада» Дж. Пуччини. Паоло Трубецкщй. США. 1912 г.

https://mus-col.com/events/33463/

Лекция «Эпоха фотографии: история светописи»

Фотография сопровождает нашу повседневную жизнь уже почти два столетия. И если сейчас фотосъёмка занимает доли секунды, то в начале ХIX века это был долгий и трудоемкий процесс. В ходе лекции мы отправимся в путешествие во времени: начнём рассказ с начала эпохи фотографии. Обсудим направления развития фотографии и печати, существовавшие в разное время, удивимся идеям и решениям, сопровождавшим эволюцию фотографического искусства на протяжении двухсот лет.


Записаться на лекцию можно на сайте музея «Собрание» в разделе «Лекторий».

Продолжительность лекции 60 минут.
Обращаем ваше внимание, что посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано.

https://mus-col.com/contacts/lectures.php

День защитника отечества. Альбом «Военный портсигар XIX века»

День защитника Отечества ежегодно отмечается 23 февраля. Праздник был установлен в РСФСР в 1922 году как «День Красной армии», позже получил название «День Советской армии и Военно-морского флота», а с 1995 года отмечается как «День защитника Отечества» — один из дней воинской славы России.

Предшественником праздника можно считать день в честь георгиевских кавалеров. В 1769 году Екатерина II учредила орден Святого Георгия Победоносца для награждения воинов за доблесть и отвагу. В XIX веке царская семья часто дарила особо отличившимся солдатам памятные подарки, среди которых были портсигары — символические знаки внимания и признания.

Портсигары конца XIX — начала XX века нередко становились наградными или именными. Они украшались драгоценными металлами, камнями и символами, связанными с военной службой. Например, портсигар фирмы К. Фаберже с якорем и монограммой, принадлежавший, вероятно, цесаревичу Алексею Александровичу, генерал-адмиралу России. Другой портсигар украшен сценой с миноносцем «Стерегущий», экипаж которого героически затопил судно во время Русско-японской войны, чтобы не сдаться врагу.

В годы Первой мировой войны ювелиры стали создавать портсигары из более доступных материалов, чтобы поддержать армию. Некоторые из них украшались символами Российского общества Красного Креста или гербом Российской империи. Царская семья вручала такие портсигары офицерам и солдатам за проявленную храбрость и самоотверженность.

Особый интерес вызывают портсигары, принадлежавшие рядовым и младшим офицерам. Они украшались ювелирными накладками с вензелями, памятными датами, изображениями наград и элементами личной символики. Такие предметы часто несли мемориальный характер, раскрывая судьбу их владельцев — их службу, увлечения и жизненные события. Многие верили, что портсигары с изображениями подков, амулетов или животных приносили удачу на фронте.

Военные портсигары — не только образцы ювелирного искусства эпохи Николая II, но и уникальные исторические документы. Они сохраняют память о солдатах, их подвигах и личных историях, напоминая нам о людях, сражавшихся в войнах начала XX века.

Альбом «Военный портсигар XIX века» размещён в Фотогалерее музея, где можно подробнее ознакомиться с этими уникальными экспонатами.

Поздравляем с Днём защитника Отечества! Желаем крепкого здоровья, мира, благополучия и уверенности в завтрашнем дне. Пусть мужество, сила духа и верность своим принципам всегда ведут вас к победам, а рядом будут поддержка близких и уважение окружающих!

https://mus-col.com/gallery/list.php?section=5529

Всемирный день экскурсовода. История и традиции праздника

Возникновение экскурсионного дела в России относят к концу XVIII – началу XX веков, когда появились первые школьные экскурсии. Уставы образовательных заведений рекомендовали устраивать выезды на природу, а также посещения мануфактур и других предприятий. Во второй половине XIX века школьно-экскурсионное дело получило поддержку официальных властей. В 1899 году при Педагогическом обществе в Санкт-Петербурге была создана «Комиссия по организации общеобразовательных экскурсий». Этот период также стал временем формирования теории музейного дела в России. Начали появляться экскурсионные организации и курсы по подготовке и проведению экскурсий. Значительный толчок к развитию экскурсионной деятельности дал циркуляр министра народного просвещения от 2 августа 1900 года, которым отменялись летние каникулярные работы учеников. Вместо этого начальникам учебных заведений рекомендовалось организовывать для учащихся оздоровительные прогулки и путешествия в период каникул.

Стихийно развивавшаяся экскурсионная работа в учебных заведениях постепенно начала получать теоретическую базу. К концу 1900-х годов в различных изданиях стали появляться статьи о теории экскурсоведения. В 1910-е годы начали выходить специализированные журналы, посвящённые экскурсионному делу: “Экскурсионный вестник” в Москве, “Русский экскурсант” в Ярославле и “Школьные экскурсии и школьный музей” в Бендерах Бессарабской губернии. В 1920-х годах открывались инструкторские экскурсионные станции, а законодательные акты, регулирующие деятельность экскурсионных учреждений, появились в 1970-х годах.

