Как выбрать высоту мольберта для рисования сидя и стоя?

Высота мольберта определяется вашим ростом и размером холста, на котором вы работаете. Холст на мольберте должен располагаться прямо напротив головы так, чтобы не нужно было нагибаться при работе. Если холст большой, то его устанавливают также с учетом удобства доступа ко всем его краям.
Поэтому лучше всего выбирать для себя оптимальную высоту мольберта экспериментально. В дополнение к разнице в росте, кому-то нравится, чтобы холст был чуть выше, кому-то наоборот, комфортнее смотреть на холст чуть «вниз».
Так, при росте 170 см иногда бывает удобно иметь возможность поднять маленький холст на высоту 160 см (высота опоры для холста). А иногда - опустить эту планку до 55 см от пола, чтобы сидя работать над деталями работы среднего размера.

Например,я в мастерской использую высокую крепкую треногу, потому что она оптимальна по размеру для моей мастерской (стационарный мольберт занял бы слишком много места) и обеспечивает нужную высоту.

Фото Анны Уткиной

Иллюстрации к "Затерянному миру" сэра Артура Конан Дойля. Издательство Лабиринт пресс

procreate

Про собирание рояля у меня есть смешная фотка, ибо посмеяться над собой - это очень важно) Фото из дома-музея Чайковского в Воткинске, где в мае прошлого года я проводила МК про рояль. А прямо сейчас там готовится какая-то масштабная выставка про дирижеров, и на ней будут представлены в том числе мои набросочки с концертов разных лет. С трудом, но я смогла найти почти все даты концертов, на которых были сделаны наброски. И все имена изображенных дирижеров)

Два дня в Филармонии это даже лучше, чем один ☝🏻

Сегодня с ребятами говорили о фаготах и саксофонах.
В мае будут еще литавры и рояль!

А мы сегодня отыграли заключительный в этом сезоне концерт "Живописных историй". В следующем году грядет продолжение.
Счастлива быть частью этих музыкальных и живописных историй!

Почему-то захотелось сегодня показать вам картинки из книги "ВДНХновение" изд. НИГМА
Может быть, потому что тепло, и наверное, на ВДНХ уже тоже вовсю весна)))

Обожаю контекстную рекламу. Особенно когда мне за два дня до мк с детьми про фагот … предлагают купить фагот)
Ну красота же!
Я поняла намек, вселенная, я сегодня буду готовиться, честно)

Рабочие будни
Поглощаю кофе. Наращиваю морщины. Пишу раздел про натяжку холстов 🤪
Не ответила еще на несколько ваших вопросов, в ближайшее время отвечу, просто сейчас пока основной блок хорошо идет, не хочу отвлекаться)))

Конечно, вы правильно угадали — то была проба к "Ромео и Джульетте". Но не к Шекспиру, а к Прокофьеву. Да, так бывает) И первую пробу (я до сих пор считаю ее в целом удачной, и очень подходящей, хотя некоторые фрагменты стоило бы сделать чуть точнее) попросили переделать в связи с желанием бОльшей балетности происходящего. Так появилась вторая проба. Спойлер: она тоже не войдет в книжку) Стилистику утвердили с третьего раза. То, что получилось, я покажу вам, когда книга выйдет, и может быть даже, на холодную голову, расскажу еще что-нибудь о проекте. А пока отмечаю этими картинками, что проект закончен, сдан (на самом деле, уже некоторое время назад, просто чтобы мочь рассказывать, мне надо выдохнуть). Может быть, я представляла себе результат совсем иным, чем он вышел, но кажется, что-то интересное все же получилось.

Бумага, акриловая имприматура, гуашь. 30*40см
Картинка отправляется в папку "иллюстраторские пробы". Да-да, там уже целая папка.

Помните, я рассказывала, что почти после каждого проекта остается "первая проба", которая никуда не пошла? /ну то есть пошла "в стол"?)))

А попробуйте отгадать, для какого произведения была эта проба?)

Как принимать решение по "чистоте" цвета, если в самой натуре много сложных составных цветов? Нужно ли намеренно "очищать" цвет, делать более ярким, чем он есть на деле? 
Хотелось бы понять общую стратегию работы с цветом, интересно Ваше мнение как живописца.  Спасибо!

Здесь все максимально просто в теории и очень сложно на практике. 
Надо смотреть на большие отношения. Это позволяет нам сравнивать их. К сожалению, у нас в голове нет абсолютного восприятия цвета (как у многих музыкантов есть абсолютный слух). Но мы можем развить нашу чуткость к отношениям цветов. И вот эти отношения - особенно крупные, первые, с которых мы начинаем писать – это главное. 
Дальше мы можем посмотреть на великих. Очевидно, что у каждого своя “градация насыщенности цвета”. У кого-то в силу используемых материалов или техник (если мы оглядываемся лет на 200-300 назад), у кого-то просто стилистически. Например, мы никогда не перепутаем по цвету Рембрандта с Коровиным. Специально говорю об очень контрастных примерах. А например Серов и Суриков? Мне вот максимально далека палитра Сурикова, но я не могу сказать, что она чем-то хуже или лучше палитры Серова. Поэтому “стратегия” здесь будет у каждого своя, потому что внутри соблюдения натурных цветовых основных соотношений (смотри первый абзац) очень много вариантов.

Лично я – это очень субъективно – склоняю цвет в сторону чистоты. У меня на это есть две главные причины: 1. Загрязнить цвет проще, чем очистить. Сделать цвет менее насыщенным проще, чем насыщенным, но также подходящим. Гризайль или ограниченная палитра – это всегда проще. (При чем заметьте, не хуже, а именно проще). А я не люблю упрощение. Естественное следствие смешения цветов на палитре – их загрязнение. Поэтому если мы все время чуть чуть стремимся брать “по верху ноты”, то у нас есть шанс не скатиться в грязь. Но повторюсь, главное – большие отношения, а не цвет как самоцель. 2.Мир бывает разным. Больше полугода мы видим мир абсолютно серым, и я не считаю, что я должна эту серость воспевать и преумножать. Объективной я считаю эту причину не потому, что пытаюсь впихнуть в искусство какое-то назидание или “украшающий реальность” элемент. А потому, что я лично знаю яркий насыщенный мир – даже если он не окружает меня каждый день.Но я знаю и люблю эту насыщенность и яркость, я вижу ее, я радуюсь ей. И “воспевать” хочу тоже ее. А не серость. Которую тоже знаю и вижу.
В преподавании я не склоняю людей к своей определенной гамме, однако тоже топлю за чистоту цвета. Те, кто не разделяют моё видение мира, приходят ко мне учиться редко. 

Мне кажется, максимально адекватной стратегией будет здесь равновесие между вашим личным впечатлением и соблюдением цветовой гармонии в работе. Если вы хотите рассказать зрителю о том, как “это было цветно и сочно” вы вряд ли будете делать это в градациях серого. А если пишете портрет (в традиции реализма) вряд ли станете писать его лишь только красным и синим (хотя вот здесь можно придумать ситуацию, в которой это будет правомерно, например, цветное освещение на лицо, при черном фоне).

А вот вам картиночка, наглядно демонстрирующая фц и изумрудную. При таком раскладе понятно, почему в замесах изумрудная более бережная) но вот если нужно написать прям светящийся зеленый мятный, изумрудная не справится.

Всё, я сдулась. Переношу запуск курса.

