Всем привет! Это я на выставке «Изысканная трапеза. История еды в Китае.» в Музеях Московского Кремля была. На экспозиции представлены 145 экспонатов из собрания Национального музея Китая разных эпох, рассказывающих о гастрономической истории китайцев и их застольной культуре.
Выставка разделена на пять тематических разделов: «Пища с восьми сторон света», «Аромат вина и очарование чая», «Эволюция кухонной утвари», «Драгоценная посуда» и «Ритуал начинается с трапезы».
На выставке представлена посуда, домашняя утварь, одежда, свитки с иллюстрациями, минци – модели личных предметов и предметов быта, которые специально изготавливали для погребений и помещали в захоронения, и самый привлекательный экспонат выставки - круглый стол для совместной трапезы, уставленный макетами изысканных китайских блюд.
Кстати обычай пить чай распространился в Китае в III–VI веках, и лишь в XIV – XVII веках чай стали заваривать, то есть заливать кипятком, и называют «началом тысячелетней традиции чаепития».

Всем привет! В рубрике #артмем сегодня Леонардо Да Винчи с картиной «Тайная вечеря», которая является самым известным изображением последней трапезы Христа с его учениками. Она была написана в 1495—1498 годах в доминиканском монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, где и хранится до сих пор.
Существует легенда о том, как Да Винчи искал модель для образов Христа и Иуды. Для Божьего сына очень быстро нашелся кандидат среди певцов хора монастыря, а для Иуды живописец никак не мог найти модель. Три года спустя после начала работы над произведением, когда заказчики торопили и сроки поджимали, художник случайно увидел в сточной канаве преждевременно постаревшего, грязного, пьяного и оборванного нищего. Живописец решил, что этот индивидуум, олицетворяющий все человеческие пороки, как раз тот, кого он искал для образа предателя.
После написания образа Иуды, когда натурщик отрезвел, пришел в себя и осмотрел полотно, он неожиданно сообщил Да Винчи, что три года назад уже видел эту картину. Тогда жизнь нищего еще была полна надежд, он пел в хоре, и художник рисовал с него образ Христа.

Всем привет! Это я на ретроспективной выставке Владимира Башлыкова «Молчанием обернется слово» в Музее ММОМА на Петровке была. Экспозицию составляют более 100 работ, выполненных в период с 1970-х по 2020-е годы.
Произведения живописца можно разделить на серии, которые соответствуют периодам его жизни.
Так ранние полотна художника объединяет тема «Юности» и «Начала».
С 1980-х годов он обращается к библейским темам, и в его работах главными героями становятся ангелы, святое семейство, троица.
С 1980-х до 2020-х годов он пишет большие живописные серии и отдельные полотна, затрагивает такие темы, как «Полёт», «Материнство», «Сретение», «Очищение».
Тема «Детства» проходит красной линий сквозь все периоды творчества Башлыкова, объединяя их.
Параллельно с изобразительным творчеством Башлыков пишет стихи, подкрепляя ими свои художественные произведения. В экспозицию также включены поэтические цитаты из его литературных сборников.
Картины Башлыкова представляют собой полотна с нечеткими контурами, как будто в сумерках проступает очертания фигуры или пейзажа, которые растворены в живописном фоне, представляют собой изображения скорее души, чем материи.
Живописец смело применят цвет в своих работах, экспериментирует с выразительными возможностями штриха, используя с разные краски: масло, гуашь, темпера, акрил.

Всем привет! Это я на персональной выставке тёзки художницы Люси Соловьевой (LU) «Фигура умолчания» в Музее ММОМА на Петровке была.
LU (Люся Соловьева) родилась, живет и работает во Владимире.
Главные герои ее картин – невербальные формы коммуникации (жесты, мимика, поведение, поза и даже одежда), то, по чему мы можем догадаться о состоянии человека, не спрашивая. Считывание невербальных коммуникаций, по мнению художницы, важный и забытый навык. Она создала серию выразительных женских портретов, иллюстрирующих современное общество и проблемы в нем.
В двух залах представлены три серии работ: «Портреты отсутствия», «Невысказанности» и «Эмоции».
Серия «Портреты отсутствия» раскрывает идею немецкого философа Хельмута Плеснера, что молчание можно использовать как способ общения. Также это прекрасный способ самопознания. Серия представлена в зале, украшенном растениями под звуки природы, тем самым внутренние переживания человека приравниваются к природным явлениям (шуму ветра, бурлению реки, шелесту листвы).

