Сегодня я получила от дочки фотографию, на которой изображено весеннее цветение Кавказа.

Первое, о чем я подумала- это о том, что красота в глазах смотрящего.

Потому с пятнами на этой картинке плохо, но они все-таки есть, и художник бы их усилил, создав из этого не самого удачного по композиции фото нечто привлекательное.

И тут фото будет не скопировано, а грамотно использовано как референс!

Собственно, задачка для тех, у кого рука занята только карандашом/пером/кисточкой и т.д. И получить приз. Призы получат все участники!

Условия читаем в комментариях.
⬇️⬇️⬇️

Дорогие друзья! Со следующего понедельника (24 марта 2025) у меня будет проходить двухнедельный онлайн-интенсив «Линия и пятно» с элементами культуры наброска, зарисовки и основ композиции.

Программа задумана как дополнение к курсу «Работа пером и тушью», который я описывала в закрепленном сообщении (и там есть ссылка на примеры курсовых рисунков).

При покупке курса «Работа пером и тушью» вы получаете этот интенсив как часть программы.

При желании приобрести отдельно, вы можете выбрать один из вариантов:
- при покупке базового курса заранее, доплатить 4000 рублей;
- при покупке курса изолированно, оплатить 5000рублей.

Сегодня, 18 марта 2025 года вы имеете возможность оплатить 4000 рублей, даже если вы новичок.

Более подробно рассказать о программе я смогу каждому в индивидуальном аудиофайле в воцапе 89038332416, поэтому задать вопросы по курсу можно не только тут, но и там.

Пример независимого (не зависящего от дополнения цветом в будущем- прим.) тонального решения в работе пером и тушью. В моих работах- скорее исключение, чем правило. Также здесь, совершенно нехарактерно для моего творчества, тоном сделано небо.

И вот тут наблюдение. Тон- это всегда приглушение света. А небо со светом у нас ассоциировано. По этой причине серое небо выглядит даже в реальности низким, давящим.

И по этой причине если бы решаем давать небу тон, нам надо как следует продумать (желательно наглядно, в эскизах), как это будет влиять на восприятие рисунка, не будет ли угнетать.

Давняя тема, так и не реализованная в моем творчестве до сих пор- тема линогравюры, хотя, как говорится, сам Бог велел!
⬇️⬇️⬇️
(Дальше в комментариях)

Интересный пример технического перехода одной и той же работы из графики цветными карандашами в акварельную живопись через размытие.
Дорабатывать не пришлось: все правильно рассчитала в штришочках.
Карандаши Фабер Кастелл Альбрехт Дюрер на хлопке Сандерс Вотерфорд.

Анекдот дня.
А это точно один и тот же рисунок?
Вообще-то, я не помню, чтобы рисовала с этого фото два раза😂.
И вопрос на засыпку: какие цветы дарит Андрей Миронов Нине Гребешковой в фильме «Бриллиантовая рука»?

Черно-белое основание и цвет.
Что скажете?

Что делать, если рисунок не был выполнен водостойкими чернилами, но вы решили его расцветить?
Маркеры на спиртовой основе не размоют контур.

Несколько моих пленэрных работ в зимне-весенний период. Чернила-перо-акварель. Москва, Брежице и Добова (Словения), Пафос (Кипр).

В декабре прошлого года мы с дочкой сделали один московский заказ: нарисовали шесть контурно-акварельных открыток.
Фокус же был в том, что⬇️⬇️⬇️

У всех у нас есть слабые стороны, и чаще всего мы охотно их признаем и строим свою жизнь вокруг них.

Чаще причем холим и лелеем, хотя нам кажется, что боремся))).

Мы готовы признать в себе слабую сторону недостатком и разрешить себе быть слабым художником.

Либо же возвести эту слабость в степень весьма приувеличенную и всю жизнь вести с ней активную борьбу!

Вот вы из каких?
Кто уступит «сильным», или в себе разовьет неразвитое?

Я была из тех, кто первые в отношении к цвету. В студенчестве как-то считалось, что у меня к нему нет предрасположенности.

Сначала я долго уступала. А потом резко нашла в себе ресурс бороться и успокоиться: цвет я понимаю, вижу, могу.

Но у меня были свои учителя, а у моих учеников учитель я.

И мой метод обучения каждого пришедшего - компенсация, а не подгон под некий стандарт.