Неделю я делала все, чтобы с понедельника запустить курс про подготовительные упражнения к портрету. Четвертая часть курса записана, оформлена. План полностью составлен. И даже страницу продажи оформила. Но сегодня словила стойкое ощущение, что мне настолько важно целостно и спокойно его собрать ДО запуска (хотя я собиралась дозаписывать в процессе, мол это придаст живости), что я смогу признаться вам, что не вывожу сейчас, и отложить. Только бы не делать все это впопыхах. Проблема в том, что отложить придется не менее, чем на два месяца. Но вложено уже столько сил, что я обещаю запустить его в этом году. И всем ждущим его обещаю, что сделаю всё, чтобы он был максимально полный и полезный. Так как я "забрасываю невод" этого курса уже второй раз, я очень надеюсь, что в конце это будет нечто очень хорошее. Спасибо вам за ожидание и за доверие!

Главная же причина, почему я не могу бросить всё и заняться курсом — книга по живописи. В ближайшие дни — до конца апреля — это основное мое занятие, и я постараюсь немного рассказывать вам про процесс. Вот сегодня я загнала основной блок текстов в макет, потому что макетом мыслить мне проще, чем простыней текста. Завтра — по плану — составить список всех иллюстраций, которые еще не отсняты или не нарисованы.

Оставайтесь с нами... ставьте лайки... что там еще обычно пишут? В общем, я сегодня ощущаю себя сдавшейся, но надеюсь это временно))

А еще я напоминаю вам, что по хэштегу #истории_о_книгах в канале есть много разных историй)) я люблю истории. Вдруг вам нечего почитать этим снежным днём 🤪

Дальше… Лабиринт-пресс

Моя ‘Снежная королева’ с поп-апами нравится всем) даже мне) она и правда крутецкая вышла. Хороша и как подарок, и для чтения с детьми.



А вот ‘Затерянный мир’ точно подарочный. Это единственная книга в моем портфолио, где есть и полностью цифровые иллюстрации и полностью ручные (листки из альбома Меппл-Уайта). Книга однозначно подарочная, дорогая и красивая. Очень подойдёт тем, кто любит узнавать факты ‘не отрываясь от художественной книги’. И да, интерактивные элементы там тоже есть.

Еще в Лабиринте вышли книжки ‘Черно-бурая лиса’ и ‘Хроники королевства Пантуфлия’ с моими картинками. Эти истории рекомендую младшим школьникам. Тем, кто любит реализм — Алешковского, тем, кто любит фантастику - Ленга.

И жду не дождусь, когда выйдет ‘Вождь краснокожих’ в той же серии комментированной классики, где и Конан Дойль. Надеюсь, уже скоро.

В издательстве НИГМА, с которыми мы сделали аж 15 книг…

… для любителей сказок народов мира: Египетские и Японские сказки в серии ‘Нигма. Избранное’. Тканевый переплет, дизайнерская бумага. Иллюстрации в аутентичной стилистике, которыми я очень горжусь.
‘Десять вечеров. Японские народные сказки’ — рекомендую всем. Сказки этого сборника одновременно и очень похожи на европейские, которые мы знаем, и очень отличаются. Но ровно настолько, чтобы остаться понятными и даже близкими. Для чтения с детьми издание может показаться слишком ‘подарочным’, обычно покупают в подарок или для себя.
На Египетских сказках вы можете увидеть маркировку ‘18+’ — это из-за двух моментов. Первый: ‘и возлегли они’ второй ‘и отрезал он свой детородный член и бросил его в воду’… в общем, на мой взгляд, по факту это так себе ‘пошлости’, поэтому если нравится медитативное, аутентичное — берите читать с детьми или без детей.

Сюда же можно отнести большое издание Н.Куна ‘Что рассказывали древние греки и римляне о своих Богах и Героях’. Картинки имитируют вазопись, но очень аккуратно и достоверно, горжусь тем, что иногда читатели принимают рисунки за настоящие осколки.

… для маленьких читателей есть три книги с моими картинками в серии ‘Художники рисуют Андерсена’. Собственно, именно с этих книг серия и началась. Выбирайте, какая вам больше нравится: ‘Двенадцать пассажиров’, в которой все 12 месяцев предстают интересными персонажами, ‘История года’, в которой повествуется о годовом и жизненном цикле, и их плавной текучести, или ‘Бузинная матушка’, в которой осенняя хрупкость повествования сочетается с мудрыми мыслями о преемственности, о вдохновении и пользе горячего чая из бузины)))

… для любителей архитектуры и ВДНХ, а так же для подростков, сборник офигенных рассказов ‘ВДНХновение’. Если вы любите архитектуру так же, как я, вы зацените и тексты и картинки, имитирующие линогравюры.

Что еще? Еще серия ‘Страна приключений’. В этой серии я рисовала для Нигмы ‘Белую перчатку’, ‘Шевалье д’Арманталь’, ‘Капитан Фракасс’, ‘Золотой жук’, ‘Перстень Тота’ и ‘Алмаз раджи’. Пожалуй, мои любимчики это ‘Перчатка’ и ‘Тот’))

Вроде бы обо всем рассказала… а нет, есть еще офигенная книжка ‘Как это будет по-английски’. Там котики, чай и вообще: для одной из иллюстраций позировал мой папа со сковородой) 😅😜

Присылайте в комментариях фото моими с книгами, мне всегда приятно)))

А давайте в преддверии Нон-фика я расскажу, какие мои книги можно будет там найти. При чем в свете возраста и интересов)

Итак.

На фото 2014 год. Пленер в Переславле Залесском. Правда, именно тут я с графикой)

Мне вот тоже интересно про масло на пленере. Особенно если это выездной пленер, где делается несколько работ. Как их потом довести домой без жертв, особенно если поездка не на своей машине, а автобусом/поездом/самолётом. Может такое и невозможно?
В поиске решения на этот вопрос мы, как правило, наталкиваемся на стотыщ переменных: поезд? самолет? Автобус? а работы пишете большие? А маслом пишете жирно? А едете в теплые края или на север? А пленер длительный? А тяжести таскать можете?
В итоге для пленера очень важна изобретательность и эксперименты. Я вот, например, не люблю этюдники. Но прежде, чем понять это, я месяц ходила с этюдником на пленере. С тех пор предпочитаю или просто стульчик и удобно подготовленную в рюкзаке палитру (когда сидишь, подставкой становятся колени), или (если работа большая) треногу и навесную палитру. Но кто-то прекрасно ходит на пленеры с этюдником, предпочитая всё складывать в один ящик, а не рассовывать по кармашкам рюкзака. Но лично меня всегда останавливает мысль, что кроме аллюминиевых ног и красок, я беру с собой три, а то и больше, килограмма дерева.
Еще у меня есть крохотная самодельная палитра, в которую можно надавить краски, и убрать ее в рюкзак, чтобы освободить руки для работы. Это самый компактный вариант, но этюды не больше А4.
Да, почти всегда я на пленере работаю сидя (если картинка меньше 50 см по большей стороне). Мне кажется, это удобнее.
По поводу транспортировки работ тоже могут быть самые разные варианты, начиная от специального ящика – переноски (которая даст вам дополнительный вес) или ременной переноски (опять же у Край Арт они прекрасные), заканчивая скотчем, ножницами и пустой пластиковой бутылкой. С помощью этих копеечных средств можно сделать специальные стопора, которые позволят соединить два одинаковых по размеру холста так, чтобы масляная живопись на них не соприкасалась.
Как-то раз я делала в Петергофе серию небольших этюдов (А5-А4) на грунтованной бумаге, после написания сворачивала бумагу “капелькой”, и зажимом прикрепляла к веревке. В итоге в электричке до Питера ехала с “бусами” из бумажек-этюдов.
В последние несколько лет с маслом хожу на пленер очень редко, и только максимум 15 минут пешком от дома/парковки. В студенческие годы могла выйти утром и пленерить весь день в разных местах. Дело в том, что изобретательность и эксперименты это очень хорошо, но если гораздо удобнее взять с собой гуашь, или темперу, или акварель, то в чем смысл страдать и брать тяжеленное масло?)