Долгожданное пополнение в рубрике #люсяспролетаркивтеатре – сегодня снова премьерный спектакль «Каренина» в Театре на Таганке.
Произведение Толстого - не пьеса, и всегда интересно, как режиссер интерпретирует сюжет для театральных подмостков.
Получился очень фотогеничный спектакль с красивыми переходами между сценами. Монохромность костюмов и декораций периодически прорезается вкраплениями кроваво-красного цвета.
Кастинг великолепен, каждый актер на своем месте. Дарья Авратинская в роли Анны – настоящая прима-балерина с королевской осанкой, балетной походкой и пластичными руками.
Действие включает в себя зажигательные танцы, странные песни, хаотическое движение персонажей по сцене, спокойные монологи и диалоги, чтение стихов и эротические сцены. Актуальный сюжет остается в своем времени, но оно показано очень современными методами, тем самым раскрывается еще лучше.
Спектакль о поиске счастья и том, как можно далеко зайти на этом пути, заплатив репутацией и жизнью. Но отказаться от борьбы с самого начала – это все равно, что жить мертвым. Сложный выбор, даже сейчас, когда принято выбирать себя.
PS. Иднекс Просекко тот же – 850 рублей.

Всех приветствую в рубрике #артмем. Сегодня соавтором рубрики стал русский художник Виктор Михайлович Васнецов сразу с двумя картинами: узнаваемой «Богатыри» 1881—1898 и менее известной «После побоища Игоря Святославича с половцами» 1880.
Картина «Богатыри» была задумана живописцем еще в 1875 году. Первый ее эскиз маслом, выполненный в 1876 году, был подарен и хранится в доме-музее художника Василия Дмитриевича Поленова. Окончательный вариант произведения был дописан лишь в 1898 году. На полотне изображены главные герои русских былин – богатыри Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алёша Попович верхом, смотрящие вдаль, готовые защитить родную землю в случае опасности. Некоторые исследователи полагают, что Добрыня очень напоминает самого автора.
Сюжет картины «После побоища Игоря Святославича с половцами» вдохновлен эпизодом из «Слова о полку Игореве», и сначала художник собирался изобразить процесс боя в самом разгаре. Было создано 11 эскизов картины. В итоговом варианте художник решил показать не процесс битвы, а ее результат - поле после сражения, используя более спокойные цвета и снизив контраст, передавая тем самым ощущение тишины и пустоты после побоища на фоне мягкого розового заката. Васнецов показал картину на восьмой выставке передвижников, она вызвала споры и была принята неоднозначно.
Обе картины являются частью постоянной экспозиции Государственной Третьяковской галереи.

Одновременно с вышеописанными экспозициями в Государственном музее архитектуры имени А. В. Щусева сейчас проходит выставка «1775 год. Триумф Екатерины. Публичное и личное», посвященная истории пребывания Екатерины II в Москве в течение 1775 года, когда она приехала праздновать победу в войне с турками и заключение Кючук Кайнарджийского мира.
Перед приездом императрицы оказалось, что остановиться ей фактически негде, так как Старый Кремлёвский дворец и Головинский дворец в Покровском-Рубцове находились в плохом состоянии, а Коломенский дворец находился слишком далеко от города.
Для пребывания Екатерины II в Москве в 1775 году пришлось возвести новый деревянный дворец в кратчайшие сроки, он был построен по проекту Матвея Фёдоровича Казакова на Волхонке и получил название Пречистенского. Фактически дворец занял дворовое пространство между главными домами уже существовавших усадебных комплексов Голицына и Долгорукова, соединяясь с ними переходами.
Вскоре после отъезда Екатерины II в Петербург он был разобран и перенесён на фундаменты старого царского дворца на Воробьёвых горах, но и там быстро обветшал и в начале XIX века сдавался в аренду под постоялый двор и бильярд. Дворец не сохранился.

В дополнении к фотовыставке «Образы Дома Мельникова» в Государственном музее архитектуры имени А. В. Щусева сейчас работает экспозиция «Муза архитектора Мельникова», посвященная жене архитектора Анне Гавриловне Мельниковой, с которой он прожил в браке 62 года.
Главный объект этой камерной выставки - венчальное платье Анны Мельниковой, реставрация которого продлилась 3 года.

Всем привет! Это я на фотовыставке «Образы Дома Мельникова» в Государственном музее архитектуры имени А. В. Щусева была. Экспозиция в честь 135-летнего юбилея Константина Степановича Мельникова состоит из более 80 фотографий главного произведения архитектора – собственного дома в Кривоарбатском переулке. Снимки выполнены разными авторами в разные года, начиная с периода строительства в 1927-1929 годах до настоящего времени.
Объемная композиция дома представляет собой два разновысотных цилиндра, врезанных друг друга на 1/3 радиуса. Более низкий цилиндр с южной стороны, имеет срезанный остекленный фасад, надпись «Константин Мельников. Архитектор» и плоскую крышу с террасой. Более высокий цилиндр имеет скатную крышу, понижающуюся к северной части здания.
Боковые стены переднего цилиндра практически глухие — лишь на первом этаже они прорезаны несколькими шестиугольными окнами, есть единственное в доме восьмигранное окно, устроенное с западной стороны на уровне второго этажа.
Стены высокого цилиндра прорезаны 57 узнаваемыми шестигранными вертикальными окнами.
В Доме Мельникова - одном из важнейших памятников архитектуры советского авангарда, на данный момент проводится реставрация, и он закрыт для посетителей.