А с компенсацией сложно только на этапе оценки ситуации. Где врожденная слабость, а где недостаток знаний или опыта? И то, и другое выраженно системно, но с разными нюансами.

Нет слабых художников. Проблема трудяг, которые не смогли реализоваться чаще всего состоит в том, что они выбирают идти не от сильных черт, а от слабых.

А компенсация происходит только в противоположном случае.

А она происходит.
Я проверяла. 25 лет уже учу, и все больше в это верю. И рада тому, как начинающие художники становятся опытными и разными. Как они находят в себе чудо творческого начала и выражают его смело и ясно.

А ведь смелость города берет.

Прекрасная амбициозность у Дали с следующей публикации!
Почему?
Потому что самый ужасный душитель таланта в самом его зачатке- наш любимый внутренний критик, который 90% художников кричит: ты самозванец!!!

Усмирять его надо. Сам он самозванец.

Надо хотеть быть собой. Тогда и люди будут читать наши мысли в наших работах, а не чужие.

А наша мысль, окрашенная нашим чувством- это реализация потребности быть любимым и понятым.

Между прочим.

В шесть лет я хотел быть поваром, в семь лет я хотел быть Наполеоном. Мои амбиции всё время росли с тех пор. Сейчас я хочу быть Сальвадором Дали.

Сальвадор Дали
• Дневник одного гения

Жизнь в дневниках

Пятно- основа композиции!
Но!

Современный человек, представьте себе, начал его терять.

Если в 90-е, когда я получала художественное образование, с цельностью в композиции у всех художников было все в порядке, сейчас, увы, возникает то, что называется дробностью.

На это есть свои причины: наш мозг перегружен информацией, он перестроился на многозадачность.

А дробность, созвучно со словом «дробь»- это тыц-тыц-тыц, шум и ритм из равных по массе и значимости элементов, которые образуют скорее скучный по своему однообразию ритм, чем выразительное и сложное произведение.

А ключ- в пятне и его выражении. В иерархии пятен. В восприятии реальности через цельность образа.

Как раз об этом я пишу сейчас авторское дополнение к курсу «Работа пером и тушью», которое будет вписано в тело курса в его новой модификации, но которое также возможно приобрести в качестве двухнедельного интенсива «Пятно и линия».

Стоимость данной программы - 5000 рублей изолированно от курса, 4000 рублей при доплате к старой модификации курса и 0 рублей при покупке курса в новой модификации.

Бонусом к этой программе идет тема о культуре наброска.

Купить курс по работе пером и тушью вы можете за 12000 последний день. С завтрашнего дня цена на него увеличивается до 16000 рублей в связи с модернизацией программы❤️.
Беру на курс и отвечаю на ваши вопросы в воцапе
89038332416.
Подробности- в закрепленном сообщении.

Три вокзала. Предположительно, 2018-2019 год. Рисунки перьевой ручкой, акварелью.
Это был заказ на все московские вокзалы, позже покажу все вместе, а то пока на телефоне только восемь из десяти нашла)).

Приношу искреннюю благодарность каждому комментатору и лайкодобавлятелю на этом канале, ибо он имеет учебный контент, а значит, хочет чувствовать себя полезным и быть с вами в диалоге)).

Пришлось переименовать канал, чтобы объяснить, при чем тут примеры акрилом и собачка тремя карандашами.

Однако это не было спамом. Это был пример того, как самоограничение дает нам новые возможности.

А работа пером и тушью, замечу- это намного более значительное самоограничение, ибо перед нами белый лист, означающий свет, и нам с помощью острой палочки пера и черной жидкости нужно воплотить свой замысел!

А замысел часто бывает богатым по тону. Как это сделать пером?

Заливки, валеры, и далее по Гаптиллу)).

Не может нам дать работа черной тушью только цвет.

Ну что ж! Можем добавить позже, или же оставить так, потому что работа в штриховой графике отлично ставит световосприятие, а значит, живопись сама по себе будет даваться легче после практики в рисунке.

Серия графических работ, которые подходят под тему «ограничения».
Итак, о чем я в этой связи хотела вам поведать, и почему ограничения полезны для художника.

Часто случается с нами так, что, восхитившись главным нашим учителем, натурой и поддавшись ее очарованию, мы…

Мы стремимся ей подражать! И чем проще нам найти верный цвет и тон, тем лучше получается! Тем более похоже!

А меж тем, работа реалистичная есть основа материально-импрессивного мышления, в то время как наше духовно-экспрессивное дремлет, ибо его расшевелить часто бывает сложнее.

