В Малом театре играют Андерсена 🍁🍁

Премьера спектакля «Стойкий оловянный солдатик» состоится совсем скоро – 27 апреля. Играть его будут на Малой сцене на Ордынке.

В основе спектакля лежит, согласно официальным данным, «сценическая версия Малого театра». Премьера выходит под руководством Алексея Дубровского, непосредственно за режиссуру отвечает Станислав Сошников; он же написал инсценировку сказки Ганса Христиана Андерсена. В процессе также участвовали Ярослав Седов (автор драматургической обработки) и Сергей Плотов, отвечавший за стихотворную часть.

Распространяться об особенностях новой трактовки никто из создателей не спешит. Точно можно сказать следующее: в истории появляется рассказчик – Оле-Лукойе (использовать этого героя на правах повествователя – частый ход интерпретаторов Андерсена), а само действие стилизовано под «механический театрик».

🍁О творческой команде спектакля и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».

Редакция «Театрального журнала» подхватила тренд.

Рассказываем о важном: без чего не обходится ни один наш рабочий день, особенно если он связан с походом в театр💜

А что вы всегда берёте с собой на спектакль? Делитесь в комментариях💜💜💜

«СамАрт» расскажет историю, конца которой нет 🆎🆎

Речь о спектакле «Бесконечная история» по одноимённому роману Михаэля Энде. Впервые её сыграют сегодня вечером, 25 апреля.

Премьеру готовит Галина Зальцман. Большинство её спектаклей, выпущенных в последние годы, создано в диалоге с кинематографом. На сей раз она работает с литературным материалом, хотя совсем без вмешательства экранного искусства не обошлось: с сюжетом «Бесконечной истории» публика если и знакома, то скорее по фильму Вольфганга Петерсена (1984), чем по исходному роману Михаэля Энде (1979).

Судя по предпремьерным заявлениям Галины Зальцман, её трактовка не будет расходиться с привычным прочтением романа Энде. Основное внимание уделено двоемирью: действие разворачивается в Реальности и Фантазии, причём эти измерения взаимосвязаны и глубоко влияют друг на друга. Над созданием пространства режиссёр работает вместе с художником Семёном Пастухом; получается натуральное «магическое фэнтези», с детализированными костюмами (художник по костюмам – Лилия Хисматуллина) и элементами театра теней (художник по свету – Тарас Михалевский).

✅ Подробнее о предстоящей премьере и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».

На видео из соцсетей СамАрта вы увидите процесс подготовки спектакля.

В Великий Новгород летят семь сов и последний добрый дракон 🐉🐉

Такова программа 18-го Международного театрального фестиваля «Царь-Сказка». Это один из старейших смотров театра юного зрителя в стране – впервые он прошёл в 1992 году. Бессменный организатор – Новгородский театр для детей и молодёжи «Малый», хотя события фестиваля захватывают и другие городские площадки (в этом году среди них впервые окажется Музей изобразительных искусств). Даты проведения – с 25 по 29 апреля.

В этом году на сцене покажут 17 спектаклей из 6 стран мира. Среди них: «Красный фонарь» Дмитрия Крестьянкина, «Дневник ласточки» Ксении Павловой, «Медведь» Ильи Архипова, «45 минут» Ларисы Афанасьевой, «Семь сов» Юлии Беляевой, «Сказка о последнем добром драконе» Евгения Серзина. Москва представлена спектаклем Саши Золотовицкого — «Коричневое утро». Омский театр привезёт «Манолито Очкарик», а Архангельский театр драмы им. М. В. Ломоносова — «Витя + рыба». Театр «Малый» покажет «Потеряшек» и «Онегина».

Международная часть пройдет онлайн, за исключением моноспектакля «Почему не остаются следы?» из Бишкека. В этом году участвуют театры из Китая, Чили, Бразилии и Аргентины. В рамках смотра состоятся сразу две выставки зарубежного театрального плаката, образовательный проект «Лекторий» и встречи с детскими писателями и переводчиками,

🦉С полной программой фестиваля можно ознакомиться на нашем сайте.

Что скрывается на 218 странице фиолетового выпуска «Театрального журнала»? 💜

Там вас ждёт машина времени: по страницам очерка Видаса Силюнаса вы отправитесь в Испанию — прямиком в театр Золотого века!

«Представим себе это. Зрители и зрительницы переговариваются, галдят, в партере шныряют продавцы напитков, сладостей и фруктов, нередко возникают споры и стычки среди желающих протолкнуться поближе к подмосткам. Чтобы развернуть мужской партер лицом к сцене, выходит голосистый актёр, актриса или музыкант со звонкой песней. После этого следует вторая часть спектакля — лоа. Самый обаятельный артист или наиболее склонная к импровизации актриса обращаются к зрителям со вступительным словом — loa, что буквально означало похвалу. Хвалили всё что угодно: город, в который приехали комедианты, события того дня недели или того числа, в котором давали представление, вспоминали священные, легендарные или исторические случаи. Были и самые неожиданные похвалы: ворам (Прометею, укравшему огонь), блохе, еде и т. п. Наконец, актёры охотно хвалили самих себя, рассказывая о том, какие трудности преодолевали во время путешествий, как упорно они трудятся…»

Из продолжения очерка вы узнаете:

💜Какие древнегреческие философы были наиболее близки испанцам XVI–XVIII веков?
💜 Как религиозные праздники становились поводом для карнавалов и что это значило для жителей Испании?
💜Почему меланхолия считалась не только болезнью, но и признаком мудрости и таланта в искусстве и жизни Золотого века?
💜Как лечили душевные болезни в то время?

И это лишь малая часть информации! Готовы ли вы погрузиться в мир страстей, праздников и философских размышлений? Ищите фиолетовый выпуск «Театрального журнала» на OZON!

Театр им. Вл. Маяковского развяжет «поэтическую бойню» 🏴‍☠️

Такой жанровый подзаголовок носит очередная премьера Маяковки – спектакль «Разбойники». Состоится она 25 апреля на Сцене на Сретенке.

Постановку в Театре им. Вл. Маяковского готовит Евгений Закиров.

«Эта пьеса – своеобразный “поучительный” эксперимент персонажей над самими собой. Шиллер как бы раскрывает нам и самому себе: вот куда могут завести гордыня и зависть, если морально оступиться. Притом, что безудержный путь зла и насилия бывает страшно весёлым, захватывающим, “упийственно” приятным»,
– говорит режиссёр.

Пространство, в котором будет проходить эксперимент, придумала художник Евгения Шутина. В официальном анонсе сообщается, что оно одновременно напоминает «и университетскую кафедру, и залы старого замка, и грозовое небо, которое ещё немного и разверзнется настоящими молниями над вставшими на путь зла и жестокости братьями Мор». Романтический накал страстей авторы обещают передать в полной мере. Один из вопросов, рассматриваемых в спектакле, Евгений Закиров формулирует так:
«Быть может, величие в том и состоит – чтобы “сгореть красиво”»?