На международном уровне экскурсоведение стало развиваться с 1985 года, когда состоялась первая Международная конвенция экскурсоводов. На ней была основана Всемирная федерация ассоциаций экскурсоводов (WFTGA), по инициативе которой появился праздник – Всемирный день экскурсовода (International Tourist Guide Day). Его цель — подчеркнуть важность и значимость работы экскурсоводов и повысить информированность общества об этой профессии. Впервые праздник отметили 21 февраля 1990 года, и с тех пор он проводится ежегодно.

В этот день принято поздравлять экскурсоводов — сотрудников музеев, туристических агентств и других учреждений, где проводятся экскурсии. День экскурсовода — отличный повод для организации профессиональных мероприятий: конференций, семинаров и круглых столов, где специалисты могут обменяться опытом, обсудить насущные вопросы и перспективы развития экскурсионного дела. Также в этот день традиционно награждают экскурсоводов грамотами, дипломами и премиями.

Экскурсоводы — это увлечённые и творческие люди, настоящие знатоки истории, культуры и искусства, готовые делиться своими знаниями с внимательными слушателями. Однако, помимо глубоких знаний, экскурсоводу необходимы и личные качества: коммуникабельность, артистизм, умение найти подход к разным людям. Также важны знания психологии и педагогики, ведь экскурсовод — это не просто рассказчик, а проводник в мир истории и культуры.

Поздравляем всех экскурсоводов с праздником! Желаем творческих успехов, профессионального роста и благодарных слушателей! А мы подготовили для вас небольшой видеоролик, в котором представляем наших замечательных экскурсоводов.

https://mus-col.com/events/23891/

К 190-летию Михаила Микешина

Михаил Осипович Микешин (1835–1896) — русский живописец, график и скульптор, яркий представитель петербургского академизма и одна из ключевых фигур монументальной скульптуры пореформенной эпохи. Его творчество оставило заметный след в культурной истории России, а созданные им памятники до сих пор украшают площади и улицы российских городов. Наибольшую известность ему принес монумент «Тысячелетие России» в Великом Новгороде — символ величия русской истории и одно из самых значимых произведений в отечественной монументальной скульптуре.

Будущий художник родился в городе Рославль и с ранних лет проявил интерес к искусству. Первые навыки он получил у местного иконописца Тита Андронова, а после окончания трёхклассного училища работал чертежником на строительстве Московско-Варшавской железной дороги. Именно там его заметил меценат Александр Вонлярлярский, который профинансировал обучение талантливого юноши в Императорской Академии художеств. В 1852 году Микешин поступил в Академию, где обучался батальной живописи у Богдана Виллевальде. Уже на первом курсе его работа «Лейб-гусары у водопоя» была удостоена серебряной медали и приобретена Николаем I для царской коллекции.

С 1859 года Микешин все больше сосредоточился на скульптуре и графике. Победа в конкурсе на создание памятника «Тысячелетие России» стала поворотным моментом в его карьере. Открытие монумента в 1862 году принесло художнику всероссийскую славу, орден Святого Владимира IV степени и пожизненную пенсию. В дальнейшем он создал проекты значимых памятников, включая монумент Екатерине II в Петербурге, памятник адмиралу А.С. Крейгу в Николаеве и Богдану Хмельницкому в Киеве.

Микешин сочетал в своих произведениях элементы академизма, реализма и натурализма. Его работы отличались эклектичностью и насыщенностью деталями, что придавало им выразительность, но нередко вызывало критику за перегруженность и избыточную сложность композиции.

Помимо монументальной скульптуры, Микешин активно занимался книжной и журнальной графикой. Он сотрудничал с изданиями «Русская летопись», «Русская старина», «Петербургская жизнь» и иллюстрировал произведения Н.В. Гоголя. Также он выступал редактором и издателем сатирических журналов «Маляр», «Пчела» и «Русь», публикуя в них собственные карикатуры и иллюстрации.

Личная жизнь Михаила Осиповича сложилась счастливо. Он прожил почти 30 лет в браке с любимой женой и воспитал сына Бориса, который, хотя и не имел академического образования, продолжил дело отца и стал известным скульптором-самоучкой.

Михаил Микешин скончался в 1896 году в Петербурге. После его смерти в Москве и Нижнем Новгороде прошли мемориальные выставки, а его произведения пополнили коллекции крупнейших музеев страны, включая Государственную Третьяковскую галерею, Государственный Русский музей и ГМИИ имени А.С. Пушкина.

Михаил Микешин занимает особое место в истории русского искусства второй половины XIX века. Его творчество, воплощающее дух времени и стремление к монументализации исторической памяти, до сих пор остается ярким примером мастерства русского монументального искусства.

https://mus-col.com/events/36932/

Флюорит – один из камней талисманов февраля

Флюорит, известный также как плавиковый шпат, — удивительный минерал, завораживающий многообразием цветов и необычной историей. Чистый флюорит прозрачен и бесцветен, но благодаря примесям может окрашиваться в фиолетовый, зелёный, жёлтый, голубой, розовый и другие оттенки, часто сочетая их в одном кристалле, создавая причудливые узоры.

