Тем временем в Школе Родченко продлили до пятницы выставку памяти Владимира Куприянова, где он преподавал.

P.S.
К сожалению, не успеваю попасть, но если вы ещё не были, загляните и поделитесь впечатлениями. Очень любопытно!

Студенты программы арт-менеджмент MSCA успешно продюсируют молодых художников. В галерее ARTMASION выставка Алины Еникеевой.

Переиздали книгу В.В.Бибихина «Дневники Л.Н.Толстого».

Начинает свою первую лекцию В.В.Бибихин так:

В разделе изобразительного искусства ХХ века новой Третьяковки, за исключением может быть только Кандинского, который часто отсутствует (гастролирует), Малевича и примитивистов, после 1917 года почти всё беспросветно. Разрозненность, одиночество, нет обещания, движения, будущего. Крик или жалоба, и больше глухой ужас. Природы в русской живописи уже нет почти совсем с 20-х годов, т. е. с ее уходом глядевшие глубоко художники согласились уже тогда.
Церковь, светская и духовная, осудит этот упадок. Она минует тем самым Христа, чью лямку как может тянет художник. На его стороне захваченность, пусть черным экстазом.

Вопрос об архиве остаётся крайне актуальным в современном искусстве. Как и что сохранять? И, главное, кто в конечном счёте принимает решения о сохранности того или иного объекта, документации и прочего? Встаёт вопрос не только об истории, но и о власти - точнее, о тех, кто принимает решение о включении в репрезентацию истории того, что мы в конечном счёте наблюдаем в тех или иных культурных институциях. Всё, что не попадает в архив, остаётся в пространстве профанного.

«…архив является предпосылкой для существования такой вещи, как история, ведь только при условии, что архив уже существует, может быть осуществлено сопоставление нового со старым, которое производит историю как таковую. Архив — это машина производства воспоминаний, создающая историю из материала незаархивированной реальности. И этот производственный процесс имеет свои законы, которые должны приниматься во внимание всеми его участниками».

Борис Гройс. Под подозрением.

На фото:
Ворд Шелли, Дуглас Паулсон. Архивные горы (Archive Mountains). 2009. Масло, тонированный майлар. Источник: wardshelley.com

…тем временем Арт-Москва идет полным ходом

Тени современности: заметки о расчеловечивании

«Ад — это Другие» — писал Сартр. Но сегодня ад, кажется, в их отсутствии.

1. Человек vs алгоритм
Мы всё реже смотрим в глаза — чаще в экраны. Отношения «человек–человек» замещаются схемой «человек–алгоритм». Как заметил Бодрийяр: «Мы больше не обмениваемся — мы транслируем».

2. Вещь вместо лица
Другой становится функцией: «доставщик», «клиент», «подписчик». Общение, где было Общее, превратилось в коммуникацию вещей — холодных и взаимозаменимых.

3. От волка к бревну
Гоббс считал, что «человек человеку волк». Теперь скорее бревно: индифферентность стала новой нормой

4. Смерть Другого
Левинас видел в Лике Другого основу этики. Но сегодня этот лик растворяется в бесконечной ленте контента. «Тирания Я» (подогретая поп-психологией) добивает остатки эмпатии.

На фото:
Jess. Caesar's Gate XI. 1955

В 1965 году американская танцовщица Ивонн Райнер опубликовала манифест под названием «Нет» ("No manifesto"). Каждое его положение отменяло привычные обстоятельства и характеристики танца:
«Нет зрелищу.
Нет виртуозности.
Нет превращениям магии и фантазии.
Нет гламуру и превосходству звездного имиджа.
Нет героике.
Нет антигероике.
Нет дурацким образам.
Нет участию исполнителя и зрителя.
Нет стилю.
Нет кэмпу.
Нет соблазнению зрителя уловками исполнителя.
Нет эксцентричности.
Нет трогающему и восторгающемуся».

Воплощением манифеста стала композиция самой Ивонн Райнер «Трио А»:
танцовщица, одетая в простое черное трико, в пространстве, похожем на репетиционный зал, выполняет хаотичные несложные движения, для которых едва ли необходим навык профессионального танцора.

Запись этого танца можно увидеть на выставке «ТАНЕЦ ХХ ВЕКА. МАТИСС, МАЛЕВИЧ, ДЯГИЛЕВ, КАНДИНСКИЙ И ДРУГИЕ»

Джорджо Агамбену стукнуло 83. Присоединяемся к поздравлениям и цитируем маэстро!

Из эссе «Что такое современность?»:

Лишь тот действительно принадлежит к своему времени и действительно современен, кто не соответствует ему полностью, не приспосабливается к его требованиям, а значит, в этом смысле такого человека нельзя назвать своевременным. Но как раз поэтому, благодаря подобному смещению и анахронизму, человек этот более других способен воспринимать и улавливать время.

P.S. А Ленину сегодня исполнилось 155!

На выставке о танце в Еврейском музее.