Увидела, что на "Нарисованный оркестр" на Лабиринте сейчас скидка 60%. Не видела ее по такой цене с 2021 года, когда она вышла. Вдруг кому надо) Можно заказать здесь.
Я вот себе несколько штук заказала, потому что они вечно куда-то расходятся)

По сути их две: ала-прима и лессировка. Но внутри этого разделения и даже ровно посередине – огромное количество вариаций. Но главное, на мой взгляд, всегда не в технике, а в понимании формы, в чувствовании больших отношений, в умении работать с крупным и мелким, в доверии, наконец (в разрешении себе работать честно, а не требовать “красивой картинки”). Тогда изучение техник превращается только в обогащение, а не в самоцель.

Блиц)
Прожиточный минимум с растворителями. Куда бежать, кого покупать и как не запутаться. Рекомендации относительно фирмы масла.
Используйте чистый пинен, это самый простой и максимально широко употребимый вариант. Так же можно попробовать разбавители без запаха. Например, мне нравится разбавитель “Алиса” (беру на озоне).
Лаки лучше всего использовать только для финального покрытия – 2 года после написания – даммарный разводим пиненом 1:1 и покрываем.
Заводские тройники я не люблю, но это тоже дело вкуса.
Рекомендации относительно фирмы масла.
Я знаю лично очень крутых художников, которые используют “Ладогу” и “Мастер-класс”, знаю плохих художников, которые пишут “Рембрандтом”, так что дело не в фирме. За некоторые краски, цвета есть смысл переплачивать, для многого будет вполне достаточно отечественных красок. Во время обучения в институте я писала иногда самыми самыми дешевыми красками – подольскими. И да, у них и консистенция хромала, и комочки и все такое, но главное не это.
Из искренних рекомендаций, привязаных к производителю: Обожаю белила Ладога в больших тюбиках. Но вот Таленсовские Арт-креэйшн тоже хороши (чаще всего чуть-чуть пастознее Ладоги). Ни на что не променяю Индийскую желтую “Мастер-класса”, потому что она идеальна. Имею тюбик рембрандтовского краплака и кадмия красного, если нужен более сочный мазок, но не использую часто.
Масло на пленэре: фишки и лайфхаки, чтобы нарисовать красиво и не угваздать всё вокруг.
Тренога, навесная палитра от КрайАрт (чистый кайф, и закрывается и вообще).А главный лайфхак: пленер – это всегда стресс. Разрешите себе хорошенько поработать, не требуйте от себя “красивое”, пусть оно станет приятным сюрпризом (или не станет, что тоже норм, работать лучше с прицелом на качество).
А еще – на пленер лучше сначала выйти с сухими материалами, чтобы минимизировать проблемы. И хотя я как-то слышала от одной коллеги:”Это у меня не получается, потому что графика, маслом бы все было иначе, получилось бы”, – поверьте, в масле мы можем укрыться за эффектом, но по факту лучше начинать учиться летать с маленьких горок.
Грунтование холста. Это как и это зачем.
Дело в том, что связующее масляной краски (масла и т.д.) впитываются в холст и ускоряют процесс его разрушения, тем самым сокращая время жизни вашей работы. Чтобы ткань оставалась без “жирных пятен” ее сначала проклеивают (желатином или специальным клеевым составом), а затем грунтуют (грунты тоже бывают разные, самый простой – белая водоэмульсионная краска+ПВА, ну, кроме купленного в магазине /кстати, тут мой любимчик – грунт Экстра у Виста-артиста. Просто лучший/).
Ну и покупные холсты лучше грунтовать, так как грунт сильно влияет на свойства краски на холсте. Стабильный, понятный вам грунт = удобство в работе и предсказуемость.
Грунтую я пластиковой карточкой. Так, чтобы грунт лежал максимально тонким слоем, безо всякой фактуры, все лишки собираю и обратно в банку.
Вопрос лично к Вам, как к живописцу. Почему пишете портреты маслом, какие есть в этом особенности, сложности и радости для художника?
Портреты пишу и акрилом тоже, и темперой. В масле приятна бывает его подвижность, сложность цвета. В случае с портретом бывает очень полезна временная протяженность – когда можешь вмазывать цвет в еще “живой” слой.
Чем масло непосредственно в работе отличается от водорастворимых красок?
Временем затвердевания в первую очередь, это очень важно. И отсутствием изменений в цвете. В водорастворимых красках изменения в любом случае будут, хотя у каждой краски в своем диапазоне.
В какой-то период жизни я не любила масло, за запах и пачкатню. Сейчас я предпочитаю его тогда, когда мне нужно бОльшее ощущение плотности, или максимальный тональный и цветовой диапазон, или когда я просто по нему соскучилась.
Техники работы маслом: какие они бывают?

Лизиантусы
30*40см х/масло
Частное собрание

Здравствуйте!
Что делать чтобы белила не бесили тем насколько сильно они меняют цвет при замесе и тем насколько они тотально перекрывают слой под ними
Это уже даже не смешно, который год пишу и все равно каждый раз откладываю момент когда в ход идут белила настолько сильно насколько это возможно.

Здравствуйте.
Как мне кажется, то, что вы описываете, не только не странно, но даже правильно. Титановые белила, которые в 20 веке пришли на смену токсичным свинцовым, сильно более укрывистые, чем последние. Как альтернатива у нас есть цинковые белила – вообще не укрывистые, сопливые, наводящие на любую краску “белый туман” и не дающие чистый белый цвет. На мой взгляд однозначно – титановые предпочтительней. Но действительно, в силу их активности в замесах, если есть вариант замеса без белил, то лучше воспользоваться именно им. Но это не проблема красок. Это вопрос оптики: цветные оттенки без содержания белил (цинковых, титановых, свинцовых – любых) выглядят сочнее, насыщеннее, убедительнее. Поэтому какие бы белила не лежали у вас на палитре, все равно правильнее пытаться смешать цвет из хроматических цветов, и уже при крайней необходимости пользоваться белилами или черной. Если можете осветлить краску с помощью охры, кадмия желтого, неаполитанской в конце концов – сделайте это. Белила – такая же краска, как и все остальные. Мы же не мешаем зеленый цвет, начиная с красного, или желтый, начиная с синей краски. Современное разнообразие красок позволяет иметь на палитре ассортимент достаточный, чтобы не пытаться все смешать через белила. Можно и вовсе обойтись без них, в качестве эксперимента.
И все же, у современных белил много преимуществ. Они действительно очень плотные. Это позволяет легче писать на цветных имприматурах. Если нам нужна от них прозрачность - никто не мешает нам взять цинковые белила, или обогатить титановые разбавителем до нужной степени укрывистости.
Да, мы вынуждены постоянно следить за ними, опасаясь разбела. Но ведь если мы начнем вдруг всюду подмешивать красную краску, это ведь будет странно, правда? Тогда откуда в нас предубеждение, что с белой можно поступать так же?

Здравствуйте! Что такого в веридоновой зеленой, краплаке и остальных «фц», что их не вывести из замеса и с палитры не убрать?!