👀Подробнее о предстоящей премьере и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».

В Александринском театре выпускают спектакль о максимализме мечты и его последствиях ⭐

В последние дни августа Национальный театр России открыл сезон алексадринским дебютом Константина Богомолова «Мать. Горькая пьеса». Теперь, в последние дни апреля, пришло время для дебюта другого заметного режиссёра – Андрея Прикотенко. В основе – опять классика: роман «Обломов». Премьера состоится 25 апреля.

«Обломов» Прикотенко поселится в пространстве Новой сцены. Нюансы режиссёрского прочтения держатся в секрете; общий посыл таков: заглавный герой предстанет юродивым, «чья воля парализована максимализмом мечты». Вместе с тем, как и в Штольце, в Обломове будет ощущаться присутствие деятельной энергии. Динамику взаимоотношений дуэта Андрей Прикотенко описывает так:

«Илья Ильич говорит: я родился с ощущением, что моё счастье – в области недостижимой мечты. Всё его существо устремлено в сторону прекрасной, совершенно удивительной Обломовки, и в то же время он прекрасно понимает, что эта Обломовка – как рай. Даже не утраченный, а просто невозможный. <...> А друг Обломова, практичный Штольц не понимает, что обломовская мечта – это утопия и пытается его убедить: надо идти по шажочку, step by step, и вообще суть жизни в самом движении, а не в цели. И в этом герои Гончарова разнятся – Штольц находится в буквальном движении, а Обломов, безвольный физически, обладает внутренней энергией движения».

🔜Подробнее о предстоящей премьере, творческой команде и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».

«1234»: балет, объединяющий мир 🩰

17 и 18 мая на сцене БДТ им. Г. А. Товстоногова состоится долгожданное возвращение балета «1234» — спектакля Юрия Смекалова, ставшего одним из открытий 2019 года.

В этом уникальном эксперименте приняли участие четыре хореографа из разных стран: Ксения Вист (Германия), Хелдер Сеабра (Португалия), Юрий Смекалов (Россия) и Яэль Цибульски (Израиль). Они объединились, чтобы создать гармоничное целое, используя разные танцевальные стили и языки.
«Для нас возвращение этого балета — трепетное, радостное и значимое событие. Обстановка в мире непростая, и то, что именно сейчас на сцену вернётся постановка с участием трёх зарубежных хореографов, — очень важно. Как мне кажется, это пример мягкой силы, объединяющей и связующей страны и народы, которой и должно быть искусство, и балет как его часть»,

— говорит Юрий Смекалов о перезапуске спектакля.

Балет «1234» — это попытка объединить культурные коды разных стран через универсальную символику цифр. Каждый участник проекта выбрал число, вокруг которого построил сюжет, основанный на исторических воспоминаниях своего народа: 1 — путь познания человеком самого себя, 2 — поиск утерянной гармонии, 3 — зал ожидания между хаосом и порядком, 4 — перерождение. Однако зрители не узнают, кому принадлежит авторство частей.

Объединяет части балета музыка молодого петербургского композитора и мультиинструменталиста, лауреата премии NCA Music Awards Бхимы Юнусова.

В спектакле участвуют артисты Большого и Мариинского театров, а также независимые танцовщики, владеющие различными стилями: Юрий Смекалов, Александр Челидзе, Виктория Литвинова, Диего Кальдерон, Алла Бочарова, Злата Ялинич, Игорь Клинский, Диана Чемилевская и другие.

🩰 Подробнее о постановке читайте тут.

#Сергей_Хачатуров — о спектакле Екатерины Половцевой «Двойник» в мастерской С. В. Женовача, ГИТИС:

«Персонаж Двойник Погорельского рамирует своим участием все четыре новеллы. В раму включены разговоры писателя с самим собой, комментарии новелл. В одной ипостаси он сторонник чудес, мистики и ирреального. В другой — резонёр, поборник здравого смысла и рационального объяснения чудес. Собственно, на пересечении рационального стиля эпохи Просвещения и мистического романтизма и возник жанр готического романа, в котором Перовский работал. Он будто препарировал в «Двойнике», в разговорах с самим собой, идею этого литературного направления. Мистика и разум дают напряжение читателю, и тот увлечённо расследует все тайны. Неспроста готический роман стал прообразом детектива с позитивистским дедуктивным методом разгадывания, казалось бы, ирреального».

Читайте полный текст на нашем сайте.

#Арт_критик_в_театре

Гиньоль с щепоткой Миядзаки: Псковский театр драмы им. А. С. Пушкина играет Леонида Андреева 🤩

Премьера спектакля с внушительным названием «Каинова печать» состоится уже сегодня, 22 апреля.

В основе постановки – малоизвестная пьеса Леонида Андреева (1913), чаще фигурирующая под альтернативным названием «Не убий!». Ставит её режиссёр Тимур Кулов. Для псковской премьеры ему пришлось сочинить собственную инсценировку. Сногсшибательных изменений не будет – по словам режиссёра, редактура понадобилась, чтобы избавить текст от некоторой тяжеловесности стиля. Одно существенное изменение, впрочем, бросается в глаза – место действия. У Андреева оно перемещалось из одного детально описанного интерьера в другой.

Кулов же предпочёл заострить повествование и поместил всех персонажей в единое замкнутое пространство – поезд, «на всех парах несущийся то ли к исполнению заветных желаний героев, то ли к тотальному крушению». В предпремьерном интервью местной радиостанции режиссёр заявил, что в пьесе Андреева его более всего привлекли типажи героев, пребывающих в состоянии перманентного побега – отсюда и образ поезда. Вагон, как сообщает режиссёр, будет выдержан «в эпохе».

Режиссёрская трактовка в анонсе охарактеризована как «резкий монтаж аттракционов, смешных и зловещих, но наотмашь страстных сцен», стремительно меняющих регистр «от нравоучительного моралите – до ироничной чёрной комедии». Кроме того, создатели спектакля обещали отдать дань традиции французского гиньоля, а сам режиссёр заявил, что в этом коктейле будет ещё и «щепоточка Миядзаки».

🤩 Подробнее о предстоящей премьере читайте на нашем сайте.

В Театре им. Евг. Вахтангова готовят чувственную историю о возвращении в прежние места 🆎🆎

Спектакль называется «Светит, да не греет». Премьера состоится уже завтра, 22 апреля, на Новой сцене театра.

Текущий, 104-й сезон в Вахтанговском театре проходит под знаком «незаезженного материала» – каковое определение применимо и к пьесе тандема Островский-Соловьёв. На присутствии второго, малоизвестного драматурга режиссёр Сергей Тонышев делает особенный акцент. Он называет Соловьёва автором, «опередившим своё время» – а также напоминает о других вариантах названия пьесы, отвергнутых Островским. Названия эти были «Разбитое счастье» и «На Родину». Второе заглавие для режиссёра оказалось ключевым.