Как для танца, так и для изобразительного искусства общей оказывается система мировосприятия и единица измерения: в центре всегда находится человек.
Одним из импульсов создания настоящей выставки было стремление напомнить зрителю о законах и возможностях физических границ, о способности к восприятию и переживаниям посредством тела. Как сказала одна из главных хореографов ХХ века Марта Грэм, «тело - это то, при помощи чего человек проживает свою жизнь».

22 октября 2025 Роберту Раушенбергу исполнилось бы 100 лет.

Пионер постмодернизма, Раушенберг перевернул представления о современном искусстве, стирая границы между живописью, скульптурой и повседневными объектами. Его знаменитые «Комбинированные картины» (Combine Paintings), где художественные материалы соседствуют с уличным мусором, предвосхитили поп-арт и концептуализм, вдохновив таких гигантов, как Уорхол и Кунс.

К юбилею художника Фонд Раушенберга запустил специальный сайт с информацией о всех выставках его работ. Так, 1 мая в нью-йоркской Gladstone Gallery откроется экспозиция «Robert Rauschenberg: Sympathy for Abandoned Objects» — исследующая его философию «искусства из ничего».

Если окажетесь рядом — загляните! Это редкий шанс увидеть, как авангард середины XX века продолжает влиять на современных художников.

На фото:

Robert Rauschenberg at Black Mountain College, 1951. Photo: Cy Twombly, Courtesy Robert Rauschenberg Foundation

Какова природа размышления о ценности того или иного художественного предмета?
В чем собственно художественность той или иной вещи и почему на что-то мы можем (должны) и хотим обращать свое внимание (тратить свое драгоценное время), а что-то игнорируем?
Как вопрос о ценностях (духовных) соотносится с нашим вниманием?

На фото:
Hans Haacke, Condensation Cube, 1963-65. Clear acrylic, distilled water, and climate in area of display, 12 x 12 x 12 in. Photo: Antonio Rivera.

К вопросу об истории в истории искусства, духовных ценностях и внимании.

Всякое рассмотрение художественного явления в исторической перспективе предполагает предварительный ответ исследователя на вопрос о том как он понимает историю, историческое движение. Другими словами, обращаясь к искусству в прошлом, нам необходима какая-то теория истории. То есть, можем ли исчерпать интерпретацию художественного произведения обращением к рассмотрению исторического контекста? К примеру, в какой мере значимо акционистское искусство Кусамы, если мы исключим из рассказа о нем исторический контекст (войну во Вьетнаме)? Что же после изъятия исторического контекста у нас в сухом остатке? Если все в произведении предопределено историческим контекстом, то как мы можем говорить о ценности художественного произведения?

Так бывает, что вы прониклись
какой-либо идеей и вам начинает казаться, что она заполняет буквально все окружающее пространство. К чему не прикоснешься, на что не бросишь свой взгляд - всюду мнится проблеск идеи, скрывающейся за фасадом очевидного. Поиск скрытого смысла, тайны, едва уловимых значений сопутствует изобразительному искусству.

На фото:
Александр Дейнека. Натурщица, 1936
Диего Веласкес. Венера с зеркалом, 1648-1651

При восприятии произведений искусства очень хорошо работает такой феномен как радость узнавания.
Он заключается в том, что вы всегда будете заведомо более расположены к произведениям, с которыми уже знакомы, к художнику, которого узнали, к идее, про которую уже читали, чем к неизвестному и незнакомому.

На фото:
Эдгар Дега. Площадь Согласия (Виконт Лепик с дочерьми) 1876 год, Государственный Эрмитаж

Затем он, в буквальном смысле сраженный, вдруг неподвижно уставился (staring) на письменный стол своего друга. Увидел же он отнюдь не вспыхнувшую звезду или засиявшее светило, а только черный ящик, старый каталожный ящик из крашеного дерева, который, должно быть, всегда стоял на этом месте. И вот, стоило Тони Смиту увидеть этот незначительный объект - простой, как детский кубик, но черный, как фамильный склеп, - как тот принялся смотреть на него... Откуда? Нам не суждено об этом узнать, да в конце концов это и не важно. Мы знаем лишь, что, возвратившись к себе поздно ночью, в три или четыре часа утра, Тони Смит потерял сон («Я больше не мог спать. Я продолжал видеть черный ящик» - I couldn't sleep. I kept seeing the black box) - словно сама ночь перед его открытыми глазами приобрела сокровенные измерения объекта, замеченного им у друга.

Жорж Диди-Юберман. То, что мы видим, то, что смотрит на нас. Спб, «Наука», 2001. С. 72

Однако наши концепции художественного гения претерпели настолько фантастические трансформации в романтической агонии XIX столетия, что мы до сих пор бездумно определяем «гений» как природную предрасположенность и врожденное качественное различие между людьми, а не как случайное соединение предрасположенности и ситуации в исключительно эффективную сущность. Нет никаких очевидных доказательств того, что «гениальность» наследуется.
Ее специальное взращивание в ситуациях, благоприятных для обучения навыкам и умениям, как, например, в случае приемных детей, воспитанных в семьях профессиональных музыкантов, показывает, что «гений» есть феномен скорее обучения, чем генетики.

