10 мифов о “Моне Лизе”, в которые вы всё ещё верите

(и зря, если хотите разбираться в искусстве)

Величайшее произведение искусства или самое переоценённое лицо в истории?
Одна женщина, один взгляд, миллионы глупостей вокруг.

Приготовьтесь к демонтажу культовых заблуждений:
— Нет, это не про женскую загадочность.
— Нет, Леонардо не был влюблён.
— Нет, она не улыбается.
— И да, это могла быть вовсе не женщина.

“Мона Лиза” — это не шедевр. Это фетиш.
Механизм массового помешательства, запущенный маркетингом, а не гением.
И если вы думаете, что знаете о ней всё — я с радостью это разрушу.

Ютуб - https://youtu.be/DaTWwSvlzgI
ВК Видео - https://vk.com/video-229187736_456239026

#видео

Как показать любовь через утюг?

Сегодня я провела день в деревне Переделкино вместе с книжным клубом Андрея Полетаева, где мы разбирали «Доктора Живаго» Бориса Пастернака.

Признаться честно, этот роман меня не очень впечатлил. Он очень масштабен, многословен и слишком… затянут, что ли. В Я абсолютно солидарна с Анной Ахматовой — Пастернак в первую очередь великий поэт, но не писатель.

Тем не менее атмосфера Переделкино была невероятной. Я окунулась в эстетику XIX века, которую так безгранично люблю, прошлась по комнатам дома, где жил сам Пастернак, и даже поднялась на тот самый чердак из моего любимого стихотворения.

«Словно с видом чудака,
С верхней лестничной площадки,
Крадучись, играя в прятки,
Сходит небо с чердака.»

Главным открытием дня стала метафора из «Доктора Живаго». Сцена, где герои признаются друг другу в любви через… раскалённые утюги.

Это удивительно и чертовски сильно: предметы простые, бытовые, знакомые каждому, вдруг начинают искрить, шипеть, гореть — и говорить о любви. Только настоящий гений способен рассказать о таких сложных и важных вещах через такие простые и бытовые предметы.

Герои не говорят ни слова о чувствах напрямую, но утюги в их руках, те действия, что они совершают и как говорят друг с другом занимаясь глажкой… это и создает такую удивительную атмосферу напряжения и страсти. Знаете, этот роман можно читать только ради этой сцены и некоторых очень крутых цитат:

«Искусство всегда, не переставая, занято двумя вещами: оно неотступно размышляет о смерти и неотступно творит этим жизнь.»

«Они проводили жизнь среди хороших книг, хороших мыслителей, хороших композиторов, хорошей, всегда, вчера и сегодня хорошей, и только хорошей музыки, и они не знали, что бедствие среднего вкуса хуже бедствия безвкусицы.»

Классика делает с нами то же самое. Она не кричит, не требует внимания — она словно разглаживает складки в душе, помогает дышать глубже, жить ярче. Классику нужно читать, не потому что «надо», а потому что это красиво.

Читайте классику,пожалуйста.
#литература #книги #впечатления

Почему «Олимпия» Мане вызвала общественный скандал?

Почему это картина о лицемерии?

#видео #искусство #живопись

Картина которая меня сразила…

В Третьяковке есть работа, которая не просто цепляет взгляд — она вонзается в сознание, оставляя после себя ощущение лёгкой дрожи. Это «Горбун» Репина — этюд, созданный в 1880 году для масштабного полотна «Крестный ход в Курской губернии».

На первый взгляд — обычный этюд, подготовительная работа. Но в этом образе — потрясающий контраст: юноша с благородными чертами лица, почти кинематографической красотой, и одновременно — изувеченное тело, горб, физическая деформация. Репин мастерски соединяет в одном образе красоту и страдание, вызывая у зрителя сложные эмоции.

История создания этого этюда уходит в начало 1880-х годов, когда Репин работал над «Крестным ходом». Он стремился к максимальной достоверности, поэтому создавал множество этюдов с натуры. «Горбун» — один из них. Художник искал в людях не только внешние особенности, но и внутреннюю силу, характер. В этом юноше он увидел нечто большее, чем просто физический изъян — он увидел личность, достойную быть запечатлённой на холсте.

Он писал об этом юноше: «…он не болтлив и сдержит данное слово. Как все почти горбатые, он необыкновенно умен и скрытен».
Наблюдая за юношей, Репин увидел в нем «маленького человека» с непростой судьбой, умеющего преодолевать невзгоды.»


Этот этюд — не просто подготовительная работа. Он самодостаточен, завершён и глубок. Репин не просто фиксирует внешность, он проникает в суть, в душу человека. Взгляд юноши — не страдальческий, не умоляющий, а скорее задумчивый, сосредоточенный. Он не просит сочувствия, он просто есть — такой, какой он есть.

«Горбун» — это вызов стереотипам, это напоминание о том, что красота и уродство, сила и слабость могут сосуществовать в одном человеке. Репин показывает нам, что истинная красота — в правде, в искренности, в человечности.

Эта работа — не просто этюд к большой картине. Это самостоятельное произведение искусства, которое заставляет задуматься, почувствовать, переосмыслить. Именно такие работы делают искусство великим.

#искусство #русскоеисскуство
#живопись

На смерть за два пальца…

А вы вообще знаете, кто это?
Женщина на картине Сурикова — не просто боярыня в кандалах. Это боярыня Морозова.
Одна из самых могущественных персон XVII века.
Топ-10 условного “Форбса” допетровской Руси.
Сестра Прокопия Морозова — ближайшего друга царя и соратника… патриарха Никона.
Да-да, того самого Никона, который и провёл реформу, разделившую Церковь.
А она — вышла против него.

Представьте: женщина из элиты, у которой всё — власть, деньги, связи — сжигает всё до тла.
Зачем?
Из-за четырёх пунктов. Четырёх “мелочей”, которые оказались сильнее империи:
1. Как креститься — двумя или тремя пальцами.
2. Как писать имя Христа — Исус или Иисус.
3. Сколько раз говорить «аллилуйя».
4. До куда кланяться — до пояса или до земли.