«Мы с командой художников, а также с артистами Театра Вахтангова сочиняем спектакль о потаённой жизни людей, о жажде жить, а также ещё об одном, очень знакомом русскому человеку чувстве. Этот спектакль, во многом, о возвращении в родные места. Все мы где-то выросли, влюблялись когда-то впервые, загорались, кричали от счастья, шептали на ухо друг другу страстные признания, всё это когда-то было. Когда-то. Можно ли как в портал, как во временную петлю или машину времени окунуться в воспоминания, вернувшись в родные места?»
– говорит Сергей Владимирович.

✅ Подробнее о предстоящей премьере читайте на сайте «Театрального журнала».

Малый театр расскажет о подвиге, утрате и любви 💐

26 апреля в Доме Островского сыграют премьеру спектакля «Белая палатка». Постановка приурочена к 80-летию Победы. Литературной основой стали тексты советского прозаика и драматурга Ивана Стаднюка, прошедшего Великую Отечественную войну и посвятившего этому опыту свои главные произведения.

В основе постановки – две пьесы Ивана Стаднюка; обе были созданы им на основе собственной повести «Плевелы зла» (1957) – «Горький хлеб истины» (1971) и «Белая палатка» (1984).

Идея обратиться к этой пьесе принадлежит главному режиссёру Малого театра, Алексею Дубровскому. Режиссура доверена Ирине Михайленко, недавней выпускнице РГИСИ (мастерская Григория Козлова). Год назад она приняла участие в режиссёрской лаборатории Малого театра «Постигая Чехова»; созданный ею эскиз «Бабье царство» был признан лучшим.

Инсценировку «Белой палатки» Ирина подготовила сама; помимо двух пьес Ивана Стаднюка, она воспользовалась собственным семейным архивом (по совпадению, бабушка Ирины в годы войны была медсестрой). В своей постановке режиссёр ставит задачей передать обе грани исходной пьесы: и рассказ о беспримерном подвиге, и высказывание о разных проявлениях любви.

«Мне важно, чтобы любой человек, посмотрев спектакль, увидел другого человека. Именно УВИДЕЛ его. Потому что мы часто существуем внутри личных переживаний, проблем, а здесь, тем более, тема войны. Как важно понимать, что у каждого идёт ещё своя внутренняя борьба. Важно понять другого человека и даже оправдать. Главное, чтобы мы помнили, что были такие люди, что они достойно сражались, и тоже переживали, что у них не всё всегда получалось. И, несмотря на то, что их уже сегодня нет среди нас, осталась память о них. Этот спектакль о войне. Но в первую очередь он о людях, которые столкнулись с ужасами Великой Отечественной»,
– говорит Ирина Михайленко.

🍁Подробнее о визуальном решении, творческой команде и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».

Рецензия Алексея Шабанова на спектакль Максима Меламедова «Дон Жуан. Новый миф» в Московском Губернском театре:

Антон Хабаров, облачённый в длинное чёрное пальто (удобная модификация плаща), играет Дон Жуана мрачным типом. Брутальность подчёркивают трёхдневная небритость и зачёсанные назад волосы. Реплики он в основном подаёт ровным голосом, почти без эмоций, и больше смахивает на мольеровского Мизантропа, чем на жадного до жизни героя-любовника.
Этот Дон Жуан смертельно устал и женщин чаще всего соблазняет механически, потому что так заведено. На последующее выяснение отношений он вовсе не тратится и просто загоняет надоевшую супругу Эльвиру под колокол. В чёрном глухом платье с белым воротничком, причёской, поднятой наверх и оголяющей лоб, героиня Елены Хабаровой поразительно напоминает Смерть.

Может ли цинизм быть маской, скрывающей глубокую тоску или разочарование?

Читайте полный текст рецензии на нашем сайте.

В Театре Моссовета раскроют музыкальную драматургию гоголевской «Женитьбы» 💍

Премьера состоится сегодня, 19 апреля, на Основной сцене.

Над «Женитьбой» работает худрук коллектива, Евгений Марчелли. Судя по имеющимся данным, это его первая большая гоголевская постановка. В трактовке Евгения Жозефовича уже сейчас можно выделить две смыслообразующие особенности.

Первая – действие будет разворачиваться под аккомпанемент свадебных обрядовых песен. Исполняться они будут вживую, причём хор, наряженный в стилизованные русские народные костюмы, будет пребывать на сцене на протяжении всего действия. В анонсе особо подчёркивается выбор Гоголем именно этого слова в качестве заглавия – речь идёт не о разгульной «свадьбе», а именно о «женитьбе», т. е. мероприятии, имеющем прежде всего социальный, статусный смысл.

Второй принципиальный момент постановки ясен каждому, кто видел хотя бы один спектакль Евгения Марчелли: предметом интереса этого режиссёра всегда были отношения «мужское-женское», причём в самом эмоциональном, можно даже сказать, психосексуальном изводе. В официальном описании спектакля приводится следующее размышление по этому вопросу:

«Среди ярких классических образов в центре на самом деле только двое – ОН и ОНА. Их встреча, их зарождающиеся отношения и, как результат, женитьба, которой НЕ случилось… Почему? Какие мотивы побудили героев совершить поступки, приведшие к известной развязке и финалу? И стал ли поступок жениха таким уж страшным, почти трагическим происшествием для всех окружающих и, самое главное, для невесты?»

👀Подробнее о предстоящем спектакле и его творческой команде читайте на сайте «Театрального журнала».

«Айсвилль» звучит: Театр на Садовой выпустил свой первый винил 🎵

30 марта в Театре на Садовой состоялась презентация виниловой пластинки «Айсвилль» — музыкальной записи одноимённого спектакля. «Айсвилль» — первый в России мюзикл, полностью выполненный в технике а капелла: вся партитура выстроена исключительно из голосов исполнителей, без участия инструментального сопровождения.

Необходимость записи пластинки, в которой приняли участие все артисты мюзикла, продиктована не только личной любовью режиссёра Алексея Франдетти к винилу, но и внутренней логикой самого произведения, требующего звучания вне сцены. Уникальный музыкальный материал Евгения Загота, написанный на стихи Константина Рубинского, по-настоящему выделяется своим стилистическим размахом: композитор мастерски сочетает разнородные жанровые коды и вокальные приёмы.

Режиссёр мюзикла Алексей Франдетти признаётся, что, несмотря на высокий темп работы над спектаклем, выпуск виниловой пластинки потребовал большего времени и усилий, чем ожидалось: работа над студийной записью началась ещё в январе прошлого года и растянулась почти на полтора театральных сезона:

«Коллекционируя винил, я, конечно, давно мечтал сделать свой. Хотелось, чтобы он визуально напоминал альбом Nosferatu, но это было бы слишком дорого и заняло бы чересчур много времени»,
— делится режиссёр.