А духовно-экспрессивное, если верить Иттену- это то, что есть креатив, выдумка, творческая находка. И как бы натурозависимы мы не были, оно все же очень нужно и многие признаются, что скучают по его живинке в своих очень красивых и очень похожих на действительность, работах.

Но стоит перейти на работу колерами, как мозг пытается встроить то, что дано, в ту самую, реальную, картинку!

И он понимает: не всегда надо подражать, кое-где шаг влево еще не расценивается зрителем как попытка побега, а лишь оживляет работу, дает ей какое-то новое дыхание!

Перед вами на фотографиях вполне полноцветные зарисовки с участием детских цветных карандашей в кафе и 12-цветный набор акриловых маркеров. Последняя картинка- акварельные маркеры с кистью, тоже небольшой набор.

Работа колерами предполагает, что мы устраиваем доступное там, где нам не хватает конкретного, нами различимого цвета необходимой светлоты.

И если, в целом, работа сохраняет свою выразительность, а зритель говорит нам, подобно Станиславскому, «верю», значит, мы справились и смогли найти творческое решение.

Вот вам и выход из зоны комфорта в действии.

Хотя о том, почему бы и не стоило выходить из этой зоны, я тоже как-нибудь расскажу. На то у меня тоже свое мнение имеется)).

Таксик тремя случайными карандашами.

В наше время у художника, особенно если этот художник начинающий, есть одна серьезная проблема, и это проблема композиционной цельности.

Откуда она берет свое начало?

От информационной перегруженности современного человека, и это оборотная сторона многозадачности.

Что с этим делать?

Работать от пятна в набросках. Работать с эскизами в два цвета (черный и белый, без полутонов).

Удивительно же результативным способом помочь мозгу переключиться на пятно являются занятия линогравюрой.

У меня была в свое время ученица, которая грешила раздробленностью. По моей рекомендации она купила рулон линолеума и вернулась через год, когда его изрезала.

Друзья, я ее не узнала!
Композиция стала цельнее.

Так вышло потому, что, работая, пришлось думать не о создающихся нами линиях, а о силуэтах печати, которая после вырезания получится.

Поэтому занятия линогравюрой рекомендованы тем, кто страдает проблемами с композицией.

А как вы считаете, у вас с композицией есть проблемы?

Дорогие друзья! Купить курс по работе пером и тушью вы можете за 12000 последние два дня. После субботы он подорожает до 16000 рублей в связи с дополнением программы❤️
Беру на курс и отвечаю на ваши вопросы в воцапе
89038332416

В процессе еще одна кудрявая графика под акварель в формате а3.
Из питерской серии.

На примере этой картинки удобно объяснить роль фона в художественном произведении для новичка.
Посмотрите, цветы в горшке.
Горшок выражен белым пятном, но оно не стало бы светлым, если бы не котораст с темной штриховой заливкой на заднем плане.
Венчики цветов подобным образом выделены акварелью более темной, чем сами чашечки.
Красные цветки выглядят силуэтно на белом фоне, тоже работает контраст.

Стилизация. От абстрагирования до почти реалистичной картинки.
Техника: чернила -перо-акварель на первых двух работах, цветные чернила и перо на третьей, последние две - про чернила и спиртовые маркеры.

Важное уточнение: архивные качества будут лучше у пигментных красок, то есть маркерные варианты быстрее выгорят, как и чернила на красителях (неводостойкие).

По этой причине заказы я выполняю только пигментными чернилами (у меня platinum carbon ink) и акварелью дорогих марок.

Зато под сканирование и печать хорошо идут маркеры и цветные чернила.

Еще один обесцвеченный вариант (справа) штрихового рисунка карандашами (слева).
В цвете мы все точно видим благодаря силе цвета, цветовому взаимодействию. Переводя же в ахроматический формат, можем понять, что могло быть лучше. В этой работе мое внимание обратила на себя часть левого дерева в соприкосновении со стеной: они практически одинаковы по тону и возникает формообразование, то есть дерево склеивается со зданием.
Так же и левый козырек сливается с деревом.
Но это мы сделали обратную работу: я нарисовала карандашами, а потом убрала цвет и вижу проблемы.
А грамотнее было бы поступить иначе, и у художников так принято.
Когда мы готовимся выполнять цветную работу, мы создаем разделенную на тона черно-белую. Это может быть тональный рисунок карандашом, штриховой пером и тушью, или же гризайль в любой живописной технике.
Собственно, гризайль более всего напоминает работу в графике, отслеживает игру света в будущей живописи, но выполняется в той же самой технике, что готовая работа.
Получается, что если мы начинаем с эскиза, то мы уже продумываем, как будут контрастировать пятна тона, и позже учитываем при наборе светлоты.
Собственно, в этом и заключается та магия свето-теневой моделировки, которая ложится в основу цветных работ и звучит как «рисунок в живописи».
И это причина любить и использовать черно-белый рисунок тем, кто влюблен в цвет❤️

