Открыли набор в новую группу трёхмесячного курса «Студийная съёмка», начало занятий 15 мая.

Это практический курс о работе со светом в контексте современной проектной и коммерческой фотографии. На занятиях студенты учатся работать как в студии, так и в неподготовленных пространствах, используют профессиональное световое оборудование и подручные средства, работают над совместными съёмками и индивидуальными проектами, практикуются в съёмке и людей и предметов.

Мы набираем на этот курс небольшие группы до 8 участников. Чтобы посмотреть подробную программу и забронировать место, переходите по ссылке.

🟣

На днях был опубликован список финалистов ежегодной премии Aperture Portfolio Prize, цель которой — привлечь внимание к новым талантам в области современной фотографии. В этом году более тысячи авторов из шестидесяти пяти стран подали заявки, и в шорт-лист были отобраны пять художников.

Рассказываем про Алану Перино (Alana Perino) — художницу, которая заинтересовала нас больше всех.

В проекте Pictures of Birds художница размышляет о семейной памяти, смертности и образе дома. В этом глубоко личном проекте Перино обращается к родовым травмам и привилегиям, сформировавшим семейные ценности и восприятие собственной идентичности.

До того как моя мать опустилась в подземный мир деменции, она собирала ракушки. Несмотря на любовь к бассейну больше, чем к живой воде, мои родители решили жить и умереть у моря. Я всегда боялась, что ракушки, которые она приносила домой, будут преследовать сначала её, а потом и меня. Что они не предназначены для украшения ванных комнат или для забвения на дне ящиков. Даже птицы, собирая ракушки ради еды, оставляют после себя их минеральные оболочки, чтобы те разрушились и переродились в нечто совершенно иное. Так же, как и во многих других проявлениях, я ощущаю присутствие призраков.

Лонгбоут-Ки, остров во Флориде, застроенный кондоминиумами, стал странным фоном угасания здоровья моих родителей. Во время визитов туда я погружаюсь в страхи, устремления, позы, жесты и взгляды людей, одержимых смертью и сохранением. Я сталкиваюсь с домом и сообществом пенсионеров, устроенным для утверждения здоровья и стабильности, но подтачиваемым повсеместностью болезни и непостоянства. Я стремлюсь фотографировать это, а также то, что может намекать на цикличную и неизбежную природу смерти и возрождения, психологические приспособления и духовные превращения. Я стараюсь принять тот факт, что мой фотоаппарат всегда обращён внутрь, к тому, кто я есть, что боюсь потерять и как хочу, чтобы меня запомнили.

Теперь моя мать видит призраков, во сне и наяву. Её тело зависло в пограничном пространстве. Я сижу рядом, когда могу, и прошу призраков быть осторожными, пока мы одновременно умираем и перерождаемся в нечто совершенно иное. Некоторые из этих призраков мои предки. Некоторые ангелы. Все они — птицы.

Сайт автора: https://www.alanaperino.com/

В это воскресенье, 20 апреля, приглашаем на встречу с фотографом и режиссёром Дмитрием Лукьяновым 💛

Встреча пройдёт в преддверии старта курса «Свет в современной фотографии. От съёмки до обработки».

Дмитрий расскажет о своём поиске методов работы со светом и познакомит зрителей с авторами, которые формировали подходы к освещению в кадре, используемые сегодня. Помимо лекции и дискуссии встреча включает демонстрацию приёмов в студии и на улице. В конце у зрителей будет возможность задать вопросы и узнать подробности о предстоящем курсе.

Начало в 17:00
Офлайн, Москва

Участие бесплатное, по регистрации

⚪️

✨Новости участников «Лаборатории проектной фотографии»✨

Проект Treasure Trove Наташи Лозинской опубликован в журнале Republic, а также будет представлен на II Чувашской биеннале современного искусства!