Здравствуйте. Такая проблема может возникнуть по нескольким причинам. Однако сутью вопроса я вижу не разбор “что добавляют в краски?” а разбор вопроса, почему это ("невыводимость") случается (если это наносит вред итоговой работе и вносит сложности в процесс) и как от этого избавиться (спойлер: вариант устранить “мешающие” краски тоже хорош).
1.Недобрососвестность производителя. Иногда в дешевые краски добавляют вместе с пигментом еще и красители. Отличие в том, что пигмент нерастворим в связующем (связующее связывает мелкие частички пигмента), краситель же “заражает” своим цветом соседей, разносится по палитре, по холсту, и даже может окрашивать саму ткань холста, проникая через грунт.
Проверить краску на такую подставу довольно легко: наносите цвет, дожидаетесь его поверхностного высыхания (чтобы выглядел сухим, не пачкался, примерно 3-4 дня при тонком слое), затем наносите на него плотным, но не слишком толстым слоем белила (желательно и титановые и цинковые, потому что красители могут быть разные) так, чтобы часть белил оказалась на цвете, часть - не на нем(чтобы была видна разница). Если в краске есть красители, они скорее всего будут мигрировать в верхние слои из не до конца полимеризованной нижней краски. Такие краски лучше исключить или использовать очень обособленно и только в верхних слоях живописи.
2.Цинковые белила. Я настолько не люблю ими работать, что иногда склонна сваливать вину на них. Можете считать этот пункт слишком субъективным, но все же проверьте свои белила.
Дело в том, что они совершенно не укрывистые, и очень “податливые” в связи с этим. Если вмешивать в них краску с сильной интенсивностью пигмента, даже в предельно малых количествах, белила эти легко меняют цвет, и добиться от них в этом замесе “почти белого” или “чисто белого” уже невозможно.
3.Красящая способность. Одинаковый объем разных красок будет окрашивать исходный замес с разной интенсивностью. Отсюда мы можем говорить о таком параметре краски как “интенсивность” или “красящая способность”. У названных красок, особенно у голубой и зеленой ФЦ красящая способность максимальная. То есть даже малого количества этих красок достаточно, чтобы внести изменения в любой замес. Это не их недостаток, так как эти краски легко заменяются иными, если вам необходима меньшая “агрессивность” красок. Например, “изумрудная зеленая” будет обладать меньшей красящей способностью, чем “зеленая ФЦ”. При том, что обе краски достаточно интенсивны. Если же мы загялнем в состав, то увидим, что ФЦ полностью состоит из зеленого фталоцианинового пигмента, а в изумрудной зеленой он стоит первым номером, то есть имеет больший процент в составе. Так как ФЦ максимально чистый, яркий – мы лучше всего “идентифицируем” его в смеси, и поэтому у нас возникает ощущение, что мы “не можем от него избавиться”. Выход из этого один – употреблять его аккуратно, по необходимости, не вносить в замесы бездумно и в больших количествах. Может быть даже – не выкладывать на палитру без прямой необходимости.
4.Если относительно ФЦ красок, появившихся сравнительно недавно (первые краски с таким пигментом появились в 1938 году, а массовое производство в нашей стране началось только в 1976 году) еще есть такая слава – “не прогонишь с палитры”, то краплаки используются давно, продуктивно и повсеместно. При чем я встречалась даже с краплаками, которые имели очень низкую красящую способность, из-за своей прозрачности.

Поэтому если вы исключили первые два пункта, а проблема осталась, стоит обратить внимание на организацию вашей палитры. Логично ли расположены краски? (в стандартной организации палитры краплаки, зеленые расположены далеко от светов и “случайно” попадать в них не должны) Достаточно ли большой палитрой вы пользуетесь? (должна быть возможность найти чистое место для новых замесов, тогда интенсивные краски никак не смогут “кочевать” из замеса в замес) Как организован ваш процесс замеса краски? При следовании принципу “больше грязи – больше связи” действительно одни и те же краски (интенсивные, перебивающие других) будут следовать из замеса в замес. Если же вы вдумчиво смешиваете цвет, ориентируясь на натуру, то случайная миграция оттенков сводится к минимуму и не причиняет вреда общей гармонии цветового решения работы.

Оля Григорьева-Климова написала прекрасный текст о заработке художника-живописца. Рекомендую почитать. Считаю, что это очень важно для всех, кто в этом варится. Я согласна с каждым словом.

Интересно получается, что темы ходят вокруг, не сговариваясь. Недавно перечитывала ‘Портрет’ Гоголя (почитайте, если еще не, очень хорошая проза на тему).

И ещё одно размышление на сегодня. На этот раз моё:)
О коммерциализации живописи. Простыми словами, как зарабатывать живописцу-станковисту.
https://vk.com/@grigorieva_klimova-kommercheskii-uspeh-hudozhnika-v-chem-sekret
И на Бусти
https://boosty.to/grigorievaklimova/posts/315da51f-319d-4dfd-bced-dab9fe5e55f1?share=post_link

И забавная история вдогонку к ответу на вопрос.

Года два назад (эээ, или уже больше?!) был мой МК в пространстве Невской палитры в Питере.Фото оттуда.
Так вот, мне выдали совсем новые краски: только только с производства. Все линейки "мастер-класс". Лучшие краски. Так вот. Я их выдавила, начала писать: с детальным объяснением,в неудобной позе боком к мольберту (но это все мелочи). Белила оказались каменными. То есть, конечно, это мне так казалось тогда, с перепугу. Просто густые. Но представьте, что ко всем стрессам момента еще добавляются белила, которые надо "добыть"(вымешать в нужную консистенцию) прежде, чем можно использовать. Я стоически мешала, они плохо перемешивались с разбавителем... в общем, я сторонник философии "всё, что нас не убивает, делает нас сильнее", и я стала сильнее в тот вечер хотя бы потому, что накачала мышцу на замесе тех белил. Но с тех пор всегда использую титановые белила "ладогу",они мне больше всех нравятся по консистенции. И по ее стабильности от тюбика к тюбику.

Можно рисовать без разбавителей? Как гуашью

Да, можно. Совсем без разбавителя обойтись будет сложно, так как чем-то все-таки придется чистить кисти в конце сеанса.(Можно только хозяйственным мылом, но без разбавителя будет очень много жирных обмылков, оседающих на раковине). Однако в целом слишком обильное использование разбавителя в замесах — одна из самых частых проблем начинающих в работе с масляными красками. Поэтому часто не только можно, но и нужно работать без разбавителя. Но здесь надо оговориться: краска в тюбиках имеет разную консистенцию. Это связано с тем, что пигменты по-разному взаимодействуют со связующим, “берут” разное количество масла, поэтому добиваться идеально одинаковой консистенции для разных красок так сложно. Кроме того, существуют особенности производства, всякие случайности и нюансы. Поэтому иногда мы имеем в тюбике краску, слишком густую для живописи без разбавителя. В этом случае он необходим. Если же в тюбике наблюдается отделение связующего, и оно выливается отдельно от краски, можно чуть осушить ее, выдавив на лист бумаги, и переложить через некоторое время на палитру (время определяется на глаз, должно отойти лишнее масло).
Также разбавитель (пинен) хорош для нижних слоев живописи, для выполнения рисунка разжиженной краской или имприматурных заливок. При чем он не только разжижает краску, но и ускоряет ее полимеризацию, затвердевание, так как на воздухе не только улетучивается, но и окисляется, поглощая кислород.
А еще бывает необходим для самых завершающих мазков, тончайшей прописи деталей.
Если же у вас аллергия или вы плохо переносите запах пинена, можно попробовать перейти на другие летучие разбавители (разбавитель без запаха(лично у меня от него чешется нос), живичный скипидар), также рекомендуется работать в хорошо проветриваемом помещении. В крайнем случае – можно разбавлять замесы льняным маслом, учитывая все его особенности (подробнее будет в разделе про масла).
Но вариант отказаться от разбавителя совсем тоже имеет место быть.