Откуда это взялось? Почему понадобилась реформа?

Патриарх Никон мечтал превратить Русскую церковь в безупречный духовный механизм — без “народных” наслоений, с прямой связью с греческой православной традицией. Он считал, что Россия сошла с истинного пути — и должен был вернуть её к «канону».
Для этого он начал исправлять богослужебные книги и обряды по византийским образцам: чтобы вера была «чистой», «как у греков».
Но вместо духовного очищения получилось обрядовое насилие.

Так и возник раскол.

Те, кто не принял реформу, стали старообрядцами.
Они не были еретиками.
Они были убеждены: истинная вера — в старом обряде, в «отеческом» предании.
Они продолжали молиться по-старому, креститься по-старому, жить — в страхе и силе одновременно.
За это их казнили, сжигали, ссылали.
А они жгли себя сами.

Самосожжения, тайные скиты, изгнание на века — всё это началось с тех самых «мелочей», за которые боярыня Морозова пошла на смерть.

Морозова выбрала старообрядчество. Выбрала, что истина — не обсуждается.
Выбрала путь вниз — в яму (тюрьма землянка), где она умрёт от голода.
Но на санях, везущих её на смерть, она будет держать руку в двоеперстии.
Как обвинение. Как вызов. Как знамя.

Суриков показал её не мученицей — триггером.
Толпа вокруг — в шоке, в истерике, в восторге. Посмотрите какие разные реакции. Мы словно наблюдаем эту трагедию через призму десятков глаз. Разных точек зрения.
Но все без исключения понимают: она уже не с ними. Она словно солнце, которое уходит за горизонт. Такой ее видел Суриков…

Вот так выглядел раскол его глазами.
Не дискуссия, не спор — а холодное, неподвижное «нет». Когда ни одна сторона не готова уступить.
И всё рушится.

#искусство #русскоеискусство #живопись

Делюсь, тем, что я подготовила к выступлению за 3 часа.

Тема: Константинополь

А вы знали, что Рим был не один? Их было целых два! Второй Рим основал Константин Великий в 330 году, перенеся столицу Римской империи на берега Босфора. И вплоть до XVI века эту землю продолжали называть Римской империей, а её жители гордо именовали себя римлянами, пока немецкий историк Иероним Вольф не дал ей новое имя — Византия.

Столица этой империи была самым лакомым кусочком на карте. Её мечтали захватить все — варвары и цари, рыцари и султаны. Каждый новый правитель, глядя на эти стены, чувствовал неудержимый зуд в чреслах и желание захватить его. Так, что же было такого особенного в этом городе? Давайте попробуем разобраться.

Пик славы и дерзости второго Рима — Константинополя — наступил в VI веке. 537 год. Христианство было ещё молодой религией, три века гонений позади, но вера нуждалась в утверждении. Император Юстиниан решил: чтобы народ уверовал в нового Бога, надо показать его могущество. Так родилась идея грандиозного собора — Святой Софии.

На помощь Юстиниану пришли архитекторы Исидор и Анфимий, вдохновлённые трактатом Аристотеля «О душе». Они создали первый в истории иммерсивный театр пространство, воздействующее на все пять чувств: слух — благодаря хрустальному пению хора, обоняние — через густой аромат ладана, зрение — мозаики, свет, купол, осязание — мрамор, камень, текстуры. А вкус? В те времена в храмах устраивали пиры в честь прихожан и гостей.

Собор был построен за шесть лет и обошёлся в три годовых бюджета империи. И когда он открыл двери, люди были поражены. Купол, казалось, висел в воздухе. Свет струился разноцветными бликами витражей. Золото мозаик отражало огонь свечей. Люди падали на колени прямо на входе и прославляли величие бога. Юстиниан вошёл и произнёс: «Соломон, я превзошёл тебя!»
Слава Софии разлетелась по всему миру.

Даже князь Владимир, увидев её, был настолько потрясён, что велел построить аналогичный храм в Киеве — и вскоре крестил Русь. Вот как работает архитектура, когда в неё вложено три бюджета и идея божественной манипуляции.

Но у этого величия была и темная, завистливая сторона. За славой последовала череда бесконечных осад и битв. Величие Константинополя привлекало всех: от бесстрашных варягов, плывущих на юг в поисках золота и славы, до турок-османов, чьи мечты о покорении города длились веками. Даже крестоносцы, которые первоначально направлялись освобождать Иерусалим, не устояли перед соблазном захватить этот город. Венецианцы тайком увезли отсюда мощи святого Марка в корзине со свининой, знаменитые бронзовые колонны и даже великолепную квадригу с ипподрома, которая до сих пор украшает собор Святого Марка в Венеции.

Но самый драматичный момент наступил в 1453 году, когда армия султана Мехмеда II после ожесточённой битвы захватила город. Византия пала, а великий символ христианского мира — собор Святой Софии — стал мечетью. Константинополь погиб, чтобы переродиться в Стамбул.

Сегодня, прогуливаясь по улочкам Стамбула, вы увидите наследие тысячелетней борьбы: византийские стены, мечети на месте церквей, базары на месте ипподромов. Этот город напоминает, что самая дерзкая мечта всегда несёт в себе вызов и риск падения.

Так почему же все сражались за Константинополь? Ответ неожидан и прост одновременно: потому что этот город был тем самым столбом, на который мечтали взобраться все правители мира. Отсюда они хотели закричать: «Я властелин мира!» — и бросить вызов не только людям, но и самой судьбе. Но в конечном итоге, судьба распорядилась иначе, город захватили…

А в итоге его захватили… коты. Они поработили всё местное население с помощью милоты. Сегодня они везде — на столах, на прилавках, на улицах. Тысячи огромных, мощных, толстозадых котов. Это их плата за древнюю услугу: когда-то именно кошки спасли город от чумы. С тех пор их здесь не просто любят — им безраздельно принадлежит этот город-легенда.

#история #культура

Константинополь за сутки

Обучение — моя страсть. Но иногда мне мало быть учеником. Иногда хочется играть.