Получая отклик зрителя на рисунок, мы, в общем-то, получаем оценку выразительности произведения. Восприятие картины зрителем важно для того, чтобы понимать, действительно ли картинка удалась, или показалось, и она просто понравилась автору))).

В ситуации с птичкой, я получила удовольствие от ее окрашивания, но была удивлена реакции: впервые мой рисунок пером был выделен в черно-белом варианте, а не в цветном, причем на 30% была реакция выше на чб.

Пришлось включить критическое мышление, и что же я вижу через конструктивный анализ?
В линейном варианте птичка выделялась на темном фоне. Это был нормальный, самодостаточный, рисунок. Добавив цвет, я случано сделала его светлоту близкой к тону фона, и, та-дааам!
Все слилось!

Чтобы не происходило такого, работа в тоне продумывается на этапе эскиза.

То есть я не должна бы была под цветное тонирование делать фон темнее. Тогда птица в акварели приобрела бы силуэтность и не потерялась бы!
Ну что же, опыт- сын ошибок трудных, как известно))).

Добавление цвета в графику пером «зажигает» ее, делает более эмоционально привлекательной, однако обаяние линейного рисунка прячется за более сильным выразительным средством, пятном. Это происходит потому, что цвет имеет свой тон, который в колористике называется светлотой.
То есть там, где у птички было белое тельце, появляется тон краски, который уже считывается как серый. Так, работая под акварель, мы изначально учитываем, как будет восприниматься иллюминированная цветом картинка.

В прошлом году был у меня интересный заказ: вид Георгиевской башни Нижегородского кремля со старинной фотографии (кажется, это было фото М.Дмитриева) и современный вид.
Перо-чернила-акварель, формат а5.

Весенний Сергиев Посад 2019 чернилами, пером и детскими карандашами из кафе. Зато с натуры! До 2019 у меня 95% работ было с натуры и натура очень хорошо подпитывала!
Потом случились различные обстоятельства, которые сделали меня малоподвижной, я ушла в фотки, и всееее.
И лучшее все осталось в прошлой жизни.
И вот сейчас, живя на Северном Кавказе, мечтаю, вернувшись, возобновить натурную практику.
Она, конечно, была и в 2022, и в 2024, но маслом и совсем чуть-чуть.
А сейчас хочу на велики, да с блокнотиком покататься. С детишками, как в старые добрые…

Всегда, когда нам приходится говорить о композиции, речь идет об ориентире на восприятие нашего произведения, на его выразительность.

Речь, лишенная композиции- что речь, лишенная смысла. Когда вроде вот встретились и поболтали, а вспомнить не о чем: это такая речь ради разгрузки. В нашем деле разного рода почеркушки также играют в нашей жизни роль релакса.

Речь пламенная и громкая, практически без полутонов, способна напугать, то же самое можно сделать через сильнейшие контрасты в живописи и графике.

Речь тихая, текучая, ритмическая, призванная донести некую суть ассоциируется с атмосферным пейзажем, на фоне которого, возможно, происходи некое действо.

Получается, что выразительные средства литературного и графического языков имеют сходство.

И музыка будет так же, через эмоции слушателя, воздействовать на нас, заставляя напрягаться или же расслабленно погружаться, окутываясь атмосферой произведения.

Но в основе каждой композиции будет ее центр- ее ядро, которому подчинено все остальное, иерархически выстроено.

В изобразительной речи, например, это будет пятно, контрастирующее с окружением.

И окружение получит свои роли, как фигуры шахматной доски. Как массовка в кинофильме и декорации в спектакле.

И ясность мысли будет зависеть от психологии зрителя. От силы и уместности того или иного ритма, контраста, пятна.

А живопись будет держаться всегда за графическое обоснование произведения, выраженное в тоне.