Рубрика #артмем сегодня будет в соавторстве с фламандским художником Михаэлем Свертсом с его «Автопортретом с черепом», написанным около 1660 года. Живописец родился в 1618 году в Брюсселе, а с 1646 года жил и работал в Риме в качестве торгового агента по продаже шёлка и преподавал в Академии рисования Памфили. В 1655 году живописец вернулся в Брюссель, где основал академию рисования. В 1662 году вместе с епископом Франсуа Паллю он отправился в составе иезуитской миссии в Александретту (Турция), затем в Алеппо (Сирия) и в Исфахан (Персия). Свертс покинул миссию из-за противоречий с коллегами в 1662 году, и умер в 1664 году в португальско-индийской иезуитской колонии в Гоа (Индия).
Картины Свертса – это что-то среднее между Караваджо и Вермеером, он объединил в своем творчестве голландскую и итальянскую живопись, добавив авторского чувства юмора. Поза и движение, в которых художник изобразил себя на «Автопортрете с черепом», похожа на насмешку и даже вызов смерти в шутливой форме, только вот выражение лица у автора совсем не веселое.

Дальнейшие годы Матюшин посвящает преподаванию и науке, в творчестве же обращается к беспредметности. Начиная с 1910 годов он разработал концепцию «Зор-Вед» (от слов «зрение» и «вещание») и теорию расширенного смотрения, призывая учеников тренировать боковое зрение и даже учиться видеть затылком. Также вместе с учениками художник изучает цвета и их взаимодействия. Итогом этой работы стали цветовые таблицы и «Справочник цвета», опубликованный в 1932 году. Увлекшись идеей четвертого измерения, где одновременно есть все когда либо существовавшее, живописец последние годы жизни посвятил этой теме. Картина «Движение в пространстве» (до 1921 года) представляет собой несколько цветных полос, расположенных рядом по диагонали, напоминает либо радугу, либо луч света, разложенный на спектр. В одной из заметок художник называет произведение «Движение в пространство», так что возможно это изображение того самого четвертого измерения, которое Владимир Матюшин все же разгадал.

Последним общим произведением для Матюшина и Гуро стала книга «Осенний сон» 1912 с одноименной пьесой о мечтательном юноше, который живет одновременно в выдуманной стране золотых астр Астории и его зовут принц Гильом, и в дачной Роccии под именем барона Вильгельма. Оба сталкиваются с непониманием окружающими людьми. В 1921 году произведение было поставлено в театре. Елены Гуро не стало 6 мая 1913 года, а Михаил Матюшин пережил ее на 21 год. В память жены в 1914 году Матюшин издает сборник произведений «Верблюжата» с текстами и иллюстрациями Гуро, а затем в 1922 году на основе этой книги был поставлен одноименный музыкальный спектакль.

В 1909 году Матюшин и Гуро участвуют в создании «Союза молодежи», ставшим первым объединением русского авангарда, в рамках которого устраивались выставки, выпускались книги и каталоги, проводились встречи с передовыми представителями искусства того времени.
В 1913 году состоялась премьера первой футуристической оперы «Победа над солнцем», к которой музыку написал Владимир Матюшин, текст сочинил поэт Алексей Кручёных, а декорации и костюмы разработал художник Казимир Малевич. Во время работы над оперой к Малевичу впервые пришла идея «черного квадрата», олицетворявшего активное человеческое творчество, который противопоставлялся белому и круглому солнцу, символизирующему пассивную природу.
Параллельно Матюшин пишет сюиту «Дон Кихот». Художник ассоциирует себя с главным героем-бунтарем, который борется с буржуазией, ставшим также символом для будетлян (как называли себя русские футуристы). Серия Матюшина «Кристалл» (1914-1919) – его автопортреты в образе героя романа Сервантеса в авторской кубистической интерпретации.