Например, на спикер-кафе Константина Буше — формате, где у тебя есть 24 часа, чтобы подготовить выступление на незнакомую тему. Это не про презентации и шаблоны. Это про интеллект, драйв и умение зацепить слушателя.

Мне досталось слово «Константинополь». Признаюсь, у меня было очень мало времени на подготовку, с моим сумасшедшим графиком. Я начала в 23:30 накануне и у меня было еще минут 30 в метро пеед выступлением. Но все прошло отлично. Мне удалось открыть перед зрителем образы, контексты, культурные слои.

Я не просто выступила — я испытала кайф. Когда знание становится живым, разговор — искренним, а сцена — тренировкой свободы ораторского мастерства.

Но самое интересное случилось после — во время обратной связи. Один из критиков сказал: «Ваш низкий голос неуместен, он вызывает у меня ощущение, будто вы хотите залезть ко мне в трусы».

Как вам такая обратная связь?
Как бы вы отреагировали на моём месте? А как думаете, что ответила и сделала я? 🤭

Спасибо Константину за пространство, где можно быть умным, смелым и слегка безумным.

P.S. Хотите поделюсь своим спичем, для выступления? Получилось очень атмосферно…

#личное #наподумать

Одна бретелька, которая стоила женщине репутации.
И один халат, который сделал мужчину легендой.

Что общего между красавицей из парижского светского круга и хирургом, реформировавшим медицину?
Один художник. Один стиль. Два тела.
И абсолютно разная цена за сексуальность.

https://youtu.be/CrlGWcUrIH4

https://vkvideo.ru/video-229187736_456239025

#видео

А вы знали, что Мона Лиза возможно была – мужчиной!? 🥹

#искускусство #видео #легко

Немножко магии…

Вчера мне написал редактор журнала Psychologies и попросил написать статью про пасхальные открытки. Поначалу я удивилась: тема казалась совершенно не моей. Но потом вдруг, моя память начала смутно прорисовывать образы из далекого прошлого. Очень интересные и личные воспоминания, о том, как с открыток начался мой путь.

Лет пятнадцать назад, в декабрьский вечер, я сидела и делала новогодние открытки своим друзьям. Вырезала детали, подбирала бумагу, наклеивала блёстки и подписи.

И вдруг почувствовала себя невероятно счастливой. Не просто радостной, а невероятно счастливой. Тепло словно разливалось по всему моему телу, и это было удивительное ощущение.

В тот миг я поняла очень простую, но важную вещь: настоящее рождается только из любви и тепла. Когда отдаешь, что-то своим близким. Именно тогда мой путь повернулся в сторону творчества, а в скором времени появилась первая Casa Picassa.

С тех пор открытки стали моим особенным ритуалом. Я часто делаю своими руками открытки на дни рождения и важные события близких мне людей.

А вчера произошло маленькое чудо. Почтальон принёс мне открытку из Парижа. Её отправила моя подруга, с которой в декабре мы путешествовали по Европе. Тогда она купила открытку просто так, в случайной лавке, на память. На открытке был изображён белый рояль.

Ни она, ни я не могли знать, что спустя всего несколько месяцев белый рояль станет центральным символом моего нового арт-лофта «Врубель». Но сейчас эта случайность кажется совсем не случайной. Будто маленький привет от вселенной — тихое подтверждение того, что всё настоящее всегда находит свой путь к нам.

Иногда открытка — это больше, чем просто красивая картинка. Это тихий голос вселенной, напоминающий, что мы движемся в верном направлении.
А у вас есть подобные истории в копилке воспоминаний?

#личное

„Моя любовь не соткана из лунного света и роз, а бывает иногда прозаичной, как утро в понедельник.“

Винсент ван Гог

#цитаты #винсент

Не Венера, а…
Почему «Олимпия» Мане, самое скандальное полотно своего времени.

Абрамцевская богиня. Портрет эпохи в одном лице


Вы угадали! Девушка на портрете - Вера Мамонтова.

Есть в истории русского искусства девушка, которую вы, конечно, знаете, но, вероятнее всего, не помните по имени. Вера Мамонтова — дочь того самого Саввы Мамонтова, который устраивал «русский Монмартр» в подмосковном Абрамцеве, превратив семейную дачу в креативный хаб эпохи империи.

Живописцы наперебой искали в её лице всё, что принято считать «русским идеалом». Виктор Васнецов — строгую боярышню, Михаил Врубель — мистическую Тамару из лермонтовского «Демона», Снегурочку и холодную Египтянку. Мамонтовская дочь отлично подходила для роли вдохновенной девушки на фоне пейзажа, музы русского модерна.

Но абсолютным триумфом её тихой и немного меланхоличной красоты стал, конечно, портрет Серова. Валентин Александрович смело посадил девочку за стол, дал ей в руки персики и позволил слегка растрепать волосы.

Бунт против парадности вышел таким убедительным, что картина, сперва отвергнутая как небрежная, вошла в историю, как символ русского импрессионизма, о котором нынче так модно рассуждать в московских гостиных.

Судьба Веры была тихой. Она вышла замуж за дворянина, родила троих детей, а в 1907 году умерла от воспаления легких — ей было всего 32. В истории она осталась как образ, жизнь воплощенная в искусстве. Абрамцево распалось, художники разъехались, ушёл век. Но она — осталась. В снегах Врубеля. В ветке Васнецова. В персике Серова.

#искусство #живопись #легко

Наше кино сошло с ума?
Почему Тарковского стоит смотреть именно сейчас

«Я ненавижу Тарковского!» — открыто заявляет один из самых коммерчески успешных режиссёров России, а зал встречает его слова свистом и аплодисментами. Что происходит?

Почему фильмы Андрея Тарковского и сегодня, спустя десятилетия, вызывают либо яростное раздражение, либо абсолютный восторг? Почему режиссёр, которого не понимали ни при жизни, ни сейчас, считается гением?

Новое видео даёт честные ответы на неудобные вопросы:

— Загадочная смерть Тарковского: причём тут «Зона» из фильма «Сталкер»?