Джордж Кублер. Форма времени: заметки об истории вещей. М.: Ад Маргинем Пресс, 2023. С. 18

"Искусство есть... формообразование (Gestaltung) некоего характерного целого, определенного наглядного характера", увидение и воссоздание лица. Откуда у человека эта способность? От безотчетной силы; от божества. Возвращаясь к нему, человек становится "элементарным", стихийным. В этом смысле искусство во все века и мировые эпохи одно.

Sedimayr H. Epochen und Werke: Gesammelte Schriften zur Kunstgeschichte. Bd. 1. Wien; München, 1959, S. 9; Bd. 2. 1960, S. 353-360.

В.В. Бибихин «Новый ренессанс». М.1998, с. 71

На фото: René Magritte. The Voice of Space (La Voix des airs), 1931.

Качество - заклятый враг омассовления.
В социальном отношении это означает отказ от погони за положением в обществе, разрыв со всякого рода культом звёзд, непредвзятый взгляд как вверх, так и вниз (особенно при выборе узкого круга друзей), радость от частной, сокровенной жизни, но и мужественное приятие жизни общественной.
С позиции культуры опыт качества означает возврат от газет и радио к книге, от спешки - к досугу и тишине, от рассеяния - к концентрации, от сенсации - к размышлению, от идеала виртуозности - к искусству, от снобизма - к скромности, от недостатка чувства меры - к умеренности. Количественные свойства спорят друг с другом, качественные - друг друга дополняют.

Бонхёффер, Дитрих.
Спустя десять лет М.: Cheapcherrylibrary, 2024. С. 36

В своем самом главном и в самом главном для нас Ренессанс от нас закрыт нашим воображением, что будто бы в нашей запредельной исключительности мы потерялись из виду так, что происходящее с нами не измеришь никакой мерой. Мы постклассические, постнеклассические, постмодерные, постреволюционные, посткапиталистические, и не приставайте к нам больше с метафизикой, не читайте нас по Платону, по Гегелю, по Хайдеггеру. Хайдеггер принадлежал еще к эпохе, после которой мы уже пост.
Чего больше, слабоумия или заносчивости, в этой радости колобка, который и от бабушки ушел, и от дедушки ушел, я не знаю.

Эти слова В.В. Бибихина из книги «Новый ренессанс» перекликаются со скепсисом А.М. Пятигорского относительно бездумного использования таких слов как «модернизм», «постмодернизм», «контекст» в этом видео.

В этом же выступлении на конференции, посвященной Мерабу Мамардашвили, Пятигорский подчеркивает: «Бибихин - хронологически последний русский философ».

Облегченный вариант ( за 5 минут) для первого знакомства с Пятигорским можно найти здесь.

В завершающей серии цикла телепередач «Цивилизация» Кеннет Кларк говорит:
«Отсутствие уверенности, более чем что-либо, губительно для цивилизации. Мы можем уничтожать себя цинизмом и разрушением иллюзий так же эффективно, как бомбами».

Рекомендую ознакомиться со всем циклом телепередач! Так же как и с циклом Джона Бёрджера «Искусство видеть».

Если мы смотрим кино без теории - это уже теория. Зачем же нам теория? Расширить горизонты нашего видения, раздвинуть границы. Кинематограф - отличная возможность обнаружить теорию.

В четверг поговорим о кино и психоанализе в Гостиной на Большой Никитской. Начало в 19.00.
Присоединяйтесь!

На фото:
Кадр из фильма «Человек с киноаппаратом» (реж. Дзига Вертов)

«Диалог должен быть просто звуком среди прочих звуков, исходящим из уст персонажей, чьи глаза рассказывают нам историю в визуальном ключе».

Альфред Хичкок из интервью Франсуа Трюффо.

О принципах кинематографа Хичкока на примере его картины «Окно во двор» поговорим сегодня здесь.Начало в 19.00.
Присоединяйтесь!

Ханс Хааке имеет репутацию главного политического художника послевоенной эпохи, создателя институциональной критики, основанной в первую очередь на разоблачении скрытых механизмов финансирования современного искусства. Хааке в сознании западного зрителя — журналист-расследователь, «разгребатель грязи», неистовый обличитель, в этом качестве отмеченный несколькими запрещенными выставками, что редкость для послевоенной эпохи.

Алексей Бобриков. Ханс Хааке. Муравьиный кооператив.

На фото:

Hans Haacke, Blue Sail, 1964–65, chiffon, oscillating fan, thread, fishing weights. Installation view, New Museum, New York, 2019

«Философ не является производителем истины, как не является он и искателем истины в смысле искателя сокровищ или полезных ископаемых. Философ — это просто человек с улицы, который забрел в глобальный гипермаркет истин и пытается там сориентироваться или хотя бы найти указатель выхода».

Борис Гройс. Введение в антифилософию. М, Ад Маргинем, 2021.

