Сегодня поделюсь последними текстами с фестиваля, но сначала вновь признаюсь — я очень устала. А еще мне очень жаль, что фильмы, достойные внимания и вдумчивости, пришлось смотреть замыленным, расфокусированным взглядом.

Так случилось с «Волками» Михаила Кулунакова — я изнемогала от монотонности, которая в иной раз работала бы на пользу возрастающему саспенсу. Поэтому здесь и дальше я даю своим впечатлениям скидку — и больше теоретизирую о неслучившемся. Фильм я планирую пересмотреть на свежую голову — к счастью, в ноябре его планирует выпустить в прокат компания К24.

А мой текст о том, как в фильме Кулунакова насилие обретает почти невыносимую чувственность, возвращая убийству его изначальную, первобытную тяжесть — читайте здесь

«На этой земле» — дебютный полнометражный фильм Ренаты Джало, воспитанницы киномастерской Алексея Учителя, получивший признание на фестивале «Маяк» и представленный на Роттердамском кинофестивале, погружает зрителя в мистическую атмосферу русской провинции конца XVIII века.

В глухой деревне, затерянной среди полей и лесов, местные жители с суеверным трепетом относятся к сёстрам-близняшкам — Двойнятке и Сестре (их играют Виктория и Марина Снятковы). По деревенским поверьям одна «съела силы» другой, и теперь виновная должна бесконечно молиться об искуплении своего греха. Гниющая нога Двойнятки — физическое воплощение этого мистического преступления.

Параллельно, словно в другой реальности, беглый крестьянин по прозвищу Бескрылый (Александр Александров) одержим идеей полёта. Из камыша и веток он мастерит неуклюжие крылья и раз за разом пытается оторваться от земли, но все попытки обречены на провал. Два ленивых вельможи, заехавших в деревню, увозят крестьянского Икара в барскую усадьбу как диковинную забаву.

Визуальная стилистика фильма пронзительно аскетична. Рената Джало и оператор Екатерина Смолина создают мир, лишённый малейшего намёка на романтизацию деревенского быта. Чёрно-белое изображение напоминает старинные фотографии, с которых «тщательно и кропотливо убрали цвет», но «свет, впрочем, остался. Вместе с тьмою и тенью».

Камера избегает крупных планов, словно сама боится подойти ближе к героям. Мы наблюдаем за происходящим со стороны — как антрополог или историк, случайно оказавшийся свидетелем давно минувших событий. Как пишет критик Михаил Щукин: «Камера многократно меняет свое положение в пространстве: дрожит, застывает, наблюдает за героями незаметно, сбоку, исподволь, исподтишка, как будто режиссер-документалист оказывается с необходимой съемочной аппаратурой в XVIII веке».

«На этой земле» пронизан образом нисхождения, движения вниз, к земле. «Джало подчеркивает в картине многозначность движения вниз, его особую роль: герои сладостно мочатся у дерева, справляют нужду рядом с мертвецом, срываются в лесной бурелом, топнут в болоте, падают с крыши».

Земля в картине становится не просто местом действия — она превращается в метафизическую субстанцию, определяющую судьбы людей. Она одновременно кормилица и могила, источник жизни и поглотитель мертвых тел. «Мать-сыра земля» приобретает в фильме почти языческую сущность — она требует правильного обращения, ритуалов, жертв.

Персонажи фильма лишены психологической глубины в привычном понимании. Они скорее архетипы, чем живые характеры — «двойнятка, сестра, первый господин, второй господин, скоморох, незнакомец, жених, молодая старуха, первая старуха, старуха с пластилиновым ртом, вторая старуха». Эта деиндивидуализация создаёт ощущение фольклорного или мифологического повествования, где действуют не конкретные люди, а воплощения определённых функций.

Фильм Ренаты Джало обнаруживает богатую систему отсылок к классикам авторского кино. «Есть в картине Ренаты Джало и Андрей Тарковский с его философией полета, с поэзией, воспоминанием, мечтой. Есть и Кира Муратова с поэтикой тавтологии, речитативом, рефреном. Есть и Рустам Хамдамов с эстетикой синефила, безупречным ювелирным киномастерством. Есть и Алексей Герман с полифонией и какофонией, дребезжащим на разные голоса пространством».

Критики также отмечают параллели с творчеством Альберта Серры, Ингмара Бергмана и Белы Тарра — режиссёров, для которых форма всегда была не менее важна, чем содержание. Эта сложная система киноцитат создаёт многослойное произведение, требующее от зрителя определённой подготовки.

Фильм уже получил две награды на фестивале «Маяк» и был представлен на Роттердамском кинофестивале. В прокат в Синематеке «На этой земле» выходит 1 мая

Что происходит, когда человек на закате жизни оглядывается назад и видит не триумфальное шествие достижений, а упущенные возможности и несбывшиеся мечты?

Ингмар Бергман исследует этот вопрос в одном из самых проникновенных своих фильмов — «Земляничная поляна», картине, которая парадоксальным образом сочетает меланхолию с надеждой.

Профессор Исак Борг — человек, достигший уважения и признания в научном мире, но растерявший по пути все тёплые человеческие связи. Отправляясь в автомобильное путешествие, чтобы получить почётную награду, он сам не подозревает, что эта дорога превратится для него в путь самопознания, где границы между прошлым и настоящим, сном и реальностью постепенно стираются.

Бергман создаёт удивительную визуальную симфонию, где воспоминания главного героя о земляничной поляне его детства становятся метафорой утраченного рая чистоты и искренности. Великий актёр Виктор Шёстрём играет Борга с такой глубиной и нюансами, что каждая морщинка на его лице кажется свидетельством прожитого опыта, каждый взгляд — окном в душу.

«Земляничная поляна» стоит особняком в творчестве Бергмана. Если многие его фильмы исследуют темы экзистенциального страха, молчания Бога и человеческого отчуждения, то здесь режиссёр предлагает нам историю примирения с собственным прошлым и возможности изменения даже в самом конце жизненного пути. Это один из самых светлых и жизнеутверждающих фильмов мастера, несмотря на серьёзность затрагиваемых вопросов.

В эпоху культа молодости и успеха, когда старение воспринимается как нечто, что нужно любой ценой скрыть или победить, «Земляничная поляна» напоминает о ценности жизненной мудрости, о возможности пересмотреть свои взгляды и открыться миру в любом возрасте. Она показывает, что настоящие открытия человек делает не только о внешнем мире, но и о себе самом.

27 апреля смотрим «Земляничную поляну» на большом экране в рамках «Уикенда с Ингмаром Бергманом». Показ пройдет на шведском с русскими субтитрами

Билеты

Редактор Пермской Cинематеки Оля Исакова побывала на премьере нового фильма Ивана Соснина «Легенды наших предков» в рамках 47-го Московского международного кинофестиваля и рассказывает, почему эту картину нельзя пропустить.

Иван Соснин вновь создал «доброе кино», но не пустое и раздражающее навязанной оптимистичностью. В фильме переплетаются фантастические элементы и реалистичные перипетии обычной жизни, через которые герой приходит к главному — пониманию себя и трепетному контакту с близкими. «Хотели в Москву переезжать, но дома уютнее», — эта фраза из фильма могла бы стать эпиграфом ко всему творчеству уральского режиссера, для которого родная земля всегда была и остается главным источником вдохновения. В конце концов, «Легенды наших предков» именно об этом: о необходимости оберегать свои корни, в каком бы уголке России мы ни находились — именно так мы сможем сохранить не только природное, но и духовное богатство.

«Легенды наших предков» в прокате с 1 мая

Читайте и приходите в кино

Фронтовики. Память. Кино

В майские дни приглашаем вас на программу фильмов, созданных теми, для кого война стала не только национальной трагедией, но и личной биографией. Режиссёры, прошедшие через горнило сражений, сумели преобразовать травматический опыт в произведения искусства исключительной эмоциональной подлинности.

Через призму их опыта мы видим не только непосредственные испытания военного времени, но и тонкие экзистенциальные переживания — тоску по мирной жизни, хрупкость человеческих связей, парадоксальное соседство героизма и повседневности.

🔵Регистрация на показы не требуется! Посадка свободная. Все сеансы пройдут в Пространстве развития (1 этаж).

3 мая, 15:00
«Судьба человека» (1959)
Режиссёр: Сергей Бондарчук

Дебютная режиссёрская работа Сергея Бондарчука, прошедшего фронт с 1942 по 1946 год, стала одним из самых пронзительных высказываний о войне в истории советского кинематографа.

Экранизация рассказа Михаила Шолохова рассказывает историю обычного русского человека, чья судьба была искалечена войной: плен, концлагерь, гибель семьи, бродяжничество — и в конце встреча с осиротевшим мальчиком Ванюшкой, которому Соколов представляется отцом.

9 мая, 15:00
«Баллада о солдате» (1959)
Режиссёр: Григорий Чухрай

Григорий Чухрай, дважды раненный на фронте и участвовавший в форсировании Днепра, снял фильм, который перевернул представление о военном кино. Вместо батальных сцен и героических подвигов — тихая история девятнадцатилетнего солдата Алёши Скворцова, получившего краткосрочный отпуск за боевую заслугу.

Фильм избегает прямого изображения военных ужасов — война присутствует как фон, как тень, определяющая судьбы людей. Тем пронзительнее звучит его антивоенный посыл: война отнимает у человечества не только жизни, но и возможности — любить, строить, мечтать, просто быть рядом с близкими.