— Как простая уборщица объяснила сложнейший фильм режиссёра лучше всех критиков?

— Почему один его кадр расскажет больше, чем многочасовой сериал Netflix?

P.S. В этом видео я впервые рассказываю личную историю из своего детства, о которой никогда раньше не говорила публично. Историю, которую можно пересказать двумя предложениями, но лучше — одним кадром в духе Тарковского.

Ютуб - https://youtu.be/UXYH-a-UzE0
ВК Видео - https://vk.com/video-229187736_456239024

#видео #кино #искусство #сложно

Арт Детектив 🕵

Угадайте, кто перед вами?

Её черты — тонкие, мечтательные — вы найдёте в «Снегурочке» Врубеля, в его «Египтянке» и даже в мистической Тамаре на иллюстрациях к «Демону». Позже её прозовут абрамцевской богиней. Её образ запечатлел Виктор Васнецов в «Боярышне» и в «Девушке с кленовой веткой» — именно этот портрет перед вами.

А теперь — загадка. Вы точно знаете эту девушку. Другой ее портрет стал визитной карточкой русской живописи.

Маленькая, с лёгким беспорядком в волосах, она смотрит прямо на вас игривым взглядом. О каком портрете я говорю?

#артдетектив #искусство #живопись

Искусство отвращения

Герман Нич и театр, который лучше не видеть слабонервным

Вы думали, искусство бывает только эстетическим, красивым или удобным? Оно бывает ещё и отвратительным — как скальпель в руках больного извращенца. Оно может вызывать не восхищение, а судорогу, рвотный рефлекс, паническую атаку. Именно таким его делал Герман Нич.

Это настолько ужасно, что запрещено к просмотру психически неустойчивым людям. Это игра на стыке ужаса, отвращения и богохульства. Перформансы Нича — языческая месса, где художник становится жрецом, а зритель — соучастником обряда.

В 1960-х Нич основал Театр оргий и тайн. Его «акции» — это свиньи, кровь, распятия, обнажённые тела, псалмы, крики и обмороки. Белые холсты заливались кровью, разрывом, напряжением. Не спектакль — откровение плоти. Не галерея, а алтарь.

Он считал, что только сильное, переживание способно очистить человека. Что через страх, тошноту, насилие и ритуал можно достучаться до скрытых слоёв психики — к архетипам, к тому, что вытеснено.

Общество, разумеется, отвергало его. Его судили, преследовали, запрещали. Но за тем, что казалось сумасшествием, проступала логика — и искусствоведы увидели в этом не просто провокацию, а продолжение традиции трагедии, религии, тела как медиума.

Сегодня его полотна — часть музейных коллекций. Его тексты изучают в университетах. Его кровь — уже история искусства.

Нич доказывает: искусство — не только про красоту. Оно может быть скандалом. Страхом. Телом, лежащим на жертвеннике.

Моё мнение? Я не могу на такое смотреть. Я слишком чувствительна к таким вещам. Но это не значит, что это не искусство.
А что думаете вы?

#современноеискусство #сложно

А вы знали настоящий смысл писсуара? И что значит загадочная надпись R. Mutt?

#искусство #легко

Занимайтесь всем, пожалуйста, с любовью…

Я обожаю архитектуру эпохи модерна. Это мой любимый стиль — вы наверняка уже заметили. Именно поэтому я пошла на экскурсию в кинотеатр «Художественный», посвящённую Фёдору Шехтелю.

К сожалению, вел её человек, который с порога признался: он терпеть не может модерн и считает Шехтеля мастером китча. У меня буквально перехватило дыхание. Китч? Только не Шехтель. Архитектор с тончайшим вкусом, с потрясающим чувством стиля и меры.

Очередным абсурдом стало то, что он не знал: Шехтель не имел официального диплома архитектора. Это самая важная деталь, которую необходимо знать, говоря об этом архитекторе, поскольку от этого факта зависела вся его жизнь. Когда я об этом упомянула, гид растерялся и промямлил что-то невнятное.

А потом он у меня спросил:
— А разве обязательно всё делать с любовью?
— Да, обязательно.
А вы бы пошли к стоматологу, который не любит то, что он делает? Или к любому другому специалисту узкого профиля?

Почему же тогда гид — или, тем более, учитель — может себе позволить не любить то, чему посвящает свою работу? Я считаю это профессиональным преступлением.

Я не дождалась конца экскурсии. Это было слишком тяжело. Погуляла одна, сделала красивые фотографии «Художественного» — и вышла.

Делайте, пожалуйста, только то, что любите.
Это видно.
Это слышно.
И это важно…

#возмущаюсь #искусство #архитектура #легко

Сейчас Биркин, а тогда Шишкин

Вы думаете, бренд значит что-то только сейчас? В девятнадцатом веке он играл не меньшую роль — просто назывался иначе. Тогда имя художника уже обладало рыночной стоимостью, влияло на продажу картины и определяло её судьбу. Неважно, кто держал кисть — важно, чья подпись стояла внизу холста.

Когда галерист Павел Третьяков покупал живопись, он делал ставку не только на талант, но и на узнаваемость. Имя художника должно было работать, как логотип на люксовой сумке: вызывать доверие, восхищение и ощущение «высокой культуры».

Все мы знаем эту картину. Трое медвежат играют среди деревьев. Мягкий свет пробивается сквозь еловые лапы. Шишкин. Конечно, Шишкин. «Утро в сосновом лесу» — символ русского леса, детства и, кажется, самой России.

Но знаете ли вы, что эти медвежата — не его?

Вот как было на самом деле.

Иван Шишкин написал лес. Только лес. Один из своих типичных лесов с хвоей. Ни одного зверя. Ни одной лапки. Он вообще не любил вписывать животных в композицию.
А мишек дописал другой художник — Константин Савицкий. Именно он предложил идею с медвежатами и виртуозно вписал их в пространство.

Картину подписали вдвоем: Шишкин и Савицкий. Это была их совместная работа.

А дальше — началось самое интересное.