▶️ Ещё больше о выпуске пластинки и о новых проектах Алексея Франдетти читайте на сайте «Театрального журнала».

Размышляя о значении мелочей в актёрской профессии, заслуженная артистка России Александра Ислентьева пишет:

«В начале коронавирусной эпопеи в телефонном разговоре с Григорием Анатольевичем Заславским о готовящихся лекциях онлайн для гитисовских студентов я заметила в шутку, что выступила бы с лекцией о носовом платке. Уроки этикета из "Домостроя": "Шапкою носа не отирают. Очи, нос, уста отирают платком". <...> Если вам не дали платка, позаботьтесь о нём сами. <...> Если роль характерная, можно в него громко высморкаться, если роль лирическая — украдкой смахнуть слезу, даже если её там нет. Секретов много, он сам подскажет — только возьмите его с собой на сцену, и вы уже не сможете без него».

Чтобы понять, как органично пользоваться платком на сцене, можно вспомнить вдохновивший автора спектакль Малого театра «Пигмалион» (1957 год). Видео можно найти в интернете, а фото — в этом посте.

И, конечно, читайте полный текст на нашем сайте.

Артисты МАМТа станцуют с куклами 💃

Амбициозная премьера Музыкального театра им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко так и называется – «Стравинский. Куклы. Танцы». Первый показ состоится уже сегодня, 18 апреля. Это новая работа Алексея Франдетти, открыто называющего играющих кукол своей «новой большой любовью».

Режиссёр взял в работу две одноактные вещи Игоря Стравинского. Первый – «Петрушка» (1911) – выглядит наиболее логичным выбором, ведь его основные действующие лица, как известно, куклы. Более того, история мирового театра знает случаи полностью кукольных постановок «Петрушки» – вроде версии Бэзила Твиста (2001).
Вторым номером будет «Жар-Птица» (1910) – триумфальный дебют Стравинского в балетном деле, ставший сенсацией «Русских сезонов» Сергея Дягилева. Каждую из этих историй режиссёр решил по-своему. В «Петрушке» он присягнул на верность оригинальному либретто Стравинского-Бенуа, а вот «Жар-Птицу» переделал радикально. Действие новой версии разворачивается в наши дни. Главный герой – архитектор Иван, пытающийся разработать концепцию ЖК «Жар-Птица».
«Нам захотелось немножечко Сартра, что ли, такого экзистенциализма абсолютного»,
– говорит режиссёр.

Общий знаменатель двух балетов – тема инаковости. Трагическое одиночество Петрушки, погибающего на глазах равнодушной толпы, вполне соответствует либретто («Петрушка! Вечный и несчастный герой всех ярмарок, всех стран!» – говорил о своём герое Стравинский). В случае с «Жар-Птицей» конфликт разворачивается между художником, сходящим с ума от невозможности приблизиться к идеалу, и простыми сотрудниками строительной компании, не понимающими его страданий.

🍁Подробности о предстоящей премьере, творческой команде и актёрском составе читайте на нашем сайте.

В рамках выставки «От утопии к театру», организованной в центре «Зотов» по случаю 150-летия Всеволода Мейерхольда, прошли премьерные показы танцевального спектакля-фантазии «Мистерия про это», представленного коллективом MusicAeterna Dance. Постановка создана как вольное размышление на темы революционной пьесы «Мистерия-буфф» и поэмы «Про это» Владимира Маяковского. На ней побывала #Марианна_Рачковская:

Перформанс начинается общим с пьесой сюжетом. Люди, не имеющие ни имён, ни индивидуальных ролей, медленно движутся по проходам к кольцу сцены — десять персонажей, гонимые концом света, приходят из разных уголков земли к Северному полюсу. Однако если у Маяковского действие составляют речи персонажей: их ссоры, крики и шутки, — то в спектакле этот материал реорганизован для пластического воплощения. Приблизившись к круговой платформе, актёры молча толкают её, и та начинает движение. Постепенно конвейер развивает скорость, создавая образ несущегося корабля (Ноева ковчега, как это было у Маяковского), который несёт персонажей «по волнам дней», от разлагающегося старого мира к новому. Герои танцуют, развёрнутые в профиль по ходу движения, шаг за шагом производят выпады вперёд, взмахами рук словно зовут за собой отстающих — образ Всемирного Потопа превращается в «колесо Великой Революции».

Читайте полный текст на нашем сайте.

Размышляя о значении мелочей в актёрской профессии, заслуженная артистка России Александра Ислентьева пишет:

«В начале коронавирусной эпопеи в телефонном разговоре с Григорием Анатольевичем Заславским о готовящихся лекциях онлайн для гитисовских студентов я заметила в шутку, что выступила бы с лекцией о носовом платке. Уроки этикета из "Домостроя": "Шапкою носа не отирают. Очи, нос, уста отирают платком". <...> Если вам не дали платка, позаботьтесь о нём сами. <...> Если роль характерная, можно в него громко высморкаться, если роль лирическая — украдкой смахнуть слезу, даже если её там нет. Секретов много, он сам подскажет — только возьмите его с собой на сцену, и вы уже не сможете без него».

Читайте полный текст на нашем сайте.

В театре «У Никитских ворот» расскажут о борцах за свободу 💌

Основатель и художественный руководитель театра, Марк Розовский ведёт 42-й сезон с привычной продуктивностью. Он уже выпустил триптих по произведениям А. П. Чехова, абсурдистскую комедию «Носороги», новую версию спектакля о Фанни Каплан. Сегодня, 17 апреля, зрителям будет представлена очередная премьера – «По ком звонит колокол».

Для своей версии Марк Розовский выбрал компактное пространство – Новую сцену, рассчитанную на 50 зрителей. Режиссёрский замысел менее масштабным не стал. «По ком звонит колокол» для Розовского – не просто история о людях на войне (хотя и это тоже), но высказывание о битве со злом.

«Это об истоках фашизма, нацизма, франкизма, которые схлестнулись в схватке с республиканцами, с людьми, которые имеют идеалы демократии, свободы. Это схватка была не на жизнь, а на смерть. Сегодня тема утверждения гуманизма в его борьбе с дегуманизмом – одна из главных тем, которые должны раскрывать люди искусства. Это наша миссия»,
– рассказал режиссёр.

Цитата из проповеди Джона Донна, давшая название роману, трактуется Розовским как призыв к действию: выйти на баррикаду и пожертвовать жизнью ради великой идеи.

🖊Подробнее о предстоящей премьере читайте на сайте «Театрального журнала».

Общая энергия заблуждения 💜💜💜💜

Этот выпуск подкаста «Упражнения в прекрасном» целиком посвящён молодой режиссуре. В гостях у «Театрального журнала» – Андрей Хисамиев, без пяти минут выпускник режиссёрского факультета ГИТИСа.