Вятский край, исторически служивший перекрёстком народностей и культур, оказывается в уникальном положении между Русским Севером и Уральскими горами. Местная мифология, фольклор и дух времени создают здесь особую атмосферу. Для фотографа Наташи Лозинской, выросшей в Кирове, этот край становится не только местом воспоминаний, но и отправной точкой в поисках своей идентичности. Исследуя мифы и легенды Вятского края, автор создаёт визуальный путеводитель по миру, где прошлое и настоящее переплетаются, отражая хрупкость человеческой сущности в сложные исторические времена.

Инициативы от коллег и выпускников 👁

Студентка школы Лена Саженкова в соавторстве с Ией Уновой придумали Лабораторию, посвящённую работе над индивидуальным и совместным высказыванием в формате зина.

Участие в лаборатории бесплатное.

В программе лекции, воркшопы и онлайн-встречи. Презентация итоговой работы состоится на фотокнижном фестивале «Жердёла» в Ростове, а также онлайн.

Сегодня последний день подачи заявок!

Все подробности и подача заявки здесь

✨

Шорт-лист Dummy Award 2025

Недавно был опубликован шорт-лист одной из ключевых международных премий, посвящённых фотокнигам. Dummy Award — конкурс, ориентированный именно на неопубликованные макеты. Ежегодно около 50 отобранных проектов показываются на международных фотособытиях, а затем по итогам голосования жюри и публики выбираются победители.

Многие книги этого года основаны на личных историях и интуитивных, фрагментарных нарративах. Повторяющимся приёмом стало обращение к архивным материалам (личным, семейным, институциональным) как способу работы с памятью и построения визуального высказывания.

Любопытно, что несмотря на высокую степень завершённости большинства макетов, найти в открытом доступе подробную информацию о проектах затруднительно, у многих авторов нет сайта или он не обновлён.

Поэтому пока предлагаем посмотреть шорт-лист на сайте премии и составить собственное впечатление о текущих тенденциях.

В ближайшее время мы выберем несколько книг из списка и расскажем о них подробнее.

Последние дни, чтобы присоединиться к курсу «Фотокнига как проект. От макета к зрителю», старт уже 4 апреля ✨

Делимся размышлениями преподавателя курса Кристины Сергеевой о том, что важно, чтобы состоялся диалог между автором и зрителем, и когда фотокнига становится искусством ⬇️

Я много думаю над вопросом пограничного состояния между формой и высказыванием. В фотокниге этот вопрос особенно сложен, потому что сама её форма легко берёт на себя избыточное внимание. Важно контролировать и учитывать эту множественность аспектов. Фотокниге нужна логика повествования и структура, иначе она развалится, и желаемого опыта искусства между книгой и зрителем не случится.
Стоит уделять время дизайну и типографике — их отсутствие или, наоборот, избыток будут перетягивать внимание на себя. Без композиции, ритма, динамики велика вероятность, что у зрителя просто не возникнет желания погружаться в работу. По моему опыту курирования фестиваля Низина, хорошие работы могут очень просто затеряться, если не учитывать хотя бы один из этих аспектов.
Романтизация книги тоже не приведёт к успеху. Заполняя её всевозможными эффектами, можно добиться лишь кратковременного дофаминового подъёма, но не глубокого переживания. Таких книг множество, а сильных — единицы.
Каждый раз, размышляя о том, как не провалиться в одну из крайностей, как удержать баланс, я возвращаюсь к убеждению: чтобы понять книгу, к ней нужно относиться так же, как к собственной фотографической практике.
Без технических знаний о камере, без понимания истории и теории искусства, без погружения в современный контекст работа неизбежно окажется уязвимой. Так и в книге: любой её аспект — часть процесса создания опыта искусства.
Выбор дизайнерских и книжных решений должен исходить из центрального высказывания автора, из понимания его сути, а не из готовых, когда-то увиденных решений. Только в этом случае книга становится оптикой, линзой, через которую передаётся смысл проделанной работы. И тогда книга точно попадёт в зрителя.

Посмотреть программу курса и записаться можно на сайте школы по ссылке

Фото: Kanta Nomura, из книги The Yoshida Dormitory Old Darkroom, 2022

Новый поток курса Дмитрия Лукьянова «Свет в современной фотографии. От съёмки до обработки»

Рады объявить начало набора на новый курс про свет, который пройдёт очно в школе в Москве.