На фото:
Exhibition view: Donald Judd, David Zwirner, New York (7 November–19 December 2015). Courtesy David Zwirner.

О минималистах из книги Жоржа Диди-Юбермана «То, что мы видим. То, что смотрит на нас»( СПб, Наука, 2001, с.28):

«…художники создавали чаще всего простейшие объемы, в частности параллелепипеды, лишенные всякой изобразительности, всяких элементов веры, намеренно приведенные к той геометрической сухости, которую они представляют на обозрение. Это сухость без сообщения, без содержания. Это объемы — например, параллелепипеды - и ничего больше. Объемы, не свидетельствующие решительно ни о чем, помимо самих себя.
Решительно отказывающиеся от всякой фикции времени, которая могла бы их видоизменять, открывать, наполнять или все что угодно еще».

Сегодня поговорим о минимализме в клубе Невротик. Начало в 17.00.

На фото:
Donald Judd, Untitled, 1974

Мои ближайшие лекции:

Воскресенье (6 апреля) 17.00 - «Минимализм и концептуализм в искусстве и музыке».

Понедельник (7 апреля) 19.00 - «Концептуальное искусство»

Вторник (8 апреля) 19.00 - «Окно во двор» Альфреда Хичкока

Четверг (10 апреля) 19.00 - «Кино и психоанализ»

На фото:
1.Cage preparing a piano, in 1947. Photograph by Irving Penn / © 1947 (Renewed 1975)

2.Sculptures by Donald Judd at the Chinati Foundation, Marfa, Texas, 2021.

3.Sol LeWitt, Cubic-Modular Wall Structure, Black, 1966.

4.English film director Alfred Hitchcock (1899-1980) gestures with his hands towards the camera in November 1964.

Минимализм и концептуализм в искусстве и музыке | 6 апреля | 17:00

Рассказ об истории минимализма в хронологическом порядке был бы слишком поверхностным. Минималистские идеи не эволюционировали линейно, они возникали в разное время и в разных местах по всему миру. Эти идеи рождаются из убеждения в том, что наша цивилизация полна излишеств, что ее слишком много как в физическом, так и в психологическом смысле слова, а значит, мы лишились своей аутентичности и нам необходимо ее вернуть.

Идеи же концептуализма, осуществлявшиеся хронологически параллельно с идеями минимализма, переосмысляли уже существующие конвенциональные требования, обращенные к художнику. Традиционная триада: автор, художественное произведение, зритель стала подвергаться качественному пересмотру в мире искусства после Второй Мировой войны. Инновации минимализма и концептуализма как в визуальных искусствах, так и в музыке имеют колоссальное значение для культуры XXI в.

Как художник окончательно превратился в философа и важно ли теперь умение рисовать, а также какую роль играют открытия минималистов и концептуалистов в мире музыки сегодня - об этих и многих других вопросах поговорим на лекции в клубе Невротик.

Лектор: Константин Плотников - искусствовед, кандидат филологических наук, доцент кафедры философии ОАФ РАНХиГС, преподаватель Московской школы современного искусства, автор телеграм-канала «Раушенберг в слезах».

Вход свободный.

В век безжалостной дигитализации сжатие информации в плоские экраны смартфо-нов, ноутбуков и телевизоров, казалось бы, отбросило в прошлое жужжащие шестеренки и отжившие механизмы старых часов и моделей Солнечной системы, по которым мы некогда стремились сверять наше отношение ко времени и пространству. Но, судя по не-истовому часовому механизму хитроумной композиции «Тройная точка (Планетарий)», сконструированной для инсталляции, представляющей США на 55-й Венецианской биеннале в 2013 году, воображение американской художницы Сары Зе совершенно не стесняют сиюминутные требования технологии. Лю-бопытное приспособление, которое выводит на устаревшую орбиту своих вращающихся сфер галактическую мешанину из разных безделушек («одуванчики» и диско-шары, обручи и прутики), - вызывающий головокру-жение аппарат 3е сопротивляется практичной гравитации утилитарности ради бесполезно красивого.

Самые послушные (иногда 😉) слушатели лекции о современном искусстве 🤗

Машины подбираются все ближе к человеку. Техника подражает органике, врастая в наши жизненные миры, интегрируясь с телом. В наше время развитие сетей позволяет машинам легко играть роль квазисубьектов. Скорость и мощь технических систем растут, мы безнадежно отстаем от них.
Обращенные к человеку интерфейсы машин, делают их все более незаменимыми и вездесущими участниками жизни. Машины поощряют и стимулируют одни действия, идеи и аффекты и запрещают другие.
Техника работает также как и отношения власти.

На фото:
Justine Emard. Co(AI)xistence. 2017

Открылась регистрация на мою лекцию по концептуализму в галерее «Открытый клуб».
Понедельник (7.04).
Начало в 19.00

На фото:
Sol LeWitt's 'Wall Drawing #370,' 1982 (detail)

Завтра читаю лекцию о современном искусстве в Гостиной на Большой Никитской.
Там же, в следующий четверг (10.04) поговорим о кинематографе и психоанализе.