Немного из жизни.
Мой брат учится в 11 классе, и через два месяца ему сдавать ЕГЭ. Периодически я помогаю ему готовиться, особенно по тем темам, которые хорошо помню сама, в русском и математике. И с каждой неделей я все больше понимаю, что в экзаменах этих нет ничего сверхсложного, если внимательно разобраться в темах. При чем не во всех сразу, а очень прицельно, но стабильно погрузиться в то, что необходимо здесь и сейчас. Не буду поднимать вопрос о том, нужно ли это, и как это работает в школе, но вообще — в идеальном мире — система очень интересная. Есть список вопросов, в которых надо "прокачаться". И есть — существуют — методы, которые могут тебе помочь. И эффективность подготовки, получается, будет сводится и к тому, как ты просечешь необходимый сектор материала (всякие там кодификаторы ФИПИ) и сможешь в нем разобраться и его усвоить.

Я сейчас готовлю онлайн-курс "На подступах к портрету. Анатомия". И вот только что я поняла, что мне хочется его сделать таким же простым и понятным, таким же полезным, как я готовлю доп.материалы для брата. Ведь по сути портрет — это всегда "экзамен" на знание анатомии, на владение краской и т.д. и поэтому часто, когда ко мне приезжают ученики, у них вылезает так много проблем. Надо просто готовиться. Но самостоятельно это сделать очень сложно.
Я очень надеюсь, что я успею запустить курс 14 апреля. (Да, да, опять только для своих, без особой рекламы и воронок продаж.) Он будет длиться 5 недель (с возможностью получения обратной связи) и будет содержать базовые упражнения пока только по поводу анатомии (вообще я планирую в течение года сделать еще блок про пластику и блок про краску, таким образом закрыв ВСЕ подготовительные упражнения к портрету).
Я очень люблю всё вот такое методически выстроенное, логичное, подводящее к результату. Всем, кто когда-то плюсовал, что "нужен курс по портрету" — ссылку вышлю первым. Если вы не помните, что плюсовали, или хотите еще раз — плюсуйте в комментариях.
И — если вы тоже готовите сейчас своих детей/учеников к экзаменам — делитесь, как у вас это проходит? Обнимемся, в ближайшие пару месяцев нам будет волнительно🤓

Вчера была на репетиции оркестра в музыкальном колледже.
Первый раз делала наброски масляной пастелью с натуры — очень здорово!

И история в тему, достойная первоапреля.

Вот под этой имприматурой — был портрет. Он был интересный, но я не успела его дописать, пути наши с этим человеком разминулись, а портрет был еще сильно сырым.(Но абсолютно сухим, так как писала акрилом). И я приняла решение не дописывать его, закрыть имприматурой. Сейчас на этом холсте большой натюрморт, сочный, он мне очень нравится.

И хотя я не люблю записывать работы, так тоже бывает. И тут уже точно будет не белый холст)))

Как вы думаете, эта история — это шутка или правда?)

Автор фото - великолепная Аня Уткина.

Как самим принимать решение, когда нужен цветной грунт? И когда наоборот не нужен
Одна из важных причин использования не белого основания – сложности с тональным распределением. (я говорю сейчас о масле, акриле, темпере, гуаши ала-прима) Когда мы укладываем на белый холст первые мазки, они могут показаться нам слишком контрастными, тогда мы их высветляем, … а после того, как закроем весь холст, обнаруживаем разбел и тональную кашу. Если же мы берем изначально не белый холст, выстраивать тональные отношения становится проще. Поэтому, если есть такая проблема, то цветной грунт можно воспринимать как “прописанное доктором лекарство”. Опять же, не навсегда, но длительным курсом. А дальше – пробуем потихоньку белый, если проблема еще есть, возвращаемся к цветному.

Но кроме того цвет основы – грунт или имприматура – может использоваться специально (отличие в том, что грунт будет скорее всего стабильного равномерного цвета, а имприматура наносится краской – акрилом, темперой, маслом, поэтому может быть любых расцветок, вариаций) так как сильно влияет на сам процесс работы. Например, если мы работаем по белому грунту, у нас есть возможность первые мазки (я сейчас о масле ала-прима) нанести жидко, с большим количеством разбавителя, они будут светиться, как акварельные. Часть мы впоследствии можем закрыть плотной прописью, а некоторые фрагменты - оставить полупрозрачными. Так будет ярче проявляться градация плотности красочного слоя, что может выглядеть очень уместно и эффектно. Если у нас цвет грунта средне-серый, то “светиться” будут только прозрачные оттенки, которые темнее, чем основа. Светлые же краски будут восприниматься холоднее, за счет более темной основы. Если имприматура цветная, то эффекта “свечения” добиться уже невозможно, но зато появляется возможность использовать наслаивание разных оттенков, их оптическое смешение и взаимодействие. А имприматуру в некоторых фрагментах оставлять незакрытой.

Поэтому внутри творческой работы вопрос о цвете холста – это как выбор того или иного рецепта для бисквита. Если возьмем другую муку – надо будет добавлять другие ингредиенты, действовать чуть иначе. Иногда этот выбор осуществляется “по наитию”, хочется, например, работать по чистому белому холсту. Значит, надо так и сделать. Если белый холст очень пугает своими размерами и светом – лучше шлифануть его имприматурой, “испачкать” чем-то, чтобы снять лишний страх. Иногда всё решает случай: нет времени на имприматуру, или наоборот есть только черный холст – значит, работаем с тем, что имеем, и относимся к этому как к интересному опыту. Иногда стоит сознательно выбирать эксперимент, и делать так, как вы не делали раньше, так как этот опыт расширяет наш арсенал возможностей. В идеале лично я предпочитаю перед работой иметь пару-тройку холстов подходящего размера с разным цветом, и выбирать под конкретную работу и под свое состояние/настроение.
Собственно, чем больше “дорожек” вы пробовали, чем чаще испытывали разные “пути”, тем более короткую тропу сможете выбрать в каждом конкретном случае.

Стартовал третий цикл рисовальных мастерских в Филармонии 2.
Сегодня как то особенно волновалась перед ‘Скрипкой’ — очень уж ответственно рассказывать про нее. В итоге - не рассказала и пятой части того, что собиралась. Но, кажется, вышло гармонично и хорошо.

Ура) спасибо всем, кто пришел. 20 апреля будем рисовать/изучать/конструировать фагот и саксофон.