На его счету несколько постановок – и в России, и за рубежом. Поговорили с Андреем о спектаклях, созданных им непосредственно в ГИТИСе: называются они «Раскол» и «Бесы», и оба весьма своеобразно трактуют прозу Достоевского. Мы подробно обсудили эти работы с режиссёром, однако интересной наша беседа может быть и для тех, кто их не видел.

💜 С чего начинается режиссура?
💜 Как и где проходят репетиции?
💜 Из какого сора (буквально) собирается сценография?

Все плюсы, минусы и подводные камни студенческих спектаклей в новом выпуске подкаста «Упражнения в прекрасном». Уже можно послушать на нашем сайте и других площадках:

💜Саундстрим
💜Apple Podcasts
💜ВК
💜Яндекс.Музыка
💜MAVE

#Ангелина_Дядчук — о спектакле Чакчи Фросноккерса «Гамлет» в Малом театре кукол:

Метафора «Весь мир — театр» становится смыслообразующей в спектакле Чакчи Фросноккерса «Гамлет» в Малом театре кукол. Герои этой истории — шестеро актёров и марионеточные куклы, разыгрывающие сцены из пьесы Шекспира. Они устали от игры и ищут себе замену: в начале спектакля шесть персонажей направляются к зрителям, протягивая к ним руки и приглашая выйти на сцену. Метатеатральными приёмами — разрушением «четвёртой стены» и включением зрителей в игру — режиссёр сильнее обостряет противоречия между реальностью и искусством, а приёмом «театр в театре» создаёт заметную аллюзию к пьесе Луиджи Пиранделло «Шесть персонажей в поисках автора». Впрочем, поиски героев спектакля небезуспешны: Гамлет (Игорь Баянов) появляется из зрительного зала. Поначалу он выступает в роли стороннего наблюдателя, затем берёт на себя роль режиссёра действия: то и дело сверяет речи актёров с текстом на бумажке или с книгой.

Впоследствии он оказывается втянутым в театральный игровой мир и постепенно превращается в одного из лицедеев. По мере развития событий актёры, разодетые в разноцветные костюмы, незаметно для Гамлета, в минуты его самых сильных потрясений, переодевают его из обычной одежды в такой же яркий костюм, а лицо героя как бы невзначай обмазывают гримом.

Метаморфоза, случившаяся с Гамлетом, происходит и с другими героями, но в обратную сторону. Они как бы меняются местами, и по окончании спектакля шесть персонажей оказываются по ту сторону рампы — переодетые, разгримированные и наблюдающие за единственным артистом на сцене. Гибель Гамлета метафорична, она — в его слиянии с «вывихнутым», «ничтожным, низким и тупым» миром, частью которого он незаметно для себя стал. Режиссёр приводит к пессимистичному, не оставляющему надежды финалу, в котором Гамлет, вопреки шекспировскому тексту, терпит едва ли не унизительное поражение в «смертельной схватке с целым морем бед». Из личности он превращается в марионетку в руках судьбы, бросившей на его плечи непосильное испытание: почти как памятник погибшим идеалам замирает он в центре сцены, с нагромождёнными на плечи костюмами, в одной руке держа маску, в другой — осушенный от яда бокал.

В МХТ им. А. П. Чехова допишут пушкинскую «Русалку» 🎭🎭🎭

Пьеса, лежащая в основе постановки, относится к числу самых известных неоконченных вещей Пушкина. Впрочем, даже в прошлом сезоне, который прошёл под знаком солнца русской поэзии, к этой вещи обращались нечасто – разумеется, если вынести за скобки постановки оперы А. С. Даргомыжского. Что увидел в этой истории режиссёр Максим Меламедов, узнаем совсем скоро – премьера намечена на сегодня, 16 апреля.

Спектакль родился из эскиза, показанного на лаборатории АРТХАБ год и одну неделю назад. В своей постановке Меламедов выступает и как режиссёр, и как драматург, и как художник-постановщик. Место действия он сделал похожим на свою малую родину (посёлок Гайны, стоящий на берегу реки Камы), а центральную тему обозначил визуальной метафорой.

Пушкинский текст, как известно, обрывается на реплике Князя «Откуда ты, прекрасное дитя?»

Максим Меламедов придумал (или, как он сам предпочитает выражаться, «дофантазировал») собственный финал «Русалки».
«А что если главная героиня погибла, но её душа вернулась на землю и наблюдает взаимоотношения своего возлюбленного с другой? Она смотрит на эту семью, как в зеркало, как на отражение в воде, видит трагедию княгини и одновременно ту трагедию, которую пережила сама»,
– предположил режиссёр.

🌀Подробнее о визуальном облике спектакля и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».

«Театральная критика — дело неблагодарное. Едва ты заметил в спектакле, тем более в игре актёра или актрисы, какие-то недостатки, как сразу режиссёр, актёр или актриса воспринимают это как «переход на личности» и как личное оскорбление. Не сразу, а только со временем я понял, что это вовсе не значит, что сами они не заметили этих недостатков или не подозревают о них, но совершенно точно, что они не хотели бы, чтобы кто-то публично обратил на эти минусы внимание. И им это, конечно, обидно. Конечно, режиссёру больше нравится, когда критик или журналист говорит о премьере в духе «театральные образы, которые Вы нам щедро подарили». Всё остальное воспринимается как поверхностная оценка, неглубокое копание, да ещё и в оскорбительном тоне».

Григорий Заславский
«Слово в защиту театральной критики»

Читайте полную заметку на сайте «Театрального журнала»

Московский театр «Тень» выпускает спектакль для тех, кто не знает, что такое театр 😉

Название премьеры – «Бэбилон» – красноречиво указывает на целевую аудиторию постановки (от 8 месяцев до 2,5 лет). Первые показы пройдут уже сегодня, 15 апреля.

Для взрослых кукольников бэби-спектакли – хорошее упражнение в азах сторителлинга и чистой форме. Как справедливо указано в анонсе, столь малые дети «не знают, что такое театр», хоть и въезжают туда «по-королевски – в экипажах, сопровождаемых взрослой свитой».

Найти общий «бэбилонский» язык с этой публикой попробует Анна Иванова-Брашинская – режиссёр театра кукол, театровед и автор спектаклей для всех возрастов. Своеобразное вавилонское смешение станет ведущим принципом действия: рассадка абсолютно свободная, также можно включаться в процесс (разумеется, большинство из зрителей сделало бы это и без специальных оговорок).

Основное же представление будет развиваться «на языке театра теней, кукол, объектов, пластики и живого звука». Высокий смысл происходящего в зале «Тень» создатели формулируют так:
«Ребёнок не знает того, что знает взрослый. Зато он ещё помнит то, что взрослый уже забыл. Он с интересом исследует каждую мелочь и наслаждается своими открытиями. Мы учимся у ребёнка общению с миром и используем его как профессиональный подход в создании детского театра».

✔️Подробнее о предстоящей премьере читайте на сайте «Театрального журнала».