В Средние века этот камень пугал и завораживал одновременно. Алхимики, наблюдая свечение флюорита при нагревании и ощущая выделяемый им неприятный запах, называли его "Lapis diaboli" — «камень Дьявола». Лишь в XVI веке немецкий учёный Георгий Агрикола, изучая свойства минерала, обнаружил, что добавление раздробленного флюорита в металлургические печи облегчает и ускоряет плавление руды. Это открытие не только развеяло мистические страхи, но и дало камню его современное название — от латинского "fluere" («течь»).

Позднее, в 1852 году, флюорит «подарил» название явлению флуоресценции — способности светиться в темноте после воздействия ультрафиолета, что стало возможным благодаря примесям в его структуре.

Флюорит часто использовался как «двойник» драгоценных камней: его насыщенные оттенки и яркий блеск напоминали аметист, сапфир или изумруд, и нередко флюорит выдавали за эти более ценные самоцветы. В то же время, уникальная цветовая палитра флюорита не имеет аналогов в мире минералов: один камень может переливаться всеми цветами радуги.

Минерал востребован не только в ювелирном деле, где из него изготавливают браслеты, кулоны, шкатулки и фигурки, но и в промышленности — от металлургии и стекольного производства до атомной энергетики и медицины, где его применяют в гомеопатии как фтористый кальций.

Основные месторождения флюорита находятся в Германии, Турции, Италии, Монголии, Норвегии, Северной Америке, Средней Азии и России — Читинская область, Приморский край, Северный Кавказ, Якутия. Особенно ценятся ювелирные и коллекционные образцы из Китая.

Флюорит издавна считался магическим камнем, раскрывающим творческий потенциал и помогающим в сложных жизненных ситуациях. Оценить красоту и уникальность изделий из этого минерала можно в разделе «Изделия из камня и кости» коллекции музея «Собрание» — приглашаем вас познакомиться с ними в нашем новом тематическом альбоме!

https://mus-col.com/events/34828/

Музыкальная подборка к 155-летнему юбилею Леопольда Годовского

Леопольд Годовский - американский пианист-виртуоз и композитор, автор транскрипций на этюды Шопена и пьесы французских клавесинистов.

Годовский активно занимался педагогической деятельностью. В педагогической практике сформировались его технические принципы, которые он будет исповедовать всю свою жизнь: «весовая игра», мышечная свобода и экономия движений.

Леопольд Годовский постоянно концертировал. В зените своей карьеры он владел поистине необъятным репертуаром, включающим около двадцати программ, в которых ни одно сочинение не повторялось. Везде, где бы он не обосновывался (Нью-Йорк, Берлин, Вена), его дом становился центром притяжения для самых выдающихся представителей художественного мира. Он поддерживал Эдварда Грига и Яна Сибелиуса, дружил с Иосифом Гофманом, Фрицем Крейслером, Теодором Лешетицким, Сергеем Рахманиновым.

К 155-летнему юбилею Леопольда Годовского мы подготовили музыкальную подборку, составленную из произведений, исполненных пианистом и записанных на музыкальных носителях, хранящихся в музее «Собрание».

Биография Леопольда Годовского – в разделе «АВТОРЫ».

https://mus-col.com/events/21947/

Органный концерт «От Баха до Оффенбаха» в музее «Собрание»

День всех влюбленных, хоть и не считается официальным праздником, отмечается во многих странах мира, где-то его празднуют широко, а где-то весьма скромно.
В этот романтический праздник, символизирующий скорый приход весны, предлагаем всем, кто влюблён в музыку, посмотреть видеозапись органного концерта, который прошел в музее «Собрание» в конце января.

Проект организован совместно с благотворительным Фондом «Бельканто».

Запись концерта – в Видеоархиве музея «Собрание». https://mus-col.com/the-video-archive/groups.php?section=6700


На обложке: The Orchestrelle Company Орган «Aeolian Pipe Organ». Лондон, Великобритания. 1913 г.

Орган состоит из двух основных частей – корпуса из красного дерева с комплектом органных труб, и выносного пульта со скамьёй. Нижняя часть корпуса декорирована филенчатыми панелями, фасад верхней части разделен на три акустических окна, затянутых желто-зеленой тканью. Окна закрывают позолоченные декоративные, «слепые» трубы. В оформлении верхней части корпуса использованы пилястры с ионическими капителями. Лабиальные органные трубы собраны в четырнадцать регистров – пять нижних регистров закрытых деревянных труб и девять средних и верхних регистров открытых металлических труб. В пульте – два мануала по шестидесяти одной клавише и ножная клавиатура с тридцатью клавишами. Справа и слева от мануалов расположены вертикальные ряды переключателей регистров, под клавишами кнопки управления громкостью. Над мануалами ряд регуляторов и переключателей. Трактура органа электрическая. В верхней части пульта находится электропневматическое устройство воспроизведения бумажных программных перфолент шириной 286 мм. В автоматическом режиме считывание информации происходит с помощью духовой линейки со 116-ю отверстиями в двух рядах. Сигналы пневматической системы преобразуются в электрические сигналы, управляющие органными трубами. Управление нюансами исполнения осуществляется вручную, в соответствии с указаниями на перфоленте. Пульт соединяется с блоком труб с помощью многожильных кабелей. В комплект входит 473 перфоленты.