Хотелось бы почитать прт этапы многослойной живописи и материалы для нее. есть много материала по этой теме, но он очень хаотичный и непонятный лично для меня…..
Вообще, после долгих раздумий, я решила не вводить в книгу раздел о многослойной живописи, и методически и технически эта тема достойна отдельного издания. Однако коротко о ней сказать стоит.
Дело в том, что бОльшая часть живописи, которую мы знаем, видим в музеях и любим, сделана именно методом трехслойной живописи. В таком случае первым слоем будет гризайль — тональный рисунок (лучше всего из современных красок для этого годится Марс коричневый темный мастер-класса)  вторым (после просыхания, не менее суток) — основная пропись, третьим — лессировки. То есть фактически слоев может быть разное количество, но принцип тонкое/толстое/тонкое будет сохранен, за счет того, что единственным плотным слоем будет пропись (основа живописного слоя, нанесенная сверху на гризайльный рисунок). Здесь, как обычно, сотни разных ‘но’: но пропись тоже может быть не особо плотная, но иногда может понадобиться положить толстое на толстое (например, на паре работ Айвазовского плотное солнце положено на плотное же (менее плотное) хорошо просушенное небо, и в таком случае шарик солнца с трещинами, и сквозь них видно, что небо было положено ‘целиком’, а солнце уже сверху), но иногда можно обойтись без лессировок (а иногда только лессировками). В общем, в практическом применении техника тоже очень вариативна. Неизменным отличием от Ала прима является гризайльный рисунок, который не просто есть ради наличия (иногда мы делаем подробный рисунок под ала-прима, но затем начинаем писать так, словно рисунка этого нет, словно заново, и для ала прима это вполне может быть нормально), в трехслойке гризайль продолжает быть, даже после укладки основной прописи: в тенях и полутонах принято оставлять гризайль ‘светиться’ из-под не слишком плотного слоя краски. Именно поэтому трехслойка может казаться ‘сухой’ техникой, и в то же время гораздо более понятной и предсказуемой. Долгой — потому что надо просушивать слои, быстрой — потому что не надо двигать красочные слои в цвете. Например, картинку про Шопена, которую выложу следом, я писала в качестве показки на курсе про материалы в иллюстрации (в Школе детской книги), и сделала гризайль за час и цвет примерно минут за 40. С объяснением 🤪😅Ала прима я бы за это время такую не написала бы (конечно, в условиях урока мне некогда сильно думать и я работаю быстрее, но все же).
К сожалению, здесь я не смогу описать все нюансы трехслойки, многое надо показывать непосредственно на примерах, скажу только, что рекомендую, как обычно, обкатывать технику на коротких этюдах. В Декабрьском марафоне прошлого 2024 года я разбирала один этюд с гризайлью, с обширным комментарием. (Марафон сейчас недоступен к покупке, если вам очень надо - пишите в комментариях, если будет запрос, я соберусь и сделаю покупку записей). Возможно, когда-нибудь замучу и полностью марафон трехслойки, но это трудно организуемо с натурой (приходится писать только то, что проживет больше недели без изменений).

все еще пытаюсь маслом не писать акварельно, не бояться более резких переходов и контрастов, хотя да, это тоже может быть техникой. Но чаще всего у меня тотальное "сфумато", но оно скорее неосознанное, потому как делать иначе я боюсь. Что можешь посоветовать в таких случаях?

На мой взгляд, поиск удобной консистенции — один из самых важных вопросов в обучении масляной живописи. Дело в том, что свойства краски (в том числе цвет) сильно изменяются в зависимости от консистенции. Это очевидно для большинства красок, а в масле приобретает особую остроту в связи с той же продолжительностью высыхания, а еще - в связи с ассортиментом разбавителей, каждый из которых будет придавать консистенции краски свои ‘прикольчики’.(например, от примесей лака краска будет больше липнуть, и быстрее схватываться, от примеси чистого масла — приобретать большую вязкость и т.д) 

А вопрос поиска удобной консистенции решается десятком — двумя натурных этюдов (без фона, без отягчающих в виде разных разбавителей, на чистом пинене). Важно разрешить себе в ‘лабораторных условиях’ поэкспериментировать с консистенцией. Не там, где нам хочется сделать красивую картинку, а на отдельном объекте. Регулярность же здесь обязательна не только для закрепления, а потому, что только раз за разом сталкиваясь с одними и теми же вопросами, мы действительно находим нужный ‘выход’. Это чем-то очень похоже на замешивание теста: можно готовить по рецепту, точно по граммам, но мука разная, Сметана чуть жиже — и в итоге получается не то, а сготовив десяток пирогов, вдруг понимаешь, как именно ‘приручать’ консистенцию. 

Второй момент, который я вижу в этом вопросе — страх резких переходов, желание чрезмерно ‘сглаживать’ форму. Здесь нас, конечно, очень сбивает с толку фотография, которая сейчас везде и всюду, в каждом нашем телефоне сотнями. Можно попробовать поразмышлять, а что такое вообще для вас изобразительное искусство? Зачем изображать это яблоко? Перед фотоаппаратом — даже самым простым — мы заранее проиграли, он зафиксирует объект в мелочах гораздо быстрее и точнее нас. Бывает, что в нас прорастает стремление к гиперреализму как к единственной итоговой точке, но по здравом размышлении мы легко поймем, что наслаждаемся мы в живописи, чаще всего, совсем не реалистичностью. Да и вообще: это сложный момент, но ‘желание сделать красивую картинку’ внутри обучения — так себе цель. Это как если бы мы, впервые попав на кухню, хотели бы сразу делать ресторанные пирожные. И сразу идеально. 
Кроме размышлений и установок (в этом вопросе действительно восприятие во многом определяет бытие) можно устроить себе такие упражнения: взять нравящихся вам художников, и ‘в их стиле’ написать опять же этюды. Лимон в стиле Коровина, булку в стиле Коржева, вазу в стиле Головина, розу в стиле Шиле, Фешина, Серова… ‘Играясь’ в стиль мастера, можно попробовать мягко уйти от зализанности, попробовать насладиться мазками, пастой. Конечно, если вам этого хочется.
А еще — можно попробовать поработать в трехслойке некоторое время. Техника предполагает очень тонко написанные вещи, но в то же время даже в тонком письме от зализанности и нехорошего сфумато лучше уходить. 

Перец
Х/масло 2023
В наличии

В день театра — буду смотреть ‘Денискины рассказы’ в РАМТе.

В юности я обожала театр. Первый раз, когда мне было 16, сестра привезла меня в Театр на Таганке, на ‘Горе от ума’, и мой мир перестал быть прежним.
Да здравствует театр!

А меня в масле сейчас занимает вопрос, про который Чистяков говорил "тонкий на толстое, толстый на тонкое" особенно про тонкий на толстое и лессировки. Белильные и без.
Сначала давайте разберемся, как работают слои в масле. Масло полимеризуется (затвердевает) дольше остальных красок, в течение суток – трех (в среднем) нанесенный красочный слой очень подвижный, и может быть исправляем сколько угодно раз. Собственно, и дольше, до полимеризации. После того, как слой затвердел (и даже когда он только перестал пачкаться), он как-бы становится самостоятельной “плёнкой” масляной краски на нашей основе. Если на эту пленку (еще до конца не затвердевшую, если не прошло года) мы кладем следующую,не менее плотную, то верхняя будет мешать процессу полимеризации нижней. И это может привести к растрескиванию слоев в течение года-двух. Кроме этого, важно сказать о связи слоев. Масляная краска не прилипает к нижнему слою, как краска на клеевой основе. Адгезия (связь слоев) осуществляется за счет естественных неровностей поверхности (поэтому хорошо высохший слой стоит пошкурить,или даже чуть растворить разбавителем, прежде чем класть на него следующий), липких лаков в смесях, и/или сплавлению слоев за счет неполного высыхания и пропитывания маслом. Но выше я говорила о том, что паста, наложенная на плотный не до конца просохший слой, мешает его высыханию. Итого получаем: Нижний слой – рисунок и подмалевок – пишем жидкими и “постными” красками, не добавляем масло, только на летучих разбавителях, чтобы он быстро просох и не насытил слишком сильно грунт маслом, не создал непробиваемой пленки. Следующий слой – основная пропись – может быть пастозным. За счет хорошей адгезии к грунту он будет крепко держаться, и тонкость нижнего слоя не приведет к растрескиванию. Эту основную пропись пишем до завершения – то есть правим, месим – пока она сырая и подвижная (если она только начала схватываться, она считается еще сырой). Для продления этого этапа существовали специальные способы - например, если закрепить доску на расстоянии нескольких сантиметров от полотна, то масляный слой на нем не будет подвержен свежему воздуху и свету, а значит - будет сильно медленнее полимеризоваться. А после высыхания этого слоя – доводить следует уже лессировками, потому что любой жирный слой может отвалиться или растрескаться. А тонкие – совсем невесомые, за счет содержания масел и разбавителя хорошо “вплавляются” в “жирный” слой. Вот и получается тех задание: “жирным/толстым/ по постному/тонкому/ – постным/тонким/ по жирному/толстому/”. Теперь про цветовую составляющую. Про лессировки. Дело в том, что некоторых оттенков невозможно добиться простым механическим смешением красок. А лессировки работают как стёкла. Безбелильные – как цветные стекла в витраже готического собора, как правило, работают по светлой основе, белильные – как слои тумана в мультике Норштейна про ежика и лошадку, как правило, работают по темной основе. Как и при смешении красок на палитре, для плодотворного использования лессировок нужен опыт. /который можно и самостоятельно приобрести с помощью экспериментов, почему бы нет/
“Чистой” техникой, которая будет упоминаться у Стариков, в том числе и у Чистякова, будет трехслойка. Техника, на которой стоит вся живопись до импрессионизма, за редким исключением. Именно она - послойная, с просыханием слоев, будет 100% реализацией вышеозначенного принципа.