Подробности и запись здесь: @Moe_Okno_Aliya

На фото: Марк Ротко. № 9. 1948 год

В наше время идентичность - одна из самых горячих тем в жизни обществ и индивидуумов. Это слово стало для нас привычным; им обозначают включенность в то или иное множество, самоописание в контексте системы культурных различий, набор признаков, отличающих индивида или группу.
Американский философ-неопозитивист Уиллард Куайн ещё в 1960-е годы писал: нет сущности без идентичности, no entity without identity, а значит - все, что существует, имеет право на собственный образ.

На фото:
Robert Mapplethorpe. Patti Smith, 1978

Новейшая история искусства знает немало критических моделей (формализм, структурная семиотика, психоанализ, соци­альная история искусства, феминизм), которые по-разному комбинируются и объединяются в работах американских, англий­ских и других искусствоведов начиная с семидесятых годов. Это подчас затрудняет или вообще обессмысливает попытки добиться методологической четкости, занять определенную научную позицию. Многообразие индивидуальных тенденций и их сочетаний делает заведомо проблематичным утверждение, будто одна конкретная модель должна быть признана единственно приемлемой или главенствующей в интерпретативной практике истории искусства.

Затронем эту тему в рамках разговора о концептуальном искусстве на лекции в галерее «Открытый клуб».

Лекция состоится 7 апреля в понедельник в 19.00.
Регистрация будет размещена здесь в среду.

Всем приятного вечера понедельника!

На фото:
Edward Hopper, People in the Sun, 1960

Модель истории культуры, которая доминирует сегодня, восходит к Ренессансу.
Вплоть до конца Средних веков не существовало четкого различия между ремеслом и искусством. То, что Средневековье называет искусством, относится прежде всего к «семи либеральным искусствам», составляющим основу университетского образования. Термин artista, придуманный в Средние века, относился либо к ремесленнику, либо к студенту, изучающему «либеральные искусства».
Цех художников отделился от корпорации лекарей и аптекарей, к которой ранее принадлежали живописцы и скульпторы. Возникла автономная художественная корпорация Святого Луки. Все это происходило в Италии.

Не случайно Паоло Соррентино посвящает свой фильм «Партенопа» Луке.

Думаю позиция по отношению к искусству как к чему-то, что должно нас учить, образовывать, возвышать, поднимать и развивать наши моральные и этические ценности - ошибочна. Впрочем, могу быть не прав.

На фото:
Șerban Savu (Romanian, 1978), Blue Shadow, 2010.

…Мотивы этого акта автовандализма остаются неясными: он мог быть и критическим жестом в адрес галопирующей индустрии и ее опереточных аукционов, и попросту примером этой индустрии. Сохраняется и вопрос о причастности к трюку аукционного дома. Всё это не помешало работе «воскреснуть», подобно птице Феникс, получив новое название: Любовь — это оказаться в мусорной корзине (2018), а мемы разрезанного на длинные полоски холста тут же стали использоваться в качестве рекламы заведений быстрого питания и распространились по интернету».

Сьюзан Хадсон «Современная живопись».

«С точки зрения самопрезентации художника выгодной может быть и анонимность. Бэнкси (дата и место рождения неизвестны) — один из самых известнейших художников в мире, хотя его личность окутана тайной. Он размещает свои рисунки в публичных местах, но умудряется остаться незамеченным. Самое громкое деяние, если не считать неуловимости, он совершил в 2018 году, когда продал бумажную версию своей работы Девочка с шариком на аукционе Sotheby’s за рекордную сумму, после чего запустил процесс ее уничтожения с помощью спрятанного в раме уничтожителя документов. Однако процесс остановился на полпути — очевидно, ввиду технической неисправности…

Можно ли прочесть одну книгу, чтобы все понять про современное искусство? Ответ: Нет. Во-первых: такой книги просто нет. Во-вторых: специфика самого современного искусства такова, что живя в крайне фрагментированном обществе, выстроить четкое повествование в прямой последовательности событий кажется замыслом невозможным, да и ненужным.

На фото:
Ei Arakawa. View of “I am an employee of UNITED, Vol. 2,” 2012.

Если вы не готовы к художественным провокациям или к идеям, которые вас потрясут, оставив неизгладимое впечатление, лучше остановить свой выбор на приятном
и эстетичном искусстве (и никогда не читать,
какие ужасные события и сюжеты могут за ним скрываться).


На фото: Фрэнсис Бэкон. Портрет говорящего Джорджа Дайера. 1966

На самом деле не существует непреодолимой пропасти между традиционным и современным искусством. Разница в том, насколько хорошо мы
с вами знаем контекст создания работы,
смыслы, которые считывали современники,
и впечатление, которое она произвела на них.