Картину купил сам Павел Третьяков. И… потребовал убрать подпись Савицкого.
Считал, что Шишкин — бренд, а животные на его фоне только мешают. Савицкий был вычеркнут из истории, будто его кисть не касалась холста. С тех пор «медвежата» стали считаться шишкинскими.

Это пиковая точка.

Самый растиражированный образ в русском искусстве не принадлежит заявленному автору. Сегодня никто не сомневается, что «Утро в сосновом лесу» — Шишкин. Мишки — Шишкин. Всё — Шишкин.

Но, как это часто бывает, настоящую драму скрывает молчание внизу картины. Там, где стерли вторую подпись.

P. S.
В 1970-х в СССР с этой картины делали сотни миллионов фантиков для конфет «Мишка косолапый». Репродукцию знали даже те, кто ни разу не был в музее.
Савицкий, в отличие от конфет, остался без признания.

#искусство #живопись #история

Art Russia — то, что понравилось,
и дверца с секретом

Вчера я побывала на выставке современного искусства и честно поделилась своими впечатлениями — не самыми восторженными.

Сегодня, по просьбам трудящихся, хочу показать вам те немногие работы, которые действительно понравились. Не раздражали, не пытались манипулировать, не прятались за манифестом, а имели вес и смысл. Их было немного, но они были.

Отдельно хочу выделить одну работу — с дверцами. Простая на первый взгляд конструкция, но каждая дверца открывается, и за каждой — свой образ, свой фрагмент смысла. Последняя же — закрыта. Её имеет право открыть только покупатель, тот, кто решится купить работу.

Такая интимная игра художника и зрителя, доведённая до коммерческой крайности. Как вы думаете, что там, за этой последней дверцей? Давайте пофантазируем вместе.

#артдетектив #современноеискусство

Посетила сегодня открытие ART Russia.

Друзья… я в шоке. Это плохо. Это очень, очень удручающе плохо.
Арт Мадрид, о котором мы говорили раньше, на этом фоне — эталон вкуса и художественной мысли.
Я увидела сегодня несколько сотен экспонатов. Знаете, сколько из них мне действительно понравились? — Три. Всего три.

Что происходит?
Неужели мы так увязли в логике массового потребления, что для настоящего творчества просто не осталось пространства?
Или, может, отбор на выставку был устроен по принципу: без коммерческого потенциала — не подходи?
Продажи важнее всего. Никаких вам глубинных смыслов, экзистенциальных размышлений — “это не продаётся”.

Работы в основном делились на три типа:
1. Цитаты из мёртвых мастеров — Магритт, Бэкон, Хоппер, вдруг откуда ни возьмись — Пукирев…
2. Пустая провокация, не подкреплённая ни мыслью, ни чувством.
3. Китч. Всё — сплошной китч.

Даже если вы решили провоцировать — начните с вопроса “зачем?”. Если не можете ответить — не беритесь.

На этом фоне особенно остро ощущалось присутствие трех одиноких художников на полупустых стендах.

Без шампанского, без хайпа, без лид-магнитов.
Их работы были непонятны, сложны, наполнены мыслью — и потому остались без внимания.
Но именно эти работы давали хоть какое-то облегчение. Хоть что-то настоящее.

Потому что — не пошло, не кричаще, не модно.
И потому — страшно.

#современноеискусство #страшно

Он терял слух. Постепенно. Без шансов.

А вместе с ним — терял смысл жить.
Но однажды, когда он был готов уйти… он остался.
И написал музыку, которая спасла миллионы.

Что сильнее отчаяния?
История Бетховена — не о гениальности.
А о боли, одиночестве и невероятной внутренней силе.
Музыка, рождённая в тишине.

Симфонии, написанные в полном мраке.
Искусство, которое протягивает руку, когда уже ничего не помогает.

Это не просто видео о композиторе. Это видео — о спасении.

Смотрите до конца — и, возможно, вы услышите то, что изменит ваше представление о стиле музыки.

P.S. На создание этого видео меня вдохновила чудесная лекция великолепного музыканта и талантливого лектора Сергея Бурлаки. Сергей организовывает потрясающие мероприятия на которых погружает зрителей в загадочный мир музыки.

Сердечно благодарю его за глубину и за вдохновение ❤️.

Ютуб - https://youtu.be/XcxXgLmx-w4


ВК Видео - https://vk.com/video-229187736_456239023

#видео #музыка #искусство

Караваджо, Карпаччо и капитал

В 1973 году в Нью-Йорке прогремел аукцион, который навсегда изменил рынок искусства.

Под молоток Christie’s пошла коллекция предпринимателя Роберта Скалла — того самого, кто скупал работы Энди Уорхола, Джеймса Розенквиста и Джаспера Джонса за тысячу долларов, а перепродал их по 50, 100 и даже 150 тысяч.

Суммарно аукцион принёс Скаллам 2,2 миллиона долларов выручки — по тем временам было сумасшедшими деньгами.

Это был первый прецедент, когда искусство стало маржинальным активом. Буквально за одну ночь все поняли: можно вложиться в безумную мазню и через десять лет выйти в плюс, круче чем с нефтяной скважиной.

Так закончилась эпоха коллекционеров и началась эпоха инвесторов. И Уорхол из маргинала стал активом.

С тех пор многое изменилось, но суть осталась.
Сегодня коллекционирование — не про культуру, а про входной билет в элиту, где по-прежнему важно говорить «Караваджо», но понимать — уже не обязательно.

Среди коллекционеров есть байка, что однажды на аукционе в Нью-Йорке один счастливчик выиграл торги за работу Караваджо, а потом с гордостью прошептал супруге: «Дорогая, у нас теперь у нас есть Карпаччо». Она кивнула: и правда, звучит аппетитно.
Эта история довольно точно описывает дух времени.

Сегодня ты можешь не отличать Караваджо от Карпаччо, но если заплатил шесть нулей — ты прав.

Потому что на арт-рынке главное — не смысл, а цена. Не «что это», а «у кого это».