Если же мы говорим о живописи ала-прима, в настоящее время более распространенной, то здесь этот принцип будет реализован разве что в моменте тонкого, нежирного рисунка, на который мы будем более пастозно укладывать основную пропись. Лессировки здесь – в том виде, в котором имеет их в виду Чистяков, невозможны. Когда мы пишем ала-примный этюд, мы ориентируемся на искомый цвет сразу, в один прием, и это придает живописи и этюдность, и лихость, и свежесть. Лессировка же не означает только положение тонкой прозрачной краски на толстую, но – это тот способ письма, при котором мы кладем нижний слой не так, как видим на натуре, а с расчетом на будущие лессировки. Например, белую рубашку изображаемого персонажа кладем жирно белилами - всю, без теней,зато с фактурой, а после высыхания наносим тени полупрозрачными “стеклами” лессировки. Именно поэтому живопись, например, конца 18– начала 19 века может нам казаться излишне “сухой” – она написана совершенно иначе, более логичным, выверенным, ремесленным способом /что, конечно, совсем не умаляет ее качеств/.
Если вы хотите освоить лессировки (что лично мне кажется очень интересным), рекомендую для начала поэкспериментировать с тем, как ведет себя прозрачная краска. Так, можно покрыть две небольшие основы белой и темной масляной краской, достаточно густо. А затем, после хорошего высыхания (хотя бы месяц), попробовать с помощью только прозрачных красок сделать или простые выкраски, или небольшой этюд чего-нибудь простого. Например, белого цветка на белом холсте, безбелильными лессировками, и темного куба на темном,белильными (стоит помнить, что лессировать мы можем не только сам предмет, но и фон).

Деревенский натюрморт 46*79см х/масло 2022г
В наличии

Постепенно буду отвечать на вопросы в формате постов🥰
Аня, привет! у меня глупый вопрос про масло, я сама с этим до конца не разобралась. Понимаю, что иногда проще стереть слой и нанести новый, чтобы был чище цвет, но вот мне чаще всего лень и я пытаюсь прямо на холсте что-то там смешать и добиться нужного. Какой способ более правильный?
Привет! Отличный вопрос) Если воспринимать его “в вакууме”, не относясь к конкретным примерам, можно смело сказать, что в смешивании краски на холсте “греха” абсолютно нет. Потому что весь наш процесс живописи, собственно, состоит в том, что мы наносим на холст некоторую краску, а следующие 4 часа двигаем ее, сдираем, снова наносим, вмешиваем, сглаживаем, освежаем, грязним, снова двигаем… и так – пока нас не удовлетворит результат. Если мы возьмем за правило класть цвет только на чистый холст, а не сверху уже нанесенного, то мы внесём в масло ту же пыточную суету, которая для многих делает акварель “адской техникой” потому что ничего нельзя исправить, никакого права на ошибку нет. (Лично я против такого отношения и к маслу и к акварели и к людям вообще – ошибаются все, это нормально, важно смело ошибиться и идти смело править).
А дальше – выходя из вакуума – мы упираемся в конкретные случаи. Например, в какой-то момент “сдирать” краску очень-очень важно, просто потому что пасты накопилось слишком много, и вместо плодотворной среды место на холсте превращается в болото, в котором мы тонем…Как только вы начали тонуть, важно, не жалея ничего, содрать болото, и положить цвет заново, на твердую почву холста. Жалость и бережливость здесь только вредят.
Пример второй: мы начали довольно жидко, и вмешиваем по граммуличке нужный оттенок…и еще, и еще… в таком случае сдирать бесполезно, важно заложить хороший достаточно пастозный мазок, обобщив то место, над которым шла работа. То есть мы можем обобщать как в сторону “нафиг это болото”, так и в сторону наоборот, насыщения холста пастой, в которую впоследствии вносим валёры и необходимые изменения.
Еще пример – когда мы правим рисунок. Сделали подмалевок, усложняем форму всякими другими цветами… и вдруг обнаруживаем, что цвет стух. Он в общем верный, но выглядит грязно. В большинстве случаев, если этот “грязный” замес не висит с холста слишком жирно, можно смешать похожий оттенок, но чище, и заложить его сверху, как шпателем, так, чтобы он более жирно перекрывал более постный грязный цвет. В данном случае это поможет и цвет почистить, и связь его с остальным не потерять. /В то же время, может быть надо просто поскрести мастихином это место, и цвет станет что надо/

Собственно, вывод: если нижняя краска мешает, ее надо убирать. Если она не мешает – абсолютно правомерно смешивание красок на холсте. Мы ищем: положение пятен, их форму, цвет, тон, и всё, что способствует поиску – хорошо. Но отслеживать “стухание” цвета при этом все-таки важно)

Я сегодня сижу с книгой по живописи, пишу про цвета и краски. Дедлайн через месяц, так что финал близко))

И вот, хочу вас попросить. А назадавайте мне в комментариях вопросов: самых разных, можно глупых (таких не бывает), — про масляные краски, про методику, про что хотите. Отвечать на реальные вопросы интереснее, чем надумывать то, что надо рассказать.
Ответами конечно поделюсь в постах (а может и в книгу что то попадет).
Помогайте, короче)😜

Раздумья Фавна
110*80см х/акрил 2022г
В наличии

Сегодня была на последнем в сезоне концерте ‘Вещь в себе’ в Филармонии (от души рекомендую, встретимся в следующем сезоне в КЗЧ), и после задумалась о том, что музыка, в силу своей эмоциональности, глубинности,

Напоминаю, что сегодня последний день скидок на все уроки в записи.
Аж -20%

Там и наброски музыкантов, и перспектива в простом изложении, и живописные марафоны (масло, акрил, акварель). В общем, хорошие сапоги, надо брать. (Обратите внимание, что доступ может быть разный, от 6 мес. до года для разных курсов)

Промо VESNA25

Теофиль Готье ‘Капитан Фракасс’ иллюстрации.
Бумага/акварель 2018г

А вы видели вот эти видео про рисование архитектуры пастелью?)
Часть 1
Часть 2
Часть 3
Часть 4
Часть 5

В конце мая я снова буду в Питере) По книжным делам, но порисовать, надеюсь, тоже успею. А еще вот думаю: господа питерцы, а может нам собраться-встретиться где-нибудь? Утром, на завтрак, или на обед. Познакомиться, поболтать. О живописи, преподавании — на любые темы. Могу привезти несколько книг. Как вам идея? Пока без конкретной даты, с 23 по 27 мая. Если вы пришли бы на такую встречу - ставьте + в комментариях.