На фото:
Фридрих Овербек. Италия и Германия. 1811–1828 годы

Работы Джона Хартфильда, наряду с творчеством Марселя Дюшана и Эль Лисицкого, обозначают один из важнейших парадигматических сдвигов в эпистемологии модернизма ХХ века. Новаторски используя фотомонтаж и выстраивая новые текстовые нарративы, Хартфильд создал единственную модель художественной практики как коммуникативного действия в эпоху масскультурной пропаганды. Недооценивавшиеся в таком качестве консервативными по сути идеологиями формалистов
и приверженцев устаревших моделей автономии, его
работы на самом деле отвечали исторической тенденции к изменению аудитории искусства и форм его распро­странения. Это сделало их самобытным и самым ярким примером контрпропаганды, противостоявшей геге­монному аппарату массовой информации 1930-х годов, единственным в визуальном авангарде голосом, проте­стовавшим против подъема фашизма как поздней формы империалистического капитализма.

На фото: Джон Хартфиnьд. «Ура! Масло кончнпось!» Обложка rазеты «AIZ» за 19 декабря 1935 rода Фотомонтаж. 38 х 27 см

Наткнулся в интернете на «расшифровку» нейросетью собственной лекции. Тихий ужас.
Если захотите послушать о концептуализме, можете посмотреть видео целиком здесь. На фото: Рене Магритт. Вероломство образов, 1928-1929

«…философия и спрашивает о началах каждого. А что такое искусство – спрашивает она. Не имея в виду ответы теоретической эстетики или искусствоведения, историю, описания и так далее, нет, – вопрос об источнике искусства, что оно тут делает? Что делает человек, когда он… Когда вдруг ему в голову приходит сложить стих? Это что происходит с человеком в его человеческом бытии, что происходит, когда он рождает искусство?»
Ахутин А.В.

На фото:
Поль Деларош. Полукружия. Фреска (центральная часть). 1841–1842 годы

Не ждите от каждой выставки того самого пресловутого «великого искусства», и тогда вы сможете получить от нее наслаждение. Далеко не все из того, что сейчас актуально и показывается на выставках, останется в истории искусств. Отбор еще не произведен.
Не стоит ждать «великого искусства» вообще. Дело в том, что не каждый объект создается с высокой целью, не каждый художник имеет смелость, мастерство, возможность, желание говорить о больших и значительных идеях. Искусство вообще - это многообразие сюжетов, решений, подходов и тд. Поэтому с одними и теми же ожиданиями подходить ко всем произведениям искусства не стоит. Даже если вы ждете чего-то особенного и возвышенного.

На фото:
Каспар Давид Фридрих. Северный Ледовитый океан или «Гибель „Надежды“ во льдах». 1823—1824

…С точки зрения романтиков оказывается, что природа - это не рациональный механизм, а бессознательная стихия, которую может понять только поэт. Сравнительно недавно - в XIX-XX вв. — природа воспринималась как территория прогрессирующей победы человечества над чуждым миром».
А.Л. Доброхотов. Избранное. М.,2008. С.30-31

На фото:
Каспар Давид Фридрих. Странник над морем тумана, 1818.

«Механизм отчуждения универсален, поскольку он действует не только в отношениях между духом и культурой, но и в отношениях того и другого с природой. Потому что природу мы знаем в той степени, в какой она нам дана уже как объект культуры, т. е. осмысленно. Это или ландшафт, или какая-то ценность, или объект эстетического наслаждения. В таком смысле природа, на самом деле, усматривается только через призму культуры. Стоит только взглянуть на историю представлений о природе: то она - уютный космос, как у греков; то - падший мир, как у христианства; то это - универсальный прекрасный меха-низм, как в XVII веке; но уже в XVIII веке Руссо говорит, что мы живем в мире, испорченным цивилизацией, что природа от нас ушла, и мы должны каким-то образом в нее вернуться…»

Как-то однажды раздался стук в дверь. Это был Джон (Кейдж). «Я иду к молодому художнику по имени Роберт Раушенберг. Он удивительный. Ты должен с ним познакомиться». Пять минут спустя мы с Джоном в его «форде» модели «А» ехали в студию Раушенберга на Фултон-стрит. Раушенберг работал над серией черных полотен. Я не мог оторваться от одного из больших холстов.
«Почему бы вам не купить это?» — сказал Раушенберг.
«Сколько вы за него хотите?»
«Столько, сколько найдется у вас в кармане».
У меня было шестнадцать долларов и мелочь, которые он весело принял. Мы немедленно погрузили полотно на крышу модели «А», вернулись в «особняк Бозы» и повесили его на стену. Так я приобрел первое произведение живописи…
(Мортон Фелдман. Привет восьмой улице)

На фото:
Robert Rauschenberg. Untitled [three panel matte black painting]
ca. 1951

Прорыв из кубизма в область абстракции произошёл через орфизм. Так поэт Гийом Аполлинер назвал творческую манеру Робера и Сони Делоне (1885—1979), считая, что их произведения, подобно музыке древ­негреческого героя Орфея, завора­живают и очаровывают людей, на­полняя их сердца радостью. Сам Робер Делоне не очень доверял это­му определению и именовал своё ис­кусство чистой живописью, движением цвета в свете, симультанной (от франц. simultane — «одновременный»), а иногда, играя словами, синхромной (от греч. «син» — «вместе» и «хрома» — «цвет») живописью. Смысл её заключается в том, что при взгляде на предмет художник преж­де всего, помня о законах физики, извлекает разложенный на составные цвета световой поток.