Роберт Скалл в своё время прославился не только рекордным аукционом, но и сценой, которую запомнили все.

Он продал работу Роберта Раушенберга за 85 тысяч долларов, купив её за тысячу. Пьяный и расстроенный Раушенберг пришел на аукцион без приглашения и начал возмущаться.

«Ты заработал тысячу. Я — восемьдесят пять», — сказал Скалл художнику.
«Тогда, чёрт побери, почему ты не сделал картину сам?» — ответил Раушенберг.

С тех пор прошло 50 лет.
А вопрос остался актуальным. В мире, где портрет Эдмонда Белами продают за 432 тыс., о здравомыслии говорить сложно…

А вы слышали об этом портрете?

#современноеискуство #наподумать

Сегодня хочу познакомить вас с интересным каналом про искусство.

Хозяйка маленькая грузинская женщина. Сервирует искусство по тарелочкам. Боже ж мой, как Диана угощает! На столе всегда:

Разборы сюжетов картин. Я такое люблю. Выключайте плиту, а то сгорит всё, как у меня, жмите на ссылки и листайте-смотрите-читайте:

Что за странные люди на триптихе Босха «Сад земных наслаждений»?

О чем кричит дорогущая картина Мунка?

Не квадрат! Не чёрный! Не Малевича!

Правдивые истории из жизни творческой интеллигенции. Никаких сплетен. Только чёрный юмор и факты:

Климт и его голое общежитие

«Художник должен быть голодным!» Дега вам скажет: «Нифига!»

Мастер-класс от Лены из Казани: «10 шагов к собственному замку». Гала и её Дали.

А на десерт — художественные мемы!

Рассказать просто о супрематизме — это, я вам скажу, талант. Поэтому что бы ни подала на своём канале Диана, я точно буду. И вам рекомендую.

Разбить «историю» ради перфоманса? Как вы думаете это адекватно?

#видео #современноеискусство

Арт-перформанс «Демон»

У нас невероятная новость: вместе с талантливым режиссёром Алексеем Варяховым мы задумали грандиозный перформанс, вдохновлённый легендарным Демоном Михаила Врубеля. Это захватывающее театрализованное действие объединит артистов балета, классических музыкантов и известных эстрадных исполнителей.

Сейчас мы ищем партнёров и единомышленников, которые помогут воплотить эту амбициозную идею в жизнь. Если вы хотите поддержать нас финансово или информационно — будем рады лично обсудить детали и условия вашего участия, а также преимущества для наших партнёров.

Знаете того, кому может быть интересно принять участие? Напишите сообщение об этом в комментариях — мы свяжемся с каждым лично!

Вместе мы сможем создать по-настоящему значимое культурное событие!

#Врубель #театр #искусство

Как японка из психушки стала иконой современного искусства?

#видео #современноеискусство #легко

Врубель. Пространство, где лес становится частью искусства


Делюсь с вами последними новостями. Во всю идет подготовка к открытию нового пространства. Пока я работаю над дизайном и авторским концептом, мои девочки снимают видео.

Искусство и вдохновение рождаются буквально на глазах. Наши декораторы вручную, штрих за штрихом, создают особенный арт-объект, который станет центром всего пространства — огромную скульптуру дерева сирени, символизирующую тонкую и пронзительную поэзию врубелевского мира.

Параллельно этому оживают стены: двухметровые картины Врубеля наполняют интерьер экспрессией и драматизмом. Каждое полотно подобрано так, чтобы пространство стало не просто местом для мероприятий, а настоящей территорией искусства, где гости смогут почувствовать глубину и сложность творческого гения Врубеля.

Уже в апреле откроются двери этого уникального арт-лофта, спрятанного среди городского леса. Совсем скоро здесь зазвучит старинный рояль, а события наполнятся особой атмосферой, которая запомнится надолго.

#новости #casapicassa #врубель

Когда даже тряпка — искусство

Есть что-то неуловимое и мистическое в картинах Врубеля…

Соприкосновение с ним, словно взгляд в бездну, его цвета обладают каким-то магическим свойством.
Они поглощают, затягивают внутрь полотна, заставляют погрузиться в какое-то иное измерение. Не зря кураторы Третьяковки проводят параллель между ним и Ван Гогом. Они во многом похожи. Каждый из этих двух гениев был мощнейшим колористом, и каждый стоял на пороге бездны.

Полотно «К ночи» Михаила Врубеля соткано из сумрачного света. Вы буквально чувствуете это кожей. Это тепло, прикосновение лета и свежий деревенский воздух с терпкими нотками цветущего чертополоха.

Солнце уже спряталось за горизонт, оставив земле лишь этот багряный, яркий отсвет. И он его поймал… на свой холст. Просто невероятно!

А его картина «Натюрморт. Ткани» буквально спорит со здравым смыслом. Просто стул, просто на нем лежат тряпки. А Врубель превращает это в симфонию цвета. От него невозможно оторваться, ткань обладает каким-то магическим внутренним свечением. Словно краски заката. Я никогда не встречала подобного. Даже в каталоге выглядит волшебно. Вот, что говорил о ней сам художник… сделала для вас фото.

Когда Врубель работал над своим «Демоном поверженным», он достиг пика своего мастерства. Он использовал экспериментальные составы красок, которые давали невероятное золотое свечение. Но, к сожалению, эффект оказался слишком кратковременным. Золото начало темнеть прямо в процессе создания картины, буквально на глазах у художника демон стал «гаснуть».

Это нанесло последний удар по расшатанной психике Врубеля. В психиатрическую лечебницу его забрали прямо с выставки, где он полубезумный дописывал «Демона», несмотря на ошеломленные взгляды публики. При этом он постоянно твердил, что демон угасает…

Для меня картины Врубеля — это параллельные вселенные, наполненные мистическим, необъяснимым светом. Его творчество, как потусторонний голос, которому сложно противится, поражает до глубины души.