17 мая, 15:00
«Двадцать дней без войны» (1976)
Режиссёр: Алексей Герман

Военный корреспондент Лопатин получает двадцатидневный отпуск и едет из Сталинграда в Ташкент. За эти три недели он встречается с людьми, переживает короткий роман с местной жительницей, консультирует съёмки фильма о Сталинграде, пытается доставить посылку от погибшего солдата его жене. И всё это время не покидает ощущение, что настоящая жизнь — там, на фронте, а в тылу идёт какая-то странная, почти нереальная жизнь.

25 мая, 15:00
«Белорусский вокзал» (1970)
Режиссёр: Андрей Смирнов

Четверо бывших однополчан встречаются спустя двадцать пять лет после победы на похоронах своего боевого товарища. За один день эти очень разные люди — руководитель предприятия, журналист, бухгалтер и слесарь — заново переживают своё фронтовое братство, испытывают глубинную связь, которую не смогли разрушить ни время, ни разные социальные положения.

В фильме Андрея Смирнова война показана не через боевые действия, а через память, через неизгладимый след, который она оставила в душах людей. «Белорусский вокзал» говорит о том, что подлинные ценности, проверенные войной — дружба, верность, взаимопомощь — остаются неизменными и в мирной жизни, какими бы разными путями ни шли люди.

Спасибо киностудиям «Мосфильм» и «Ленфильм», которые предоставили фильмы к показам — это программа состоится благодаря им 🤍

27 апреля в 16:30 приглашаем вас на просмотр и обсуждение нового фильма Люка Бессона «Джун и Джон» в рамках киноклуба «Плёнка».

Новая работа Люка Бессона, снятая на iPhone во время пандемии, предлагает зрителю нестандартный взгляд на внутренние конфликты современного человека. Главный герой Джон — классический пример взрослого, утратившего связь со своим внутренним ребёнком. Погрязший в монотонной офисной жизни, он функционирует, но не живёт по-настоящему. Встреча с Джун — яркой, импульсивной женщиной — становится катализатором внутренней трансформации, возрождая подавленную часть его личности.

Бессон мастерски использует визуальный язык для демонстрации этой внутренней борьбы: серые офисные пространства противопоставляются взрывам цвета, появляющимся вместе с Джун; размеренный ритм повседневности сменяется головокружительными погонями и спонтанными решениями. За внешней канвой приключенческой истории скрывается психологическое исследование процесса взросления — не как отказа от детской части себя, а как интеграции её в зрелую личность.

Фильм поднимает вопросы, созвучные тематике нашего киноклуба:

🔵 как найти баланс между ответственностью взрослого и свободой внутреннего ребёнка?
🔵является ли конформизм необходимой жертвой взросления или формой самопредательства?
🔵 что происходит, когда подавленные детские желания и потребности внезапно прорываются во взрослую жизнь?

Особый интерес представляет неоднозначность фигуры Джун — является ли она реальным человеком или персонификацией вытесненных частей личности самого Джона? Этот вопрос открывает простор для психологической интерпретации фильма через призму различных терапевтических подходов.

После просмотра состоится дискуссия, которую проведут ведущие киноклуба Романова Ольга (психолог для детей и взрослых, интегративный подход: EMDR, КПТ, гештальт) и Смирнова Татьяна (гештальт-терапевт, семейный психолог). Они помогут нам исследовать многослойную психологическую структуру фильма и проанализировать, как режиссёрские приёмы Бессона отражают внутренние процессы главного героя.

Билеты

Друзья! Раскрываем тайну нашего киношифра и объявляем победителя

Правильный ответ — советский мультфильм «Летучий корабль». Мы перенесли сюжет в наши дни: дочь медиамагната вместо царевны, уличный музыкант-изобретатель вместо Иванушки, высокотехнологичный дрон вместо летучего корабля, а богатый наследник из списка Forbes вместо Полкана.

Поздравляем Елену, комментарий под номером 19 — вы становитесь обладательницей билета на двоих на показ анимационного фильма Хаяо Миядзаки «Порко Россо». Мы свяжемся с вами в личных сообщениях.

Благодарим всех участников! Следите за нашими новыми конкурсами 🩷

Ирина Старшенбаум путешествует по стране, меняя одного обаятельного водителя на другого 🤍

В преддверии программы «Уикенд с Ингмаром Бергманом» приглашаем вас на открытую игру в шахматы, которую мы проведем совместно с шахматным клубом OnlyChess.

Именно в шахматной партии — сдержанной и немой — шведский режиссёр Ингмар Бергман заключил одну из самых пронзительных метафор в истории кино. Режиссер превратил обычную партию в экзистенциальный поединок — молчаливый диалог о смысле жизни, вере и неизбежности конца. На доске в 64 клетки развернулась одна из самых глубоких философских бесед в истории кинематографа.

Не переживайте, мы не планируем приглашать на вечер мрачных персонажей в черных плащах (хотя за дресс-код гостей не ручаемся). Вместо напряженной игры за собственную жизнь мы предлагаем гораздо более приятное времяпрепровождение — шахматные партии с живыми собеседниками в уютной атмосфере.

Приходите 24 апреля в Lemon Tree (19:00 до 22:00) — где тишина не будет гнетущей, а ходы не станут роковыми. Хотя, кто знает — может, именно ваш гамбит станет началом нового захватывающего знакомства?

Участие бесплатное. Но не забудьте зарегистрироваться (и отправить пост друзьям, которые обожают эту игру!)

«Персона» — фильм, который переворачивает все представления о возможностях кинематографа. Созданный Ингмаром Бергманом в 1966 году, он до сих пор остаётся одним из самых обсуждаемых и анализируемых произведений в истории кино. Что делает его настолько значимым и почему его обязательно нужно увидеть именно сейчас, на большом экране?

Сюжет «Персоны» одновременно прост и невероятно сложен. Актриса Элизабет Фоглер внезапно теряет дар речи прямо во время спектакля. Медсестра Альма приставлена ухаживать за ней в уединённом доме на морском берегу. Постепенно границы между личностями двух женщин начинают размываться, и зритель вместе с героинями погружается в пугающее исследование человеческой идентичности.

Бергман здесь работает на пике своих творческих сил, создавая настоящую революцию в киноязыке. Он буквально разрушает четвёртую стену — в одной из самых шокирующих сцен мы видим, как плёнка словно горит в проекторе, напоминая, что перед нами всего лишь иллюзия. Этот приём, новаторский для своего времени, вдохновил целые поколения режиссёров-экспериментаторов.

Визуальный стиль «Персоны» — отдельный предмет восхищения. Операторская работа Свена Нюквиста создаёт на экране мир удивительной красоты и интимности. Крупные планы лиц героинь, снятые с беспощадной детализацией, позволяют разглядеть мельчайшие движения души. Эти кадры стали классикой мирового кино — их изучают в киношколах, цитируют в других фильмах, анализируют в научных работах.

В эпоху социальных сетей, когда люди создают и примеряют различные виртуальные личности, вопросы о подлинности нашего «я» и размывании границ между реальным и воображаемым становятся особенно острыми. Фильм Бергмана, снятый более полувека назад, кажется провидческим — он исследует идеи, которые только сейчас становятся частью массового сознания.

26 апреля смотрим «Персону» на большом экране в рамках «Уикенда с Ингмаром Бергманом». Показ пройдет на шведском с русскими субтитрами

После показа обсудим фильм с Анастасией Гончаровой — кинокритиком, исследователем кинематографа северных стран 🥶

Билеты

Катерина — главная героиня фильма «Мужу привет» — сотрудница ЗАГСа, чья профессиональная и личная жизнь представляет собой парадоксальный контраст. Ежедневно она соединяет чужие судьбы под звуки марша Мендельсона, в то время как её собственный брак буквально заморожен в мучительном лимбе: муж Катерины пять лет пребывает в коме. Встреча с Георгием, бывшим преподавателем литературы, сменившим учебники на автомобильный бизнес, ставит героиню перед выбором, который она долго откладывала.

Режиссёр Антон Маслов, известный зрителям по хитовым сериалам «Вампиры средней полосы», «Последний богатырь. Наследие», комедии «В активном поиске», фильму «Многоэтажка» и другим работам, с нескрываемой прямотой отсылает зрителя к культовой картине «Москва слезам не верит». Сходство настолько очевидно, что превращается в своеобразную игру с аудиторией: та же Катерина, несущая мир на своих хрупких плечах; тот же мужчина, но предпочитающий полновесное «Георгий» вместо легкомысленного «Гоши»; и всё то же сочетание напористости с надёжностью, которое безотказно покоряет женские сердца. Только вместо Москвы — провинциальный город, а вместо упрямого отрицания эмоций — почти терапевтическое принятие их важности.

«Мужу привет»: оттепель Антона Маслова — читайте о моих впечатлениях на платформе КИНОТВ 🧡

Средневековая Швеция, опустошённая чумой. Рыцарь, разочарованный в вере после кровавых Крестовых походов, встречает на берегу моря саму Смерть в образе человека в чёрном капюшоне. Но вместо того, чтобы безропотно уйти с ней, он предлагает странную сделку — партию в шахматы, где ставкой становится его жизнь.

Так начинается «Седьмая печать» — фильм, который уже более шестидесяти лет не отпускает зрителей по всему миру. Это произведение, снятое Бергманом в 1957 году, стало настоящим культурным феноменом, изменившим представление о возможностях кинематографа.

💀Почему этот чёрно-белый шведский фильм до сих пор считается одной из вершин мирового кино?

Бергман сумел создать визуальную притчу, говорящую о вечных вопросах с поразительной прямотой и визуальной силой. Образ Смерти, играющей в шахматы, превратился в икону популярной культуры, став одним из самых узнаваемых кинематографических символов всех времён. Его цитировали и пародировали от «Монти Пайтона» до «Билла и Теда», от Вуди Аллена до сериалов и видеоигр.