От автора:

Для того, чтобы сформировать свой метод работы с освещением, важно не только освоить теорию и технологию съёмки, но и изучить накопленный опыт художников, работающих со светом в фотографии, кино и в современном искусстве.
Каждый автор, который становится интересным широкой публике, формирует свою визуальность.
Участники познакомятся с приёмами фотографов и художников, для которых свет – это основное выразительное средство. А затем на практике разберутся в том, как его использование влияет на характер изображений.

Начало занятий 14 мая
Группа до 15 человек

Посмотреть программу и подать заявку на сайте школы

✨

Для тех, кто в Москве, в пространстве школы Дмитрий Лукьянов организует интересную встречу ↑

Друзья, в Воскресенье 30 Марта хочу пригласить вас в "Комнату" на встречу с художницей Natalie Maximova. Будем смотреть две видеоработы — Awaiting Oblivion и The Edge of the World, исследующие границы цифровых миров видеоигр. Они раскрывают скрытую логику игрового пространства, предлагая задуматься о его структуре и способах восприятия.
После просмотра Натали выйдет на связь в Zoom и расскажет о своём творческом пути от фотографии к созданию видео и работе с видео играми, ответит на вопросы зрителей.

Натали Максимова - междисциплинарная художница и исследовательница. Живёт и работает в Лондоне. Закончила Московскую школу фотографии и мультимедиа им. А. Родченко и магистратуру в ECAL (Ecole cantonale d'art de Lausanne).

Адрес: Москва, Петровский пер. 5 стр. 8 (Школа POLEZRENIYA)
Количество участников - не более 18 человек.
Напишите в комментарии, если хотите присоединиться.

https://nmaximova.com/

✨Делимся новостями студентов и выпускников школы

Проект Елены Тагановой «Тени летнего ветра» вошёл в шорт-лист конкурса Urbanautica Institute Awards, а проект «Песочница из пыли» Надежды Родионовой получил почётное упоминание жюри в категории Память и традиции.

🔥

Открыт приём заявок на новый поток курса «Still life: от натюрморта к объекту», начало занятий 26 мая.

Программа охватывает различные подходы к работе с предметами, от классического натюрморта до постфотографических практик и современной скульптуры.

Делимся несколькими фотографиями Лены Саженковой из текущего проекта, над которым она начала работу на курсе.

В своей практике Лена интересуется эфемерными и случайными объектами, лишёнными функциональной определённости: забытая упаковка, обрывки вещей, бесхозный мусор, найденный на улицах города. При помощи фотографии и сканирования она извлекает из них скрытый скульптурный потенциал, создавая новые, часто визуально притягательные формы. Через этот процесс она размышляет о желании заново обрести связь с миром в эмиграции, переосмысляя идею принадлежности в ситуации утраты привычных ориентиров и попытки обрести новые.

➡️Узнать подробности о программе и забронировать место в группе можно на сайте школы.

🟣

👁 4 апреля начинаются занятия на курсе «Фотокнига как проект. От макета к зрителю», и ещё можно успеть присоединиться к группе.

В рамках рубрики #inspiration мы попросили преподавателя курса Кристину Сергееву поделиться примерами вдохновляющих авторов и фотокниг, которые будут рассматриваться на занятиях.

Моэ Сузуки (Moe Suzuki) — японская художница, работающая с фотографией и авторскими фотокнигами, в которых она объединяет личную историю, семейные архивы и документальные элементы повествования. Она фокусируется на темах памяти, повседневности и перемен, раскрывая через индивидуальный опыт более широкие социальные и экологические процессы.

В книге Aabuku, выпущенной в 2024 году, исследуется невидимое загрязнение, оставленное химическими веществами PFAS («вечными химикатами»), которые в 2016 году утекли с американских военных баз на Окинаве. Окинава — это южная префектура Японии. Она состоит из архипелага островов и расположена в тропической зоне, на юге страны. В своей работе Сузуки раскрывает долгосрочные экологические и социальные последствия, которые эти химикаты оказывают на здоровье людей и природу.