Это и называется «рисунком в живописи» в нашем профессиональном мире. Это то, что делает работу с графикой основой обучения живописи, потому что пятна света важно заметить и подчинить друг другу, чтобы картина еще в своем тональном обосновании зазвучала, а при дополнении цветовым тоном зажглась!

Давно хочется показать этот весенний Коллизей. Тут цвету, и вообще, акварели, дана не поддерживающая, а едва ли не основная, роль.
А почему бы и нет?
Живопись многогранна и экспериментальна, и графика не отстает, а наше время так много возможностей выражения себя через сочетание инструментов и материалов, что свой авторский стиль найти, кажется, проще, чем когда-либо!
Таких работ у меня мало совсем. Хотя и выглядит свежо, красиво, магия акварели всегда притягивает.
Однако мне важен упор на линию, ее витиеватость, как гибкая форма речи. Представляете, даже в почерке, в линии, может читаться предрасположенность к речевому выражению. Так, моей графике ближе поэзия, чем проза. А какая, я, наверное, расскажу в другой публикации)).
А вообще, в нашем творческом портрете взаимосвязано все-все-все!

Говорим в семейном чате с Гришей сейчас. Ему через неделю 18 будет. Гриша учится в музыкальном училище, и признается в том, что музыка, фотографии, видео, которые он создает, - они для того, чтобы получать обратную связь от социума, потому что это нормально- выражать себя на разных языках, а не только в разговорной речи. Это всегда контакт с другими. И, конечно, хочется быть понятым, мы развиваемся, стремясь к наибОльшей выразительности своей речи. Любой. Речи.
Литературной, кинематографической, музыкальной, графической.
Поэтому быть художником даже при наличии другого способа заработка и профессии - нормально!

Просматривая записи в инстаграме, наткнулась на старое, очень приятное, но уже 10.5 лет назад произошедшее: тогда на сайте нашего любимого Красного Карандаша открыли мою личную колонку, которая так и называлась, «Блог Ольги Рубцовой».
Я вспоминаю об этом с гордостью и грустью одновременно, потому что, в общем-то, не хватило мне ресурса вести эту колонку, и скоро появились другие авторы, а на сайте остались три моих публикации среди прочих.
А у меня тогда было помещение в центре Москвы за 150 тыс аренды под Художку и там же, в центре, съемное жилье. Моему третьему ребенку не было еще двух, а старшим четыре и семь. Это было непростое время. Но и оно было очень-очень счастливым! И я рада успехам в развитии любимого магазина, рада, что когда-то была причастна к этому светлому и доброму явлению, которым я его ощущаю. А статьи-то висят! Про наброски, скетчбуки и набор для академического рисунка! В 2014 последний продавался в отдельной упаковке и с обложкой под моим именем)). Для Школы Ольги Рубцовой специально! О, как.

Хочу сегодня поговорить с вами о вас. Точнее, о том, что делает ваши работы узнаваемыми, а это, пожалуй, сладкое чувство, когда ты и твое творчество начинают выделяться.

Казалось бы, как этого добиться, ведь всех нас учили одинаково, а может быть, вообще, этим-то именно и испортили?!..

Но нет)))).
Классический принцип обучения рисованию, кроме того, что нам объясняют необходимую теорию и учат тому, как найти путь к сердцу зрителя (да, это и называется словом «композиция»), очень важным является наблюдение!

В первую очередь, наблюдение натурное: это когда увидели ситуацию, и, подобно Сойфертису, быстренько зарисовали!

Во вторую- наблюдение за геометрической игрой этой реальности, и тут Дейнека вам в помощь с его монументализмом даже в короткой зарисовке.

Но в третью, самую важную притом, очередь- наблюдательность за огромным(!) количеством мастером изобразительного искусства.

Глаз должен учиться видеть, и наблюдательная база будет закладываться не только через набросок и анализ, но также через «взгляды через плечо».

И вот тут, по дороге к себе, мы часто делаем ошибку.

Мы копируем!

Нет, я не копирую, это не в моей природе и не дает мне энергообмена.

Но для кого-то такой способ обучения приемлем и удобен, хотя именно он уводит нас дальше и дальше от собственного стиля и почерка ввиду того, что является творческим решением, выраженным чужим языком.

Почему так?
Потому что существует натура и существует ее художественная интерпретация.

Это значит, что один и тот же пейзаж или натюрморт разные художники по-разному изобразят.