Но сегодня «Седьмая печать» приобретает новое, тревожно актуальное звучание. В мире, где человечество снова сталкивается с эпидемиями, войнами и экзистенциальными угрозами, вопросы, которые задаёт Бергман, становятся острее, чем когда-либо: что остаётся от веры, когда Бог молчит? Как найти смысл в мире, полном страданий? Как человеку сохранить достоинство перед лицом неизбежной смерти?

Парадоксально, но этот фильм о смерти — на самом деле о жизни и о том, что делает её ценной. Бергман находит место для своеобразного юмора, нежной любви и простых радостей даже в самые мрачные моменты истории. Семья бродячих актёров, которая становится символом радости творчества и человеческого тепла, напоминает нам о том, что именно искусство и способность к сопереживанию могут стать нашим спасением.

25 апреля смотрим «Седьмую печать» на большом экране в рамках «Уикенда с Ингмаром Бергманом». Показ пройдет на шведском с русскими субтитрами

Билеты

Друзья, в эту пятницу разыгрываем билет на двоих на специальный показ культового анимационного фильма Хаяо Миядзаки «Порко Россо» — в удивительное приключение в мире довоенной Европы, воздушных пиратов и гидропланов.

Публикуем небольшой текст, в котором зашифрован известный фильм. Никаких имён героев, названий мест и прямых отсылок к оригиналу — только чистая творческая интерпретация, передающая суть картины. Ваша задача — угадать, о каком фильме идёт речь, и оставить свой ответ в комментариях.

В розыгрыше участвуют все оставившие комментарии с вариантом ответа, независимо от того, верный он или нет. Победителя определим с помощью рандомайзера.

Дочь медиамагната страдает от золотой клетки — её жизнь расписана от корпоративных мероприятий до благотворительных вечеров, а в качестве жениха отец выбрал сына своего делового партнёра. Наследник фармацевтической империи хорош собой и регулярно попадает в списки Forbes, но его самовлюблённость сравнима только с размером его состояния.

В это же время молодой уличный музыкант, подрабатывающий курьером, собирает в гараже экспериментальный дрон по собственным чертежам. Юноша мечтает создать нечто большее, чем просто летательный аппарат, и вкладывает в свой проект все заработанные деньги, несмотря на насмешки окружающих.

Судьба сводит его с командой технических гиков-аутсайдеров. Один из них — хакер, способный проникнуть в любую систему. Другой — поглощает невероятные объёмы еды, но при этом является экспертом по альтернативному топливу. Третий — бывший морской пехотинец с феноменальным зрением, который может разглядеть мельчайшую деталь на расстоянии километра. Вместе они модифицируют проект музыканта до неузнаваемости.

Когда медиамагнат устраивает помолвку дочери на крыше небоскрёба, неожиданное появление светящегося летательного аппарата с живой музыкой на борту срывает церемонию. Исполнительный директор корпорации, годами ждавший повышения, видит в этом инциденте шанс выслужиться перед боссом и организует настоящую охоту на дерзкого изобретателя, используя и службу безопасности, и подкупленных представителей авиационного надзора.

Есть режиссёры, чьи фильмы меняют наше восприятие реальности, заставляя смотреть на мир иначе

Один из таких визионеров создал совершенно особый киноязык, который продолжает вдохновлять и влиять на кинематографистов по всему миру. Его работы легко узнать по характерному почерку: камера, проникающая в самые потаённые уголы; диалоги, обнажающие экзистенциальные вопросы; выразительные крупные планы, раскрывающие целые вселенные эмоций.

Этот режиссёр превратил кино в инструмент философского и психологического исследования, где внутренние конфликты человека раскрываются с потрясающей глубиной. Его фильмы стали настоящей школой для многих знаменитых кинематографистов — от Андрея Тарковского до Вуди Аллена. Они учились у него искусству визуальной метафоры, умению выстраивать сложные отношения между героями, способности передавать невыразимое через тишину и паузы.

В рамках проекта «Понимаем кино»* представляем программу «Уикенд с Ингмаром Бергманом», посвящённую выдающемуся шведскому режиссёру.

Программа «Уикенд с Ингмаром Бергманом»

25 апреля — «Седьмая печать»
26 апреля — «Персона»
27 апреля — «Земляничная поляна»

Все фильмы будут показаны на языке оригинала с субтитрами.

А 26 апреля в 14:30 приглашаем на лекцию «Ингмар Бергман: конфликт, катарсис и смехотерапия», которую проведет Анастасия Гончарова — кинокритик, исследователь кинематографа северных стран, фестивальный отборщик игрового и документального кино.

Шведский классик театра и кинематографа, поэт отчаяния и большой поклонник красивых женщин, фантазер, сумасброд, отшельник. Два слова «Ингмар Бергман» вмещают в себя множество разных смыслов, до сих пор оставаясь неразгаданной загадкой для зрителя.

На лекции о великом режиссере поговорим о сквозных мотивах его творчества, о тесной связи кино с его личной жизнью, о жанровом разнообразии и рабочем постоянстве.

Вход на лекцию свободный, по регистрации

*«Понимаем кино» — просветительский и образовательный проект, реализуемый благодаря поддержке Министерства культуры Пермского края и «Центра по реализации проектов в сфере культуры»

Новая работа итальянского режиссера Мауры Дельперо «Горная невеста» переносит зрителя в середину Второй мировой войны, в живописную, почти не тронутую цивилизацией деревушку Вермильо, затерянную среди итальянских Альп. Этот фильм стал вторым полнометражным проектом для постановщицы, ранее работавшей в документальном кино.

На первый взгляд сюжет прост: в изолированную горную деревню прибывает молодой человек по имени Пьетро, бежавший из немецкого плена и считающийся дезертиром. Здесь он влюбляется в местную девушку Лючию, дочь учителя, что становится началом драматических событий для её семьи. Однако замысел режиссера гораздо шире любовной истории, на которую намекает российское прокатное название.

Дельперо создает удивительный портрет общины, существующей словно вне времени. Война, бушующая вокруг, почти не затрагивает обитателей Вермильо напрямую — она присутствует лишь в тревожных ожиданиях весточек от ушедших на фронт мужчин и в редких слухах, доходящих из большого мира. Даже наступление долгожданного мира воспринимается жителями почти буднично, как нечто абстрактное и не вполне осознанное.

Этот парадокс — жизнь в «райском» уголке природы на фоне глобальной катастрофы — составляет центральный нерв фильма. Бедность, голод и лишения компенсируются народными гуляниями, религиозными праздниками и крепкими общинными связями. Камера Михаила Кричмана (известного по работе с Андреем Звягинцевым в «Левиафане» и «Нелюбви») с особой чуткостью выхватывает эти моменты скромного счастья, превращая их в визуальную поэзию.

В операторской работе Кричмана проявляется настоящее мастерство: великолепные панорамы горных вершин сменяются интимными крупными планами, а игра света и тени создает особую атмосферу, где человеческие фигуры кажутся хрупкими и воздушными, как морозные узоры на стекле. Визуальное решение фильма становится его главным достоинством, компенсируя некоторую фрагментарность повествования.

«Горная невеста» — кино о милосердии и прощении в мире, где господствует жестокость. О том, как война меняет людей, даже если они не держат в руках оружие. И как один цикл сменяет другой — времена года, поколения, войны — но в этой сменяемости есть и надежда на перемены, на то, что следующий круг может принести что-то иное.

Фильм с историей семидесятилетней давности ощущается болезненно актуальным сегодня. Как будто Дельперо создала мост через время, напоминая нам, что ни горы, ни океаны, ни границы не могут защитить нас от последствий войн, которые мы продолжаем вести, и что величественное равнодушие природы — не оправдание для человеческого равнодушия.

Фильм в прокате с 17 апреля

«История Аси Клячиной, которая любила, да не вышла замуж» — фильм, который многие критики называют вершиной советского неореализма, пролежавший «на полке» более 20 лет

Снятая в 1967 году «История Аси Клячиной» Андрея Кончаловского увидела свет лишь в 1988 году под названием «Асино счастье». Цензоров напугала слишком честная картина колхозной жизни — той самой земли, где тяжкий труд соседствует с безыскусной красотой русских просторов, где в натруженных руках и усталых глазах затаилась вековая мудрость и терпение.

Фильм рассказывает историю Аси — хромой деревенской женщины, сыгранной Ией Саввиной. В своём физическом несовершенстве она обретает особую внутреннюю гармонию и силу духа. Ася безответно и беззаветно любит красавца-тракториста Степана — любит той чистой, самоотверженной любовью, которая не требует ничего взамен и питается одним лишь светом своего существования. Решив родить от него ребенка, она отвергает искреннее предложение руки и сердца от другого мужчины — Чиркунова, демонстрируя удивительную верность собственному чувству и свободу выбора.

Кончаловский совершил революцию в киноязыке, отказавшись от глянцевой картинки социалистического реализма в пользу пронзительной правды жизни. Черно-белые кадры, снятые ручной камерой, словно окно в ушедшую эпоху — они дышат аутентичностью, передают щемящую достоверность деревенского быта с его неприглядными избами, размытыми дождями дорогами и бескрайними полями, над которыми плывут облака, как отголоски вечности.

Большинство второстепенных персонажей — не актеры, а настоящие крестьяне из села Безводное Горьковской области. Их морщинистые лица, огрубевшие руки и негромкие голоса рассказывают подлинные истории о коллективизации, войне и голоде — это неотредактированная народная память, вплетенная в художественную ткань фильма.