Михаил Пащенко — о спектакле Александра Тителя «Андре Шенье» в Музыкальном театре им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко:

Сделав ставку на певцов, Титель и постановку решает как раму для них. Он даже отказался от «режиссёрского театра». Всё действие — в костюмах эпохи, изобретательно разнообразных и лишь легко стилизованных (художник по костюмам — Мария Боровская). От исторического костюма здесь особенно трудно отойти, поскольку в первой же сцене героиня, готовясь к выходу на бал, в диалоге с матерью перечисляет все возможные варианты нарядов. В целом сделан лаконичный, но яркий и динамичный спектакль с понятными смысловыми акцентами. Такой подход — не только жест режиссёра, ценящего певца, но и безошибочно найденный приём, чтобы в верном ракурсе современно и стильно подать произведение не первого ряда, которое не ставит серьёзных, концептуальных задач и призвано доставить удовольствие широкой оперной публике.
Наблюдающий за происходящим зритель — в постоянной тревоге. Его будоражат тёмно-красный свет, пол в красных ромбах, вишнёвые ливреи лакеев на балу и такой же красный сюртук третьего главного героя, Жерара, — сначала мятежного лакея, потом революционного чиновника. Всеми средствами не давая зрителю успокоиться, режиссёр успешно решает проблемы не очень стройного, довольно запутанного действия этой оперы.

Читайте полный текст на нашем сайте.

Путешествие в театр будущего: в столице стартует «Твой шанс | ГИТИС-фест» 🎭

Это культурный суперпроект – в том смысле, что возник благодаря объединению усилий сразу двух международных форумов, направленных на поддержку театральных школ: «ГИТИС-феста» и «Твоего шанса» (второй проводил Театральный центр «На Страстном»). Увидеть и оценить весь цвет молодой актёрской школы (а также режиссуру их наставников, в таком окружении неизбежно молодеющих) можно будет с 14 по 30 апреля. 

Строгих критериев отбора нет – форум стремится представить разнообразие молодого театра.
«Задумывая наш фестиваль, мы сразу же “заложили” в его концепцию и рост, и дельнейшее развитие, и наращивание международного взаимодействия с нашими дружественными странами. Студенческие спектакли позволяют фантазировать о том, каким будет театр будущего – завтрашнего дня, но также — каким он будет через 10, 20 и более лет, потому что именно те, кто заканчивает сегодня театральные академии и институты, будут делать театр на протяжении всего нынешнего столетия»,
– рассказывает ректор ГИТИСа Григорий Заславский.

Всего в программе представлено 27 спектаклей. Большую часть российской программы покажут в Театральном центре «На Страстном», а работы зарубежных — в Учебном театре ГИТИСа.

🔗Подробнее о постановках и фестивальной программе читайте на нашем сайте.

Фото: сайт ГИТИСа

«Ничто в Петербурге так меня не восхищало, как театр, который я увидел в первый раз от роду; играли русскую комедию, как теперь помню: „Генрих и Пернилл“ Хольберга. Тут видел я Шумского, который шутками своими так меня смешил, что я, потеряв благопристойность, хохотал изо всей силы».
Д. И. Фонвизин

Сегодня исполняется 280 лет со дня рождения Дениса Ивановича Фонвизина, автора пьес «Бригадир» и «Недоросль» — первых комедий нравов в русском театре.
«Эта пьеса — бесподобное зеркало. Фонвизину удалось стать прямо перед русской действительностью, взглянуть на неё просто, непосредственно, в упор...»,

— так говорил о комедии «Недоросль» историк театра Борис Ключевский.

Премьера состоялась в 1782 году в Петербургском Вольном театре (Театр Карла Книпера), хотя автору далеко не сразу удалось преодолеть цензурные препоны.

В пьесе есть памятная всем сцена, когда нянька Еремеевна лезет в драку ради опекаемого ею Митрофанушки. Публику той эпохи вполне могли шокировать чересчур неприличные для женского пола комические выходки: участие в потасовке, обмен шлепками, паданье наземь в предосудительной позе... Чтобы не наносить урон «женской чести и достоинству», было принято решение поручать комические женские роли мужчинам.

В премьерном спектакле роль Еремеевны исполнил Яков Шумский, игра которого когда-то так поразила Фонвизина. Впоследствии Шумский считал эту роль одной из лучших в своём репертуаре.

В Москве «Недоросля» поставили годом позже, в 1783-м, в театре Медокса. Еремеевну здесь тоже играл мужчина, Андрей Ожогин, и тоже «к совершенной забаве публики».

В честь праздника предлагаем пересмотреть комедию Дениса Фонвизина в театрах двух столиц.

⭐️23 апреля: «Недоросль», Театр им. Ленсовета, Санкт-Петербург
⭐️27 апреля: «Недоросль», Малый театр, Москва

Над Театром им. Евг. Вахтангова взойдёт «Солнце Ландау» 📎

Премьера спектакля «о суперзвезде науки» – так называет своего героя режиссёр Анатолий Шульев – состоится сегодня, 14 апреля. Событие приурочено к столетию квантовой механики.

Анонсируя премьеру на старте сезона, Анатолий Фёдорович подчеркнул, что спектакли о жизни замечательных людей в вахтанговском репертуаре – не редкость. Их главные герои – деятели искусств и политики; о великих учёных речь ещё не заходила.

«Можно сказать, это будет моё завершение трилогии о гениях. Первым был Моцарт (речь идёт о спектакле «Амадей». – Прим. ред.), вторым – Пушкин («Повести Пушкина») и вот теперь Ландау – человек, написавший 10-томник, по которому обучаются все физики мира»,
– говорит режиссёр.

Свою Нобелевскую премию Ландау получал в больнице, куда попал после автомобильной аварии, зимой 1962 года чуть не унёсшей его жизнь. Роковое происшествие сделано центральным событием спектакля: на границе между жизнью и смертью главный герой пересобирает своё прошлое по крупицам. Весьма распространённый в байопиках драматургический ход получает у Шульева привязку к научной деятельности героя. Вот как постановщик характеризует суть этой взаимосвязи:

«Самый известный эксперимент квантовой физики говорит о том, что частица света находится в нескольких местах одновременно. Можно измерить её скорость или обнаружить положение, но нельзя сделать обе вещи одновременно. В каком-то смысле этот парадокс мы и попытаемся воплотить на сцене. Это будет своеобразная Одиссея в поисках красоты, гармонии, счастья, через темноту к свету познания». Высший смысл этого путешествия прояснён цитатой из Вернера Гейзенберга, одного из отцов квантовой физики: «Первый глоток из сосуда естественных наук делает нас атеистами, но на дне сосуда нас ожидает Бог».

⏺️Подробнее о предстоящей премьере читайте на нашем сайте.

Погружение в историю МХТ: интерактивное древо «Корни и Ветви» 🟢

На сайте МХТ появился уникальный проект — интерактивное древо «Корни и Ветви», которое приглашает вас в увлекательное путешествие по страницам истории Художественного театра.