На фото:
Робер Делоне. Солнце, Луна. 1913

Чёрный квадрат— ключевой образ супрематической живописи. Через него Малевич попытался представить в концентрированном виде всю картину мироздания. Это символ космоса, который одновременно и предельно ясен, и абсолютно непроницаем для человеческого сознания. На фото: Казимир Малевич. Черный квадрат, 1915.

«В прошлом году в Лос-Анджелесе одна дама рассказала мне, как Фрэнк О'Хара читал лекцию о Нью-Йоркской школе. Дойдя до слайда с картиной Ротко, он глубоко вздохнул и промолвил: «Это так красиво — следующий слайд, пожалуйста». Дама была возмущена:
«О'Хара проделал весь путь до Лос-Анджелеса, чтобы сообщить это?» — недоумевала она. Я спросил, нравятся ли ей работы Ротко. Нет, они ей не нравятся, и это всё объясняет».

Мортон Фельдман. Привет восьмой улице.

На фото:
American poet Frank O'Hara standing beside a portrait of him painted by Larry Rivers at the Tibor de Nagy

Mark Rothko
Untitled. 1952
Orange and Yellow. 1956
Untitled (Black on Grey). 1970

Вопрос о «Я» или человеческой субъективности в ХХ веке — центральный сюжет политической, философской и художественной полемики.
На знаменитый вопрос Канта: «что такое человек?» — есть ответ. Человек — это такое
существо, которое существует как своя собственная цель. То есть главная задача этого существа — стать самим собой. Таким представляет себе человека эпоха Просвещения.
В XX вопрос о субъекте определяет расстановку сил на карте философских идей столетия. На эту тему есть видео.

На фото:
Кант на картине Иоганна Готлиба Беккера (1768)

«Чтобы понять Сезанна, мы должны осознать, что если он не принадлежал своему времени, то не принадлежит и нашему. Под Сезанном в основном понимают его влияние. По сути, его идея прямо противоположна модернистской. У Сезанна то, как он видит, всегда определяет то, как он мыслит, тогда как модернист, наоборот, меняет восприятие посредством концепции. Иными словами, то, как ты мыслишь, становится твоим чувствованием».
Мортон Фельдман. Привет восьмой улице.

На фото:
Поль Сезанн.
1. Пейзаж с виадуком, гора св. Виктория, 1887 2. Гора св. Виктория, 1890 3. Гора св. Виктория, 1895 4. Гора св. Виктория, 1906

«…современной является живопись Сезанна, хотя она была не так недавно. Почему она является современной? По определению, которое я только предлагал, то есть, когда вы стоите перед полотном Сезанна, вы с собой должны нечто сделать, чтобы увидеть то, что там есть. Это акт, отличный от акта стояния перед полотном Тициана.
Повторяю, современным в отличие от классического, или традиционного, является все то, перед лицом чего мы должны с собой нечто сделать, чтобы воспринять происходящее, нарисованное, написанное или звучащее. По тому же признаку современной является музыка Стравинского, в отличие от музыки Чайковского».
Мераб Мамардашвили. Очерк современной европейской философии.
На фото:
Поль Сезанн. Яблоки и апельсины. 1900-е гг.

Нравится удобное. Такая постановка вопроса противоречит опыту нового. Привычная мелодия приносит наслаждение от повторения. Эффект узнавания. Знакомое и привычное радует. Качественно иной опыт отпугивает. Он нарушает комфортное пребывание в понятном и привычном. Лозунг «Ищи новых впечатлений!» лукавит. На самом деле он говорит найди в новом то привычное, что сделает его удобным для твоего восприятия. Отсюда неудовольствие от музыки эмансипированного звука (Мортон Фелдман, Джон Кейдж, Крисчен Вулф, Эрл Браун) у публики.
Зато какая радость от Малера! Бацилла позднеромантической музыки засела в нас крепко благодаря Голливуду.

На фото: живопись Клиффорда Стилла.

Хотел поблагодарить кураторов программы «Сценография» Галю Солодовникову и Полину Бахтину за возможность читать лекции по «Современному искусству» студентам Британской высшей школы дизайна.

15-16 марта в ГЭС-2 пройдут показы тотальной инсталляции-перфоманса, подготовленной ребятами. Они большие молодцы! Рекомендую к просмотру!