«История Аси Клячиной» — это поэтическая киноэлегия о русской деревне, без прикрас показывающая и боль, и красоту народной жизни. Это фильм-откровение, где каждый кадр наполнен той пронзительной правдой, которая делает искусство бессмертным.

19 апреля, 15:00

Показ пройдет в рамках программы «Эпоха в кадре» в пространстве «Развития» (1 этаж). Участие — бесплатное, предварительная регистрация не требуется.

Друзья! Подводим итоги нашего киноконкурса 🍄

Правильный ответ — «Зеркало» Андрея Тарковского

Многие из вас сразу узнали этот культовый фильм в нашем описании, несмотря на то, что мы старались усложнить задачу. Нелинейная структура воспоминаний, образ трех женщин с одним лицом, поэзия Арсения Тарковского и знаменитая водная символика — все эти элементы оказались слишком узнаваемыми для настоящих киноманов.

Поздравляем комментарий под номером 1 — вы становитесь обладателем билета на двоих на показ итальянской драмы «Горная невеста». Мы свяжемся с вами в личных сообщениях.

Благодарим всех участников и готовим новую загадку. В следующий раз постараемся найти что-то действительно сложное для вас 🦾

Среди богатого наследия великого японского аниматора Хаяо Миядзаки есть картина, которая долгое время оставалась в тени более известных его работ. «Порко Россо» — пожалуй, самый «взрослый» и необычный фильм мастера, который вновь возвращается на большие экраны, предлагая зрителям уникальное путешествие в мир довоенной Европы, воздушных пиратов и гидропланов.

Действие фильма разворачивается в Италии конца 1920-х годов. Главный герой, бывший ас итальянских ВВС Марко Пагот, превратился в человекоподобную свинью после мистического случая во время Первой мировой войны. Теперь, известный как «Порко Россо», он зарабатывает на жизнь, охотясь на воздушных пиратов, грабящих пассажирские и торговые суда в Адриатическом море.

Что удивительно — в мире, созданном Миядзаки, никто особенно не удивляется свиноподобному облику Марко. Его прежние знакомые продолжают с ним общаться, женщины в него влюбляются, а враги просто используют его внешность как повод для шуток. Единственное, что изменилось в жизни Марко после превращения — его отношение к себе и миру.

На первый взгляд «Порко Россо» может показаться легкой комедией о приключениях пилота-свиньи. Но эта картина скрывает в себе несколько смысловых слоёв, которые раскрываются внимательному зрителю.

Фильм, начавшийся как небольшой проект для авиакомпании Japan Airlines (первоначально планировалось создать короткометражку для показа во время полётов), вырос в глубокое размышление о последствиях войны, наступлении фашизма и природе человечности. Миядзаки переработал сценарий под влиянием начавшейся в бывшей Югославии гражданской войны, добавив трагические нотки в историю.

Ключевая фраза главного героя «Лучше быть свиньёй, чем фашистом» точно отражает гуманистическую идею фильма: внешность не определяет человечность, её определяют поступки и убеждения. Марко с головой свиньи остаётся благородным человеком, в то время как многие «люди» вокруг утрачивают свою человечность, подчиняясь идеологии фашизма.

🐽Для детей или для взрослых?

Хотя «Порко Россо» часто относят к числу «взрослых» работ Миядзаки, фильм удивительно многослоен и может быть интересен зрителям разных возрастов. Дети увидят в нём захватывающее приключение с ярким главным героем, воздушными боями и забавными пиратами. Взрослые оценят отсылки к «Касабланке», тонкий юмор, размышления о войне и фашизме, а также нестандартную композицию сюжета.

В отличие от других работ Миядзаки, «Порко Россо» имеет открытый финал, оставляющий простор для интерпретаций. Судьба Марко после решающей схватки с американским асом Дональдом Кертиссом остаётся неясной. Превратился ли он обратно в человека? Погиб? Или продолжил своё существование в образе «Алого Свина»?

Сейчас, когда «Порко Россо» возвращается на большие экраны, у российских зрителей есть уникальная возможность заново открыть для себя или впервые познакомиться с этим удивительным произведением — элегантным графически, глубоким по содержанию и необычным по форме. В прокате с 17 апреля!

Приглашаем вас на эксклюзивный показ фильма «Дольче!» — уникального кинематографического эксперимента, соединяющего классическую оперу с современным цифровым искусством. Специальный показ пройдет совместно с брендом мужской одежды «Индевер». Модератором встречи выступит талантливый стилист и блогер Алена Кобылянская.

«Дольче!» — смелая современная интерпретация бессмертного мифа об Орфее и Эвридике. Режиссеры Паоло Геп Кукко и Давиде Ливермор создали удивительный сплав классики и современности, где древнегреческий миф обретает новое дыхание.

Сюжет разворачивается стремительно: юные Орфей и Эвридика готовятся соединить свои судьбы, когда свадебное шествие внезапно прерывается появлением черного автомобиля и роковым выстрелом. В этой современной интерпретации вместо укуса змеи — похищение невесты «мужчинами, возомнившими себя богами».

С первых кадров зрителя погружает в историю гипнотический голос Венсана Касселя, исполняющего роль Харона — не просто рассказчика, а настоящего проводника по загробному миру, представленному как футуристический отель «Аид». Здесь, в пространстве нерешенных конфликтов, Орфей ищет не только свою возлюбленную, но и путь к примирению с родителями, а Эвридика неожиданно задумывается о своей женской самостоятельности, не будучи уверенной, что хочет возвращаться из загробного мира под венец.

Визуально фильм поражает воображение — сновидческие декорации, сюрреалистические пейзажи и виртуальная архитектура создают фантастический мир, где классические арии сплетаются с электронной музыкой, а вместо туник герои облачены в изысканные наряды Dolce & Gabbana. Режиссеры уверенно балансируют на грани между экстравагантностью и изысканностью, наполняя каждый кадр выразительными визуальными решениями.

Фильм «Дольче!» — это погружение в мир, где любовь сталкивается со смертью, а искусство преодолевает границы времени. Визуальный язык картины поражает воображение — необычные локации, роскошные костюмы и смелые технологические решения создают атмосферу высокой моды, в которой разворачивается вечная история о силе любви и искусства.

На специальном показе мы обсудим:

🔵 режиссерский замысел, фабулу и мифологические корни;
🔵 тайны загробного мира и его современное переосмысление;
🔵 вечную музыку, соединяющую классику и современность;
🔵любовь и стиль, которые пронизывают всю картину.

26 апреля, 18:00

Билеты

Показ проходит в рамках программы «Искусство и кино» - ежемесячных встреч с важными кинокартинами о культуре.

Пятница! 😎

и мы публикуем небольшой текст, в котором зашифрован известный фильм. Никаких имён героев, названий мест и прямых отсылок к оригиналу — только чистая творческая интерпретация, передающая суть картины. Ваша задача — угадать, о каком фильме идёт речь, и оставить свой ответ в комментариях.

На этот раз мы решили усложнить задачу и подготовили загадку для настоящих киноманов! Но не переживайте, если не угадаете — в розыгрыше участвуют все оставившие комментарии, независимо от того, верный он или нет. Победителя определим с помощью рандомайзера среди всех участников.

Человек создаёт музей собственной жизни, где экспонаты расставлены не по хронологии, а по силе эмоционального воздействия. Здесь нет указателей и табличек с датами — только предметы, звуки, запахи, которые обладают своей гравитацией. Законы физики здесь подчиняются законам памяти.

Серебристая поверхность воды, колеблемая ветром, искажает отражения так же, как время искажает события прошлого. Три женщины с одним лицом, но разными судьбами, проходят сквозь этот лабиринт памяти, иногда не узнавая друг друга при встрече.

Слова здесь материальны — они висят в воздухе, как капли дождя, готовые сорваться и разбиться о землю. Иногда их произносят голоса за кадром, иногда они остаются непроизнесёнными, но всё равно слышимыми. Язык поэзии оказывается единственным способом коммуникации между временными слоями.

На пересечении государственной истории и личных воспоминаний возникает особая территория, где окна становятся порталами между эпохами, а лестницы ведут одновременно вверх и вниз по шкале времени. В этом пространстве мёртвые и живые равноправны, а события разных десятилетий существуют одновременно, создавая сложную полифонию смыслов.

В этот раз разыгрываем билет на двоих на показ итальянской драмы «Горная невеста» режиссера Мауры Дельперо — удивительное путешествие в горную деревню времен Второй мировой войны с потрясающей операторской работой Михаила Кричмана!

Ваши варианты ждём до 14 апреля

Молчаливые и неподвижные, камни хранят память веков. Под нашими ногами — целая вселенная, которую мы привыкли не замечать. Мы строим на камнях города, собираем их в коллекции, они формируются внутри наших тел, но редко становятся героями наших историй. В мире, где ценится движение и жизнь, мы разучились слышать шёпот твёрдой материи — основы, на которой покоится всё сущее.

В рамках «FUTURE.DOC» предлагаем посмотреть документальный фильм-эссе «Яблочный уксус» бельгийского режиссера Софи Бенот — медитативное кинематографическое исследование, которое превращает камень из фона в главного героя повествования о времени, памяти и хрупкости человеческого существования

Повествование начинается с маленького, гладкого камешка — хирургически удаленного камня из почек (отсюда и название фильма, ведь яблочный уксус помогает при почечнокаменной болезни). Но этот частный медицинский случай становится лишь отправной точкой для масштабного философского путешествия.