ПРОГРАММА КОЦЕРТА «ОТ БАХА ДО ОФФЕНБАХА»

Лауреаты международных конкурсов
Татьяна Ланская (сопрано), Алексей Морозов (флейта), Ксения Свириденко (орган)

Первое отделение
Д. Букстехуде (1637-1707) Чакона ми минор
Г.Ф. Гендель (1685-1759) Ария «Tu del Ciel ministro eletto» из оперы «Триумф времени и разочарования»
И.С. Бах (1685-1750) Менуэт и Шутка из оркестровой сюиты №3
П. Масканьи (1863-1945) Интермеццо из оперы «Сельская честь»
Р. Ан (1874-1947) «Хлоя»
Г. Пёрселл (1659-1695) Рондо из драмы «Абделазар»
Г. Пёрселл (1659-1695) Music
Ф. Шуберт (1797-1828) Серенада



Второе отделение
И. С. Бах (1685-1750) «Et Misericordia» из Магнификата
Л. Боэльман (1862-1897) «Готическая сюита»: Токката
Х. В. Глюк (1714-1787) Мелодия из оперы «Орфей и Эвридика»
Э. Григ (1843-1907) «В Пещере горного короля»
Э. Эшенвалдс ( р. 1977) «O Salutaris!»
И.С. Бах (1685-1750) Хоральная прелюдия «In Dir ist Freude»
Г. Ф. Гендель (1685-1759) Ария «In den angenehmen Buschen» из сборника «Девять немецких арий»
Ж. Оффенбах (1819-1880) Баркаролла

Анонс: лекция «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла»

Продолжает работу Лекторий музея «Собрание».
13 февраля, в четверг – наш традиционный лекционный день, в 18:00 состоится лекция «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла».

На лекции вы познакомитесь с работами двух выдающихся новаторов и блистательных мастеров стекольного дела Эмилем Галле и Рене Лаликом. На примерах шедевров из коллекции музея «Собрания» в лекции рассматриваются материалы и технологии производства художественного стекла, изобретенные талантливыми художниками, чьи достижения определили вектор развития стекольного дела.

Зарегистрироваться на лекцию «Эмиль Галле и Рене Лалик: магия стекла», можно на сайте музея, в разделе «Лекторий».

https://mus-col.com/contacts/lectures.php

Читает Василий Качалов. Подборка к 150-летнему юбилею актера

Один из ведущих актеров труппы Московского художественного театра Василий Качалов покорил зрителей удивительной пластикой и голосом с завораживающим тембром и богатой интонацией. Василий Качалов играл в пьесах Чехова, Горького, Андреева, Шекспира, Ибсена, Гамсуна, Л. Толстого, Островского, Гауптмана, не имея приверженности какому-либо одному актерскому амплуа. Много выступал с художественным чтением на концертах, превращая свое выступление в особый спектакль, где он был одновременно актером и режиссером. Сохранились записи голоса Качалова, сделанные на радио.

В подборке, размещенной в Фонотеке музея «Собрание», можно послушать записи голоса Василия Качалова, сделанные в разные годы его жизни.
Это стихотворение В. Маяковского «Во весь голос», отрывок из романа Л.Н. Толстого «Воскресение», монолог Сатина из IV действия пьесы «На дне» Максима Горького и монолог Бориса из драмы «Борис Годунов» А.С. Пушкина, а также стихотворение «Брожу ли я вдоль улиц шумных…» А.С. Пушкина.

Биография В.И. Качалова размещена в разделе «Авторы/Производители».

https://mus-col.com/events/30752/

Рассказ о русской эмали в нашей постоянной рубрике «Аудио рассказы»

Сегодня в новом выпуске нашей рубрике «Аудио рассказы» – рассказ о русской эмали, об истории её появления и о технических приемах её нанесения, об известных мастерах, создававших шедевры эмальерного дела.

В подразделе коллекции музея «Русская эмаль» представлены замечательные образцы русского эмальерного искусства XVII – начала XX веков. Все экспонаты коллекции отличает безупречная цветовая палитра, филигранность отделки и разнообразие декоративных приемов. Созданные как неизвестными мастерами, так крупнейшими художниками и ведущими ювелирными предприятиями, предметы коллекции показывают уровень развития эмальерного дела, богатство художественного языка мастеров-эмальеров и их стилистические предпочтения.
Эмальерные техники, применявшиеся в декоративно-прикладном искусстве для декорирования всевозможных изделий из металла – особая страница в истории ювелирного искусства. Шкатулки, табакерки, чайные сервизы и другие предметы, украшенные эмалью, превращались в сокровища, а мастера, создававшие эти шедевры, получали мировое признание.

Русская эмаль – особая страница художественной культуры и поистине уникальное явление в мировой истории ювелирного дела. В изделиях, украшенных эмалью, нашли воплощение национальный характер, исторические традиции и уникальные достижения отечественных мастеров. Каждый мастер обладает особым почерком и стремится к осмысленному выбору сюжетов и цветовых решений.