Система книги устроена как исследование, показывающее последствия загрязнения, и одновременно как визуальный рассказ, основанный на воспоминаниях местных жителей, чья история связана с экологической катастрофой. Внутри книги Сузуки использует богатую метафорическую сеть, чтобы передать тяжесть загрязнения, затрагивая научные данные, воспоминания жителей, схемы домов и районов, архивные фотографии.

Через эти материалы и фрагментарный нарратив в книге Сузуки передаёт ощущение скрытой угрозы и опыт пребывания в неопределённости. Это даёт возможность сделать видимым то, что остаётся невидимым для большинства — разрушение, которое невозможно сразу заметить. В книге повторяется композиционный приём — «нестираемые» отпечатки фотографий на темной бумаге, который подчёркивает мысль о том, что даже самые обычные действия оставляют свой след, будь то в природе или в нашем восприятии.

На мой взгляд, выбор «детективного» подхода в проекте идеально соответствует основной идее книги. Сузуки заставляет нас взглянуть на мир вокруг нас в другом свете, создавая особые условия для всматривания в повседневное. Смотря на обычную улицу, цветок или воду, мы видим не столько их, сколько то, что остаётся невидимым, скрыто разрушая их изнутри.

→ Больше фотографий книги
→ Видео-листалка
→ Проект на сайте художницы

Узнать больше о курсе «Фотокнига как проект. От макета к зрителю» можно на нашем сайте

⚪️

👁 4 апреля начинаются занятия на курсе «Фотокнига как проект. От макета к зрителю», и к группе ещё можно успеть присоединиться.

В рамках рубрики #inspiration мы попросили автора и преподавателя курса Кристину Сергееву поделиться примерами вдохновляющих авторов и книг, которые будут рассматриваться на занятиях.

Моэ Сузуки (Moe Suzuki) — японская художница, В книге Aabuku, выпущенной в 2024 году, исследуется невидимое загрязнение, оставленное химическими веществами PFAS («вечными химикатами») на Окинаве, утекшим с американских военных баз в 2016 году. Окинава — это южная префектура Японии. Она состоит из архипелага островов и расположена в тропической зоне, на юге страны. В своей работе Сузуки раскрывает долгосрочные экологические и социальные последствия, которые эти химикаты оказывают на здоровье людей и природу. Как она сама описывает проект:

«Я прошла по загрязненной земле и воде, прослеживая их искаженные воспоминания. Вечные химикаты, которые невозможно визуально зафиксировать, кроме как в виде пушистой пены. Источник этого загрязнения невозможно достичь, он скрыт за заборами военной базы. Это молчаливое бремя этих прекрасных островов, которых посетители не осмеливаются искать за пределами приятных бризов и звуков волн. Невидимое переплетается и накладывается друг на друга. Преодолевая мечтательную aabuku (пену), оно остается неуловимым. Я сплела слова и невысказанные мысли людей, которых я встретила».

Система книги устроена как исследование, раскрывающее последствия загрязнения, и одновременно как визуальный рассказ, основанный на воспоминаниях местных жителей, чья история связана с экологической катастрофой. Внутри книги Сузуки использует богатую метафорическую сеть, чтобы передать тяжесть загрязнения, затрагивая научные данные, воспоминания жителей, схемы домов и районов, архивные фотографии.

Через эти материалы и фрагментарный нарратив в книге Сузуки передает ощущение скрытой угрозы и опыт пребывания в неопределенности. Это дает возможность сделать видимым то, что остаётся невидимым для большинства — разрушение, которое невозможно сразу заметить. В книге повторяется композиционный приём — «нестираемые» отпечатки фотографий на темной бумаге, который подчеркивает мысль о том, что даже самые обычные действия оставляют свой след, будь то в природе или в нашем восприятии.