Фильм создает необычный гибрид документалистики и вымысла: вымышленная пожилая английская дама, бывшая создательница телевизионных программ о природе, выступает рассказчицей и проводником зрителя. Её голос сопровождает нас в путешествии по вулканическому острову Фого в Кабо-Верде, вдоль разлома Сан-Андреас в Калифорнии и в Палестину с её богатыми залежами природного камня.

Изящно перескакивая от одной идеи к другой, Бенот создает легкое кружение вокруг серьезной темы. Фильм сознательно размывает границы между фактом и вымыслом, оставляя зрителю пространство для собственных интерпретаций. Блуждание по лабиринтообразной структуре «Яблочного уксуса» становится частью зрительского опыта — мы погружаемся в контраст между повседневными заботами и великими вопросами нашей планеты.

Показ пройдет 17 апреля в 19:00 на языке оригинала с русскими субтитрами

«Иногда вход — это не выход»

эта абсурдная фраза из уст двух пожилых дам, беззаботно попивающих кофе в странном отеле, становится зловещим пророчеством для главного героя фильма «Мистер К.».

Что если самая страшная тюрьма — это комфорт? Что если самое сильное препятствие на пути к свободе — это люди, которые не хотят выхода? Франц Кафка, мастер абсурда и безысходности, улыбнулся бы, увидев этот визуально изощренный кошмар современности.

Странствующий фокусник, мистер К., останавливается на ночлег в загадочной гостинице. Пустующая на первый взгляд, она в действительности населена эксцентричными постояльцами и персоналом. После тревожной ночи герой пытается покинуть отель, но обнаруживает, что выход невозможно найти. В лабиринте коридоров и комнат его ждет что-то гораздо более странное, чем просто заблудившийся турист.

В отличие от классического Кафки, противником главного героя становится не безликая бюрократия, а сами люди — обитатели отеля, которые счастливы в своем текущем положении и отчаянно сопротивляются переменам. «Нам не нужен был выход, пока ты не пришёл», — говорят они, то превознося К. как «Освободителя», то преследуя его как разрушителя их привычного мира.

Визуальная метафора фильма поражает своей наглядностью: стены отеля трескаются, из-под обоев проступает растительность, а комнаты постепенно сжимаются. Но даже когда постояльцы вынуждены выносить мебель в коридоры, никто из них не считает это поводом для беспокойства. Они продолжают цепляться за привычный мир, даже когда он буквально сжимается вокруг них.

«Мистер К.» — это многослойная притча о том, как люди реагируют на перемены, как сопротивляются даже очевидной необходимости изменений и как иногда требуется взгляд постороннего, чтобы увидеть опасность, невидимую для тех, кто привык к существующему порядку вещей.

В прокате с 17 апреля

«Эпоха в кадре» — ежемесячная кинопрограмма, посвящённая знаковым произведениям советского кинематографа — фильмам, опередившим свою эпоху и оказавшим влияние на мировую историю кино. В рамках программы покажем работы режиссёров, чьи имена стали неотъемлемой частью кинематографического наследия XX века.

🔵«История Аси Клячиной, которая любила, да не вышла замуж»
19 апреля, 15:00

Андрей Кончаловский снял этот фильм в 1967 году, однако зритель увидел его только через 20 лет — в 1988 году картина вышла на экраны под названием «Асино счастье». Причиной долгого запрета стал слишком правдивый и непарадный взгляд режиссера на колхозную жизнь, отсутствие идеализации и приукрашивания советской действительности.

Фильм, снятый в документальной манере с участием непрофессиональных актеров — настоящих жителей села Безводное Горьковской области, рассказывает историю хромоножки Аси, которая, несмотря на увечье, сохраняет удивительное достоинство и внутреннюю силу. Ася беззаветно любит тракториста Степана, человека легкомысленного и равнодушного к её чувствам. Решив родить от него ребёнка, она отвергает предложение руки и сердца от другого мужчины — Чиркунова, готового принять её такой, какая она есть.

Кончаловский создал пронзительный портрет русской женщины, чья моральная стойкость противопоставлена жестокой реальности послевоенной деревни. В картине звучат подлинные истории сельских жителей, их рассказы о войне, коллективизации, голоде — неотредактированная народная память, которая редко находила отражение в официальном советском кинематографе.

Фильм стал одним из ярчайших примеров «оттепельного» кино и предвосхитил эстетику итальянского неореализма в советском контексте, оказав огромное влияние на последующие поколения кинематографистов.

🔵«Я шагаю по Москве»
1 мая, 15:00

Светлая и лиричная картина Георгия Данелии стала одним из символов «оттепели» в советском кинематографе. Фильм, снятый по сценарию Геннадия Шпаликова, покоряет своей непосредственностью, поэтичностью и тонким юмором.

В центре сюжета — один день из жизни трёх молодых людей в летней Москве. Володя — монтажник из Сибири, приехавший на встречу с писателем, заинтересовавшимся его рассказом. В метро он знакомится с Колей, работающим в метрополитене, и вскоре оказывается вовлечён в круговорот московской жизни. К ним присоединяется друг Коли — Саша, который в этот день должен жениться на своей возлюбленной Свете.

Фильм наполнен атмосферой беззаботной молодости, ощущением свободы и открытости миру. Москва в картине Данелии предстаёт не просто фоном для развития сюжета, а полноценным персонажем — живым, дышащим, приветливым городом возможностей. Знаменитая песня «А я иду, шагаю по Москве» в исполнении Никиты Михалкова стала визитной карточкой фильма и своеобразным гимном эпохи.

«Я шагаю по Москве» — это не только зарисовка из жизни советской молодёжи 1960-х, но и свидетельство кратковременной оттепели в культурной жизни СССР, когда кинематографисты получили возможность говорить о простых человеческих радостях без обязательной идеологической нагрузки. Фильм отличает особая лёгкость киноязыка, виртуозная операторская работа Вадима Юсова, создавшего неповторимый визуальный образ летней Москвы.

Показы «Эпоха в кадре» проходят в открытом формате в пространстве «Развития» (1 этаж). Участие — бесплатное, предварительная регистрация не требуется.

Смерть — наш самый древний и глубокий страх

Осознание неизбежности собственного исчезновения заставляет нас создавать религии, философские системы и, в современную эпоху, — технологические решения, обещающие победу над конечностью. Хотели бы вы жить вечно? А если да, то какой ценой и в каком виде? Что будет означать жизнь для сознания, пробудившегося спустя столетия в мире, который больше не является нашим?

В рамках фестиваля «FUTURE.DOC» посмотрим несколько документальных фильмов, исследующих одну из самых дерзких попыток человечества преодолеть экзистенциальные границы. Одна из картин — «Убивая смерть» — посвящена крионике, технологии, обещающей возможность проснуться в будущем.

Это история Элейн, которая решила проснуться в будущем.

За последние 50 лет сотни людей в возрасте от 2 до 101 года со всего мира доверили свои тела или мозг крионике — технологии сохранения организма при сверхнизких температурах в жидком азоте. Шансы на бессмертие могут быть ничтожно малы, но эти люди вложили свои надежды, жизни и состояния в обещание однажды быть возвращенными к жизни с помощью медицины будущего.

«Убивая смерть» — это семейный портрет Элейн, женщины, которая приняла решение проснуться в будущем. Фильм погружает зрителя в личную историю героини, раскрывая её мотивы, страхи, надежды и то, как её выбор повлиял на близких ей людей.

«Убивая смерть» задается фундаментальными вопросами о природе жизни, смерти и памяти. Что значит продолжить жить в будущем, которое может наступить через века? Как решение Элейн влияет на её отношения с семьей в настоящем? Является ли крионика настоящей наукой или лишь утешительной иллюзией?

Этот документальный фильм предлагает зрителю не просто информацию о крионике, а глубокое размышление о границах науки, о человеческом страхе перед смертью и неутолимом желании победить конечность существования. «Убивая смерть» приглашает к диалогу о том, что значит быть человеком в эпоху, когда технологические возможности стремительно расширяют границы возможного.

Показ пройдет 13 апреля в 17:30 на языке оригинала с русскими субтитрами

Думали, что единороги — это радужные создания из детских мультиков? Забудьте. В новом фильме студии A24 эти сказочные животные наконец-то показывают свою истинную сущность — и, поверьте, она далека от милых пони с блестящими рогами.

«Смерть единорога» — это безумный коктейль, где «My Little Pony» встречается с «Чужим», а герои Пола Радда и Дженны Ортеги вязнут в фантасмагорической бойне, которую невозможно забыть. Вот почему вам обязательно нужно увидеть этот фильм своими глазами.

🦄 единороги, которых вы боялись всю жизнь, сами того не зная

Помните, как в детстве вы мечтали о своем единороге? Создатели фильма превратили эту детскую мечту в кошмар наяву. Здесь единороги — это хищные первобытные существа с клыками и когтями, способные пробить человеческое тело насквозь одним ударом рога (удивительно похожего на хвост ксеноморфа из «Чужого»). Визуальный дизайн этих тварей настолько выбивает из колеи, что вы больше никогда не посмотрите на игрушки своих детей без содрогания.

🦄 самая стильная кровавая баня сезона

Если вы устали от однообразных хорроров, «Смерть единорога» — ваше спасение. Представьте: кровь сказочных существ, разлетающаяся по роскошному особняку, миллионеры в дизайнерских костюмах, разрываемые на части первобытными лошадьми, и всё это снято с невероятной операторской изобретательностью. Фильм превращает насилие в настоящее искусство, заставляя одновременно морщиться от жестокости и восхищаться визуальной композицией каждого кадра.