Самые древние металлические находки, покрытые декоративной эмалью, и найденные на территории Древней Руси датируются X – началом XIII века. Художественную эмаль в то время называли финифтью, от греческого слова «фингитис», которое переводится как «светлый, блестящий камень». Традиции перегородчатой и выемчатой эмали русские мастера заимствовали у византийцев. Этими техниками, как правило, украшали изделия из золота, реже – из серебра. От кельтов на Древнюю Русь пришла техника эмали по литью. Её обычно использовали на бронзе или меди. Крупнейшие центры эмалирования находились в Киеве, Чернигове, Галиче, Владимире, Рязани, Новгороде.

К XIX веку ведущими центрами изготовления эмали стали Москва, Ростов Великий и Санкт-Петербург. В середине этого столетия начинается новый виток развития русской эмали, связанный с повышением интереса к древнерусским традициям. Появляется своеобразный «русский стиль», яркой чертой которого становится новая волна популярности эмали по скани. Эмалевое производство становится массовым и теперь доступно различным слоям русского общества. Новый этап развития художественной эмали был связан с деятельностью ювелирных фирм, которые расширили ассортимент изделий с эмалью благодаря использованию достижений химии и возникновению новых эмальерных технологий, которые позволили перейти к промышленному изготовлению изделий с эмалью.

Среди самых известных российских фирм, занимавшихся ювелирным делом на рубеже XIX-XX веков, можно назвать фабрики братьев Грачевых, Немирова-Колодкина, Овчинникова П.А., Сазикова И.П., Фаберже К. и др. Они, а также мелкие ювелирные мастерские и артели активно изготавливали разнообразные изделия с художественной эмалью. Свой вклад в производство изделий с эмалью вносили и мелкие ювелирные мастерские и артели.

Развитие искусства нанесения эмали быстро превратило ее в самостоятельный декоративный элемент бытового изделия или украшения. Если раньше эмалевые вставки лишь подчеркивали рельеф металла или красоту вставок из декоративных камней, то уже в XVIII веке они стали основным украшением, которое не требовало дополнения или усиления с помощью других технологий.

https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=3771

Экспонат в деталях: музыкальные часы с четвертным боем и календарем

8 февраля ежегодно отмечается День российской науки – праздник, установленный указом Президента Российской Федерации 7 июня 1999 года. Его история восходит к XVIII веку, когда Пётр I уделил особое внимание развитию образования и науки. По его указу 8 февраля 1724 года была основана Российская Академия наук и художеств – уникальное учреждение, объединяющее научную деятельность, просвещение и образование.

На протяжении трёх столетий Академия переживала различные эпохи – от Российской империи до современности. Несмотря на политические изменения, её главная миссия оставалась неизменной: поиск научных истин и служение отечеству. Сегодня 8 февраля учёных чествуют на государственном уровне – проходят торжественные мероприятия, присуждаются награды и выделяются гранты на новые исследования.

Наука неразрывно связана с материальным наследием. С 1992 года в России действует программа «Памятники науки и техники», в рамках которой статус памятника присваивается значимым техническим и научным объектам. На сегодняшний день в этот список включены более 1645 предметов из 127 российских музеев.

В декабре 2024 года музей «Собрание» представил на Экспертный Совет Политехнического музея пять экспонатов из коллекции «Музыкальные механические инструменты и предметы», которые получили статус «Памятник науки и техники».

Одним из уникальных экспонатов, получивших этот статус, стали «Часы настенные музыкальные с четвертным боем и календарем», изготовленные около 1750 года. Этот редкий экземпляр представляет собой сложный механический прибор, сочетающий точное времяизмерение и музыкальное сопровождение. Часы были созданы известным британским мастером Джозефом Филлипсом из Бристоля, что подтверждает надпись на циферблате: «Joseph Phillips in Easttown by Bristoll». Они предназначались для размещения в королевской приёмной, как гласит пластина с соответствующей гравировкой: «To be placed in the King's Ante Room».

Часы заключены в корпус из дуба с изысканным декором: на фронтоне расположен резной позолоченный герб города Бристоля, боковые стороны украшены ажурными дверцами с внутренней отделкой из красной ткани. Центральное место занимает циферблатное поле с богатым орнаментом в виде купидонов и цветочных гирлянд, а литые золотистые накладки придают часам особую изысканность.

Техническое устройство часов представляет собой сложный многофункциональный механизм:
- Индикация времени – часы, минуты, секунды, а также день месяца
- Четвертной бой – каждые 15 минут звучит определённый вид перезвона на шести колокольчиках
- Часовой бой – по крупному колоколу, с отдельным механизмом счета
- Репетир – механизм повтора звучания боя
- Календарь – отображение текущей даты
- Музыкальный механизм – карильон из восьми колокольчиков, который каждые четыре часа воспроизводит мелодию, записанную на программном валике

Этот музыкальный элемент делает часы не просто измерительным прибором, а полноценным художественным объектом. Каждый четвертый час раздаётся мелодия, закодированная на металлическом программном валике, что придаёт устройству особую ценность как с технической, так и с эстетической точки зрения.

Подобные сложные часы с музыкальными механизмами во второй половине XVIII века изготавливались в Бристоле – богатом портовом городе, который был важным центром британской торговли. Такие изделия украшали дома состоятельных людей и официальные залы присутственных мест. Отличительной чертой этих механизмов была не только безупречная точность хода, но и сложность конструкции, требующая исключительного мастерства при сборке и настройке.