На мой взгляд, выбор «детективного» подхода в проекте идеально соответствует основной идее книги. Сузуки заставляет нас взглянуть на мир вокруг нас в другом свете, создавая особые условия для всматривания в повседневное. Смотря на обычную улицу, цветок или воду, мы видим не столько их, сколько то, что остаётся невидимым, скрыто разрушая их изнутри.

Фото книги: https://reminders-project.org/rps/aabukusaleen/
Видео книги: https://youtu.be/dyOG9a8Kykc
На сайте художницы: https://www.banyan-b-i.com/aabuku

27 марта приглашаем на открытую онлайн-лекцию и дискуссию в преддверии старта нового потока курса «Фотография и визуальное мышление».

Лекция посвящена вопросу о том, какую роль играет понимание языка фотографии в создании запоминающихся изображений и цельных высказываний. На примерах классиков и современных авторов поговорим о значении образного мышления, взаимодействии автора со зрителем посредством фотографии и специфике фотографии как медиума.

Онлайн
Начало в 19:30 (GMT+3)

→ Для участия необходимо зарегистрироваться 👁

Обратите внимание, что мы не ведём запись открытых встреч и лекций.

Фото: Артём Глухан, из дипломного проекта Похъёла

Новый пост в рубрике #bornthisday о важных для нас авторах, которые родились в этот день.

14 марта 1923 года родилась Диана Арбус (Diane Arbus) – американская художница и фотограф, одна из важнейших фигур мировой фотодокументалистики, исследовавшая идентичность, инаковость и границы нормальности.

До того как стать известной своими уникальными портретами, Арбус вместе с мужем Алланом Арбусом работала в сфере модной фотографии, создавая снимки для таких изданий, как Vogue и Harper's Bazaar. К концу 1950-х она ушла из коммерческой съёмки, чтобы сосредоточиться на собственных проектах. Вдохновлённая Лисетт Модел (Lisette Model), она начала снимать людей на улицах Нью-Йорка, развивая своё исследование более глубоких и провокационных тем в фотографии.

Арбус изменила представление о документальной фотографии, обратив камеру на тех, кто находился на периферии общества, включая трансвеститов, карликов, гигантов, стариков и других людей, которых общество часто считало «фриками».

Фотография — это секрет о секрете. Чем больше она рассказывает, тем меньше ты знаешь.

После её смерти в 1971 году, работы Арбус получили широкое признание. В 1972 году её фотографии были представлены на Венецианской биеннале, что стало знаковым событием, поскольку было одним из первых крупных международных признаний фотографии как искусства наравне с живописью и скульптурой.

Делимся интервью с художницей и автором курса «Фотокнига как проект. От макета к зрителю» Кристиной Сергеевой на канале как пройти в библиотеку, в котором она рассказывает о фотокнигах-фаворитах из её личной библиотеки, в том числе о значимых для неё самиздат публикациях.

👁 Прочитать интервью

Осталась пара дней, чтобы успеть присоединиться к курсу «Фотокнига как проект. От макета к зрителю» с early bird скидкой 15% 🕊

На занятиях мы рассмотрим все основные этапы работы над формой и идеей книги от задумки и формирования концепции до нюансов вёрстки, предпечатной подготовки, тиражирования и продвижения.

Материал лекций будет интересен всем, кто хочет узнать больше о современной фотокниге, планирует издать собственную книгу или уже работает в этом направлении.

Подробнее о курсе на сайте школы

⚪️

Продолжается набор на новый поток курса «Цвет», старт 14 марта.

Рассказываем про серии и проекты, над которыми работали участники, и сегодня покажем фрагмент серии Тимура Кемельбаева «Ир-атлык».

Воспитанный мамой и бабушкой, автор часто задавался вопросом: что значит быть мужчиной? Где проходит граница между силой и уязвимостью?
Тимур размышляет о маскулинности не как о заданной норме, но многослойном, подвижном понятии, где мужское собирается из личных ощущений, фрагментов воспоминаний, пережитого опыта.

→ Узнать подробности и присоединиться

⚪️

Фотография как форма диалога

Мы рассматриваем искусство и фотографию в частности как форму коммуникации, а отдельное изображение или целую серию — как сообщение, которое автор передаёт зрителю, приглашая его стать соучастником создания смыслов.