🦄 Пол Радд наконец-то отбрасывает свое вечное обаяние

Мы привыкли, что Пол Радд всегда играет милого парня, которого невозможно не любить. В «Смерти единорога» он создает свой самый сложный образ — слабохарактерного отца, готового пожертвовать всем (включая безопасность собственной дочери) ради карьерного роста. Когда его герой произносит: «Мне жаль, что у тебя остался именно я», — это разбивает сердце искренностью, которой вы не ожидаете от фильма с кровожадными единорогами.

🦄 социальная сатира, замаскированная под безумный хоррор

«Смерть единорога» — это изящная сатира на фармацевтическую индустрию и общество потребления. За кровавым фасадом скрывается остроумная критика того, как люди без раздумий эксплуатируют ресурсы планеты и готовы превратить любое чудо в товар. Семейство Леопольдов воплощает эту идею в крайней форме: они видят в уникальном существе только источник прибыли.

Фильм заставляет задуматься: что если природа начнет давать отпор нашему потребительскому безумию? Создатели фильма вдохновились реальной проблемой: за последние годы браконьерство ради рогов носорогов выросло на тысячи процентов из-за мифа об их целебных свойствах. Единороги в фильме — это фантастический, но мощный символ, напоминающий, что у бездумной эксплуатации всегда есть цена.

🦄 фильм — как лучшее средство от зависимости от социальных сетей

В эпоху, когда наш мозг адаптировался к бесконечной прокрутке однотипного контента, «Смерть единорога» — это визуальный и эмоциональный шок, который пробуждает атрофированные участки мозга. Фильм настолько непредсказуем и визуально самобытен, что вы забудете про телефон на все 104 минуты просмотра. Это то самое кино, которое вы будете обсуждать с друзьями неделями, разбирая каждую безумную сцену и скрытый подтекст. И кстати, никакой трейлер не передает того уровня безумия, который ждет вас в кинотеатре.

Друзья! Настало время раскрыть наш киношифр и объявить победителя

Правильный ответ — «Богемская рапсодия». В нашем тексте мы зашифровали историю создания культовой песни Queen и творческого пути Фредди Меркьюри, помещенную в современные реалии.

Что было спрятано в нашей загадке:

🔵Четыре музыканта, работающие над новой композицией — классический состав Queen
🔵Тимур с его внезапным озарением — Фредди, который придумал «Богемскую рапсодию»
🔵«Начинаем с интимного монолога, затем хоровые партии, резкий переход к электронике...» — отсылка к уникальной структуре песни
🔵Споры о продолжительности и формате — известная история о том, как продюсеры сомневались в коммерческом потенциале шестиминутной песни, не вписывающейся в радиоформат
🔵«Искусство не подчиняется алгоритмам» — отражение бунтарского духа Queen, которые не боялись экспериментировать и ломать каноны

Победителя выбрали с помощью рандомайзера — им стала @KaterinaKold. Поздравляем! Вам достаётся билет на двоих на показ культового фильма братьев Коэн «Внутри Льюина Дэвиса».

Благодарим всех участников! Новая загадка — уже в эту пятницу 🤍

Начав семейную жизнь поздно, Назар сталкивается с экзистенциальным страхом: он боится не дожить до взросления своих детей. Его решение подвергнуться крионической заморозке после смерти становится поворотным моментом для всей семьи, которая оказывается перед дилеммой: последовать примеру отца или рискнуть остаться в настоящем, принимая естественный ход вещей? По мере того как забота о будущем начинает затмевать настоящее, Назар вынужден переосмыслить своё решение и заново открыть для себя истинные ценности.

Под чутким руководством режиссёра картина погружает зрителя в интимные беседы между Назаром и его близкими, исследуя эмоциональные и философские аспекты его стремления продлить существование. Особенно пронзительно изображено влияние его решения на семейную динамику: внутренний конфликт жены, замешательство детей, столкнувшихся с абстрактным понятием смерти — или попыткой избежать её.

Визуальный язык фильма безупречно передаёт внутреннее состояние героев. Серые и туманные тона северной Англии становятся метафорой неопределённости, окутывающей семью. Эфирный саундтрек усиливает созерцательное настроение, подчёркивая наиболее глубокие моменты картины.

Операторская работа в обсервационном документальном стиле позволяет истории разворачиваться без очевидных манипуляций. Сценарий мастерски балансирует между эмоциональным и рациональным подходами, предлагая зрителям увидеть ситуацию с разных перспектив. Назар как протагонист не идеализируется и не осуждается — его выбор показан как сложный и глубоко человечный.

«Вечный отец» поднимается над простой дискуссией о крионике, затрагивая универсальные темы: как мы сталкиваемся со смертностью и желанием продлить нашу связь с любимыми людьми. Главная сила фильма заключается в напоминании, что даже в философских и технологических дебатах решения о будущем в конечном итоге возвращаются к простейшим человеческим эмоциям: любви, страху и поиску смысла.

Приходите смотреть «Вечный отец» в рамках фестиваля «FUTURE.DOC» 13 апреля. Показ пройдет на языке оригинала с русскими субтитрами.

Билеты

Тарковский — гений!

В день рождения Андрея Арсеньевича уже традиционно публикуем подборку мемов. На каком из них узнаете себя?

А для ценителей более серьёзного контента рекомендуем статью издания Arzamas — как начать смотреть Тарковского 👀

Пятница! И наш угадай фильм 🤭

Разыгрываем билет на двоих на показ культового фильма братьев Коэн «Внутри Льюина Дэвиса».

Публикуем небольшой текст, в котором зашифрован известный фильм. Никаких имён героев, названий мест и прямых отсылок к оригиналу — только чистая творческая интерпретация, передающая суть картины. Ваша задача — угадать, о каком фильме идёт речь, и оставить свой ответ в комментариях. Напомним — победителя выбираем среди всех комментариев, вне зависимости отгадали ли вы фильм.

В полутьме звукозаписывающей студии четыре силуэта склонились над пультом. Тимур раздраженно провел рукой по волосам, отодвигая планшет. «Всё звучит как у всех. Никакой индивидуальности — еще один трек, который забудут через месяц», — его голос выдавал усталость и разочарование после бессонной ночи.

Вместо ответа на предложения друзей сделать перерыв, он неожиданно замер, словно прислушиваясь к чему-то неслышному остальным. Медленно подойдя к старому инструменту в углу, Тимур коснулся клавиш и начал играть странную мелодию. Что-то щемящее и исповедальное звучало в ней, заставив остальных музыкантов затаить дыхание. Когда он запел, в тихом голосе чувствовалась такая сила, что Рома и Дима переглянулись с изумлением.

«Это будет музыкальный манифест», — произнес Тимур, когда мелодия оборвалась. «Начинаем с интимного монолога, затем хоровые партии, потом резкий переход к электронике, и в финале — возвращение к истокам. Формат не важен. Продолжительность не важна. Мы сломаем все границы и конвенции». На скептические замечания о стриминговых алгоритмах и коротких внимательных спанах современной аудитории, он лишь загадочно улыбнулся: «Искусство не подчиняется алгоритмам. И нашим слушателям придется либо принять это, либо проходить мимо».

Холодный нью-йоркский вечер 1961 года, прокуренный бар в Гринвич-Виллидж, и на маленькой сцене — музыкант, чей голос проникает прямо в душу. Он поет так, что публика затихает, но завтра ему снова негде спать. Это мир Льюина Дэвиса — гениального фолк-исполнителя, которому всегда чего-то не хватает для настоящего успеха.

С 10 апреля на экраны возвращается культовый фильм братьев Коэн «Внутри Льюина Дэвиса» (2013). Картину можно будет увидеть как в оригинале с субтитрами, так и в дубляже.

Номинированная на «Золотой глобус» и получившая Гран-при Каннского кинофестиваля лента рассказывает историю, в которой нет места хэппи-энду и восхождению на музыкальный Олимп. Вместо этого мы видим неделю из жизни талантливого неудачника, бродящего по зимнему Нью-Йорку с чужим котом подмышкой, переживающего творческий и личностный кризис.

Оскар Айзек, до этого малоизвестный актер, не только создал пронзительный образ Льюина, но и сам исполнил все музыкальные композиции в фильме. Его работа была настолько впечатляющей, что критики недоумевали, почему он не получил номинацию на «Оскар».

Фильм братьев Коэн был вдохновлен биографией реального музыканта Дэйва Ван Ронка, хотя и не является точным портретом. Ван Ронк был одним из важнейших представителей фолк-возрождения 60-х, но, в отличие от Боба Дилана или Джоан Баэз, не стал мировой звездой. Над музыкальным оформлением фильма работал Ти-Боун Бёрнетт, получивший «Оскар» за саундтрек к другому фильму Коэнов — «Старикам тут не место».

Братья Коэн не предлагают утешительных ответов. Их фильм — это медитация на тему того, как тонка грань между гениальностью и забвением. Льюин поет песни, от которых перехватывает дыхание, но в конце его избивают в переулке, а на сцену выходит молодой Боб Дилан, которому суждено изменить историю музыки.

Кинокартина, снятая оператором Бруно Дельбоннелем (шестикратным номинантом на «Оскар»), имеет особую визуальную эстетику: зимний, почти бесцветный Нью-Йорк с редкими вспышками цвета как будто отражает внутреннее состояние главного героя. Каждый кадр напоминает фотографии из журналов 60-х годов, что добавляет ощущение документальности происходящему.