Благодаря программе «Памятники науки и техники» этот редкий экземпляр получил заслуженное признание как значимый объект исторического и научного наследия. Музей «Собрание» продолжает эту традицию, сохраняя уникальные артефакты, которые помогают нам лучше понять прошлое и ценить достижения науки и техники.

https://mus-col.com/events/36868/

Эволюция чернил: от древности до современности

История чернил берет свое начало с первых попыток человека зафиксировать мысли и наблюдения. Долгое время чернила существовали как отдельный от пишущего инструмента материал и хранились в специальных ёмкостях — чернильницах, куда макали кончик пера или тростинки.

Название «чернила» в русском языке связано со словом «чёрный», однако уже с древности использовались чернила самых разных оттенков. В Древнем Египте для письма на папирусе применялись чернила на основе угольной пыли и сока галловых растений. В Китае чернила были гуще и известны как «тушь» — они создавались из сажи, смолы и животного клея. В античной Греции и Риме чернила изготавливали на основе сажи, графита и масел.

Примерно в XII веке в Европе появились железо-галловые чернила. Они изготавливались из чернильных орешков, железного купороса и гуммиарабика, а их оттенок зависел от состава — от коричневого до насыщенного черного. Эти чернила широко использовались вплоть до XIX века.

В эпоху Нового времени произошли значительные изменения в технологии изготовления чернил. Масляные чернила получали путем нагревания масла и добавления различных пигментов. Красный оттенок давал кармин, оранжевый — сиена, синий — индиго. В конце XIX века профессор Кристиан Леонгарди изобрел ализариновые чернила с глубоким и насыщенным цветом, но их стремительное загустение усложняло использование. Позднее появились искусственные красители, а в XX веке — синтетические чернила, которые стали дешевыми и удобными в производстве.

Во все времена в состав чернил входили три основных компонента:
– растворитель или дисперсная среда;
– красящее вещество (пигмент в случае пигментных чернил);
– модификаторы, влияющие на вязкость, стойкость, консистенцию и срок хранения.

Современные чернила значительно отличаются от своих предшественников. Сегодня это многокомпонентные жидкости, включающие от четырех до двадцати элементов. В зависимости от назначения чернила различаются по составу: одни используются в принтерах, другие подходят для шариковых, гелевых и перьевых ручек.

Выставка «Почерк времени» в музее «Собрание»

На выставке представлены изысканные письменные приборы XVIII–XIX веков, созданные лучшими мастерами-ювелирами того времени, такими как Карл Фаберже, Братья Грачёвы, Павел Буре, И.П. Сазиков, И.П. Хлебников. В ходе экскурсии посетители смогут увидеть широкий спектр кабинетных аксессуаров: от перьевых ручек и чернильниц до визитниц и марочниц, а также узнать больше о русской эпистолярной культуре конца XIX – начала XX века.

Выставка проходит на двух уровнях экспозиции музея. Записаться на экскурсию можно на сайте музея в разделе «Контакты». Продолжительность программы — 1 час.

https://mus-col.com/events/36894/

150 лет со дня рождения Фрица Крейслера

Фриц Крейслер — один из величайших скрипачей XX века, чьё имя стало символом утончённости, романтизма и неповторимого исполнительского стиля. Его манера игры сочетала виртуозность с удивительной лёгкостью, элегантность с искренностью, а звук его скрипки был наполнен теплом и мягкостью, создавая тот самый «тающий» тон, ставший визитной карточкой венской скрипичной школы. Крейслер не просто исполнял музыку — он вдохновенно пересказывал её, наполняя каждое произведение индивидуальным настроением и неподражаемым обаянием.

Музыкальный путь Крейслера начался рано: уже в семь лет он поступил в Венскую консерваторию, став её самым юным студентом. Вскоре он совершенствовал мастерство в Парижской консерватории, а затем отправился в концертное турне по США. Однако первый успех был сдержанным, и Крейслер на некоторое время оставил музыку, изучая медицину и даже служа в армии. Лишь в 1899 году, после триумфального выступления с Берлинским филармоническим оркестром, он по-настоящему заявил о себе как о великом мастере. В последующие десятилетия Крейслер покорил Лондон, Париж, Нью-Йорк и другие мировые сцены, став одной из самых ярких фигур скрипичного искусства.

Но Крейслер был не только выдающимся исполнителем, но и талантливым композитором. Он создал множество произведений, вдохновлённых венской музыкальной традицией: «Радость любви», «Прекрасный розмарин», «Китайский тамбурин» и другие стали настоящими хитами, которые до сих пор звучат в исполнении ведущих скрипачей мира. Особое место в его творчестве занимают музыкальные мистификации — произведения, которые он намеренно приписывал композиторам прошлых веков, таким как Гаэтано Пуньяни и Джузеппе Тартини. Когда в 1935 году Крейслер признался в их авторстве, это вызвало настоящий скандал в музыкальном мире, но в конечном итоге лишь подтвердило его гениальность.