Идея создания «древа» принадлежит историку МХТ Инне Натановне Соловьёвой. Её книга «Ветви и корни» легла когда-то в основу создания постера, знакомого сейчас каждому театроведу. Теперь благодаря работникам Научно-исследовательского сектора Школы-студии МХАТ эта концепция получила новое воплощение в виде интерактивной графической энциклопедии, богатой фотографиями и подробными статьями.

Исследуйте генеалогическое древо МХТ, открывайте для себя новые имена и факты, прослеживайте связи между поколениями театральных деятелей.

🌀«Театральный журнал» предупреждает: это невероятно увлекательно и может затянуть вас на несколько часов.

Вчера команда ТЖ зажгла на книжной ярмарке non/fictioN в Гостином дворе 📚

Мы представили новый выпуск журнала и провели дискуссию о театре, критике и эпохе блогерства. Что было:

❣️ Главный редактор Екатерина Данилова погрузила всех в концепцию журнала, объяснила, почему рецензии составляют такую большую его часть, и рассказала, чем они отличаются от блогерских заметок.

❣️ Иоанн Лазарев поделился своим видением блогерства, рассказав о его плюсах и преимуществах для современного зрителя и читателя.

❣️ София Подопросветова раскрыла теневую сторону блогинга и поделилась своим опытом учёбы на театроведческом факультете, подчеркнув его достоинства.

❣️ Шеф-редактор Ольга Абрамова перенесла нас в XVIII век и рассказала о Степане Жихареве, которого можно назвать «первым блогером». А ещё объяснила, почему театроведческие тексты могут быть невероятно интересными.

Спасибо всем, кто нашел время прийти и принять участие во встрече. Ваша поддержка очень важна для нас ❤️

♨️ Если вы планируете посетить non/fictioN в ближайшие дни, обязательно загляните на стойку ГИТИСа. Там вы сможете приобрести наши журналы по очень привлекательной цене.

#Екатерина_Данилова — о спектакле Григория Быстрицкого «Игры на заднем дворе» в Высшей школе сценических искусств:

«Думаю, не ошибусь, если скажу, что немногие зрители знакомы с пьесой Эдны Мазия “Игры на заднем дворе”, рассказывающей основанную на реальных событиях историю о судебном процессе над четырьмя 17-летними парнями, изнасиловавшими 14-летнюю девочку. Но на спектакле Григория Быстрицкого даже не знающий с самого начала понимает, что лёгкого зрелища ждать не стоит. На создание атмосферы работает и мрачное оформление сцены с резко включающимся направленным светом, и отсылки к “Заводному апельсину” Стэнли Кубрика. Ощущение тревоги сильно даже несмотря на то, что из всей четвёрки парней только в Константине Мерзликине в роли Селы Борохова безошибочно угадывается опасный хулиган. “Вожак” же, Асаф Сахаров (Даниил Шустов), поначалу больше напоминает интеллигента-тимуровца. “Если бы зло было очевидным злом с первого взгляда, — словно говорит режиссёр, — что мешало бы нам его избегать?” Общение парней с жертвой Дворой Мехнес (Стефания Сидлецкая) постепенно перестаёт напоминать игру, так что и мы постепенно начинаем видеть в Асафе не доброжелательного красавца, а безжалостного манипулятора. Единственного, кстати, кто выйдет сухим из воды.

Да, действие происходит параллельно: во время происшествия и в момент суда. Одни и те же актёры, как и задумано автором пьесы, играют и подростков, и адвокатов парней. Стефания Сидлецкая — не только Двора, но и обвинитель. Мы, зрители, приглашены в присяжные. Кульминационная сцена изнасилования сыграна метафорически, при помощи настоящего арбуза. В небольшом зрительном зале ВШСИ раскуроченный арбуз посреди снежного апреля пахнет подобно запретному плоду — и тем сильнее внутренний вопрос к самому себе: “А точно ли он сладок?”

Является ли поведение жертвы основанием для смягчения ответственности за насилие? Спектакль приглашает к полемике по этому вопросу, но режиссёр всё же проявляет собственное отношение к нему. После того как приговор, почти оправдавший парней, оглашён, прокурор-Двора, дрожащая в круге света, сильным и настойчивым голосом пытается обратиться к судье. А судья здесь — безмолвная картонная фигура. Когда всё те же парни бесцеремонно выносят её из зала, отнимая у героини возможность получить ответ, она обращается к судейскому молотку. На протяжении всего спектакля он висит над сценой, будто занесённый, дающий надежду на справедливость, но так ни разу и не ударивший. Когда и молоток оказывается просто бутафорией, игрушкой для подростков, актриса поворачивается к залу. Последнее, что видит зритель перед погружением в полную темноту, — её напряжённое лицо и голос, настойчиво просящий возможности обратиться. Что со всеми нами будет, если и мы промолчим?»

Фото со страницы Стефании Сидлецкой

Прекрасный спектакль режфака, Мастерская Сергея Женовача, ГИТИС, ПОДРОСТОК. Режиссёр Вера Петровна Камышникова... все участники играют юного Аркадия, обуреваемого шквалом текстов, вопросов, идей и амбиций. Это шизоидное расщепление юного сознания с доминантными фигурами двух отцов и прочими акторами, точно проецируется в эпоху демагогического реакционного безвременья дня нынешнего. Растерянность как разорванная тетрадь биографии... Щедрость, азарт, озорство ситуаций, -- понятно, что через одно рукопожатие от Фоменко Петра Наумовича вкус игры воспитан)))

#хотим_пойти

Арт-критик Сергей Хачатуров — о спектакле «женовачей» «Подросток» 👇

На Таганку возвращается «Гамлет» 🎭

Премьера состоится 12 апреля на Основной сцене театра. 

Легендарная версия Юрия Любимова (1971) с Владимиром Высоцким в главной роли – часть истории не только конкретной площадки, но и отечественного театра в целом; за более чем полвека, прошедших с той премьеры, к трагедии Шекспира на этой сцене не подступались. Попробовать свои силы решился режиссёр Мурат Абулкатинов.

Сказать, что Абулкатинов ставит именно Шекспира, было бы не вполне корректно. В инсценировке, подготовленной драматургом Никой Ратмановой, отдельные элементы трагедии опущены, другие – изменены.

«Мы проводим эксперимент химической реакции. Мы заменили некоторые элементы и ждём, что получится».
На вопрос, какие черты шекспировского текста ему хотелось бы сохранить, Абулкатинов выделил две: «желание сформулировать мир» и «ярость», причём речь идёт о ярости духа, неистовом желании постичь суть. Таким образом, как это сформулировано в аннотации, история о возмездии превращается
«в исследование поэзии жизни с размышлениями о справедливости и предательстве, свободе и ответственности, жизни и смерти»,
– рассказал режиссёр «Театральному журналу».