В мире, одержимом историями успеха, «Внутри Льюина Дэвиса» напоминает, что талант часто остается непризнанным, что за каждой легендой стоят десятки забытых гениев, и что иногда самая пронзительная музыка звучит в пустоту. Лента, которую многие считают одной из лучших работ братьев Коэн, приглашает зрителей заглянуть в сердце эпохи, когда американская музыка стояла на пороге революции, и увидеть ее глазами того, кому было суждено остаться в тени истории.

«Почему женщины убивают?» — такую провокационную тему предлагаем обсудить на ближайшем киноклубе «Психоанализ кино»

В поисках подлинной свободы женщины проходят разные пути. Иногда этот путь лежит через отрицание, сопротивление и даже радикальные формы протеста против установленных обществом правил. Картина «Девушки на балконе» — новая работа Ноэми Мерлан, известной зрителям по роли в «Портрете девушки в огне», представляет историю трех ярких женских характеров, объединенных не только общим балконом в раскаленном Марселе.

Николь — писательница-затворница, создающая в своих текстах идеальные миры; Руби — раскрепощенная вебкамщица, отстаивающая право на собственную сексуальность; Элиза — женщина, заключенная в образ Мэрилин Монро, символизирующий «душащие стандарты красоты». Через черную комедию и абсурд режиссер осмысляет серьезные темы травм, сопротивления и освобождения.

Премьера фильма состоялась на Каннском фестивале 2024 года, где картина получила награду Grand Prix Technique за операторское искусство и звуковой дизайн.

Приходите вместе искать ответы на непростые, но важные вопросы. На материале фильма мы увидим разные типажи женского образа и порассуждаем об истоках феминизма через призму психоанализа.

Ведущая киноклуба «Психоанализ кино» — психоаналитик Марина Старовойтова.

Встречаемся 13 апреля в 16:50

Билеты

Три миллиона артефактов. Шестьдесят шесть тысяч квадратных метров. Тридцать километров маршрутов. До 10 000 посетителей в день.

Музей как точка концентрации человеческой энергии. Место, где время теряет линейность, а эмоции становятся почти осязаемыми. Каждый посетитель — со своим опытом, взглядом, молчаливым диалогом с историей. Миллионы следов человеческого опыта — от едва заметного изгиба руки на старинном портрете до мимолетной улыбки на селфи.

Каждый посетитель несет с собой целую вселенную. Тинейджер в наушниках, пожилая пара, держащаяся за руки, одинокий путешественник — все они оставляют невидимый след. Голландский натюрморт с увядающими цветами соседствует с мерцающим экраном смартфона. Технологии меняются, но человеческие переживания — любовь, страх, надежда, одиночество — остаются неизменными.

Всё это — в музее, который вмещает больше историй, чем может рассказать экскурсовод за год.

Фильм «Эрмитаж. Сила искусства» — попытка разглядеть эту невидимую связь. Итальянские кинематографисты — Микеле Малли и его команда — превратили статичный музейный мир в живой организм. В русской версии проводником станет Андрей Ургант. Его голос наполнит картину особой теплотой, помогая зрителям услышать тихие истории, спрятанные между строк экспозиции.

Сразу после фильма нас ждет открытое обсуждение с Ольгой Вознесенской — историком, лектором, экскурсоводом и автором телеграм-канала «Культурный сыр».

13 апреля, 15:30

Билеты

Показ проходит в рамках программы «Искусство и кино», благодаря которой мы каждый месяц знакомим пермского зрителя со значимыми произведения из мира искусства.

Друзья!

Шанс заглянуть за горизонт технологий, которые изменят мир завтра, появляется каждый апрель — когда весна пробуждает не только природу, но и наши надежды на будущее.

С 11 по 17 апреля, именно в это время, когда на ясном небе можно разглядеть и звезды далеких галактик, и огоньки пролетающих спутников, Пермская Синематека распахнет свои двери международный фестиваль научно-популярного кино ⭐️FUTURE.DOC⭐️

14 документальных фильмов из пяти стран — от картины «Сквозь тёмную материю» о загадках Большого Адронного Коллайдера до интригующих «Дневников бессмертия» о крионике — представят зрителям мир на острие научного познания.

Но FUTURE.DOC — это больше, чем кино. Здесь можно прийти на урок коми-пермяцкого языка, испытать возможности робота-курьера, погрузиться в виртуальную реальность и даже порулить настоящим дроном. Выставка детских изобретений, интеллектуальные игры и необычные мастер-классы дополняют программу фестиваля, который предлагает не просто узнать о технологиях будущего, но и прикоснуться к ним уже сегодня.

Подробная программа: futuredocfest.ru

Уважаемые зрители!

В последние дни мы получаем сообщения о сложностях при оплате билетов на нашем сайте. Проблема связана с блокировками Роскомнадзор некоторых интернет-провайдеров.

Если у вас возникла такая ошибка, рекомендуем простое решение:

• Отключите Wi-Fi на устройстве
• Попробуйте оплатить билет через мобильный интернет

Благодарим за понимание!

Ваша Синематека ❤️

12 апреля приглашаем вас на зрительский показ «Горной невесты» — отмеченной особым призом Венецианского кинофестиваля работы Мауры Дельперо, исследующей жизнь итальянской горной деревушки в сумерках Второй мировой войны.

1944 год. В горный поселок Вермильо прибывает сицилиец Пьетро — дезертир, ищущий спасения от фронта. Он находит приют в семье местного учителя Чезаре, где растут десять детей. Среди них — старшая дочь Лючия, между которой и незнакомцем возникает непростое чувство.

В деревне, где все друг у друга на виду, их отношения становятся катализатором неожиданных событий. Дельперо исследует, как в замкнутом сообществе личные решения превращаются в общественное дело, а глубоко спрятанные семейные тайны выходят наружу, меняя судьбы всех вовлеченных.

Особую ценность фильму придает визуальный язык Михаила Кричмана — оператора, известного по работе с Андреем Звягинцевым («Левиафан», «Нелюбовь», «Возвращение»). Его камера делает горные пейзажи не фоном, а действующими лицами драмы — молчаливыми свидетелями человеческих историй. Кричман находит выразительность в простых деталях: снежинках на волосах Лючии, вечернем свете, падающем на деревянный стол, бликах воды в горном озере.

«Горная невеста» — фильм о переменах, которые приносит война даже в самые отдаленные уголки, о противостоянии личного выбора и общественных ожиданий, о цене, которую платят люди за сохранение или нарушение неписаных правил.

Картина была выдвинута Италией на соискание премии «Оскар» в категории «Лучший международный фильм» и получила признание на нескольких европейских кинофестивалях.

Показ пройдет на языке оригинала с русскими субтитрами.

Билеты

В прошлую субботу время будто замедлило бег, чтобы впустить в себя голоса французского кино. Между строк и кадров, между паузами и взглядами — мы встретились, чтобы прикоснуться к истории, которая пишется не чернилами, а светом и движением.

🩷 Огромная благодарность:

— Антону Мазурову — за глубокий и вдохновляющий рассказ о кинематографическом наследии Варда
— Никите Чунтомову — за прекрасную фотосъемку нашего события
— Нашим зрителям, которые пришли, чтобы вместе погрузиться в удивительный мир французской «новой волны»

А мы продолжаем работать над будущими событиями и с нетерпением ждем новых встреч!

«Последний вальс» Олега Каравайчука

5 апреля в рамках программы лучших фильмов МКФ «Флаэртиана» прошлых лет состоится показ документальной картины «Последний вальс» режиссера Юлии Бобковой. Этот фильм, отмеченный специальным упоминанием жюри за музыку, «выходящую из берегов», представляет собой уникальное произведение, где звуки и образы сливаются в единую симфонию.

В центре повествования — композитор Олег Каравайчук и его последнее путешествие по дачному поселку Комарово, где он прожил значительную часть своей жизни и создал множество произведений. Режиссер Юлия Бобкова, считающая настоящим автором произведения самого композитора, создала фильм, который можно назвать не только портретом Каравайчука, но и портретом меняющегося Комарово.

Картина с поэтической точностью фиксирует трансформацию некогда творческого пространства, где жили и работали выдающиеся деятели культуры. На наших глазах старинные дачи исчезают, лес вырубается, а на первый план выходят деньги и материальные ценности. Каравайчук видит в этом разрушительный цинизм современности и своими импровизированными концертами и монологами пытается сопротивляться надвигающейся пустоте.

Особую ценность фильму придает звучащий в нем «Вальс Комарово» — последнее произведение мастера, ставшее его прощанием и напоминанием о вечных ценностях: природе и человечности. Шумы Комарово — стук дождя по карнизам дач, шелест ветра, шлепанье босых ног по берегу Финского залива — становятся частью этой музыкальной композиции.

Смерть композитора придала фильму особую тональность: он превратился в минорный монолог о прощании, где Комарово предстает как большое кладбище утраченных возможностей. Но в этой печали есть и надежда на то, что настоящее искусство способно преодолеть время и материальность.

Cмотрим 5 апреля в 14:20!

Билеты

«Твою маму унесла волшебная жар-птица»

А годы спустя вы узнаёте, что это была ложь, придуманная, чтобы скрыть болезненную правду. Что бы вы сделали? Поверили бы реальности или продолжили верить в сказку?

Именно такой выбор стоит перед героиней нового фильма Романа Михайлова «Жар-птица» — девушкой Сашей, которая выросла с бабушкой после таинственного исчезновения матери. Когда правда наконец прорывается сквозь пелену детских воспоминаний (мать не исчезла волшебным образом, а уехала в Индию, увлекшись идеями некой секты), Саша решается на путешествие, которое размывает границы между поиском реального человека и мифической птицы, между Варанаси и потусторонним миром, между сновидением и явью.