Решили собрать примеры проектов, в которых размышления о диалоге становятся часть самого высказывания.

Новая работа Кармен Уинант (Carmen Winant) My Mother and Eye представляет изображения, сделанные её матерью в подростковом возрасте во время автопутешествия по США в 1969 году, и собственные фотографии Уинант, сделанные в аналогичном путешествии в том же возрасте. Получившиеся в итоге коллажи объединяют два путешествия, раскрывая как индивидуальные переживания впервые обретённой свободы, так и фрагментарную, нелинейную природу времени и памяти как изменчивого явления.

Во всем этом есть что-то вроде ностальгии. Не только потому, что мы смотрим старые кадры, но и потому, что само путешествие - это культовый американский опыт, который часто романтизируется.

Автопутешествия традиционно ассоциируются с мужским опытом, и Винант подчёркивает, что свобода передвижения для женщин всегда была связана с определёнными ограничениями и преодолением страха.

В юности я не воспринимала свою мать иначе, как собственную мать. Я не думала о ней как о молодой женщине со своей историей, со своими трудностями. Я даже не подозревала, что она отправилась в путешествие в этом возрасте. Это радикальный шаг для женщины — просто фиксировать своё передвижение по миру не как объект, а как субъект.

Уинант размещает фотографии в общественных местах — на автобусных остановках, где обычно доминирует коммерческая реклама. Выставка вступает в диалог с повседневным движением, приглашая пассажиров и прохожих представить свои собственные истории путешествий, трансформаций и связей.

Автобусная остановка — интересное место, потому что она демократична. Её может увидеть любой желающий. Вам не обязательно идти в галерею или музей. Он встречает вас там, где вы есть. Я надеюсь, что люди увидят эти снимки и подумают о своих матерях, о своём прошлом, увидят не только мою историю, но и свою собственную.

В журнале see-zeen опубликован проект «Вуаль» Юли Алдохиной, над которым она работала на курсе «Портретная фотография» и в «Лаборатории проектной фотографии».

Юля фотографировала сообщество эмигрантов из России, Украины и Беларуси, частью которого стала после переезда. В её проекте личные истории переплетаются с коллективным опытом войны и вынужденной миграции. После более близкого и длительного знакомства с людьми становилась видимой скрытая сторона этого опыта: за социальным успехом скрывалась тревога и ощущение неопределённости.

В проекте я осмысляю поиск ощущения дома в чужой стране — как формы безопасности и стабильности.
Наблюдаю, как разрыв связей с прошлый вплетается нитями в настоящее, оттягивая и удерживая в зависшем состоянии. Как механизмы вынужденной мимикрии и замирания преобладают в попытке адаптации к незнакомой среде.

Новый поток Лаборатории стартует 23 марта

→ Подать заявку

🟣

Цифровая женственность как акт сопротивления в работах Arvida Byström

Арвида Бюстрём — шведская художница и активистка, исследующая темы женственности, телесности и репрезентации женщин в искусстве и медиа.

В своих проектах она использует элементы глитч-арта, эстетики Tumblr 2010-х, цифровые манипуляции с фотографиями и нейросетевые инструменты. Её визуальный язык можно описать как girly aesthetics: блёстки, розовые оттенки, мягкие текстуры. Однако эта кажущаяся миловидность — сознательная стратегия, направленная на деконструкцию патриархального взгляда на женское тело. Художница показывает его свободным от глянцевых стандартов, акцентируя внимание на аспектах телесности, которые традиционные медиа считают «некомфортными».

Бюстрём активно использует соцсети как пространство художественного высказывания и феминистской дискуссии. Исследуя популярные платформы, она поднимает вопросы репрезентации: кто контролирует изображения женщин? Как соцсети регулируют «допустимую» женственность, одновременно цензурируя тела женщин, но допуская их гиперсексуализированные образы?

Сайт художницы: https://www.arvidabystrom.se/