Переклички с многочисленными предшественниками будут – более того, как сообщает режиссёр, он изучал опыты других знаменитых трактовок «Гамлета» в театре и кино и намеренно вплёл в ткань спектакля многочисленные отсылки к ним. Что касается спектакля Юрия Любимова, то главная рифма с ним будет визуальной. Художник Софья Шнырёва сделала оммаж знаменитому занавесу Давида Боровского. Тот занавес был отдельным действующим лицом; в новой версии будет несколько занавесов, формирующих пространство.

«Это такой театр. На первый взгляд, у нас нет сцены “Мышеловки”, но мы решили, что вся наша история и есть мышеловка: её нет, но она существует. И занавес формирует, модерирует эту реальность. Конечно, в спектакле Любимова занавес имел совсем другой функционал, и в этом смысле отсылка скорее культурологическая, незаметная»,

– заключает режиссёр.

➡️ Подробнее о спектакле, творческой команде, и актёрском составе читайте на сайте «Театрального журнала».

Продолжаем делиться самыми интересными материалами из свежего номера «Театрального журнала»💜

Сегодня заглянем на 110 страницу, где ждёт рецензия Маргариты Гриня на спектакль Анны Ивановой-Брашинской «Пока это ещё возможно» в театре «Тень».

Контраст между динамичным и медитативным действием в спектакле студентов 4-го курса мастерской А. Ивановой-Брашинской создаёт настоящую «овеществлённую философию». За один час зрители погружаются в размышления о времени, жизни и смерти, выраженные в кадрах видеопроекции, игре теней и света.

В основе спектакля лежат философские сказки Тоона Теллегена, где звери напоминают Смешариков или персонажей Григория Остера. Режиссёр исследует человеческую слабость, ищет способы преодолеть апатию и страх, обрести цель.

«Сказочный быт в спектакле вынесен за скобки. Режиссёр сосредотачивается на затрагиваемых в сказках проблемах: одиночество, неуверенность, страх неудачи, горечь расставания. А. Иванова-Брашинская, пока это ещё возможно, исследует современность, чувство неопределённости и растерянности перед будущим, изучает человеческую слабость под воздействием внешних сил».

Полный текст рецензии вы найдёте в последнем выпуске ТЖ.
💜 Заказать его можно прямо сейчас на OZON.

МДТ – Театр Европы приглашает в зал ожидания «Горького аэропорта» ▫️

Так называется грядущая премьера Камерной сцены (состоится она 12 апреля, в День космонавтики). Событие абсолютно нерядовое – даром что его выпускают постоянные соавторы: Дмитрий Волкострелов и Павел Пряжко.

Режиссёр Дмитрий Волкострелов + драматург Павел Пряжко – главный тандем отечественного постдраматического театра. Последний раз эти имена встречались на одной афише прошлым летом – то был спектакль «Закат», шедший в Доме культуры «ГЭС-2». На сей раз за основу взят относительно старый, но незаезженный (насколько это определение применимо к драматургии Пряжко) текст. «Горький аэропорт» написан в 2018 году, печатался в составе двухтомника «Мы уже здесь», но сценического воплощения, насколько мы можем судить, не получал.

События пьесы «Горький аэропорт» разворачиваются в зале ожидания аэровокзала, однако настоящая драма (вернее, постдрама) развивается в виртуальном пространстве. Пожилая мать звонит по Скайпу сначала младшей, затем старшей дочери (в середине пьесы отвлекается на телефонный разговор с мужем). Разговоры кажутся совершенно бытовыми и бессодержательными: про еду, про болезни, про чепуху, прочитанную в журнальчике. Но на самом деле под этой шелухой тлеют непроговорённые конфликты (интенсивность тления остаётся на усмотрение режиссёра).

▫️Подробнее о предстоящей премьере читайте на сайте «Театрального журнала».

Редакция «Театрального журнала» поддерживает позицию ректора ГИТИСа Григория Заславского по отмене именных билетов в театры Москвы.

https://nsn.fm/culture/rektor-gitisa-zaslavskii-prizval-skoree-zavershit-eksperiment-s-imennymi-biletami?utm_source=yxnews&utm_medium=mobile&utm_referrer=https%3A%2F%2Fdzen.ru%2Fnews%2Fsearch

«Человек – это звучит горько» 💜💜💜💜

В гостях у «Театрального журнала» – режиссёр и худрук Александринского театра, Никита Кобелев.

Мы встретились с ним, чтобы обсудить две его недавние премьеры в Александринском театре – театральную фантазию «На дне» и камерный спектакль «Екатерина и Вольтер», который играют в пространстве Царского фойе. Для содержательной беседы хватило бы и этих двух поводов – однако уже совсем скоро исполнится год с момента вступления Никиты Викторовича в должность худрука Александринского театра. Поэтому разговор зашёл и о курсе, которым новый руководитель ведёт свой коллектив.

💜 Зачем старейшему театру страны экспериментировать с пространством и осваивать нейросети?
💜 Какую дань Александринка отдаст «ленинградской школе» кино?
💜 Что выйдет из этих начинаний, станет понятно в ближайшем будущем; что за эстетическая программа за ними стоит?

Новый выпуск подкаста «Упражнения в прекрасном. После премьеры» уже можно послушать на нашем сайте и других площадках:

💜Саундстрим
💜Apple Podcasts
💜ВК
💜Яндекс.Музыка
💜MAVE

«Старушка в подарок» — премьера на «Чердаке Сатиры»

18 февраля в Театре сатиры состоялась премьера спектакля по пьесе Владимира Герасимова в постановке Антона Непомнящего.

В центре сюжета комедии — молодая пара. Ксения (в исполнении Янины Студилиной) работает психологом, а Дмитрий (Максим Финогенов) — трэвел-блогер. Они покупают квартиру в Москве с прекрасным видом из окна, удобным расположением и неожиданным сюрпризом: в одной из семи комнат живёт эксцентричная старушка, которая втягивает героев в курьёзные недоразумения, превращая их жизнь в ад. Лёгкая комедия-притча с искрометным юмором и неожиданным концом получилась остроумной пародией на современное общество.

«Сейчас что ни человек, то он коуч или психолог. Что ни человек – он блогер-путешественник. И мы над этим тоже смеёмся. Я играю Ксению, психолога. И когда её доводят до состояния бешенства, она говорит: "Все психологи – шарлатаны, я тебе точно говорю!" Немножечко смеёмся и над собой»,
– поделилась актриса Янина Студилина в интервью.

Ещё до начала показов все билеты на премьеру были раскуплены на два месяца вперёд, но на 13 и 24 апреля ещё остались свободные места. Не упустите возможность увидеть самую яркую и смешную премьеру в Театре сатиры! Билеты: https://satire.ru/tickets/starushka-ne-v-podarok-tickets.

Реклама:
ГБУК г. Москвы «Московский академический театр сатиры»
ИНН 7710002492
erid: 2VtzqwMDLFK