А вы как относитесь к Врубелю?

https://music.yandex.ru/album/5834703/track/796221?utm_medium=copy_link


#искусство #сложнее #живопись

Мир Сошел с ума…

Мне тут вчера рассказали, что, выступая перед студентами московской киношколы, режиссер Сарик Андреасян, автор, по моему мнению, одного из ужаснейших фильмов в истории кинематографа — «Евгений Онегин», изрек:

«Я ненавижу Тарковского, я ненавижу авторское кино! Зачем вы заставляете меня смотреть эту лажу? Если вы хотите быть нищими, кончеными, блюющими кинематографистами, идите нахер». И покинул зал под смех студентов.

При этом его фильмы входят в рейтинги лучших в России???
Как такое произошло, когда мы позволили абсурду дойти до такого предела, когда мы пятнаем гениальное наследие в угоду коммерции и кретинизму?

Да, Тарковский сложен… Да, его невозможно смотреть без бекграунда и не в кинотеатре. Но разве это повод поощрять такие высказывания? Давайте теперь еще книги Гёте и Джойса… Ну и поздние романы Толстого сожжем, потому что сложно и коммерчески невыгодно… Что за странная точка зрения?

Сложные произведения должны вдохновлять и провоцировать на желание расти, учиться чему-то новому, расширять кругозор. Человек с широким кругозором понимает это и стремится сократить дистанцию между текущим уровнем восприятия и сложным

На этом Андреасян не остановился… Он предложил выкинуть Тарковского из программы обучения как устаревший материал.
Аплодисменты… больше добавить нечего.

Но с другой стороны, ожидать глубины от автора, который открыто заявляет, что его интересуют исключительно доходы, вероятно, не стоит. Главный вопрос к нам: готовы ли мы ставить коммерсантов в один ранг с художниками и поощрять это безумие?
Или все-таки здравый смысл победит…

#наподумать #кино

Искусство или Богохульство?

Вышел мой новый - самый дерзкий и интересный ролик для YouTube. Так далеко в нашем провокативном искусстве мы с командой еще не заходили…

Моя любимая тема св. Терезы Бернини, с легкой руки нашего талантливого режиссера, получила максимально нестандартное прочтение.

Мурашки по коже. Был ли прав художник, когда решился на такое? Что вы думаете? Делитесь своими впечатлениями в комментариях.

Приятного просмотра:

https://youtu.be/DhAgsBl5mX8

https://vk.com/video-229187736_456239022

#искусство #скульптура #видео #легко

Вышла моя новая статья в журнале «Сноб»

«Кто решает, что это искусство? Теневое влияние аукционных домов на стоимость произведений искусства».

https://snob.ru/art/milliony-za-banan-i-plachushchii-leonardo-kak-auktsiony-vliiaiut-na-stoimost-iskusstva/?ysclid=m8q1im4ral472758324

Приятного чтения 🤗

Искусство из воздуха

Что делает современную скульптуру живой?

Александр Колдер — человек, который точно знал ответ. Он не просто ваял скульптуры — он их конструировал. Американец с инженерным дипломом, он родился в семье скульпторов, но отказался идти по проторенному пути. Ему было скучно ваять бронзовых титанов. Ему хотелось, чтобы искусство дышало, колебалось, падало и снова вставало.

Мобили Колдера — не просто воздушные скульптуры, это революция на тонкой проволоке. Он придумал их в начале 1930-х — и в один момент зашёл туда, куда не ступала нога ни Мондриана, ни конструктивистов. Он буквально вытащил абстракцию из плоскости и заставил её летать.

Интересно, что идея пришла к нему после визита в мастерскую Мондриана. Он предложил мастеру прикрепить геометрические формы к ниткам, чтобы они двигались. Мондриан отказался, Колдер понял, что хочет попробовать реализовать этот замысел.

Он дружил с Дюшаном, и именно Дюшан придумал слово “мобиль”, в котором одновременно слышится “mobile” (подвижный) и “motive” (мотив, двигатель). Позже Жан Арп назвал его другие объекты «стабили» — неподвижные, но всё такие же непредсказуемые.

Колдер создал первый непредсказуемый перформанс, где хореографом был не человек, а ветер. А ещё — он лично строил свои конструкции, от первого винтика до последнего мазка краски. Он не признавал ассистентов. Только ты и материя.

В 1931 году он показал первый подвижный объект в Париже — и искусство сделало вдох. Через несколько лет Колдер создаст гигантские инсталляции для ЮНЕСКО, аэропортов, музеев и городских площадей и станет мировой знаменитостью.

Даже Эльдар Рязанов сделал отсылку к Колдеру в своем знаменитом фильме «Служебный роман». Помните? :) Когда Алиса Фрейндлих заходит в квартиру, Олег Басилашвили объясняет ей, что люстра — это Мобиль.

В этой истории меня восхищает, как красота родилась из осуждения, а сила мысли победила отрицание. Несмотря ни на что, он достиг своей цели. И это чертовски красиво! Посмотрите сами.

https://youtu.be/6sV3HAC5Q9U?si=43fI87iQdxtyDiSs

#современноеискусство #легко

«Поле с воронами». Одна из самых тяжелых картин в истории искусства.

По вашей просьбе разбираю эту картину. Осторожно, чувствительным рекомендую этот пост пропустить.

«Пшеничное поле с воронами» — предпоследняя работа Винсента ван Гога, написанная в июле 1890 года, за несколько дней до его смерти. Это не просто пейзаж, а символическая сцена внутреннего надлома.
Давайте вместе проследим за ее символикой.

Пшеница
Пшеничное поле у Ван Гога — мотив плодородия и труда. Но в этой картине поле будто больное. Оно сломано, изрезано дорогами и встревожено ветром. Это не образ плодородия — это опустошённая земля. Символ исчерпанной жизни.

Трава
Очень сильным акцентом на этом полотне выступает трава. Ее живой зеленый цвет будто не вписывается в общую гамму полотна. Он тает, растворяется в нарастающей тяжести неба с воронами. В левой части полотна мы видим такие же черные мазки, которые Винсент использовал для прорисовки птиц. Трава чернеет и высыхает. Это символ угасающей, теряющей силу жизни.