Наша же задача- найти новое, пусть уже стомиллионное решение, чтобы удивить и удивиться, а не скопировать то, что уже существовало до нашей работы.

Я знаю, что найдется человек, который скажет, что копирование является официальным способом преподавания.

Это так, но с нюансами. Первый - это старинный способ, призванный сохранить культуру так называемой академической живописи, во многом канонизированной.

Второй- это способ передачи мастерства ради того, чтобы создать последователей авторского метода.

Безусловно, и то, и другое мы с вами могли бы выбрать сознательно, но чаще всего именно ко мне приходят люди с другим запросом: они хотят найти себя, узнать себя, заметить и принять свой авторский почерк.

В графике это сделать проще, чем в живописи, мне кажется. Цветовую, непростую и неоднозначн интерпретацию мы убираем, и остается соотношение линии и пятна, света и тени.

Уже в этом начинает проявляться характер рисовальщика. Кто-то ищет и находит нюанс в рефлексирующем свете в тени, а кто-то видит свет падающий и влюблен в его очарование. Кто-то рисует почти глухими пятнами тона, делая рисунок основательным, ясным и четким, а кому-то ближе поэтический звон линий, словно струн души.

В самом наложении тона мы все разные, потому что этот тон (то есть свет) мы по-разному воспринимаем, это особенности мозга и творческого мышления.

Тональная основа становится частью авторского стиля.

Линейное же обоснование указывает на уникальность почерка уже после выполнения первого задания на линии.

Вы выполняете задания, данные мной на курсе «Работа пером и тушью»на слух, чтобы я могла заметить, как подчеркнуть ваши индивидуальные творческие качества, который сделают ваш язык понятным, когда вы прокачаетесь на практике.

Так, по итогам окончания курса, ни один из моих учеников не стал похожим на меня ни в работе с композицией, ни, тем более, в линии.

И когда в конце курса я прошу нарисовать контрольную работу, я всегда радуюсь тому, как художник твердой уже рукой подчиняет свой замысел системе, и мы получаем уникальный продукт.

Что делать дальше?
Просто верить в то, что каким бы ни был ваш почерк: витиеватым, прямым , оруглым или ломаным, важнее всегда будет композиция, которую формируют пятна тона.

А пятна в композиции- что звуки музыки в мелодии, будут создавать только ваше звучание, только вашу интерпретация привычных натурных видов.

Хочу напомнить вам, что стоимость курса с 15 марта увеличивается для всех на стоимость моей авторской врезке в программу Гаптилла, то есть на 4000 рублей.

В 2019, в Дрездене, у меня был самый красивый пленэр. Причем и по натуре, и по исполнению совпало)).
Я уловом осталась очень довольна и потом он был напечатан в серии открыток по городам.
Сейчас я думаю о том, что, вернувшись на Кавказ, достану эти рисунки, и попробую добавить им цвет, хотя изначально такой идеи не было, поэтому они богато разработаны по тону.
Обычно под цвет я останавливаюсь на этапе большей линейности.

Цветочная подборка к празднику🥰

Рисунок пером и тушью очень оживляет акварель. Конечно, дополнение цветом всегда эмоционально зажигает картинку. Но акварель🥰.
Помните о главном:
даже в графике акварель в бОльшей степени будет зависеть от качества бумеги, чем от качества самой краски. В этой серии работ я использовала индийский рыхлый хлоп Khadi. Кроме такого цветового очрования готовой работы, он прекрасен ручным краем. Я предлагаю заказчикам работы на такой бумаге в рамах использовать без паспарту, фиксируя рисунок на тонированном фоне с подчеркиванием края в раму.

Работа с линией и пятном помогает реализовать себя впоследствии также в ручной печати своих работ: линогравюра, штампы, офорт. Я знаю, что мои ученики находили себя и в этих направлениях.

Что же касается работы в стол и для души - это не вынужденная ситуация, о чем я заявляю как художник, которому повезло за 25 лет профессиональной деятельности ни разу не изменить своему делу, и 15 лет быть единственным кормильцем своей большой (6 человек) семьи.

Так сложилось, что мой очень одаренный и востребованный муж уступил мне возможность самореализации, взяв на себя заботу о маленьких детях, которые родились в 2007, 2009, 2012 и 2017 годах.

Мой фриланс позволил мне все это время зарабатывать рисованием и уроками по рисованию.