Поскольку импрессионисты оставляли мазки видимыми, последние начали играть особую роль в восприятии живописи. Если бы мазки были направлены в одну сторону, могло бы возникнуть ощущение заваливающегося или сползающего по диагонали пейзажа. Импрессионисты хотели уйти от этого единообразного движения. Их интересовал пейзаж, который бы мерцал и дышал, оставаясь неподвижным: «Чтобы достичь стазиса в живописи, недостаточно сделать штрихи в равной мере направленные во все стороны, как если бы они были рассыпанными спичками. Такая живопись была бы роем взаимно пересекающихся линий. Чтобы достичь того, чего достиг Моне, нужно оставлять следы, которые бы не имели ориентации и однородной формы, так чтобы они никогда не могли собраться в стада и начать маршировать вниз и вверх, как это иногда делают точки Сёра...». (James Elkins. What Painting Is. New York; London, Routledge, 2000, p. 10–11).

На фото:
Claude Monet. Weeping Willow, 1918. Kimbell Art Museum

Отсылки к ранее созданным произведениям — обычное дело в истории искусства. Художники во все времена обращались к образцам прошлого; более того, именно так — через копирование, подражание шедеврам и переосмысление характерных черт и мотивов — традиционно строилось обучение ремеслу.

После знакомства с европейской художественной культурой (совершил три путешествия в Европу в период с 1906 по 1910 гг.) американский художник Эдвард Хоппер перешел от иллюстрации к занятиям живописью. И на кого же больше всего походят из французских живописцев ранние работы Хоппера?

«…художник создает и показывает свое искусство, публика смотрит и оценивает то, что он показал. На первый взгляд такая расстановка сил дает преимущество, прежде всего, художнику, выступающему в роли самостоятельного, активного индивидуума перед пассивной, анонимной массой зрителей. Художник может прославить свое имя, в то время как имена зрителей, чье одобрение обеспечило ему этот успех, останутся неизвестными. Современное искусство можно легко принять за своеобразную машину по производству славы художника за счет публики. Но придерживаясь такой точки зрения, мы упускаем из виду то, что в эпоху современности художник целиком отдан на милость публики: если произведение искусства ей не нравится, оно де-факто утрачивает свою ценность. В сущности, оно автоматически превращается в мусор».

Борис Гройс. Введение в антифилософию. М, Ад Маргинем, 2021.

На фото:
Pierre-Auguste Renoir. Luncheon of the Boating Party. 1881, The Phillips Collection, Washington, D.C.

Уже завтра в Галерее на Шаболовке стартует двухдневный интенсив, приуроченный к выставке «Сергей Чернов. Играя в авангард» и посвященной теории современного искусства.

В начале XXI столетия почти все теоретики современности отказались от термина «постмодернизм». Постмодерн как язык описания эпохи уступил место чему-то другому. Разные авторы стали активно предлагать собственные концепции новой культурной логики. Этот универсум теорий, получивший наименование «постпостмодернизм», в отношении к понятию авангарда станет основной темой нашего интенсива.

Интенсив будет проходить в формате лекций и дискуссий и состоять из теоретических и практических (письменных) занятий.

Расписание:

8 марта (суббота)

15:00–16:15 практикум «Как писать о современном искусстве и стоит ли это делать?»
16:30–17:45 лекция «Интеллектуальные тренды в современном искусстве»

9 марта (воскресенье)

15:00–16:15 лекция «Кто есть кто в современном искусстве»
16:30–17:45 практикум «Осмысляя современное искусство. Free writing и другие письменные практики»

По итогам обучения вы:

➡️станете разбираться в актуальных трендах современного искусства;

➡️узнаете и сможете различать ключевые теории XXI века, связанные с современной культурой;

➡️сможете анализировать произведения искусства и аргументировать свою точку зрения.

🎓 Занятия проведёт: Константин Плотников — искусствовед, кандидат филологических наук и преподаватель Московской школы современного искусства.

Интенсив подойдёт для участников разного уровня подготовки: художников, кураторов, специалистов арт-индустрии и всех, кто интересуется современным искусством и актуальными проблемами теории.

Стоимость:

Два дня – 5000 рублей
Один день – 3000 рублей

Билеты по ссылке🔗

Задать дополнительные вопросы можно здесь🔗

На фото: художник Сергей Чернов.

«Может показаться парадоксальным, но Кафка, Мондриан и Веберн никогда не были влиятельными. Влиятельны их подражатели. Вот кто создает художнику настоящий престиж — его подражатели.
Правда в том, что мы можем неплохо жить и без искусства, а вот без мифа об искусстве мы жить не можем. Мифотворцы успешны, потому что знают: в искусстве, как и в жизни, нам необходима иллюзия значимости. Мифотворцы льстят этой потребности. Они дают нам искусство, увязанное с философскими системами, искусство, полное отсылок и символов, искусство, упрощающее искусство, освобождающее нас от него».

Мортон Фелдман. Привет восьмой улице. СПб, 2019, с. 76

На фото:
Пит Мондриан. Композиция с красным, синим и жёлтым. 1930

Дорогие друзья, появилась возможность купить билеты на мой интенсив в галерее на Шаболовке на 8 и 9 марта.
Подробности про интенсив и билеты здесь!

На фото:
Эдвард Хоппер. Контора в маленьком городе, 1953