Жизнь Крейслера была полна драматических событий. Во время Первой мировой войны он служил в австрийской армии и получил ранение, после чего переехал в США. В 1938 году, спасаясь от нацистских настроений в Европе, он вновь эмигрировал в Америку, где принял гражданство. Несмотря на тяжёлую автокатастрофу в 1941 году, он продолжал концертную деятельность, пока ухудшающееся здоровье не заставило его уйти со сцены. Последние годы Крейслер провёл в уединении в Нью-Йорке, оставив миру не только свои записи, но и богатое композиторское наследие.

В честь 150-летия со дня рождения Фрица Крейслера в Фонотеке музея представлена музыкальная подборка его произведений — как авторских, так и виртуозно исполненных им самим. Приглашаем вас познакомиться с уникальным наследием этого великого музыканта и насладиться звучанием его волшебной скрипки!
https://mus-col.com/events/33315/

Международный День ювелира в музее «Собрание»

31 января отмечается профессиональный праздник – международный День ювелира. Ювелирное дело – это искусство обработки драгоценных материалов и изготовления украшений, разновидность декоративно-прикладного искусства. Его история уходит в далекое прошлое. Люди издавна украшали себя, изготавливая из ракушек, клыков, камней подвески, бусы и браслеты. Затем материалом для украшений стали металлы: метеоритное железо, медь, бронза, золото, серебро, платина. В разные эпохи создавались украшения, присущие именно этому времени, что находило отражение в выборе материала, способах его обработки, технике и языке художественных форм.

В коллекции музея «Собрание» представлены изделия русских и европейских мастеров ювелирного искусства, которые создавали не только украшения, но и изысканные предметы бытового обихода. Эти изделия изготавливались из различных материалов – драгоценных металлов, фарфора и слоновой кости, поделочных камней, стекла и керамики. Они украшались резьбой, чеканкой, гравировкой, могли быть покрыты эмалью и инкрустированы драгоценными камнями. Это были самые разные бытовые предметы – карманные несессеры, флаконы для духов и ароматических солей, папиросницы, мундштуки, трости, печати и разнообразные настольные безделушки.

К международному Дню ювелира мы подготовили тематический альбом, в котором представлены ювелирные изделия бытового обихода из коллекции музея «Собрание», изготовленные известными ювелирными мастерскими и компаниями.

В разделе «Авторы/Производители» размещены биографии всемирно известных мастеров золотого и серебряного дела и истории создания ювелирных компаний, фабрик и мастерских. Среди них фирма «Фаберже», фирма «Болин», мастерская золотых и серебряных изделий М. Перхина, фирма И.П. Хлебникова, фабрика по производству серебряных, эмалевых изделий Ф. Рюкерта, мастерская Ю.А. Раппопорта, Фирма Ф. Лорие, ювелирная фирма «Сазиков», фабрика братьев Грачевых и другие.

06 февраля, в четверг – наш традиционный лекционный день, приглашаем вас
на лекцию «Карл Фаберже: ювелирных дел менеджер». Лектор Ольга Меликьян

Как небольшая мастерская стала создавать предметы для императорской семьи? Чем выделялся управленческий подход Карла Фаберже? Какие особенности работы с материалами принесли Фаберже всемирную известность?
Эти и другие вопросы мы обсудим на лекции, посвящённой Карлу Фаберже и его времени.

Начало лекции в 18:00. Продолжительность 60 минут.

Зарегистрироваться на лекцию можно на сайте музея, в разделе «Лекторий».
https://mus-col.com/contacts/lectures.php

Год Деревянной Змеи: мудрость, обновление и гармония

Китайский Новый год — это не просто смена даты, а настоящее торжество жизни, традиций и семейных ценностей. Он отмечается уже более 3,5 тысяч лет, объединяя миллионы людей по всему миру. В отличие от европейского Нового года, китайский праздник следует лунному календарю, поэтому его дата меняется ежегодно. В 2025 году его будут встречать 29 января, открывая Год Деревянной Змеи.

Восточный гороскоп основан на 12-летнем цикле животных и 5 стихиях — Металл, Дерево, Вода, Огонь и Земля. Они формируют 60-летний цикл, где каждый год сочетает определённое животное и его стихию. В 2025 году хозяйкой года станет Змея, а её стихией — Дерево, связанное с гармонией, ростом и обновлением.

Змея в китайской культуре — символ мудрости и рассудительности. Она не действует импульсивно, а тщательно продумывает свои шаги. Её характерные качества — терпение, умение адаптироваться и стремление к знаниям. Деревянная Змея действует четко и безошибочно, концентрируясь на достижении своих целей.

В Китае есть понятие «Benmingnian» – это так называемый Год Судьбы, который совпадает со знаком рождения человека. В 2025 году его встретят те, кто родился в год Змеи. Это время больших перемен, важных решений и осознания жизненных приоритетов. Последний раз Год Деревянной Змеи был 60 лет назад, и его возвращение символизирует новый этап в цикле китайского календаря.

Змея — один из древнейших тотемов китайского народа. В мифологии она связана с богиней Нюйва — создательницей человечества, покровительницей брака и спасительницей мира. В Китае до сих пор верят: если змея появилась во дворе, это сулит удачу.