Однако мои ученики- это взрослая аудитория, чаще это люди, которые нашли себя в профессии и рисование для них- это смена деятельности, разгрузка, энергообмен, изучение графического языка с целью диалога со зрителем, и монетизация бывает стихийной, если человек не выбирает для себя этот способ основным видом самовыражения.

С 2005 по 2015 год каждый мой ученик заполнял развернутую анкету, в которой было много интересующих меня вопросов на тему целей и интересов моих будущих учеников.

«Для чего вы пришли учиться рисунку?»- спрашивала я.

И вот тут у меня появилась интересная статистика. Женщины, в основном, писали о том, что их интересует процесс и они пришли учиться для себя.

Мужчины- что их интересует результат и они им интересно расширение профессиональных навыков в дизайне, фотографии и даже программировании.

Запомнился один из моих учеников. Наше собеседование происходило в очном режиме (такие тоже были). На вопрос «зачем» он ответил: «это же развивает мозг».

Позже я узнала, что мой ученик - миллиардер, кандидат в список Форбс.

Ответ его мне понравился больше всего, наверное, потому что я сама я не была изначально способна к рисованию. Я училась в медицинском лицее, интересовалась медициной, происходила из рода советской научной интеллигенции.
Однако я захотела именно для саморазвития посвятить свою жизнь рисованию.

Меня нашла графика. Не я себя нашла, а как-то сразу было понятно.

Сейчас, в наши дни, «скетчинг» стал намного более популярен, чем был в 90-е, когда я начинала учиться. А у меня уже была такая предрасположенность.

Мне потребовалось много лет, чтобы понять себя, даже через вдумчивое отношение к способностям своих учеников, их особенностей.

И сейчас я уверена в том, что графика, как изучение любого другого языка (иностранного, литературного, языка танца, языка живописи и т.д.) в первую очередь нужна нам для разностороннего развития, а уже во вторую очередь - для монетизации.

А монетизация- это уже сознательный выбор каждого. Как известно, волка ноги кормят.

И качественный навык в любом деле находит того, кому ты нужен, и кто поблагодарит тебя рублем.

Навык графической работы именно в линейно-штриховой графике дал мне и такие монументальные заказы, как:
Городская графика на стенах отеля Gladiatoriacastle в Словении;
роспись стен фабрики контактных линз Okvision, Дубна;
росписи стен в частных домах;
картина 2 на 3 метра для постоянной экспозиции в Сеченовском университете г. Москвы.

Хороший вопрос я с утра получила от вас, мои дорогие друзья: ученики и подписчики!

Меня попросили рассказать о том, где востребованы работы пером и тушью.

Итак, вводим рубрику #пополочкам.

Начнем с того, что работы в данной технике относятся в графике, а графика отличается от живописи прежде всего своей способностью быть тиражированной, то есть, воспроизведенной тем или иным способом репликации.

Один из наиболее доступных и простых в современном мире- способ печати в типографии.

Он относительно недорог и прекрасно монетизируется в открытках и печатной продукции.

Открытки и календари я и мои ученики прекрасно растраняют сами, они не требуют больших и рискованных вложений в печать, тиражи могут быть любыми. Обычно я ограничиваюсь для каждого вида печатью до 50 экземпляров. На первом фото вы видите три книги, напечатанные в Словении, это цифровая печать, а также открытки с Нижним в формате а5, напечатанные в Москве.

На втором фото несколько вариантов открыток, которые сохранились у мамы. Я начала их печатать в 2013 и до сих пор довыпускаю, но уже сериями по городам, для пущей коллекционности)).

Второй вариант монетизации - выполнение заказов. Реже это заказы частные, чаще - от издательств, потому что наш вариант графики относится к книжной графике, и, в частности, иллюстрации.

Иногда это заказы на графику для кино. Анимационного, художественного, документального.

В частности, моя графика нашла применение в полнометражных анимационных фильмах «Незнайка и Баррабасс» студии «Ф.А.Ф. - Интертейнмент»(анимационное подразделение студии имен. Горького), 2004 г., «Карман России» (фильм Леонида Парфенова, студия «Намедни), 2021, «Русские грузины-2»(фильм Леонида Парфенова и Сергея Нурмамеда, студия «Намедни», 2022г).

Также пером мне приходилось рисовать открытки для покупателей бутика Montblanc в ГУМе 30 декабря 2019 года.
⬇️⬇️⬇️

Зарисовки пером от нашей постоянной ученицы Н. Манаровой.