Главным источником вдохновения для Матюшина и Гуро служила природа. Пара много времени проводила на даче в Уусикиркко (сейчас поселок Поляны в Выборгском районе Ленинградской области), вдохновляясь северной природой. Они стали основоположниками органической ветви русского авангарда. На своих акварелях художники часто изображали ничем не примечательные части растений – стволы, ростки, корни, сухие листья, пытаясь через внимание к деталям акцентировать внимание на той связи, которая объединяет все живое. Идеи единства с природой и красоты мира также раскрываются в поэзии Гуро и корневых скульптурах Матюшина.
Любимыми питомцами Елены Гуро было два кота: Бот и Ват, изображения которых можно часто встретить на ее графических и живописных работах. Художница упоминает любимцев в своих книгах и призывает учится мудрости у котов.

Михаил Матюшин и Елена Гуро познакомились в конце XIXвека в студии рисования Яна Ционглинского в Петербурге во время обучения живописи. Матюшин к тому времени уже почти 20 лет служил в Императорском оркестре, получив звание главной скрипки, имел жену и четверых детей. Елена Гуро только начинала свой путь в искусстве.
Около 1900 года Матюшин и Гуро становятся парой, часто рисуют друг друга и фотографируют.
В 1909 году в издательстве, которое позже будет названо «Журавль», публикуется сборник произведений Елены Гуро «Шарманка». В состав книги вошла пьеса «Нищий Арлекин», к эпизоду которого Михаил Матюшин написал «Музыку к Арлекину», что стало его дебютом в качестве композитора.
Весной 1904 года, пытаясь по памяти проиграть на скрипке мелодию услышанного разговора жены с сестрой, Матюшин решил разделить полутона на два, так родилась идея четвертитоновости, и он стал первым русским композитором, опубликовавшим соответствующее музыкальное произведение («Ноты будетлянские» 1913), и затем даже разработал «Руководство по изучению четвертей тона для скрипки» 1915, а итогом его музыкальных исканий стала «Композиция в четвертях тона для скрипки и фортепиано» 1923.

Всем привет! Это я на выставке «Любовь в авангарде. Михаил Матюшин и Елена Гуро» в центре «Зотов» была. Экспозиция посвящена паре, стоявшей у истоков русского авангарда. Идея выставки реализована благодаря победе куратора Сергея Уварова в грантовой программе Центра «Зотов» с исследованием «Творчество Михаила Матюшина в контексте эпохи конструктивизма». На выставке можно увидеть рисунки, акварели и другие произведения, которые ранее не выставлялись и хранились в архивах. Была проведена реставрация единственной сохранившейся до наших дней «прямоугольной» конструктивистской скрипки, созданной Михаилом Матюшиным. Музыкальный инструмент можно не только увидеть на выставке, но и послушать записи его звучания после реставрации.
Выставка поделена на пять разделов: «Он и Она», «Органика», «Будетляне», «Осенний сон» и «После смерти», и на ней представлено свыше 150 экспонатов из 17 музеев. На этой неделе расскажу, что понравилось больше всего.

Всем привет в рубрике #артмем. Соавтором сегодня стал Казимир Малевич со своим самым противоречивым и известным произведением «Черный квадрат», написанным автором в 1915 году для последней футуристической выставки картин «0,10», обозначившей переход к супрематизму в русской живописи. Для самого художника в частности и для изобразительного искусства в целом полотно стало символом обнуления, перехода на новый этап, которым стала беспредметная живопись. Безусловно нарисовать «Черный квадрат» может каждый, но первым был Малевич, так что остается лишь восхищаться им.
Первые изображения «Черного квадрата» Малевич выполнил при работе над эскизами декораций и костюмов к постановке оперы М. В. Матюшина «Победа над Солнцем» в 1913 году. В набросках автора можно найти первые зарисовки произведения, которое обозначало победу активного человеческого творчества над пассивной природой – черный квадрат противопоставлялся белому кругу солнца.
Впоследствии живописец выполнил несколько повторений картины, из которых сейчас известно четыре варианта, немного отличающихся по размеру. Все работы находятся в России: две работы в Третьяковской галерее, одна в Русском музее и одна в Эрмитаже.

Завершу рассказ о выставках в Мультимедиа Арт Музее заметкой о выставке «Эрик Булатов, Олег Васильев. Чудесное путешествие», где представлены более 180 оригинальных рисунков к знаменитым детским книгам, которые создали художники за 30 лет совместной работы (с 1959 по 1989 год) в издательстве «Малыш», проиллюстрировав более ста детских книг. Для живописцев, творчество которых не было признано, иллюстрация для детских книг была и средством заработка, и пространством для созидания. Единомышленники в искусстве, Булатов и Васильев почти сразу начали работать в тандеме, и на протяжении следующих тридцати лет они делили свою творческую деятельность на два периода: осенью и зимой занимались исключительно оформлением детских книг, а весной и летом создавали живопись «для себя». Процесс поиска знакомых образов пришелся по душе моему внутреннему ребенку, и несколько книг из своего детства я нашла, чему была очень рада, оказывается искусство было рядом с раннего детства.