Год Деревянной Змеи обещает быть спокойным, но наполненным важными событиями. Он подходит для развития, построения крепких отношений и достижения поставленных целей.

Познакомьтесь с символом 2025 года!
В Фотогалерее музея представлен тематический альбом с изображениями Змеи, а в рубрике «Аудио рассказы» можно узнать больше о восточном календаре и традициях празднования Китайского Нового года.
https://mus-col.com/events/36618/

Звезды джаза: Стефан Граппелли

Стефан Граппелли (1908–1997) – легендарный скрипач, который изменил джаз, сделав скрипку одним из его выразительных инструментов. Этот невероятный музыкант прожил насыщенную жизнь, оставаясь верным джазу и вдохновляя слушателей по всему миру.

Родился он в Париже в итальянской семье. После потери матери и мобилизации отца мальчик оказался в приюте. Но даже такие обстоятельства не помешали его любви к музыке. В 12 лет отец заложил костюм, чтобы купить ему первую скрипку. Стефан учился играть самостоятельно, вдохновляясь уличными музыкантами, а позже поступил в Парижскую консерваторию. Уже тогда он совмещал учебу с игрой на Монмартре и работой тапёром в кинотеатрах.

Квинтет «Hot Club of France», который Граппелли создал в 1934 году вместе с культовым гитаристом Джанго Рейнхардтом, стал настоящим феноменом. Их первый тираж пластинок был выпущен в 1935 году и принес международное признание. Рейнхардт и Граппелли создавали магию, выступая в сопровождении контрабаса и гитар – без барабанов, но с невероятной энергетикой.

В годы войны Граппелли жил в Англии, где играл с пианистом Джорджем Ширингом, а позже возобновил сотрудничество с Рейнхардтом. Он выступал с лучшими музыкантами своего времени, записывая множество альбомов и создавая уникальные музыкальные комбинации, от свинга до модерн-джаза.

Особый взлет его карьеры начался в 1970-х. Совместная работа с легендарным скрипачом Иегуди Менухиным стала важным этапом. Их дуэты объединили джаз и классическую музыку, а выступления, например, в Карнеги-холле, вызывали бурные овации.

Граппелли оставался активным до конца своей жизни. Даже в 87 лет он выпустил альбом «Live At The Blue Note». В 1997 году маэстро был удостоен Грэмми за достижения всей жизни. Его скрипка стала символом джаза, а он сам – его ярчайшей звездой.

Стефан Граппелли доказал, что джаз может быть лиричным, утонченным и в то же время невероятно энергичным. Он подарил миру новое звучание скрипки, и его музыка до сих пор вдохновляет музыкантов.

К 270-летию со дня основания МГУ: через века и пространства

Московский государственный университет имени М.В. Ломоносова, основанный в 1755 году по инициативе выдающегося ученого Михаила Васильевича Ломоносова и при поддержке Ивана Ивановича Шувалова, стал первой светской образовательной и научной организацией в России. Его создание ознаменовало новый этап в развитии высшего образования, внедряя демократические принципы и делая науку доступной для представителей различных сословий.

Изначально в университете было открыто три факультета: философский, юридический и медицинский. Обучение начиналось с философских дисциплин, которые давали фундаментальные знания в области гуманитарных и естественных наук. Такой подход позволял студентам выбирать дальнейшую специализацию. Прогрессивной особенностью университета стало преподавание на русском языке, что было редкостью для того времени, когда латынь оставалась языком науки.

Созданный как центр образования, МГУ сразу стал местом распространения знаний. Уже в 1756 году при университете открылась первая типография, началось издание газет и журналов, включая «Московские ведомости» и «Полезное увеселение». Университетская библиотека, открывшаяся через год после основания, выполняла функции первой общедоступной библиотеки в Москве, способствуя просвещению широких слоев населения.

В XIX веке университет укрепил свою роль как центра российской науки и культуры. Здесь образовались первые научные общества: Испытателей природы, Истории и древностей российских, Любителей российской словесности. Просветительская и научная деятельность университета способствовала созданию на его базе таких крупных культурных и образовательных учреждений, как Казанский университет, Академия художеств, Малый театр.

Финансирование университета во многом обеспечивалось меценатами и выпускниками. Такие выдающиеся личности, как Демидовы, Строгановы, Е.Р. Дашкова, приобретали для университета научные приборы, книги, учреждали стипендии, а профессора часто завещали свои личные библиотеки. Это не только укрепляло материальную базу университета, но и формировало традицию активной поддержки образования.

Сегодня МГУ — крупнейший классический университет России, символ её науки и культуры. На 40 факультетах и в 15 научных институтах обучаются более 45 тысяч студентов, а около 750 кафедр и лабораторий ведут научные исследования мирового уровня. Университет располагает Научной библиотекой, Ботаническим садом, Научным парком, Медицинским научно-образовательным центром, а также филиалами в Севастополе, Ташкенте, Астане, Баку, Душанбе и Ереване.

МГУ по-прежнему остаётся одним из главных символов преемственности научных традиций, прогресса и служения обществу, соединяя в своей деятельности задачи образования, науки и культуры, вдохновляя студентов и преподавателей на новые достижения.