Новая работа создателя нашумевшего «Отпуска в октябре» вновь погружает зрителя в пространство, где привычная логика перестаёт работать. Михайлов смело перекраивает русский фольклор, превращая жар-птицу одновременно в цель поисков, трансцендентное существо и символ возрождения — подобно птице Феникс, что сгорает, чтобы дать жизнь новому.

Золотые тона, пронизывающие визуальный ряд картины, словно свет, просачивающийся из иного мира, создают ощущение постоянного присутствия сакрального в обыденном. А ритуальные действия — от сожжения умерших на берегу Ганга до мистических церемоний у шаманки — становятся дверями между измерениями, позволяя героине и зрителю заглянуть за грань привычной реальности.

«Жар-птица» предлагает зрителю не просто следить за приключениями Саши, но и самому совершить путешествие через границы сна, мифа и яви, чтобы обнаружить, что отсутствие может быть не пустотой, а новой формой присутствия.

Фильм в прокате с 3 апреля 🐥

Друзья, новая загадка, кажется, была слишком простой?

Правильный ответ пятничного конкурса — советская классика «Девчата». Мы перенесли историю Тоси Кислицыной из леспромхоза 1960-х в современный мир IT-технологий.

В нашей интерпретации северный посёлок превратился в технологический кампус, знаменитая сцена с демонстрацией блюд из картошки — в приготовление модных суперфудов, а бригадир лесорубов Илья Ковригин стал ведущим разработчиком. Суть же осталась прежней: яркая, искренняя девушка из провинции, не боящаяся отстаивать свою позицию, и её непростые отношения с местной «звездой».

Поздравляем Анастасию Окуневу — генератор случайных чисел выбрал победительницей вас. Вам достаётся билет на двоих на показ чёрной комедии «Девушки на балконе».

Не переключайтесь — следующая загадка уже в пятницу 🩷

Делимся репертуаром апреля. В программе возможны изменения, следите за анонсами.

С 3 апреля:
«Девушки на балконе» | «Падение короны» | «Смерть единорога» | «Жар-птица» | «Батя 2: Дед»

С 10 апреля:
«Внутри Льюина Дэвиса» (дубляж и субтитры) | «Пираты опасного моря: Капитан Клык» | «Отряд Светлячков» | «Пари по-итальянски» | «Где наши деньги?»

С 12 апреля:
«Горная невеста» (дубляж и субтитры)

С 17 апреля:
«Кракен» | «Мистер К» (дубляж и субтитры) | «Порко Россо» (дубляж и субтитры) | «Святой Архипелаг»

С 24 апреля:
«Денискины рассказы» | «Ай да Пушкин!» | «Бонхёффер: Пастор, шпион, убийца» | «Дело "Мальдорор"» (дубляж и субтитры) | «Каруза» | «Джун и Джон» | «Ровно в 4 после полудня»

В программе возможны изменения, следите за анонсами.

Она экспериментировала со временем, создав фильм, где почти два часа жизни героини проживаются зрителем в реальном темпе. Начала свою режиссёрскую карьеру как фотограф, без формального кинообразования. А в 80 лет превратила свой дом в гигантский арт-объект из пленки собственных фильмов и стала одним из самых известных визуальных художников современности.

Аньес Варда — уникальное явление в истории кино. Единственная женщина французской «новой волны», она всегда шла против течения, создавая кино, которое опережало свое время.

Приглашаем на лекцию, которую проведет Антон Мазуров— известный деятель российской киноиндустрии, кинодистрибьютор, кинокритик, историк кино и киновед, участник международного кинофестивального движения.

Мы обсудим творческий путь Аньес Варды: от ее раннего фотографического опыта и первых киноработ до поздних экспериментов с документальным кино и визуальным искусством.

Встречаемся 29 марта в 17:00

Лекция пройдет бесплатно. По регистрации.

И вновь пятница подкралась незаметно — и вновь публикуем небольшой текст, в котором зашифрован известный фильм.

Никаких имён героев, названий мест и прямых отсылок к оригиналу — только чистая творческая интерпретация, передающая суть картины. Ваша задача — угадать, о каком фильме идёт речь, и оставить свой ответ в комментариях.

В этот раз разыгрываем билет на двоих на премьеру чёрной комедии «Девушки на балконе» Ноэми Мерлан — смелый эксперимент с киноязыком, где комедия неожиданно переходит в триллер, а потом в кровавый хоррор! Ждём ваши варианты до 31 марта.

📝 В технологический кампус «Северный код» Нина приехала ранним утром, когда иней еще покрывал ветви сосен. Из всего багажа у неё был лишь яркий рюкзак, усыпанный значками с логотипами опенсорс-проектов, и небольшой чемодан на колёсиках. На голове — нелепая вязаная шапка с помпоном, совершенно неуместная в царстве минимализма высоких технологий.

Она появилась в офисе с той же непосредственностью, с какой вошла бы в сельский клуб родного посёлка. «Здравствуйте! Я Нина, новый разработчик фронтенда», — объявила она, одаривая коллег открытой улыбкой. Девушки в коворкинге удивлённо переглянулись — они давно привыкли быть единственными женщинами в коллективе программистов и не ждали пополнения.

Её рабочий стол преобразился за считанные минуты: маленькая фигурка совы-талисмана, фотография деревенского дома в рамке, портативная кофемашина и термокружка с надписью «Кодить нельзя прокрастинировать». Ноутбук, обклеенный стикерами с программистскими мантрами, контрастировал с корпоративными макбуками коллег.

На первой же планёрке Нина не побоялась указать на неэффективность в архитектуре проекта, чем сразу привлекла внимание главного разработчика Ильи — местной звезды программирования. «Я бы использовала здесь функциональный подход», — заявила она, не замечая, как напряглись лица коллег, привыкших к непререкаемому авторитету Ильи.

Вечером в общежитии технологического кампуса она покорила соседок по комнате своей кулинарной изобретательностью. «Протеиновый боул с киноа для работы мозга», — объясняла она, раскладывая по тарелкам разноцветное содержимое кастрюли.

Никто ещё не знал, что появление этой необычной девушки изменит не только алгоритмы их кода, но и алгоритмы их сердец.

Как Памела Андерсон переписывает свою историю в фильме «Шоугёрл» 🦩

В прокате ещё можно увидеть фильм «Шоугёрл» — драму Джии Копполы, которая возвращает Памелу Андерсон на большие экраны в новом, неожиданном для многих зрителей амплуа. Эта работа стала не просто возвращением, но и подлинным триумфом актрисы, долгие годы воспринимавшейся лишь как секс-символ с обложки Playboy и звезда «Спасателей Малибу».

🦆От красного купальника к драматической роли

В «Шоугёрл» 57-летняя Памела играет Шелли Гарднер — танцовщицу из Лас-Вегаса, которая после 30 лет работы в знаменитом шоу вынуждена столкнуться с неопределенностью, когда представление закрывают. Шелли переживает глубокий личностный кризис, пытаясь найти свое место в мире, где молодость считается главным достоинством, и одновременно восстановить отношения с дочерью Ханной (Билли Лурд).

Эта роль принесла Андерсон первую номинацию на «Золотой глобус» за лучшую женскую роль, что стало признанием её драматического таланта, который актриса не могла полноценно проявить десятилетиями.

🦆Параллели с реальной жизнью

История Шелли во многом перекликается с собственным жизненным путем Памелы Андерсон. Обе женщины пытаются переосмыслить свое прошлое, принять возраст и найти новую идентичность. Как и её героиня, Памела долгие годы была скована образом привлекательной блондинки, который сама же и культивировала.

Но за внешним фасадом всегда скрывалась глубокая и интеллектуальная личность. В недавнем интервью для Criterion Closet Андерсон удивила многих своей эрудицией, рассказывая о любви к фильмам Аббаса Киаростами, Федерико Феллини и Луи Маля. «Даже когда я работала в Playboy, я сидела на полу в Samuel French, читала пьесы Теннесси Уильямса, Юджина О'Нила и Сэма Шепарда. Я всегда любила кино и театр», — призналась актриса.

🦆Сломать стереотипы

В последние годы Памела Андерсон решительно борется с навязанными обществом стандартами красоты. В 2023 году она появилась на парижской Неделе моды без макияжа, вызвав бурю обсуждений. «Я не пытаюсь быть самой красивой девушкой в комнате. Я ни с кем не соревнуюсь», — объяснила она своё решение.

Этот шаг стал символом принятия себя настоящей после десятилетий создания определенного образа. В документальном фильме «Памела: История любви» и мемуарах «С любовью, Памела» актриса впервые откровенно рассказала о сложном детстве, насилии, которому подвергалась, и о печально известном скандале с украденной видеокассетой, который в 1995 году разрушил её частную жизнь.

🦆Почему стоит посмотреть «Шоугёрл»

Фильм Джии Копполы — это меланхоличная и прочувствованная история о женщине, которая находит силы начать всё заново. Критики отмечают, что естественная игра Памелы Андерсон — главное достоинство картины. Она вкладывает в образ Шелли личный опыт, уязвимость и мудрость, создавая убедительный и трогательный портрет человека на распутье.

В «Шоугёрл» также снялись Джейми Ли Кертис, Бренда Сонг и Кирнан Шипка, создавая мощный ансамбль женских характеров разных поколений.

Эта роль знаменует новый этап в карьере Памелы Андерсон, доказывая, что никогда не поздно переосмыслить свою жизнь и показать миру другую, более аутентичную версию себя. Как сказала сама актриса в интервью Джимми Киммелу: «Я думаю, я только начала».

Больше о Памеле читайте в материале КиноПоиска