Вороны
Вороны здесь — не декоративный элемент. Их фигуры напряжённы, почти остры и кажутся нависающими над полем. Они кружат низко и тяжело — не как мимолётные птицы, а как стервятники, заполняющие воздух ощущением неминуемой гибели. Они превращают поле в зону обречённости, как будто уже ждут конца, уже собираются.

Дороги
Три расходящиеся дороги не ведут ни к свету, ни к выходу. Они теряются в пространстве. Это не путь, а символ утраты направления — распутье, где все решения равнозначны и все ведут в никуда.

Небо
Плотное, сгустившееся, физически тяжёлое небо подавляет и «перекрывает» пространство. Оно гасит глубину, не даёт воздуха. Цветовая гамма — напряжённый диалог между жёлтым и синим — создаёт эффект тревожного сжатия.

Здесь, на этом полотне, художник достигает предельной силы и эмоциональности цвета. Это картина, в которой всё пространство пропитано ощущением конца. Ван Гог пишет не природу, а предел. Предел эмоциональный, психический, физический. Поле с воронами — живописный рубеж между жизнью и тем, что за её гранью.

#искусство #живопись #винсент

В чем секрет
«Качелей» Фрагоннара?

И почему это было чертовски пошло? 🌚

#живопись #искусство #легко

«Темные гении мира искусства: Искусство подделки»

Как думаете, сколько картин в галереях и на аукционах современного искусства подделки? Скажу вам по секрету, очень много… Около 50% по версии Швейцарского института экспертизы изящных искусств (FAEI) на 2014 год.

Могут ли такие картины считаться искусством? Можно ли восхищаться творением, зная, что перед вами не оригинал великого мастера, а искусная копия?

Сегодня я расскажу о трех гениальных фальсификаторах, чьи работы вводили в заблуждение даже самых авторитетных экспертов.

1. Вольфганг Бельтракки

Немецкий художник Вольфганг Бельтракки считается одним из самых талантливых фальсификаторов XX века. Его подделки картин таких мастеров, как Пикассо, Матисс и Макс Эрнст, были настолько убедительны, что попадали в престижные музеи и частные коллекции, а их общая стоимость оценивалась в миллионы долларов. Лишь одна ошибка – использование современной краски, не соответствующей периоду создания оригинала – разоблачила аферу. Бельтракки был приговорён к шести годам заключения, но его работы до сих пор вызывают восхищение и жаркие споры о природе искусства.

2. Галерея Knoedler

Галерея Knoedler была одной из самых престижных галерей Нью-Йорка с историей более 150 лет. Однако почти полтора десятилетия она продавала поддельные полотна, якобы написанные такими гениями, как Марк Ротко, Джексон Поллок и Виллем де Кунинг. Скандал разразился, когда один из коллекционеров решил проверить подлинность купленной картины, и независимая экспертиза выявила несоответствия материалов и техники исполнения. В результате галерея была закрыта, а её владельцы столкнулись с судебными исками на десятки миллионов долларов. Этот случай до сих пор вызывает споры о том, были ли эти картины полностью лишены художественной ценности.

3. Эльмир де Хори

Эльмир де Хори – венгерский художник, ставший легендой мира искусства благодаря виртуозным подделкам работ Амедео Модильяни, Пабло Пикассо и Анри Матисса. Его карьера фальсификатора длилась десятилетия, и лишь тщательные исследования экспертов, заметивших повторяющиеся детали и характерные штрихи, смогли раскрыть обман. Тем не менее, де Хори так и не понёс серьёзного наказания, а его жизнь стала основой культового фильма Орсона Уэллса «F for Fake». Сегодня он остаётся одной из самых загадочных и романтизированных фигур в истории искусства.

А теперь главный вопрос к вам: могут ли фальшивки быть признаны самостоятельными произведениями искусства? Делитесь мнениями в комментариях!

#искусство #живопись #легко

Вышла моя статья в журнале Psychologies.

Как понимать картины в музее: простые советы от искусствоведа

Считаете, что для похода в музей или на выставку не нужно обладать специальными навыками? Это не совсем так. Визит в музей может стать по-настоящему захватывающим и глубоким опытом, если знать, как правильно взаимодействовать с произведениями искусства. Хотите попробовать и прослыть знатоком?

https://www.psychologies.ru/wellbeing/kak-ponimat-kartiny-v-muzee-prostye-sovety-ot-iskusstvoveda/

Видеоматериал на эту тему:

https://youtu.be/3Dw8mfI-Lg4?si=b17ZZ7BjFcFs0dr3

#искусство #публикации

История банана: Как не дать себя одурачить?

В 2019 году на арт-ярмарке Art Basel в Майами случилась невероятная история, которую мир искусства не забудет ещё долго. Художник Маурицио Каттелан представил публике работу под названием «Комедиант». По сути, это был самый обычный банан, приклеенный к стене серым строительным скотчем. «Шедевр» вызвал сенсацию и был немедленно продан за $120 000.

Но самое интересное началось потом: другой художник, Дэвид Датуна, не растерялся и прямо во время выставки съел банан, назвав своё действие перформансом «Голодный художник». Организаторы не стали паниковать — банан заменили, ведь ценность была не в самом фрукте, а в идее. Казалось бы, абсурд, но это сработало.

Эта история ставит перед нами ключевой вопрос: кто на самом деле решает, что является искусством? Художники? Аукционные дома? Эксперты? А может, публика, готовая поверить в ценность любой ерунды, если её грамотно подать?

Если вы не разбираетесь в искусстве, то легко можете стать жертвой умелой игры арт-рынка. Как отличить подлинное искусство от трюка? Почему банан за $120 000 — это искусство, а банан за доллар из соседнего магазина — нет?

Приглашаю вас на лекцию, где мы разберём реальные механизмы, с помощью которых аукционные дома и галереи создают ажиотаж и манипулируют вашим восприятием ценности произведений искусства.

📅 Дата: Завтра
🕒 Время: 18:00
📍 Место: Cube Moscow

Количество мест ограничено.

https://cube.moscow/lection-art-price/