Натюрморт с черепом выдры.
Х/акрил
В наличии

Придумывать, конструировать и готовить в печать стикерпаки для творческих мастерских — моя любимая работа. А когда стикерпак у меня в руках, я радуюсь как ребенок, собирая из него музыкальный инструмент.

Особенность этих коллажей в том, что я стараюсь сделать их вариативными: да, составные детали заранее определены, но конструкция такова, что пальцы можно поставить и так и эдак, смычок можно расположить как хочется, и вообще: можно дорисовать скрипача)

Приходите на мой абонемент в Филармонию. 30 марта в 11:30 СКРИПКА в 13:30 АРФА (мест почти не осталось). Каждое занятие построено так, что мы сначала собираем инструмент из наклеек (что ужасно приятно), а потом рисуем его, опираясь на то, что знаем о конструкции. В общем: и польза и развлечение и картинка красивая на память остается 😜

6+, но взрослые говорят, что им тоже нравится)

Московская плюшка
оргалит/акрил 2023

Ставьте 🎉 кто рисовал ее вместе со мной! Это из Акрилового марафона. Писать выпечку, как мне кажется, очень полезно тем, кто хочет осваивать портрет. Согласитесь, оттенки теста очень часто похожи на оттенки кожи, и холодные рефлексы те же))

Тем временем мне тут пишут, что на Озоне "Фермата" сейчас продается со скидкой, и есть промокод на дополнительные 10 процентов - до конца марта. Так что если кто решит купить — это хороший вариант. Надо ли говорить, что это лучший подарок, прекрасное украшение книжной полки, замена букета и банкета, и идеальная компания под одной обложкой.

Промокод такой: FERMATA10

Ссылка на книгу: https://www.ozon.ru/product/fermata-razgovory-s-kompozitorami-1729875512/

Когда я купила себе "Фермату", я малодушно подумала, что начну, немножко продвинусь, и вернусь к художественной литературе.
Очнулась я только когда перевернула 552 страницу. Честно сказать, за последние годы это самая объемная нехудожественная книга, которую я читала с упоением и жадностью, чего я от себя совершенно не ожидала. Мало того, кажется, я собираюсь перечитать ее еще раз.

Интервью с композиторами. Музыку некоторых я слышала, музыку других пока только представляю себе по этим интервью, но неизменно одно: в их композиторской работе, в этих разговорах, великолепно выстроенных — живых и точных, с чуткими, точными, глубокими, дерзкими, каверзными вопросами Алексея — оказалось невероятно много того, что мне очень близко. Фактически, обсуждаются те же темы и вопросы, которые волнуют меня в моей деятельности, только на другом, музыкальном материале, который мне, ко всему прочему, очень интересен. Крамольно скажу, что столько мыслей об искусстве (в том числе изобразительном) , сколько мне подарила эта книга, я не вынесла ни из одной книги про художников, о художниках или бесед самих художников.

Почтальон Печкин
х/масло 50*70см

Не помню, показывала ли вам это видео процесса)

Я тут решила перед повышением цен устроить аттракцион невиданной щедрости.

Итак, до 23 марта на все мои онлайн уроки и курсы — скидка. По промокоду VESNA25 -20%
такого не было и вряд ли еще когда будет, так что если вам надо — добро пожаловать. Полный список того, что в доступе, найдете тут.
И не говорите потом, что не слышали)

Промо воодится прям перед оплатой, на странице оплаты. Будут вопросы — пишите в комментарии. На всякий случай помните — никто, кроме меня самой, оплату не принимает.

От души рекомендую:
20го вечером будет концерт у прекраснейшей Инны.

Если вы любите тонкое, глубокое, разнообразное - то вам надо. Я очень жалею, что не попаду, но может хоть вы сможете. Во-первых, это красивейшая музыка (я слушаю в основном то, что называется ‘классической’ и ‘академической’, и пожалуй из того, что не вписывается в эти понятия, именно музыку Инны люблю больше всего. И действительно слушаю.)
Во-вторых, это очень прочувствованные, искренние, глубокие тексты.
И вообще — это магия.
Простая, бытовая и действенная.

А это канал Инны, там тоже много интересного и важного). Там же, кажется, можно посмотреть на кусочки репетиций)

Каждый раз смешно, уже сколько лет подряд.
По весне, давным-давно, еще в институтские времена, выходишь из метро, и тут тебе флаер всучают: "Научим рисовать за 3 занятия". "Ну — думаешь — пойти что ли? Глядишь, и правда научат, просмотр же скоро, пора, брат, пора.."

Пока еще всё серое, я только мечтаю о пленере и экстренно доделываю все книжные дела)
Этюд, 2023 г.

Несколько дней назад я рулила куда-то в магазин, и внезапно поняла, что очень хочу описать уроки музыки моего школьного детства. Вы иногда спрашиваете, есть ли у меня музыкальное образование и все такое - так вот, почитайте, это будет исчерпывающе.

Кликайте на текст — там полная версия, которая сюда немного не поместилась.

‘В кабинете музыки всегда стоял затхлый дух. На стене над обшарпанной коричневой доской висели портреты композиторов. Точно помню, что там был Бетховен. И Кабалевский, наверное, был, потому что нам говорили, что совершенством программы мы обязаны именно ему. Справа от доски — голубой фанерный подвесной шкаф, запирающийся на ключ — в нем был проигрыватель. Старый, пластиночный (, а в соседнем таком же шкафу — шепелявые колонки).Слышали мы его пару раз в месяц.

Парты — густо, в несколько слоев, выкрашенные синей масляной краской, были прибиты к поднимающимся амфитеатром ступеням. Как и лавочки, на которых мы рассаживались. На узкой парте едва помещалась тетрадь, зато ручка всегда скатывалась в предназначенный для нее желобок. Ну, или вниз, на пол.

Валерий Иванович, учитель, был весь какой-то овальный, с залысиной ‘озеро в лесу’, вечно в голубоватой поношенной рубашке и трикотажной темной жилетке. В молодости он пил постоянно и сильно, в последнее время уже совсем редко, но последствия запоев, заканчивающихся на уроках коротким цикличным повторением ‘Бах, Бах’, отпечатались на лице навсегда...

"Натюрморт с первой клубникой" 50*60см х/масло

Сегодня умерла композитор София Губайдулина. Гриша (https://vk.com/id5686773) очень любит её и её музыку, много и часто её играет. Вечером у него концерт в филармонии, моно-программа с музыкой Шнитке. Буквально только что они с Пашей Домбровским решили сыграть её сонату тоже.

Я спросила могу ли рассказать об этом в блоге, а он вспомнил, что совсем недавно написал статью о ней для 4 Губайдулинских чтений.
Нет, наверное, ничего более уместного сейчас, чем опубликовать эту статью.

Софие Асгатовне было 93 года.

Кротенко. «Губайдулина»
https://vk.com/@baroque4you-krotenko-gubaidulina

Мне почему-то очень хочется этим поделиться с вами. И если вы еще не читали ‘Фермату’ Алексея Мунипова, то почитайте обязательно это невероятное первое там интервью с Софией Губайдулиной.

Несколько видео с процессом)

Акварель. Крымские виды, Казантип, натурные этюды 2023г